Everyone knows themselves better than anyone else: better than friends, family, partners. And yet, translating that into something visible is complicated. Words are surely not enough. Gestures help, but they’re still incomplete. So what actually captures a personality?
According to Maria Grazia Chiuri, it might be something as simple and as personal as a bag.

From its first appearance in 1997, the Fendi Baguette has never been just an accessory. Since then, it has continuously transformed and shaped fashion aesthetics: it can be bold, minimal, excessive, ironic. It can be whatever you need it to be.
And the original versions? As amazing as they are, they’re also hard to find in good condition on today’s market. But Maria Grazia Chiuri, Fendi’s new creative director after shaping Dior’s vision for nine years, has responded to our desire. The Baguette 26424 Re-Edition are being presented during Milan Design Week 2026 at Palazzo Fendi.

The Fendi Baguette has finally made its comeback, not only stronger than ever, but also more desired than ever.

We already had a sneak peek on the Fall/Winter 26–27 runway, and that only hyped us more.
Its shape returns very close to the original 90s version. The compact, elegant silhouette is designed to sit perfectly under the arm—exactly like a French baguette. That, along with the many creative variations released over time, marked a turning point in a decade defined by minimalism.

The it-bag now comes in twenty editions drawn from the brand’s historical archive, each one exploring a different aesthetic. They all play with color, texture and craftsmanship. Some are covered in sequins and beads; others are simpler and more composed in leather or wool; a few stand out for colorful hand embroidery framing small mirrors or animal-printed pony hair.

However, what makes them so special is not only how they look, but how they’re made. Each piece reflects the work of highly skilled artisans and every decoration becomes a form of art rather than simple embellishment.
Even the packaging reflects their value. The bags are presented in custom boxes inspired by those used to transport artworks. In this way, each Baguette appears as a collectible object, instead of just a fashion accessory.

But beyond all these details there’s a more interesting question. If every re-edition is different, what does the one you choose say about you?

It’s true, fashion speaks. It creates an impression before any word is said. And such a it-bag almost instinctively frames how others might perceive you. In some ways, it can reveal something that words could never say. It doesn’t require time or attention to be “heard”. It’s immediate. A Fendi Baguette, chosen in a certain version and worn in a certain way, can be more honest than any self-description.

And that raises another question: if someone opened your Baguette, what would they find?

Like the cookies Marilyn Monroe once hid in her bag, the objects you carry inside are chaotic traces that slowly unfold your true self. Things you forgot to throw away, things you keep just in case or perhaps things that don’t make sense to anyone but you.
They are strangely revealing because they are not performative. Truman Capote didn’t understand Marilyn by looking at her fame or her looks, but by noticing what she carried.
Maybe that’s exactly the point: looking beyond appearances to understand what we keep beneath them.

So, after all, we could say that the Fendi Baguette is the object that reflects your personality the most.

At first glance, it says something immediate through its colors, materials and the attitude with which you carry it. It gives a quick, instinctive impression.
But as you look inside, you find the rest of the story. That’s where things become less controlled and more real.

Just like an artwork. At first, it might simply look beautiful—something you recognize instantly. Yet the more you look at it, the more it reveals details and meanings you hadn’t noticed before.
A Baguette works the same way. It’s not meant only to be seen, but to be discovered, layer by layer.

Fendi Baguette: un significato più profondo

Queste re-edition raccontano una storia che parla di ognuno di noi: non solo le borse sono opere d’arte, ma lo siamo anche noi.

Ognuno si conosce meglio di chiunque altro: meglio degli amici, della famiglia, dei partner. Eppure trasformare tutto questo in qualcosa di visibile è complicato. Le parole non bastano quasi mai. I gesti aiutano, ma restano incompleti. Quindi cosa può effettivamente raccontare una personalità?
Secondo Maria Grazia Chiuri, potrebbe essere qualcosa di semplice e allo stesso tempo personale, come una borsa.

Dalla sua prima apparizione nel 1997, la Fendi Baguette non è mai stata solo un accessorio. Da allora ha continuato a trasformarsi e a influenzare l’estetica della moda: può essere bold, minimal, eccessiva, ironica. Può essere qualsiasi cosa tu voglia in quel momento.
E le versioni originali? Bellissime, ma anche difficili da trovare in buone condizioni sul mercato. Ma Maria Grazia Chiuri, nuova direttrice creativa di Fendi, dopo aver guidato la visione di Dior per nove anni, ha risposto a questo desiderio. Durante Milan Design Week 2026, a Palazzo Fendi potrete vedere le Baguette 26424 Re-Edition.

La Fendi Baguette è tornata ufficialmente, non solo più forte di prima, ma anche più desiderata che mai.

L’abbiamo già vista in anteprima sulla passerella Fall/Winter 26–27, e questo non ha fatto altro che aumentare l’hype.
La sua forma torna molto vicina a quella originale degli anni ’90: una silhouette compatta ed elegante pensata per stare perfettamente sotto il braccio—proprio come una baguette francese. Questo, insieme alle varie reinterpretazioni rilasciate alla fine del secolo scorso, ha segnato un punto di svolta in un decennio dominato dal minimalismo.

L’it-bag oggi arriva in venti versioni prese dall’archivio storico del brand, ognuna con un’estetica diversa. Giocano tutte con colore, texture e lavorazioni. Alcune sono ricoperte di paillettes e perline, altre più pulite e “composte” in pelle o lana, altre ancora si distinguono per ricami colorati fatti a mano che incorniciano piccoli specchi o per il cavallino con stampa animalier.

Quello che le rende davvero speciali però non è solo come appaiono, ma come sono fatte. Ogni pezzo riflette il lavoro di artigiani esperti e ogni decorazione diventa una forma d’arte, non un semplice dettaglio.
Anche il packaging riflette questo valore: le borse vengono presentate in scatole ispirate a quelle usati per trasportare opere d’arte. Così, ogni Baguette diventa quasi un oggetto da collezione, più che un semplice accessorio.

Ma oltre a tutti questi dettagli, c’è una domanda più interessante. Se ogni re-edition è diversa, cosa dice di te quella che scegli?

È vero, la moda parla. Crea un’impressione prima ancora che tu dica una parola. E un’it-bag così finisce quasi automaticamente per mostrare come gli altri ti percepiscono.
In un certo senso può dire cose che le parole non riescono a dire. È immediata. Una Baguette Fendi, scelta in una certa versione e portata in un certo modo, può essere più sincera di qualsiasi descrizione di sé.

E allora viene da chiedersi: se qualcuno aprisse la tua Baguette, cosa troverebbe?

