Dal 28 settembre al 6 ottobre 2026, Parigi torna al centro della scena internazionale con la Paris Fashion Week Womenswear SS27. Tra grandi maison, nuove visioni creative e ospiti d’eccezione, la capitale francese celebra ancora una volta il legame indissolubile tra moda, arte e cultura.

Dal 28 settembre al 6 ottobre, Parigi è stata ancora una volta il cuore pulsante della moda internazionale. La Paris Fashion Week 2026, dedicata alle collezioni Womenswear Spring/Summer 2027, ha acceso i riflettori su nove giornate di sfilate, creatività e savoir-faire. Perché, diciamocelo, la settimana della moda parigina sembra avere qualcosa in più: qui la moda
incontra l’arte, la tradizione dialoga con la sperimentazione e ogni abito diventa espressione di una visione.
Tra passerelle e prime file, la capitale francese si trasforma così nel palcoscenico privilegiato dove osservare le tendenze della prossima stagione e i look steetwear di celebrities e non.

Ripercorriamo insieme le nove giornate della PFW SS27, tra grandi maison, nuove direzioni creative e momenti destinati a entrare nella storia della moda.

LE DÉFILÉ DI L’OREAL

E se a Milano era stato il Vogue World ad aprire le danze della fashion week, a Parigi il sipario si è alzato con Le Défilé di L’Oréal Paris, Official Partner della Paris Fashion Week. Il 28 settembre, a Place Joffre, tra la Torre Eiffel e l’École Militaire, la bellezza è tornata protagonista con uno show che dal 2017 celebra una femminilità senza confini di età, provenienza o stile.

A rappresentarla, le ambassador globali del brand: da Kendall Jenner a Jane Fonda, da Eva Longoria ad Andie MacDowell, passando per Simone Ashley, Bebe Vio Grandis, Cara Delevingne e Viola Davis. Per la prima volta anche Kristen Bell è entrata nella grande famiglia L’Oréal Paris. Un cast internazionale che ha trasformato lo show in un manifesto di sorellanza ed empowerment femminile, dando ufficialmente il via alla Paris Fashion Week 2026.

Ma ora entriamo nel vivo delle nove giornate della Paris Fashion Week SS27, tra maison storiche, nuovi talenti e direttori creativi pronti a reinterpretare i codici della moda contemporanea.

IL 99% DI Matières Fecales

Il primo giorno, 28 settembre, ha visto protagonisti numerosi designer, ma a lasciare il segno sono stati soprattutto Steven Raj Bhaskaran e Hannah Rose Dalton, fondatori di Matières Fécales, con The Ninety Nine Percent.

A Place de la République, 99 silhouette indossate da modelli di colore hanno trasformato la passerella in un manifesto su immigrazione, identità, povertà e libertà. La collezione, divisa nei tre capitoli Family, Tribe e Gods, ha unito punk, tailoring e suggestioni couture in un immaginario provocatorio e personale.

Il finale, con i modelli intenti a portare sulle spalle figure di miliardari, ha reso ancora più esplicito il messaggio della maison: raccontare il “99%” e mettere simbolicamente in discussione il rapporto con chi detiene il potere.

Dior e Saint Laurent, tra fiaba e oro

Il secondo giorno della Paris Fashion Week SS27 ha avuto due protagonisti assoluti: Dior e Saint Laurent. Al Jardin des Tuileries, Jonathan Anderson ha trasformato Dior in una foresta incantata, tra nebbia, alberi e silhouette couture. Una scenografia fiabesca che ha accompagnato una collezione sospesa tra natura, fantasia e alta moda.

Sotto la Tour Eiffel è invece andato in scena Saint Laurent. Per celebrare i suoi dieci anni alla guida della maison, Anthony Vaccarello ha scelto un vero gold moment: una collezione dominata dall’oro, dal glamour e dalla sensualità, con richiami all’eredità couture di Yves Saint Laurent. Un défilé spettacolare che ha conquistato pubblico e ospiti internazionali.

Chloé, Balenciaga, Schiaparelli: tre visioni, un giorno a Parigi

Il 1° ottobre la Paris Fashion Week SS27 ha messo a confronto tre linguaggi molto diversi. Da Chloé, Chemena Kamali porta l’intimità fuori dalla camera da letto: peignoir, pizzi, seta e silhouette morbide trasformano il guardaroba notturno in un’eleganza da giorno.

Da Balenciaga, Pierpaolo Piccioli guarda invece all’eredità di Cristóbal Balenciaga e porta la Couture nel prêt-à-porter, reinterpretando capi essenziali come la camicia bianca attraverso tecniche e finiture da atelier.

A chiudere la giornata è Schiaparelli, dove Daniel Roseberry continua il dialogo con il visionario DNA di Elsa Schiaparelli. La celebre giacca della maison torna protagonista attraverso nuove interpretazioni, tra volant, volumi e dettagli scultorei. Tre visioni differenti che confermano Parigi come uno dei principali laboratori della moda contemporanea.

Loewe, GIVENCHY e Beckham: colore, trasformazione e sensualità

La quinta giornata della Paris Fashion Week Primavera/Estate 2027 mette a confronto Loewe, Givenchy e Victoria Beckham.

Da Loewe, Jack McCollough e Lazaro Hernandez puntano su colore, artigianato e desiderabilità. Blu Klein, rosso, giallo e verde illuminano tailoring, pelle, gonne e abiti, mentre fiori, drappeggi e lavorazioni preziose rendono la collezione più immediata e commerciale.