Come i biscotti che Marilyn Monroe una volta nascose nella sua borsa, gli oggetti che porti dentro sono tracce caotiche che piano piano raccontano chi sei davvero. Cose che hai dimenticato di buttare, cose che tieni “nel dubbio” o cose che hanno senso solo per te.
Sono strane proprio perché non sono performative. Truman Capote non riuscì a capire Marilyn guardando la sua fama o il suo aspetto, ma osservando quello che portava con sé.
Forse è proprio questo il punto: andare oltre l’apparenza per capire cosa teniamo sotto tutto quello che mostriamo.

Alla fine, potremmo dire che la Baguette è l’oggetto che più di tutti riflette la tua personalità.

A prima vista dice qualcosa di immediato attraverso colori, materiali e il modo in cui la porti. Ti dà un’impressione istintiva.
Ma poi, quando ci guardi dentro, trovi il resto della storia. Ed è lì che le cose diventano meno controllate e più vere.

Proprio come un’opera d’arte: all’inizio è semplicemente bella, qualcosa che riconosci subito. Ma più la guardi, più scopri dettagli e significati che prima non vedevi.
Una Baguette funziona allo stesso modo. Non è fatta solo per essere vista, ma per essere scoperta, strato dopo strato.

Foto: Fendi

Per approfondire:
– Maison Fendi;
– Palazzo Fendi;
– Maria Grazia Chiuri.

L'articolo Fendi Baguette: a deeper meaning proviene da AdL Mag.

It’s exactly what we always criticize: social media is objectively fake. It shows us something perfect, erasing all the problems and making us question our lives in jealousy. But are we really not doing the same?

Don’t hide it, I know you’ve been watching your summer memories on repeat since November. And I won’t hide it either. I’ve noticed a pattern: every time summer ends, I start craving it more and more. But what I crave is an illusional version of it, one I created by selecting pictures and videos in my gallery. I’d call it selective nostalgia, because I don’t miss mosquitoes, I don’t miss sweating all day or getting painfully burnt—even if the tan I get afterwards is kind of worth it.

At some point, pictures become more important than the experience itself. It’s a version of summer that only exists during the other three seasons, where distance amplifies desire. And somehow, it feels better than the real one ever did: salty skin, the seaside, long sunny days… Yet while we’re scrolling, we don’t actually feel any of it. We don’t feel the discomfort of salt on our skin, the heat, the exhaustion.
We cut out boredom, tiredness and every inconvenient detail, creating a personal “best of.” These pictures don’t just document reality, they reshape it.

This is where it starts to look a lot like social media.

We look at our summers the same way we look at other people’s lives on Instagram. A curated feed. Highlights only. No context. No bad angles or empty moments.
And just like that, we become spectators of our own lives.

The shift is subtle but tells a lot. We’re no longer fully inside the experience, we’re already imagining how it will look later, how it will be remembered, how it will be posted. We live in the anticipation and in the aftermath, but rarely in the moment itself. And when we see those images again, we forget everything that didn’t make the cut: the effort behind the “perfect” photo, the sweat, the tired eyes, those nights when it was too hot to sleep, the sand everywhere.

Summer, in reality, is often slow, repetitive, sometimes even boring. But in our memory, it becomes a sequence of perfect sunsets, effortless happiness and the version of ourselves that felt lighter and freer.
The problem is: that summer never really existed. Or at least, not in the way we remember it now.

Psychology has a name for this phenomenon: rosy retrospection.

It’s a cognitive bias that leads us to remember past experiences as better than they actually were. Our minds naturally filter out discomfort and amplify positive emotions, turning memories into polished versions of reality.

This isn’t entirely negative. In some ways, it helps us. Seeing the past through a softer lens can increase our sense of satisfaction and give meaning to our experiences.
But there’s a downside. When we over-idealize our memories, we start setting unrealistic standards, not only for the future, but for the present too. The real moment can’t compete with the edited version in our heads.

It’s the same mechanism behind social media comparison.

When we scroll through Instagram, we know we’re seeing a filtered version of someone else’s life. And yet, we still compare it to our unfiltered reality. We measure our everyday against someone else’s highlights.

We kinda do something similar with our own memories: it becomes who we are now vs an edited version of who we were.
And suddenly, the present doesn’t feel like enough.

So maybe the question isn’t whether the “good old days” were really that good. Maybe it’s why we need them to be.
Is it boredom? An escape? Or just how our mind works?
Do we actually want life to feel easier to love but harder to live?

Un feed di ricordi estivi editati

Vi siete mai fermati a pensare che forse stiamo proiettando le dinamiche dei social sulla nostra vita reale?

È esattamente quello che critichiamo sempre: i social sono oggettivamente finti. Ci mostrano qualcosa di perfetto, cancellando i problemi e facendoci guardare la nostra vita con un po’ di invidia. Ma siamo sicuri di non star facendo la stessa cosa?

Non fate finta di niente, lo so che da novembre state rivedendo in loop i ricordi dell’estate.
E non lo nascondo nemmeno io. Ho notato un pattern: ogni volta che l’estate finisce, mi manca sempre di più. Ma quello che mi manca è una versione illusoria, creata selezionando foto e video dalla galleria. La chiamerei nostalgia selettiva, perché non mi mancano le zanzare, non mi manca sudare tutto il giorno o bruciarmi fino a far male—anche se poi l’abbronzatura vale quasi la pena.

Ad un certo punto le foto diventano più importanti dell’esperienza stessa. È una versione dell’estate che esiste solo nelle altre tre stagioni, quando la distanza amplifica il desiderio. E in qualche modo sembra anche meglio dell’estate vera: pelle salata, mare, giornate infinite di sole… Però mentre scorriamo, non sentiamo niente di tutto questo. Non sentiamo il fastidio del sale sulla pelle, il caldo, la stanchezza.
Tagliamo via la noia, la fatica e tutto ciò che è scomodo, creando una sorta di “best of” personale. Quelle immagini non si limitano a documentare la realtà: la riscrivono.

Ed è qui che inizia a sembrare molto simile ai social.

Guardiamo le nostre estati nello stesso modo in cui guardiamo la vita degli altri su Instagram. Un feed curato. Solo momenti migliori. Nessun contesto. Nessuna faccia venuta male. Nessun momento vuoto.
E così diventiamo spettatori della nostra stessa vita.

Questo cambiamento è sottile, ma dice molto. Non siamo più davvero dentro l’esperienza: stiamo già immaginando come verrà dopo, come sarà ricordata, come potrebbe essere postata. Viviamo nell’attesa e nel dopo, ma quasi mai nel presente. E quando rivediamo quelle immagini, dimentichiamo tutto ciò che non è entrato nello scatto finale: la fatica dietro la foto “perfetta”, il sudore, gli occhi stanchi, quelle notti troppo calde per dormire, la sabbia ovunque.

L’estate, nella realtà, è spesso lenta, ripetitiva, a volte anche noiosa. Ma nella memoria diventa una sequenza di tramonti perfetti, felicità senza sforzo e la versione di noi stessi più leggera e libera.
Il problema è che quell’estate non è mai esistita davvero. O almeno, non nel modo in cui ce la ricordiamo.

In psicologia questo fenomeno ha un nome: retrospettiva rosea.

È un bias cognitivo che ci porta a ricordare il passato in modo più positivo di com’è stato davvero. La mente elimina il fastidio e amplifica le emozioni positive, trasformando i ricordi in versioni “pulite” della realtà.

Non è del tutto negativo. In parte ci aiuta: vedere il passato con uno sguardo più morbido può aumentare la soddisfazione e dare significato a ciò che abbiamo vissuto.
Ma c’è anche un lato meno positivo. Quando idealizziamo troppo i ricordi, iniziamo a creare aspettative irreali non solo per il futuro, ma anche per il presente. Il momento reale non può più competere con la versione modificata che abbiamo in testa.

È lo stesso meccanismo che si attiva quando ci confrontiamo sui social.

Quando scorriamo Instagram sappiamo di stare vedendo una versione filtrata della vita degli altri. Eppure la confrontiamo comunque con la nostra realtà non filtrata. Misuriamo la nostra quotidianità contro i loro momenti migliori.

Con i nostri ricordi facciamo qualcosa di simile: è una sorta di noi di oggi vs una versione editata di chi eravamo.
E improvvisamente il presente non sembra più abbastanza.

Forse la domanda non è se i “bei vecchi tempi” fossero davvero così belli. Forse è perché abbiamo bisogno che lo siano.
È noia? Una fuga? O semplicemente il modo in cui funziona la nostra mente?
Davvero vogliamo una vita più facile da amare, ma più difficile da vivere?

Foto: Pinterest, Instagram.

L'articolo A feed of edited summer memories proviene da AdL Mag.

At first glance, it might sound familiar: an exhibition dedicated to beauty. But here, beauty is not treated as something simply decorative. Instead, it becomes a tool capable of provoking thought and opening space for reflection.
The title itself, drawn from a line by Phil Ochs—“In such ugly times, the only true protest is beauty”—sets the tone. Beauty, in this context, is not an escape from reality, but a form of confrontation.

Curated by Dries Van Noten and Geert Bruloot, the presentation moves away from traditional exhibition formats. Rather than separating disciplines or creating hierarchies—fashion here, art there, established names in one room and emerging artists in another—it brings everything into dialogue.
The result is a deliberately instinctive path, where archival pieces coexist with experimental works and new voices. This approach gives the exhibition a sense of personality that feels rare: it’s not about who made the work or how established they are, but about what each piece expresses.

As the curators suggest, what matters for them is beauty not as an answer but as a question.

In this sense, it carries ambiguity and even contradictions, at times unsettling rather than reassuring. The real aim is pushing viewers to reconsider beauty not as a fixed definition. It all lies in recognizing that what they have always perceived as complete may in fact extend far beyond.

Fashion plays a central role in the exhibition.

It’s a common thread that runs throughout the presentation, from the first to the last room. The pieces on display trace Van Noten’s creative evolution, revealing what’s behind the surface of aesthetic conventions. There is something deeply authentic in this process, which allows fashion to connect naturally with the other works.

Yet the actual through line of the presentation is craftsmanship: the act of making as a form of expression.

Here, creation does not need to be perfect, harmonious or immediately understandable. It can be raw, complex and, for this reason, meaningful.
Provocation then becomes essential. Whenever the composition risks becoming too easy or too resolved, something interrupts it. Could be an unexpected form or a dissonant detail. In this way, beauty becomes active, building tension, keeping the viewer alert and challenging the public.

What emerges from Fondazione Dries Van Noten’s exhibition is that, ultimately, the question is not how to preserve the past by isolating it, but how to allow new perspectives to emerge alongside it. If beauty is to remain alive, it must continue to evolve. In doing so, it creates space for new talents while continuing honoring those who came before.

La bellezza non solo come estetica, ma come protesta.

Dal 25 aprile al 4 ottobre, Palazzo Pisani Moretta ospiterà la nuova presentazione della Fondazione Dries Van Noten che promette di essere tutt’altro che convenzionale. Se vi capita di essere a Venezia, è una di quelle cose da non perdere!

A prima vista potrebbe sembrare familiare: una mostra dedicata alla bellezza. Ma qui la bellezza non è trattata come qualcosa di semplicemente decorativo. Diventa invece uno strumento, capace di provocare riflessioni e aprire nuovi spazi di pensiero.
Il titolo stesso, preso da una frase di Phil Ochs—“In such ugly times, the only true protest is beauty”—dà subito il tono. La bellezza, in questo contesto, non è una fuga dalla realtà, ma un modo per confrontarsi con essa.

Curata da Dries Van Noten e Geert Bruloot, la presentazione si allontana dai format espositivi tradizionali. Invece di separare discipline o creare gerarchie—la moda da una parte, l’arte dall’altra, i grandi nomi in una stanza e gli emergenti in un’altra—unisce tutto in un dialogo.
Il risultato è un percorso volutamente istintivo, dove pezzi d’archivio convivono con lavori sperimentali e nuove voci. Un approccio che dà alla mostra una personalità rara: non conta chi ha realizzato l’opera o quanto sia affermato, ma ciò che ogni pezzo riesce ad esprimere.

Come suggeriscono i curatori, ciò che conta è la bellezza non come risposta, ma come domanda.

In questo senso, porta con sé ambiguità e contraddizioni, risultando a tratti più destabilizzante che rassicurante. L’obiettivo è spingere il pubblico a rimettere in discussione l’idea stessa di bellezza, non più come qualcosa di fisso. Tutto sta nel riconoscere che ciò che abbiamo sempre percepito come completo, in realtà può estendersi molto oltre.

La moda ha un ruolo centrale all’interno della mostra.