A Givenchy, Sarah Burton reinterpreta il guardaroba attraverso un tailoring decostruito, zip metalliche, pelle e volumi inattesi. Trench, gonne e abiti in pelle assumono quasi il valore di un’armatura, mentre colori primari e dettagli scultorei danno energia alla silhouette.

Victoria Beckham chiude la giornata alla Conciergerie con una collezione più sensuale e fluida, costruita su trasparenze, completi oversize e silhouette aderenti al corpo. Tre interpretazioni del lusso contemporaneo: più immediato da Loewe, trasformato da Givenchy e più libero da Victoria Beckham.

Celine, Hermès ed Elie Saab: tre idee di lusso ed eleganza

 Celine, Hermès ed Elie Saab raccontano tre modi diversi di interpretare la nuova eleganza.

Michael Rider porta Celine verso una moda personale e versatile, dove il tailleur convive con top in raso, soprabiti di pelle, pantaloni ampi, abiti arricciati e ricami di cristalli. Un guardaroba sofisticato, ma pensato per la vita reale.

Da Hermès, Nadège Vanhée parte dal tema del caldo per immaginare abiti leggeri e traspiranti. Organza, rete di seta, maglie traforate e pelle tagliata al laser alleggeriscono il DNA equestre della maison, mentre trench destrutturati, frange e silhouette fluide accompagnano il movimento.

Elie Saab sceglie invece un glamour più cinematografico, ispirato alla sensualità di Jean Harlow. Lingerie, corsetti, pizzi neri, seta rosa, drappeggi e trasparenze si incontrano con una palette che spazia dal verde salvia all’azzurro polvere e al rosa cipria. Tre idee di lusso sempre più personali, da vivere e interpretare.

Dal court alla strada: Lacoste e Miu Miu riscrivono il guardaroba quotidiano

La Paris Fashion Week SS27 mette in dialogo Lacoste e Miu Miu, due mondi diversi accomunati dalla voglia di reinventare il guardaroba quotidiano.

Sul campo centrale del Roland-Garros, Lacoste celebra la propria storia attraverso la rilettura della polo e dell’abbigliamento da tennis. Pelagia Kolotouros parte dalle figure di Suzanne Lenglen e René Lacoste per trasformare corsetti, gonne plissé e polo in un guardaroba da fuori campo, con una sensualità sportiva e spontanea.

Miu Miu porta invece il quotidiano direttamente in passerella. Blazer rétro, jeans, gonne plissé, maglieria, shorts da running e sneakers convivono con cristalli, fiocchi e dettagli preziosi. È ancora una volta il gioco di Miuccia Prada tra ugly chic e lusso: una New Balance sotto una gonna midi, un top gioiello sopra un capo tecnico, una giacca da ufficio accanto a una minigonna.

Se Lacoste porta il tennis nella vita quotidiana, Miu Miu porta la vita vera in passerella, confermando che il lusso contemporaneo può anche avere l’aspetto di qualcosa di già vissuto.

Valentino: l’Antibiblioteca di Alessandro Michele

Un capitolo a parte è dedicato ad Alessandro Michele e alla sua Antibiblioteca. Per la Primavera/Estate 2027 di Valentino, il direttore creativo trasforma la Bibliothèque Sainte-Geneviève di Parigi in un archivio di possibilità, ispirandosi all’idea di Umberto Eco dei libri non ancora letti e di tutto ciò che ancora non conosciamo.

La collezione diventa così un guardaroba da esplorare. Gonne longuette ricamate di pizzi, paillettes, piume e frange convivono con camicie a quadri dalle spalle importanti, top in lana, cinture alte e fusciacche. Le giacche anni Ottanta, con spalle pronunciate e bottoni dorati, vengono abbinate a ciclisti di pizzo, mentre pantaloni gaucho plissettati finiscono dentro stivali preziosi.

E poi c’è il contrasto tipico di Michele: il cappellino da baseball accanto ad abiti da sera e completi sartoriali, accompagnato da gioielli oversize. Valentino diventa così una vera antibiblioteca della moda, dove ogni look racconta una storia ancora da scoprire.

Chanel con Blazy: la libertà prende il volo

Il 6 ottobre è andata in scena una delle sfilate più attese: la seconda collezione Spring/Summer 2027 di Matthieu Blazy per Chanel.

Le aspettative sono state ripagata già dall’ingresso al Grand Palais, trasformato in una navata notturna con grandi lampade a forma di volatili che ruotano attorno a un globo lunare, evocando uno stormo in migrazione.

Per la Chanel Primavera Estate 2027, Blazy guarda a Gabrielle Chanel e alle sue molteplici vite, scegliendo la rondine come simbolo di libertà. I codici della maison vengono riletti in chiave contemporanea: il celebre tailleur si alleggerisce e si destruttura, le gonne diventano impalpabili e i top lingerie emergono sotto blazer cropped. Anche la camicia si trasforma in una nuova giacca.

Tessuti traforati, trasparenze, frange e applicazioni floreali tridimensionali valorizzano il savoir-faire degli atelier. Una Chanel più libera, leggera e contemporanea, capace di guardare alla propria storia per spiccare nuovamente il volo.

L’Ergonomia di Louis Vuitton

Quando si dice last but not least. Louis Vuitton chiude la Paris Fashion Week SS27 il 6 ottobre. Nicolas Ghesquière porta la nuova collezione nella splendida cornice della Cour Carrée del Louvre, trasformata per l’occasione in uno scenario futuristico.

Il tema è l’“ergonomia”, interpretata attraverso una moda leggera, fluida e pensata per seguire il movimento del corpo.

Abiti impalpabili, camicie di seta, top con volant e pantaloni morbidi costruiscono silhouette libere e dinamiche. Le sciarpe stampate diventano abiti o si annodano al collo, mentre la pelle viene proposta su giacche e pantaloni dalle tonalità luminose.