È un filo conduttore che attraversa tutto il percorso, dalla prima all’ultima sala. I capi esposti raccontano l’evoluzione creativa di Van Noten, mostrando cosa si nasconde dietro la superficie delle convenzioni estetiche. C’è qualcosa di profondamente autentico in questo processo, che permette alla moda di dialogare in modo naturale con le altre opere.

Ma il vero filo conduttore della presentazione è il fare: la capacità di creare come forma di espressione.

Qui la creazione non deve essere perfetta, armoniosa o immediatamente comprensibile. Può essere grezza, complessa e proprio per questo significativa.
La provocazione diventa quindi essenziale. Quando la composizione rischia di diventare troppo semplice o prevedibile, qualcosa interviene per interromperla. Può essere una forma inattesa o un dettaglio dissonante, per esempio. In questo modo, la bellezza diventa attiva, costruisce tensione, mantiene lo spettatore vigile e lo mette in discussione.

Ciò che emerge dall’esposizione della Fondazione Dries Van Noten è che la vera domanda non è come preservare il passato isolandolo, ma come permettere a nuove prospettive di emergere accanto ad esso. Se la bellezza vuole restare viva, deve continuare ad evolversi. E per farlo, deve lasciare spazio ai nuovi talenti senza smettere di valorizzare quelli già esistenti.

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I don’t know about you, but as spring begins, my dopamine levels rise—and with them, the urge for colorful, chic pieces that instantly elevate my style. After months of grey skies, the seasonal shift feels like an instant reset.

This aesthetic is for those who want to stay elegant and relatively minimal, while still adding something unexpected that feels personal, a little funky and undeniably original.
Because let’s be honest: why play it safe with accessories when they’re the easiest way to express personality? The right detail can completely transform an outfit, so no need for a full wardrobe overhaul.

This spring, start with a reliable base: a good jacket, tailored trousers, classic jeans. Then build from there. The chicest outfits often come from simple layers elevated through texture, bold color and one catchy element.
Because most of the time, it’s not the clothes that make the look but the details that bring it to life.

Funky jewelry

Jewelry always sets the tone. Whether you lean toward chunky, sculptural pieces or something more delicate but still distinctive, the key is uniqueness. Handmade designs feel especially relevant right now: they add character and a sense of individuality that mass-produced pieces just can’t replicate.

Lately I’ve discovered a small Milan-based brand, collanedicinzia. She carefully selects objects, fragments and materials, transforming them into one-of-a-kind creations, entirely handmade. It’s something more than an accessory: it becomes a story to wear.
Traveling plays a key role in her process. She draws inspiration from different cultures, places and especially nature. Each experience is then reinterpreted and brought to life through colors.

Opera-length gloves

Yes, for real. Opera gloves are back and they’re no longer reserved for evening wear. What once felt overly formal now is playful and bold, especially when styled in unexpected ways. Bright colors or sheer fabrics can add a striking contrast to everyday outfits, turning even the simplest look into something memorable.

We’ve seen them all over the runways at Milan Fashion Week, from Fall/Winter to Spring/Summer. The difference lies in materials and colors: they shift from bold leather statement pieces into lighter, more ethereal interpretations.

Ballet flats (with personality)

Ballet flats are timeless, but this season they’re anything but basic. Look for unexpected textures, embellishments, or bold shapes. The idea is to take something traditionally classic and give it a twist, making it feel fresh, expressive and a little more daring.

In particular, the latest Chanel collection under Matthieu Blazy features colorful and playful ballet flats, that give off main-character energy and are quickly becoming the season’s must-haves.

A statement belt

Have we all forgotten how cool belts are? Not the basic ones—think sculptural, textured or corset-inspired pieces that redefine the silhouette.

When I first came across Jacquemus’ suede fringe corset belt, it completely shifted my perspective: a belt isn’t just functional, it can be the outfit. While designer versions can be hard to find (or justify the price), there are plenty of alternatives if you dig a little deeper. Look for vintage options, independent designers or similar styles. The goal is impact, not the label.
And what better way to add a pop of color?

Brooches (yes, on denim too)

Brooches are having a quiet comeback but not in the way you’d expect. Forget traditional placements: pin them onto denim, t-shirts or even layered on jackets. It’s an easy way to add a slightly ironic and curated feel to your outfit. Have fun with them, choose your favorites or take out of the drawer the ones you had when you were younger.

In the end, the “cool but chic” formula isn’t about overcomplicating your wardrobe. It’s about starting simple and letting your accessories do the rest. One unexpected piece can shift the entire mood of a look, making it feel unmistakably yours.

Quando lo stile chic incontra il cool

Cercate qualcosa per dare una svolta ai tuoi outfit? Qui trovate cinque accessori perfetti che incarnano ciò che oggi viene definito “cool but chic”.

Con l’arrivo della primavera, oltre alla dopamina, cresce anche il desiderio di introdurre dei pezzi più colorati e ricercati nel mio stile. Dopo mesi di cielo grigio, il cambio di stagione sembra un vero e proprio reset.

Questa estetica è per chi vuole restare elegante e abbastanza minimal, ma aggiungendo comunque qualcosa di inaspettato, personale, un po’ funky e decisamente originale.
Diciamocelo: perché giocare sul sicuro con gli accessori, quando sono il modo più semplice per esprimere la propria personalità? Il dettaglio giusto può trasformare completamente un outfit, senza bisogno di rifarsi tutto il guardaroba.

Questa primavera partite da una base solida: una bella giacca, pantaloni sartoriali, jeans classici. E da lì si costruisce. Gli outfit più riusciti spesso nascono da layer semplici, che vengono valorizzati da texture, colori forti e un elemento che cattura l’attenzione.
Perché alla fine, più che i vestiti, sono i dettagli a fare davvero la differenza.

Gioielli funky

I gioielli danno sempre il tono. Che voi preferite pezzi più chunky e scultorei o qualcosa di più delicato ma comunque particolare, la chiave è l’unicità. In questo momento, i design fatti a mano sono super rilevanti: aggiungono carattere e un senso di individualità che il mass market non può replicare.

Recentemente ho scoperto un piccolo brand milanese, collanedicinzia. Seleziona con cura oggetti, frammenti e materiali, trasformandoli in creazioni uniche, completamente fatte a mano. Non sono semplici accessori: diventano vere e proprie storie da indossare.
Come spiega la creatrice, viaggiare è una parte fondamentale del suo processo creativo: trae ispirazione da culture, luoghi e soprattutto dalla natura. Ogni esperienza viene poi reinterpretata e trasformata in colore con i suoi gioielli.

Guanti lunghi

Sì, per davvero. I guanti lunghi sono tornati e non sono più riservati alla sera. Quello che prima sembrava troppo formale, ora è giocoso e appare audace, soprattutto se abbinato in modo inaspettato. Colori accesi o tessuti leggeri e trasparenti possono creare un contrasto molto interessante anche negli outfit di tutti i giorni.

Li abbiamo visti ovunque sulle passerelle della Milano Fashion Week, sia per l’Autunno/Inverno sia per la Primavera/Estate. Cambiano solo materiali e palette: si passa da modelli in pelle più decisi a versioni leggere ed eteree.

Ballerine (ma con personalità)

Le ballerine sono un classico, ma questa stagione sono tutt’altro che basic. Cercate texture particolari, dettagli, forme più audaci. L’idea è prendere qualcosa di tradizionale e dargli un twist, rendendolo più fresco, espressivo e un po’ più coraggioso.

In particolare, l’ultima collezione Chanel sotto la direzione di Matthieu Blazy ci ha proposto ballerine colorate e giocose, con una vera main character energy, e stanno già diventando uno dei must have della stagione.

La cintura statement

Ci siamo dimenticati di quanto possano essere cool le cinture? Non quelle basic—pensate a modelli scultorei, con texture particolari o ispirati ai corsetti, che ridefiniscono la silhouette.

La prima volta che ho visto la cintura in suede con frange di Jacquemus, mi ha completamente cambiato prospettiva: una cintura non è solo funzionale, può essere il pezzo principale dell’outfit. Anche se le versioni dei designer più conosciuti non sono sempre facili da trovare (o da giustificarne il prezzo), esistono tantissime alternative.
Vintage, brand indipendenti o modelli simili: basta cercare un po’. L’obiettivo è l’impatto, non il logo.
E poi, quale occasione migliore per aggiungere un tocco di colore?

Spille (sì, anche sul denim)

Le spille stanno tornando, ma in modo diverso dal solito.
Dimenticate gli abbinamenti classici: vanno indossate su jeans, t-shirt o stratificate sulle giacche. È un modo semplice per dare un tocco un po’ ironico e curato al look. Divertitevi, scegliete le vostre preferite o riscoprite quelle che conservavate da piccoli e che ora sono dimenticate in qualche cassetto.

Alla fine, la formula “cool but chic” non significa complicarsi la vita. Si tratta di partire da una base semplice e lasciare che siano gli accessori a fare il resto. Basta un dettaglio inaspettato per cambiare completamente il mood di un outfit e renderlo davvero vostro.

Foto: Instagram, Pinterest.

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As we all know, Weekend Max Mara is a lifestyle brand, born in Italy and defined by a strong personality. It offers a fresher vision of classic pieces, resulting in a casual and up-to-date elegance for free-spirited women who know how to truly appreciate culture and fashion.

This project in particular, explores the fine line that both connects and separates fashion and contemporary art, and blurs this boundary. It features five internationally recognized female artists, who have reinterpreted one of the brand’s most iconic garments: the Canasta trench coat.
Here, it becomes a creative blank canvas that reflects each artist’s universe. Their personal and artistic storytelling transforms a wardrobe staple into a wearable artwork.

The selection of artists was curated by renowned art critic and curator Francesco Bonami, who has played—and continues to play—a crucial role in art field. Just to name two of his major roles, he was director of the Venice Biennale and curator of the Whitney Biennale of American Art.
His approach prioritizes originality and expressive strength, to let artists operate freely beyond trends and conventions.
The trench coats are the undeniable stars of the campaign, with Petra Collins in her dual role as model and photographer adding sparkle with a series of self-portraits.

Victoria Kosheleva: cyber expressionism

Victoria Kosheleva’s style blends classical painting traditions with contemporary aesthetics in what she defines as “cyber expressionism”. She painted directly on a prototype trench, then transformed into a print reproduced by Weekend Max Mara.
Central to her project is the figure of the trickster, an archetypal character who’s ambiguous, deceptive and constantly transforming. This is reflected into a constellation of symbolic elements typical of her work, such as decorative eyes, checkerboards patterns, swirls and flowers.
As the artist explains, her final aim is to create a fragment of a story through the garment and make people feel like stepping into a different atmosphere or dream. It’s more than just a trench coat.

Paola Pivi: between lights and colors

The Italian artist, who lives and works in Hawaii, got her inspiration from the intense natural light and vibrant landscapes of the islands that she now calls home.
In Paola Pivi’s works, everyday objects are reshaped into something sculptural and playful at once, inviting the viewer—and in this case wearer—to rediscover a familiar item through a shift in perception.
Her trench coat is decorated with a rainbow spectrum, a reference that comes from the striking double rainbows that frequently paint Hawaii’s skies. The arrangement of the stripes also changes our visual impression of the silhouette, creating an hourglass effect.

Tschabalala Self: Infinity Flowers

In her interpretation, Tschabalala Self brings to the table her distinctive visual language and symbolism. The New York-based artist is widely known for her installations, which explore deeply the concept of identity.
For this capsule collection, she has changed the coat’s color into a soft butter yellow shade, evoking delicacy and light. However, it’s only the background for her signature motifs: Infinity Flowers. They are symbols of ephemeral beauty and fragility of nature, giving a simple trench coat a deeper meaning and turning it into something to reflect on.
At the same time, Infinity Flowers also suggest a poetic reflection on transformation, serving as a metaphor for the constant change and growth of what already exists.
Her pattern is created using a technique inspired by batik, a traditional fabric dyeing process now reinterpreted in a contemporary way.

Tai Shani: feminine codes and utopian militancy

Tai Shani’s trench coat is a conceptually layered item. She often explores overlooked themes related to reproductive labor, vulnerability and solidarity in her works.
For Weekend Max Mara’s collection, she decided to cover the coat in black vinyl, radically altering the traditional identity of the garment. With this dark and dramatic finish, she’s able to amplify the sense of mystery and secrecy. What strikes the most though, is the way she plays with it: the glossy black background is contrasted with hand-drawn illustrations of adorable kittens, creating tension between seduction and humor. The motif pays homage to the visual culture of 1950s pin-ups in an ironic and original way.
He trench also reflects a broader investigation into the visual codes traditionally associated with femininity—floral, gothic or psychedelic aesthetics—challenging conventions of both fashion and gender.