 A rendere lo show ancora più suggestivo sono le auto futuristiche decorate con motivi colorati e richiami al Damier, simbolo del viaggio e dell’identità Louis Vuitton. Una collezione che guarda a un guardaroba estivo sempre più leggero, comodo e versatile.

Con Louis Vuitton cala il sipario sulla Paris Fashion Week SS27: il futuro è già in passerella, ma la storia continua a fare da filo conduttore.

Photocredit: Fashion Network, L’Oreal IG, Sain Laurent IG, Victoria Beckham IG, Valentino IG, Chanel IG, LV IG

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• Paris Fashion Week 26/27

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C’è stato un tempo in cui la sfilata di moda rispondeva a una logica puramente commerciale, quasi geometrica: una stanza bianca, una fila di sedie destinate a compratori e giornalisti, e un corpo che camminava a ritmo regolare per mostrare la caduta di una giacca o l’ampiezza di una gonna. Quel modello, rigido e funzionale, appartiene ormai agli archivi storici. Oggi, assistere a un défilé significa entrare in un ecosistema narrativo complesso, dove il confine tra moda, arte contemporanea, sociologia e performance si è completamente azzerato. L’abito non è più l’unico protagonista, ma diventa parte di una più ampia drammaturgia visiva.

Questa transizione non è un semplice artificio estetico per generare engagement sui social, ma una risposta diretta alla saturazione del mercato visivo. In un’epoca in cui qualsiasi collezione è fruibile istantaneamente attraverso uno schermo, il valore di uno show non risiede più nella novità dell’orlo o nella scelta cromatica della stagione, ma nella capacità di generare un pensiero, di intercettare lo zeitgeist o di destabilizzare lo spettatore. La sfilata contemporanea si è riappropriata della sua dimensione di rito collettivo, trasformandosi in una piattaforma culturale itinerante che dialoga apertamente con le tensioni, le utopie e le contraddizioni del nostro presente.

Geografie narrative: il paesaggio come estensione del brand

Uno degli aspetti più evidenti di questa metamorfosi è lo spostamento fisico dell’evento. I brand hanno progressivamente abbandonato i tradizionali spazi chiusi delle capitali della moda per colonizzare geografie inaspettate, trasformando il paesaggio naturale o architettonico in una componente semantica della collezione stessa. Non si tratta semplicemente di trovare una cornice suggestiva, ma di stabilire una connessione concettuale profonda tra il territorio e l’identità visiva del marchio.

Il percorso intrapreso da Jacquemus rappresenta un’evoluzione paradigmatica in questo senso. Portando le sue sfilate tra i campi di lavanda della Provenza, nelle saline di Giraud o sui tetti di Villa Malaparte a Capri, il designer non ha solo presentato degli abiti, ma ha codificato un intero immaginario legato al Mediterraneo, alla letteratura e al cinema d’essai. In queste occasioni, la sfilata si trasforma in un’opera di Land Art temporanea: la sfilata non subisce lo spazio, ma lo risemantizza. Lo spettatore, sia esso presente fisicamente o connesso digitalmente, non valuta solo la portabilità di un capo, ma consuma un’esperienza estetica totale, dove l’orizzonte, la luce naturale e la materia del suolo diventano elementi integranti del disegno creativo.

La passerella come arena sociale: la performance e la critica del presente

Parallelamente alla riscoperta dello spazio, la sfilata contemporanea ha adottato i codici della performance art e del teatro di rottura, utilizzandoli come strumenti di indagine e critica sociale. Il corpo della modella o del modello non è più un supporto neutro su cui poggiare un tessuto, ma un attore inserito in un contesto situazionale che spesso riflette le ansie geopolitiche, l’isolamento tecnologico o la crisi climatica.

La direzione creativa di Demna per Balenciaga ha sistematicamente esplorato questa dimensione, trasformando il défilé in uno specchio distopico della società contemporanea. Strutturando sfilate all’interno di arene invase dal fango, simulando tempeste di neve artificiali in cui i modelli avanzavano a fatica o ricreando set che evocavano parlamenti deserti, il brand ha utilizzato l’evento per generare una riflessione profonda sul trauma, sull’esilio e sul consumismo. L’abito, in questi scenari, si carica di un valore antropologico: viene sporcato, bagnato, logorato dall’ambiente circostante. Lo show cessa di essere una celebrazione del lusso fine a sé stessa e diventa un’installazione artistica che interroga il pubblico sulla natura stessa della realtà, dimostrando come la moda possa essere uno dei termometri più sensibili della cultura di massa.

L’intersezione tecno-scientifica: il corpo biologico incontra l’algoritmo

Un ulteriore filone di ricerca che sta ridefinendo i confini del défilé è quello legato alla fusione tra moda e sperimentazione scientifica. La sfilata diventa il laboratorio in cui si testa l’interazione tra la materia organica del vestito e le nuove frontiere tecnologiche, dalla robotica all’intelligenza artificiale, scardinando l’idea che la moda sia unicamente un mestiere artigianale legato al passato.

Il lavoro di Coperni ha evidenziato come la tecnologia possa diventare l’elemento catalizzatore di una narrazione culturale inedita. Momenti rimasti impressi nella memoria collettiva, come l’applicazione live di un tessuto spray su un corpo o l’interazione programmata tra i modelli e i cani robotici di Boston Dynamics, superano la logica della sfilata tradizionale per entrare nel territorio della performance tecnologica. Queste esibizioni sollevano interrogativi attuali sul rapporto tra uomo e macchina, sull’automazione e sul futuro della creatività. La sfilata si trasforma così in un evento divulgativo e artistico al tempo Unico, dove l’innovazione scientifica non è nascosta nel processo produttivo, ma viene esibita come fulcro dello spettacolo.