Shafei Xia: inner duality

Shafei Xia, Chinese artist currently based in Bologna, is known for her reinterpretations of historical visual traditions, with an ironic and provocative approach.
This time she used watercolors on sandalwood paper. Her aesthetic references the tradition of 19th century Japanese shunga, as well as elements from Chinese erotic paintings. The composition brings together themes of desire, sensuality and symbolism. It depicts a female figure fused with a white tiger, one of the Four Symbols of Chinese mythology, often associated with strength, courage, power and instinct. Floral elements enrich the image, from the collar down to the hem.
Her trench coat explores the complexity of opposing forces that coexist in us.

This collection reinforces the idea of fashion as collectible art.

Each piece becomes a wearable artwork, carrying the vision and identity not only of its creator, but also of its wearer. This type of creative experimentation doesn’t stop with the artist: it flows and regenerates every time one of these items is worn. Some people might be drawn to the vinyl trench, others to the butter-yellow one. Each piece creates an invisible connection between the wearer and the artist who imagined it. In the end, these trench coats say more about who we are than we might be willing to admit.

A Weekend with an Artist

Quando si dice che dovremmo indossare la nostra creatività, probabilmente si intende qualcosa del genere. “A Weekend with an Artist” è la capsule collection Primavera/Estate 2026 di Weekend Max Mara ed è così originale e personale da far scattare subito qualcosa in noi. Ci si ritrova ad entrare in sintonia con uno o più di questi capi: ed è proprio questo il bello della collezione.

Weekend Max Mara è un lifestyle brand nato in Italia e caratterizzato da una forte personalità. Le sue collezioni offrono una visione più fresca dei capi classici, dando vita ad un’eleganza casual e contemporanea pensata per donne dallo spirito libero, che sanno apprezzare davvero cultura e moda.

Questo progetto, in particolare, esplora quella linea sottile che allo stesso tempo unisce e separa moda e arte contemporanea, arrivando quasi a cancellarne il confine.
Protagoniste sono cinque artiste di fama internazionale, invitate a reinterpretare uno dei capi più iconici del brand: il trench Canasta.
In questo contesto, il trench Canasta diventa una vera e propria tela bianca che riflette l’universo creativo di ciascuna artista. Il loro racconto personale e artistico trasforma così un classico del guardaroba in un’opera d’arte da indossare.

La selezione delle artiste è stata curata dal celebre critico e curatore Francesco Bonami, figura che ha avuto—e continua ad avere—un ruolo fondamentale nel mondo dell’arte. Tra i suoi incarichi più importanti, è stato direttore della Biennale di Venezia e curatore della Whitney Biennial of American Art.
Il suo approccio privilegia originalità e forza espressiva, lasciando alle artiste la libertà di muoversi al di là di trend e convenzioni.
I trench sono i protagonisti indiscussi della campagna, con Petra Collins nel doppio ruolo di modella e fotografa che aggiunge un tocco di brillantezza grazie ad una serie di autoritratti.

Victoria Kosheleva: cyber espressionismo

Lo stile di Victoria Kosheleva fonde la tradizione pittorica classica con un’estetica contemporanea, in quello che lei stessa definisce “cyber espressionismo”. L’artista ha dipinto direttamente su un prototipo del trench, poi trasformato in una stampa da Weekend Max Mara.
Al centro del progetto c’è la figura del trickster, un personaggio archetipico ambiguo, ingannevole e in costante trasformazione. Questa idea prende forma in una costellazione di elementi simbolici tipici della sua estetica: occhi decorativi, scacchiere, vortici e motivi floreali.
Come spiega l’artista, l’obiettivo finale è creare, attraverso il capo, un frammento di storia, capace di far sentire chi lo indossa come se stesse entrando in un’altra atmosfera, quasi in un sogno.
Non è semplicemente un trench coat: è qualcosa di più.

Paola Pivi: tra luce e colore

L’artista italiana Paola Pivi, che vive e lavora alle Hawaii, ha tratto ispirazione dalla luce intensa e dai paesaggi vibranti delle isole che oggi chiama casa.
Nelle sue opere, gli oggetti quotidiani vengono trasformati in qualcosa di scultoreo e giocoso allo stesso tempo, invitando lo spettatore—e in questo caso chi indossa il capo—a riscoprire un oggetto familiare attraverso un cambio di prospettiva.
Il suo trench è decorato con uno spettro cromatico che richiama l’arcobaleno, ispirato ai suggestivi doppi arcobaleni che spesso colorano il cielo delle Hawaii.
Anche la disposizione delle strisce contribuisce a modificare la percezione della silhouette, creando un effetto a clessidra.

Tschabalala Self: Infinity Flowers

Nella sua interpretazione, Tschabalala Self porta in campo il suo linguaggio visivo e simbolico distintivo. L’artista newyorkese è nota per le sue installazioni, che esplorano in profondità il tema dell’identità.
Per la collezione di Weekend Max Mara ha trasformato il colore del trench in una delicata tonalità giallo pastello, luminosa e leggera. Questo colore diventa però soltanto lo sfondo dei suoi motivi distintivi: gli Infinity Flowers.
Questi fiori sono simboli della bellezza effimera e della fragilità della natura, conferendo ad un capo apparentemente semplice un significato più profondo che invita alla riflessione.
Allo stesso tempo rappresentano anche una metafora della trasformazione continua: un richiamo alla capacità di cambiare e crescere partendo sempre da ciò che già esiste.
Il motivo è realizzato con una tecnica ispirata al batik, l’antico metodo di tintura dei tessuti che qui viene reinterpretato in chiave contemporanea.

Tai Shani: codici femminili e militanza utopica

Il trench di Tai Shani è un oggetto ricco di livelli concettuali. Nelle sue opere artistiche affronta spesso temi poco visibili come il lavoro riproduttivo, la vulnerabilità e la solidarietà.
Per questa capsule collection ha deciso di rivestire il trench con vinile nero lucido, trasformando radicalmente l’identità tradizionale del capo. Questa finitura scura e teatrale amplifica il senso di mistero e di segretezza.
Ciò che colpisce di più, però, è il modo in cui l’artista gioca con questo immaginario: il fondo nero è infatti decorato da illustrazioni disegnate a mano di adorabili gattini, creando un curioso contrasto tra seduzione e ironia.
Il suo scopo è omaggiare, in modo ironico ed originale, la cultura visiva delle pin-up degli anni Cinquanta.
Il trench riflette anche una riflessione più ampia sui codici visivi tradizionalmente associati alla femminilità, come l’estetica floreale, gotica o psichedelica, mettendo in discussione convenzioni sia della moda sia del genere.

Shafei Xia: dualità interiore

Shafei Xia, artista cinese che oggi opera a Bologna, è nota per la sua reinterpretazione delle tradizioni visive storiche attraverso un approccio ironico e provocatorio.
Per questo progetto ha utilizzato acquerelli su carta di sandalo. La sua estetica richiama la tradizione delle stampe giapponesi shunga del XIX secolo, insieme ad elementi della pittura erotica cinese.
La composizione unisce temi di desiderio, sensualità e simbolismo. L’immagine mostra una figura femminile fusa con una tigre bianca, animale potente appartenente ai Quattro Simboli della mitologia cinese, spesso associato a forza, coraggio ed istinto.
Elementi floreali arricchiscono la scena, estendendosi dal colletto fino all’orlo del capo.
Il suo trench diventa così un’esplorazione della complessità delle forze opposte che convivono dentro di noi.

Questa collezione rafforza l’idea della moda come arte da collezione.

Ogni capo diventa un’opera da indossare, capace di racchiudere la visione e l’identità non solo di chi lo ha creato, ma anche di chi lo porta. Questo tipo di sperimentazione creativa non si ferma all’artista: continua a vivere e a trasformarsi ogni volta che uno di questi capi viene indossato.
C’è chi sarà attratto dal trench in vinile nero, chi invece da quello giallo burro. Ogni pezzo crea un legame invisibile tra chi lo indossa e l’artista che lo ha immaginato.
Alla fine, questi trench raccontano qualcosa di noi… forse più di quanto siamo disposti ad ammettere.

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Un percorso iniziato mesi fa, costruito giorno dopo giorno con impegno, costanza e attenzione alla qualità. Sei mesi di duro lavoro che finalmente sono stati premiati.
L’editore e promotore letterario Sheyla Bobba ha guidato questo viaggio con uno sguardo attento non solo alla promozione delle opere, ma soprattutto al valore umano e simbolico della scrittura. Un viaggio che non è stato solo rappresentativo, ma identitario. Ogni autore ha potuto comunicare un messaggio attraverso la propria voce, raggiungendo un pubblico ampio grazie al salotto culturale di Casa Sanremo.

Casa Sanremo Writers si conferma infatti come uno spazio in cui la parola diventa protagonista.

Un palcoscenico che celebra la cultura accendendo i riflettori sulle idee, sui pensieri e sulle emozioni. Se al Festival di Sanremo è la musica a far vibrare il palco, qui vibra per le storie. È una vibrazione più intima, quasi privata, che però è capace di lasciare il segno.
Ogni autore porta un frammento di sé, una fragilità che, una volta condivisa, si trasforma in forza.
La selezione 2026 restituisce linguaggi differenti: passiamo dalla narrativa e introspezione, al noir psicologico, ma anche alla poesia e alla testimonianza. Sensibilità diverse che seguono lo stesso filo conduttore: la scrittura come strumento di consapevolezza, ascolto e crescita personale.

In questo contesto, SBS Edizioni & Promozioni diventa un ponte tra autore e lettore, valorizzando al massimo le opere. Così diventano occasioni di dialogo, che fanno emozionare, riflettere e spesso sorridere. Invitano a guardare le cose da un’altra prospettiva.

Le interviste realizzate agli autori hanno ulteriormente rafforzato questo percorso.

Non sono state semplici presentazioni editoriali, ma momenti autentici, in cui gli autori selezionati hanno potuto condividere la storia del proprio libro e il messaggio che voleva trasmettere. Un’occasione per noi lettori per conoscere non solo le opere, ma anche le persone che si celano dietro a quelle parole.

Un altro momento particolarmente significativo è stato il riconoscimento ricevuto al Gran Galà dell’Eleganza.

Sheyla Bobba, Alessandra Esposito e Fabio Marino sono stati premiati, valorizzando i loro percorsi professionali e la passione che ci hanno messo.

A Sheyla Bobba è stato attribuito un riconoscimento per l’impegno nella promozione della cultura e nella valorizzazione degli autori emergenti, attraverso progetti di rilevante peso culturale. Un premio che sottolinea l’importanza di fare dell’editoria non solo uno strumento di divulgazione, ma uno spazio di crescita.
Alessandra Esposito, autrice di “Frammenti di vita”, è stata premiata per l’impegno nel promuovere la scrittura, diventata un vero e proprio strumento di consapevolezza e ascolto. In questo modo si evidenzia il potere della parola scritta, capace di valorizzare le nostre parti più intime attraverso la condivisione.
Fabio Marino, invece, ha ricevuto il premio per il valore testimoniale e culturale della sua opera “Tra le mani… la vita”, descritta come “esempio di passione, perseveranza e dignità personale”. Un attestato che rafforza l’idea di una scrittura che apre strade capaci di raggiungere e ispirare le nuove generazioni.

Cultura e spettacolo sono sempre stati legati, e questa ne è la prova più evidente.

Sono parti dello stesso percorso, che si sostengono per arrivare al loro obiettivo: accendere una fiamma di emozione, custodirla, approfondirla e renderla consapevole.
Casa Sanremo Writers non è una semplice vetrina, ma un luogo di incontro e di scambio, per continuare a crescere. E per SBS Edizioni questo traguardo non segna una fine, bensì l’inizio di un viaggio tutto nuovo, segnato da altre storie che ci coinvolgeranno ed appassioneranno da capo.

Per approfondire:
– Sheyla Bobba e SBS Edizioni;
– Chiara Domeniconi;
– Antonella Torres;
– Marinella Brandinali;
– Veronica Madia;
– Alessandra Esposito;
– Alessio Tanzi;
– Barbara Fabrizio;
– Fabio Marino;
– Antonio Scommegna.

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La tensione oggi è diversa: meno debutti carichi di attesa, ma più conferme e identità da riaffermare.
Milano diventa ancora una volta il palcoscenico in cui si cerca di capire quali valori tenere e cosa è meglio lasciare andare, tracciando la strada per un nuovo futuro.

Tod’s

Mattiniero ed essenziale è Tod’s, che apre la giornata con il suo lusso silenzioso. Matteo Tamburini non ci presenta nessun eccesso, solo controllo. La donna di Tod’s non ostenta la sua eleganza e non sembra cerca colpi di scena. E forse, proprio per questo, ci mostra carattere.
Il concept di fondo ci riporta al corpo e all’artigianalità, da sempre priorità della maison.
Perfino il make-up, quasi invisibile, sembra voler lasciare carta bianca agli abiti, in modo da far parlare i materiali.