Il valore immateriale dell’evento: la sfilata come patrimonio culturale

Cosa resta, dunque, quando le luci si spengono e gli ospiti lasciano lo spazio dello show? La risposta risiede nella costruzione di un capitale culturale immateriale. Le case di moda non competono più solo sul terreno della manifattura o della distribuzione, ma sulla capacità di produrre contenuti che generino conversazione, dibattito accademico e posizionamento intellettuale. La sfilata è diventata l’atto fondativo di un’identità che posiziona il marchio non più come semplice fornitore di beni di lusso, ma come vera e propria istituzione culturale.

Questa evoluzione comporta una ridefinizione del pubblico di riferimento. Se un tempo lo show parlava a una cerchia ristretta di addetti ai lavori, oggi l’evento è strutturato per essere decodificato a più livelli: c’è il livello visivo e immediato per il pubblico generalista dei social media, e c’è il livello concettuale, ricco di citazioni artistiche, storiche e filosofiche, destinato a rimanere nel tempo. La moda, uscendo dai confini della passerella, ha capito che per sopravvivere alla velocità del consumo contemporaneo deve smettere di produrre solo oggetti e iniziare a produrre cultura.

Per approfondire:
–Il presente della moda è nelle sfilate del passato
–Gli inviti alle sfilate più originali di sempre
–I rapper sono i nuovi invitati alle sfilate

Crediti foto: Pinterest

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L’Haute Couture Autunno-Inverno 2026 è alle porte. Dal 6 al 9 luglio la Fédération de la Haute Couture et de la Mode inaugurerà una nuova settimana dedicata all’Alta Moda, trasformando ancora una volta Parigi nel centro della creatività sartoriale mondiale.

Ma cosa significa davvero Haute Couture? Come nasce questa tradizione, quali requisiti devono rispettare le maison per ottenere la prestigiosa denominazione e quali stilisti hanno scritto la storia dell’Alta Moda? Ecco tutto quello che c’è da sapere.

Tutti parlano di Alta Moda. Ma cosa significa Haute Couture?

L’espressione Haute Couture identifica il livello più alto della moda artigianale. Non è semplicemente sinonimo di lusso: in Francia è una denominazione legalmente protetta e può essere utilizzata soltanto dalle maison riconosciute dalla Fédération de la Haute Couture et de la Mode.

Ottenere la qualifica ufficiale di maison Haute Couture è ancora oggi un privilegio riservato a pochi atelier. Tra i principali requisiti figurano:

• possedere almeno un atelier a Parigi;
• realizzare capi interamente su misura;
• impiegare artigiani altamente specializzati;
• presentare due collezioni ufficiali ogni anno;
• proporre un numero minimo di look durante le sfilate del calendario couture.

Ogni abito richiede centinaia, talvolta migliaia, di ore di lavorazione. Tutto viene realizzato a mano, dai cartamodelli ai ricami con cristalli, piume, paillettes e perline.

L’Haute Couture rappresenta ancora oggi la massima espressione del savoir-faire francese e continua a essere il laboratorio creativo che ispira l’intero settore della moda.

Le maison che hanno scritto la storia dell’Haute Couture

La storia dell’Haute Couture coincide con quella delle grandi maison che hanno trasformato la moda in arte.

Il primo grande protagonista è Charles Frederick Worth, considerato il padre dell’Alta Moda nel 1858. È il primo stilista a firmare le proprie creazioni e a trasformare il couturier in un autore riconoscibile.

Nel 1910 Gabrielle “Coco” Chanel apre la sua maison e rivoluziona il guardaroba femminile. Elimina il corsetto, introduce linee essenziali e ridefinisce il concetto di eleganza moderna.

Nel 1927 Elsa Schiaparelli porta la moda nel mondo del Surrealismo. La collaborazione con Salvador Dalí dà vita a creazioni iconiche come il celebre Lobster Dress (Abito Aragosta), simbolo dell’incontro tra arte e couture.

Nel 1947 Christian Dior presenta il New Look, una collezione destinata a cambiare la moda del dopoguerra con vita stretta, gonne ampie e una nuova idea di femminilità.

Negli stessi anni Cristóbal Balenciaga rivoluziona la costruzione del capo attraverso silhouette innovative e volumi scultorei. Tra le sue creazioni più celebri figura l’iconico abito a palloncino. Christian Dior lo definirà “il maestro di tutti noi”.

Nel 1962 Yves Saint Laurent inaugura la propria maison. Gli abiti Mondrian e Le Smoking (il primo tuxedo pensato per la donna) diventano simboli di emancipazione femminile e segnano una nuova epoca della couture.

L’Haute Couture degli anni ’80 e ’90: spettacolo, sperimentazione e supermodel

Tra gli anni Ottanta e Novanta l’Haute Couture vive una stagione di grande sperimentazione. Le sfilate diventano spettacoli teatrali e la moda si apre a influenze artistiche, futuristiche e tecnologiche.

Thierry Mugler è tra i protagonisti assoluti di questo periodo. Le sue silhouette scolpite e la celebre Robot Suit della collezione Autunno-Inverno 1995-1996 trasformano la couture in un universo fantascientifico ( oggi tornata celebre per l’omaggio reso da Zendaya in occasione della premiere di Dune- Parte due nel 2024).  Due anni più tardi Mugler firma un’altra creazione iconica: l’Abito Chimera, realizzato con piume, cristalli e dettagli scultorei, una delle massime espressioni della couture.

Negli stessi anni Gianni Versace ridefinisce il concetto di sensualità. Le sue passerelle, animate dalle supermodel Naomi Campbell, Cindy Crawford, Claudia Schiffer, Linda Evangelista e Christy Turlington, entrano nella storia della moda. Anche gli iconici abiti in Metal Mesh ( in maglia metallica) diventano simbolo di un glamour senza tempo.

Nel 1997 John Galliano inaugura una nuova era in Dior con collezioni teatrali che fondono storia, arte e alta sartoria. Con la collezione Haute Couture Primavera-Estate Les Incroyables, Galliano inaugura una nuova era per la maison.

Nello stesso anno Alexander McQueen debutta da Givenchy portando in passerella una visione radicale fatta di costruzioni impeccabili e suggestioni gotiche.

A completare questo decennio è Karl Lagerfeld, che rinnova Chanel reinterpretando i codici di Gabrielle Chanel con uno stile contemporaneo, contribuendo al rilancio della maison.

L’Haute Couture nel nuovo millennio

Con il nuovo millennio l’Haute Couture continua a evolversi. Accanto alle maison storiche emergono nuovi protagonisti che reinterpretano l’Alta Moda con linguaggi contemporanei.

Tra questi spicca Armani Privé, lanciata da Giorgio Armani nel 2005. Le collezioni si distinguono per eleganza essenziale, silhouette fluide e ricami preziosi.

Maison Margiela Artisanal porta invece la couture verso una ricerca più concettuale. Attraverso recupero, decostruzione e trasformazione dei materiali, ogni creazione diventa un pezzo unico.

Tra i nomi più rappresentativi figura anche Stéphane Rolland, celebre per le sue silhouette architettoniche, i volumi monumentali e una couture dal forte impatto scenografico.

Haute Couture P/E 2026

L’Haute Couture continua a essere il luogo dove la creatività si esprime senza limiti. L’edizione Primavera/ Estate 2026 è stata l’edizione dei grandi debutti e delle nuove direzioni creative, ma anche quella in cui la natura è diventata il filo conduttore delle collezioni.

Tra le sfilate più attese, Valentino ha presentato la nuova visione di Alessandro Michele, che continua a reinterpretare il patrimonio della maison con il suo linguaggio colto e teatrale.

Grande attenzione anche per Chanel, chiamata a inaugurare una nuova fase creativa con il debutto couture di Matthieu Blazy. Leggera, sofisticata e profondamente poetica, la collezione prende vita all’interno di un bosco magico.

Per Dior cresce l’attesa intorno alla nuova direzione artistica di Jonathan Anderson, destinato ad aprire un nuovo capitolo nella storia della maison. Lo stilista immagina la couture come una “camera delle meraviglie” dove natura e artigianato dialogano continuamente.

Tra le collezioni più spettacolari spicca, infine, Schiaparelli con The Agony and the Ecstasy, firmata da Daniel Roseberry. Ispirandosi alla monumentalità della Cappella Sistina e al dialogo tra sublime e inquietudine, il direttore creativo dà vita a un vestiario fantastico popolato da pungiglioni, creature rettiliane, forme aracnidi e silhouette scolpite. Tra i look destinati a entrare nella storia della maison spicca Scorpion Sister, un abito-
scultura impreziosito da un gigantesco scorpione dorato. Altrettanto iconico è Isabelle Blowfish, omaggio alla giornalista e musa
Isabella Blow: un abito che richiama le forme del pesce palla attraverso volumi scultorei, ricami e applicazioni tridimensionali.

Oggi: il ritorno della meraviglia

Dal 6 al 9 luglio, l’Haute Couture Autunno-Inverno 2026 riporterà Parigi al centro della scena internazionale. Tra debutti, nuove direzioni creative e straordinarie lavorazioni artigianali, le maison saranno chiamate a immaginare il futuro dell’Alta Moda. Ancora una volta, l’Haute Couture si confermerà il luogo dove creatività, innovazione e savoir-faire si incontrano, dando vita alle tendenze che ispireranno l’intero mondo della moda.

Photocredit: Fashion Network, Pinterest

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La moda, con le sue sfilate, parla. Lo faceva nel passato, lo fa oggi, e continuerà a farlo a gran voce, in eterno. Ma nella frenesia dei veloci click odierni, quanto di essa ci resta?

Siamo abituati a scrollare, ad usare i social media come motori di ricerca, a non prestare attenzione a video che durano più di trenta secondi, velocizzandoli o correndo tra i commenti alla disperata ricerca di qualcuno che riassuma il concetto in un paio di righe nette e concise. Gli highlights, i momenti salienti, sono tutto ciò che consumiamo. Anche nella moda. Brevi reel di momenti iconici di sfilate popolano il web, restringendo il campo visivo del pubblico da una parte, e dall’altra spingendo i grandi brand a creare appositamente, sulle loro passerelle, espedienti che diventino virali. Ci si gioca tutto in pochi, decisivi secondi.

Compito per casa: sfilate da vedere

Ci sono sfilate, però, che non possono essere velocizzate. Presentazioni di collezioni che si sono trasformate in veri e propri show, narrazioni in cui ogni micro momento è stato fondamentale per il successivo. Se il mondo della moda vi genera curiosità, interesse, passione o timore, iniziate da qui. Da dieci sfilate da dover guardare per intero. Sì, proprio come film: vi stupiranno come tali.  

Alexander McQueen, Primavera Estate 1999

N. 13, questo il nome della collezione. L’unica, a detta di Alexander McQueen, in grado di farlo piangere. Fece sfilare corsetti e collari ispirati alle protesi create per i feriti della Prima Guerra Mondiale. Quella rude realtà fu messa poi in dialogo con le tecnologie moderne: nel finale, la modella Shalom Harlow fu posizionata su una struttura rotante, mentre il suo vestito bianco veniva macchiato con della pittura spray da due braccia robotiche.

Thierry Mugler, Couture Autunno Inverno 1995

Quanto dura una sfilata oggi? Togliendo l’infinita attesa iniziale, circa dieci minuti. Ma non è stato sempre così: tra gli anni ’80 e ’90, per spettacoli come quelli di Thierry Mugler, s’impiegava circa un’ora. Tanti sono quelli degni di nota, tutti in pratica. Ma la Couture invernale del 1995 vide sfilare due dei look più distintivi della storia della moda in un solo show, la Venere e il Robot. Le immagini della sfilata sono tutt’oggi tra le più ricondivise, forgiate nella nostra memoria collettiva.

Yohji Yamamoto Primavera Estate 1999

La presentazione Primavera/Estate 1999 di Yohji Yamamoto fu uno dei primi esempi di sfilate che, trascendendo la moda, si estesero al regno dell’arte performativa. La tradizione occidentale dei matrimoni, tema della sfilata, prese vita grazie a modelle che muovendosi con passo lento sulla passerella, trasformavano gli abiti man mano, svestendosi e manipolando i vari strati di stoffa sotto gli occhi di un pubblico completamente innamorato. Ogni atto di rimozione che rivelava nuovi indumenti sottostanti era un mezzo per mostrare le complessità legate al matrimonio, ogni bouquet in tulle e cappello oversize, parte della narrazione.

Versace Autunno Inverno 1991

“Un nero molto, molto allegro”, così Gianni Versace giustificò la quasi totale assenza di colore sulla sua passerella Autunno/Inverno 1991. Ma il motivo per cui la sfilata face la storia, fu il finale. Le top model Linda Evangelista, Cindy Crawford, Naomi Campbell e Christy Turlington chiusero lo show sfilando – e cantando – sulle note di Freedom! ’90 di George Michael. Perché è importante? Per due motivi. Il momento segnò la primissima grande fusione tra moda e celebrità. Ma soprattutto, consacrò la nascita del fenomeno delle supermodelle.

Gucci Autunno Inverno 1996

Moda e sessualità. Combinazione oggi scontata, ieri proibita. Tagli azzardati, allure sensuale ed erotismo sofisticato non esisterebbero nella moda odierna se Tom Ford non fosse passato per Gucci. Lo show autunnale del 1996 è un buon punto di partenza per esplorare l’universo Gucci disegnato da Ford, nonché una finestra sul nostro presente: la moda passa, Ford resta.

Prada Primavera Estate 1996

Per comprendere a pieno il fashion system attuale, non si può non tornare alle origini della tendenza che lo domina: l’ugly chic di Prada. Nel 1996 Miuccia Prada sovvertì i canoni tradizionali di bellezza, trasformando elementi considerati brutti in qualcosa di desiderabile. Il brutto diventa consapevolezza e provocazione, tramite accostamenti inusuali e l’impiego di materiali quali il nylon.

Comme des Garçons Primavera Estate 1997

Il rapporto tra gli abiti e il corpo viene costantemente interrogato, studiato, definito. Sapete da dove inizia il dilemma? Dalla collezione Primavera/Estate 1997 di Comme des Garçons. Con una parodia verso i canoni estetici dell’epoca, Rei Kawakubo creò silhouette mai viste prima: curve esagerate, esasperazioni delle forme e sporgenze insolite. L’abito non è più schiavo del corpo, ma lo modella e distorce.

Maison Margiela Primavera Estate 1990

Un argomento instancabilmente presente (come è giusto che sia) in qualsiasi discorso riguardante la moda di oggi, e del futuro, è l’etica sostenibile. Questo, Martin Margiela, lo aveva già capito negli anni ’90. La sua collezione Primavera/Estate 1990 fu un grido a favore del riciclo e del riutilizzo di materiali: molti dei capi della collezione erano composti da materiali di scarto.

Vivienne Westwood Primavera Estate 1994

Può la moda cambiare la società? La collezione Café Society firmata Vivienne Westwood dimostrò di sì. Facendo sfilare stereotipi stilistici di epoche diverse, e reinterpretandoli con audacia, Westwood rappresentò il contrasto tra le restrizioni dell’abbigliamento femminile passato, e la volontà delle donne di spogliarsene, contribuendo così alla liberazione della sessualità femminile.

Dior Couture Primavera Estate 1998

Si parla sempre più spesso del rebranding delle maison, nonché dei loro repentini cambi di direzioni creative. Cambi che portano quindi ad imminenti cambi di stile. Non si può quindi non nominare il caso Dior-Galliano, uno degli esempi più radicali di rebranding di un marchio. Un incontro che diede vita all’era che ancora oggi viene definita come d’oro per Dior. Correte a guardare la Couture Primavera 1998. Mi ringrazierete più tardi.

Foto: Pinterest

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La colonna sonora di un fashion show è certamente fondamentale. Aiuta lo spettatore ad immergersi nella collezione aggiungendo drammaticità teatrale alla scena. Spesso la scelta ricade su pezzi remixati in stile house. Utili anche a scandire la camminata delle modelle con facilità. Colonne sonore, in linea di massima, abbastanza standard, spesso prive di parole. Sono poche, in effetti, quelle che storicamente rimangono impresse nella memoria. Tra tutte, senza dubbio, quella scritta da Tupac per Versace nel 1996. Eccezione alla regola che vede, forse, per la prima volta, la colonna sonora come punto cardine dello show.

Dovete sapere, infatti, che in origine le sfilate non avevano nemmeno la colonna sonora. Ad accompagnare il ticchettio dei tacchi sulle passerelle era la voce degli annunciatori che raccontavano i modelli presentati in collezione. Insomma tutto un altro mondo di cui, per altro abbiamo parlato quì. In linea di massima le scelte musicali dei designer, comunque, sono sempre ricadute su colonne sonore internazionali. Scegliere una canzone italiana, per esempio, sarebbe stato considerato un po’ provinciale. Poco glamour, almeno fino a poco tempo fa.

Su questo fronte, negli ultimi anni, si registra una certa inversione di rotta. Se pensiamo alla musica italiana in passerella non può che venire in mente il Gucci di Sabato De Sarno con il famoso remix di “Ancora” di Mina. Stupenda colonna sonora della SS24 di Gucci, collezione di debutto del nuovo direttore creativo. Scelta confermata nella sua prima collezione maschile. La canzone è diventata la firma di Sabato che, per la SS25 ha fatto una scelta simile. Riaffermando il suo amore per la musica italiana, infatti, lo stilista ha scelto di far sfilare le modelle in Triennale sulle note di “Non voglio mica la luna” di Fiordaliso, seduta in prima fila.

In realtà non è stato Gucci il primo brand a portare in passerella le canzoni d’autore italiane. La musica italiana nell’uscita finale dello show è, infatti, la firma del giovane Marco Rambaldi. il designer emiliano compie questa scelta già della FW2019 quando le modelle hanno sfilate sulle parole di “Illusione” cantate da Guini Russo. Da lì in poi sono state moltissime le canzoni che hanno calcato le poetiche passerelle di Rambaldi. Per la FW2020 il designer ha scelto “Elettrochoc” dei Mattia Bazar, poi “Rumore” di Raffaella Carrà nella SS2022. Famosissima la scelta di “Pensiero Stupendo” di Patty Pravo durante la presentazione di Supernova, collezione per l’inverno 2023. E poi ancora “Minuetto” di Mia Martini (SS2024), “Domani è un altro giorno” della Vanoni (FW2024). Per finire con “La canzone dei vecchi amanti” di Battiato per la SS2025.

Da questo momento in poi anche altri brand, sporadicamente, hanno scelto la musica Italiana per accompagnare le passerelle. Durante le presentazioni milanesi della SS2024, per esempio, Andrea Adamo ha scelto “Vorrei averti nonostante tutto” di Mina. Mentre da GCDS le modelle camminavano sulle note di “Una notte da impazzire” di Pino D’Angiò e “Malattia” di Ciccio Merolla. Alla 105esima edizione del Pitti Uomo, poi, Magliano ha messo in scena uno straordinario show con la musica di Fabrizio De André. E lo stesso Luca per la presentazione della SS2025 ha scelto come colonna sonora “Stonata” dei Prozac+. Stupendi omaggi alla storica musica del nostro paese che, nella stagione SS2025, arrivano, per la prima volta, anche da un designer straniero. Il peruviano J Salinas, infatti, alla sua prima presentazione milanese rende omaggio alla città che lo ha ospitato con “Quando quando quando” di Tony Renis.

La scelta di una canzone italiana contribuisce, senza ombra di dubbio, a regalare allo show quel brivido poetico e nostalgico che la musica d’autore porta con se. D’altro canto si tratta di un segnale sovversivo nei confronti del sistema. La voglia di rivendicare una provincialità cha ha reso grande la moda italiana. Una scelta che sembra così innocente e romantica, in realtà, porta con se una grande voglia di rivoluzione. Una rivoluzione dolce che parte tutta dal Belpaese. D’altronde chi conosce l’arte meglio di un paese di Santi, poeti e navigatori!

Foto: Pinterest

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Anche la terza giornata di Milano Fashion Week è arrivata al termine. A salvarci dal grigissimo clima della city c’è Sunnei. Il brand sulla sua passerella ha fatto sfilare tantissimi colori che hanno ravvivato questi cieli bui.

Nella sua Fall 24, assieme al colore, Sunnei porta in passerella anche la geometria.

I capi sono molto simpatici. Maglieria dal taglio particolare, frange e fronzoli, ombelichi aperti e visi copertissimi.

L’elemento chiave dei capi è sicuramente la riga, interpretata in diversi colori e versi.

Gli abiti come le semplice maglie vengono ricoperte di righe orizzontali, verticali o oblique. Alcuni capi presentano delle forme interessanti e sicuramente mai viste. Altri outfit invece li capiamo benissimo: puffer lunghi dal collo altissimo che sembrano essere davvero comodissimi.

Per quanto riguarda i tessuti molto presente la lana assieme a un satin “doppio strato”, fa capolino anche del denim e un classico cotone spesso. Le scarpe e le borse si fanno riconoscere come sempre per la loro unicità e geometria.

Anche le sciarpe sono un elemento importante, diventano lunghissime e si attorcigliano su colli e sulle teste dei modelli quasi a diventare copricapi, o forse lo sono già…

Presenti occhiali da sole che assieme a quelli che sembrano patch occhi colorati diventano mascherine colorate. Gli accessori, come collane e orecchini, sono super colorful e appuntiti.

Alcuni modelli portano a mano delle dust-bag che sembrano contenere delle scarpe, quello che notiamo è il logo Camper. Infatti, sulla passerella Sunnei ha annunciato la collaborazione che uscirà a giugno 2024.

La vera particolarità della passerella però (come se non ce ne fossero già abbastanza) è la “soundtrack” composta dai pensieri dei modelli che raccontano quello che gli passa per la mente mentre sfilano. Una modella spiegava di essere terrorizzata perché non si ricordava da che parte doveva andare dopo la passerella, a destra o sinistra? Perché non aveva prestato attenzione durante le spiegazioni? Un modello si chiede perché il suo ex lo stia “ghostando”, deve aver sicuramente ricevuto la notifica del messaggio, perché non gli sta rispondendo? Caro, per questo non possiamo aiutarti, però nel caso ti chiedessi qual è il brand con i capi più comodi e #relatable di questa fashion week la risposta è: Sunnei!

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Miu Miu- Fall 23

Come non citare tra le migliori sfilate dell’anno lei: la fw23 di Miu Miu. Ironica ed irriverente la collezione reinterpreta il look da ufficio. Con raffinati giochi di sovrapposizioni Miuccia inventa, per le donne, una nuova divisa per il mondo del lavoro fatta di cardigan strettissimi, culotte e collant. L’insolito abbinamento è subito diventato tendenza ed ha raggiunto, in men che non si dica, le strade.

Cormio-Fall 23

Il mondo del calcio non è mai stato così fashion come nel 2023 ed è tutta colpa di Cormio. Prima che il famoso Blocke Core spopolasse sui social è stato Cormio a rendere patinato il gioco più amato dagli italiani. In un campetto da calcio di Milano sfila la collezione fall23 firmata Cormio. Un mix tra sport ed eleganza che fonde i vezzi più canonici dell’abbigliamento femminile al più culturalmente maschile dei giochi con palloni come borse e calzettoni abbinati ad eleganti abiti sottoveste.

Saint Laurent-fall23

Sotto lampadari in cristallo, nella romantica Parigi sfila l’YSL di Antony Vaccarello. Un’ode ai più iconici items della moda di Yves che raccontano una donna elegante, sfrontata e sicura di se. Le giacche dalle spalle over e gli occhiali aviator permettono alle donne di correre incontro al mondo con sfrontatezza ed irriverenza. Su tacchi vertiginosi le modelle sfilano sulla passerella, senza dubbio, più raffinata e seducente dell’anno.

Area-Fall23

Con la fall di Area New York torna ai tempi della preistoria. Prima che la scrittura venisse inventata l’uomo già si vestiva. E allora ecco da dove riparte Area che descrive una nuova preistoria al limite tra una rappresentazione primordiale e una post apocalittica. Nell’antichità, o nel futuro (chi può dirlo), immaginati da Area  l’uomo si veste di pellicce e maschere decorate dai più luccicanti brillanti, gli animali feroci graffiano le vesti e tutto è avvolto in un alone di mistero.

Ludovic de Saint Serin-spring 2024

Appena licenziato da Ann Demeulemeester, Ludovic de Saint Serin presenta la sua collezione genderless a Parigi. In un’atmosfera quasi religiosa i modelli sfilano a mani giunte, unite da maxi gioielli, raccontando l’eleganza queer. Uomo e donna si fondono in un unicum e le distinzioni perdono di senso. La collezione di Saint Serin è la nuova frontiera del genere nella moda.

Peter Do-spring 2024

Debutta a Parigi l’americano Peter Do che indigena si francesi cosa significa eleganza. Lo stile parigino viene reinterpretato in chiave massimalista dal deisgner che, attraverso il contratto tra bianco e nero disegna un’eleganza contemporanea ed avanguardista. Una collezione che non passa mai di moda, un guardaroba per sempre quello di Do che disegna il nuovo stile parigino fatto di capi classici abbinato in maniera nuova.

Avavav-spring 2024

A Milano sfila quella tra le più chiacchierate dell’anno: la sfilata di Avavav “no time to design, no time to explain”. Una critica allo stesso mondo della moda. La direttrice creativa Beate Karlsson denuncia i ritmi del fashion system che corre sempre più veloce della luce. Le modelle corrono sulla passerella con abiti non finiti o di fortuna. Non c’è più tempo per nulla ne per creare la collezione ne, tantomeno, per sfilare…c’è altro da fare.

Valentino-spring 2024

All’interno dell’ École des Beaux-Arts di Parigi Valentino da sfoggio di un’eleganza raffinata e candida. L’esegesi della celebrazione del corpo femminile inteso come forma più alta di libertà. Il candido bianco la fa da padrone nella creazioni di Pierpaolo Piccioli che dice alle donne che devono imparare a sentirsi bene nel proprio corpo, qualunque esso sia. A completare la celebrazione un’esibizione di leggiadre danzatrici che chiudono la scena in una rappresentazione a 360 gradi dell’amore verso il corpo femminile.

Rave Review-spring 2024

Upcycling è la parola chiave della sfilata di brand Rave Review che sfila a Milano alla Sala delle Cariatidi di Palazzo Reale. In una location a contrasto l’anima punk di Rave Review conquista milano. I capi raccontano di un’anima punk-rock con tratti romantici. Un continuo contrasto di stili che si concretizza in un’armonia disarmonica fatta di contrasti tra pizzo e tartan.

Sunnei-spring 2024

A Milano Sunnei rende il proprio pubblico partecipe e giudice della sfilata stessa. Come nei migliori concorsi i modelli sfilano davanti ad un pubblico giudicante che ha la facoltà di alzare palette numerate da 1 a 10. Una riflessione sull’importanza del giudizio dell’altro e di quanto l’industria della moda sia centrale il peso del pubblico. I colori forti calcano una passerella che, senza dubbio, non verrà ricordata per la collezione presentata.

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