La palette si muove su colori neutri (beige, sabbia, cuoio) attraversati da tocchi di giallo, che illuminano la collezione senza tradirne la compostezza.
Il gioco del layering è centrale: giacche e ponchi sovrapposti, così come maglioni e camicie. Spiccano anche le cinture che segnano il punto vita, posizionate sopra un blazer o una giacca di pelle.
Gli accessori completano la quotidianità dei look, passando da borse spaziose per il giorno a pochette allungate per la sera. Non possono mancare i guanti, indossati o tenuti in mano, che rafforzano l’idea di una femminilità composta.

Marco Rambaldi

Mentre noi osserviamo, la sua passerella si fa dichiarazione, con messaggi che provocano le convenzioni, come “wish you were queer”.

La collezione lavora su stratificazioni di capi e materiali, dove pelle, maglia, felpa e ricami convivono senza gerarchie. I colori sono per lo più neutri, accedendosi con qualche rosa, rosso e azzurro.
Torna il crochet che diventa colletti, cardigan e abiti, sottolineando la bellezza di quei capi che sembrano fatti a mano.
Le silhouette alternano capi morbidi e sportivi ad altri più femminili, ma anche look non usuali, come abiti lasciati aperti in modo che ricadano sui fianchi formando una gonna.
Tacchi con calzini alti, boa e borse con trecce in maglia completano la visione della collezione.

Chi indossa Marco Rambaldi non passa inosservato, e non vuole farlo.

Sportmax

Sportmax porta in passerella una femminilità urbana che combina comodità e stile. Questa collezione sembra dire: la donna moderna vuole comfort, ma non rinuncia mai a un tocco di classe.

I tocchi di colore non mancano e arrivano dagli accessori (borse, orecchini, scarpe e guanti) mentre la base rimane neutra, con il nero che domina ma non appesantisce.
I grandi classici, quelli che conosciamo da sempre, vengono rivisitati nelle forme, nei materiali e nei dettagli. Sono reinventati senza stravolgerne l’essenza. Così, anche ciò che sembra già visto acquista freschezza e vitalità, confermando che certe regole di stile restano valide anche se il tempo passa.

Blumarine

Con Blumarine il discorso cambia registro alla giornata: la sensualità torna ad essere dichiarata.
La sfilata presenta un romanticismo dark, con volumi che seguono le forme, trasparenze audaci, cutout e fantasie floreali, ormai simbolo dell’immaginario del brand.
La palette gioca tra nero, rosso fuoco, tessuti metallici argento e oro, e conclude in bianco, sempre reso sensuale e mai ingenuo.
I fiori non appaiono solo come stampe sui tessuti, ma diventano tridimensionali con la stoffa che crea rose e petali che cadono.
Gli accessori, dai cameo ai gioielli per il corpo, aggiungono personalità e completano look che alternano eleganza e seduzione.
La femminilità di Blumarine si distingue per essere audace e riconoscibile.

Gucci

Sebbene non sia un vero e proprio debutto, non vedevamo l’ora che il nuovo Gucci di Demna si svelasse in passerella.
Pochi giorni prima dello show, Gucci cancella tutti i post dal suo profilo Instagram. Nessuna traccia del passato, solo alcune immagini, una data e una parola: Primavera.
Il feed diventa così una moodboard fatta di frammenti e anticipazioni.
Nel testo pubblicato alla vigilia, Demna racconta un anno trascorso a studiare la “gucciness” della maison, per poi imbattersi nei capolavori di Botticelli conservati agli Uffizi.
Con la promessa di leggerezza e intensità emotiva, questa Primavera si presenta come un nuovo inizio.

Dai primi look, tuttavia, la domanda sorge quasi spontanea: dov’è Botticelli in questa collezione?
La sfilata apre con una semplicità quasi straniante, tutto è attillato, lineare e in alcuni casi anonimo. Ai modelli però viene dato carattere, diventando veri personaggi che interpretano una parte: chiaro esempio è il ragazzo che quasi si fermava per forse inviare un messaggio.
Poi qualcosa cambia e forse iniziamo a vedere la Primavera che ci era stata promessa inizialmente. Compaiono motivi floreali, abiti più eleganti e tessuti metallici che illuminano la passerella, rompendo la sequenza di nero.
In alcuni look abbiamo ritrovato anche lo stile di Tom Ford, forte più che mai con l’abito di Kate Moss, magnetica come sempre, che chiude la sfilata, rendendola impossibile da ignorare.

E così, tra minimalismo iniziale e qualche scintilla finale, Gucci sembra più sicuro di sé che innovativo. Non resta che chiedersi: è novità o un déjà-vu dal passato?

Sa Su Phi

Sa Su Phi continua a lavorare sull’idea di guardaroba consapevole, ma questa volta lo fa con colori decisi. Dopo le palette scure viste in passerella durante la giornata, la collezione arriva come una boccata d’aria fresca: rosso acceso e color vino, rosa cipria, azzurro, giallo e oro si alternano a tonalità neutre che mantengono l’equilibrio.
Le linee restano pulite, i materiali morbidi e le silhouette sinuose. Troviamo volumi sui fianchi di gonne e pantaloni, ma anche su camicie, che si alleggeriscono grazie a plissettature che donano movimento e rendono il look più arioso.
Il brand fa sfilare un’eleganza raffinata e cool, sofisticata senza risultare rigida.

Elisabetta Franchi

La sfilata si apre con completi strutturati che dialogano con abiti e gonne di pailettes, creando un contrasto interessante tra rigore sartoriale e leggerezza. Il punto vita diventa protagonista: viene accentuato nelle giacche e con corsetti su maglioni oversize o pellicce.
La palette resta prevalentemente neutra, tra nero, bianco e blu scuro, ma si accende con tocchi di rosso e tonalità del marrone.
Le piume dorate che compaiono in alcuni look richiamano la location, decorata da piume bianche che scendono dal soffitto conferendo una maggiore delicatezza al tutto.

Il risultato? Una donna elegante e versatile, capace di passare con naturalezza dal giorno alla notte, mantenendo la sua sensualità.

Moschino

Da Moschino ci si aspetta un’ironia eccentrica che sappia staccare dal tono degli altri brand. Ogni collezione presenta un equilibrio tra gioco e provocazione visiva. E anche oggi, le nostre aspettative non vengono deluse.

A primo impatto, i primi look ci fanno domandare “è veramente Moschino?”. Poi piano piano, la risposta arriva nei dettagli e nelle texture che donano personalità agli abiti: cappelli con orecchie da coniglio, modelle che portano con loro accessori dalle forme inaspettate, come un vaso con un cactus o persino un maialino. E ancora fantasie colorate, tra cui spicca una camicia composta da banconote.
I volumi sono morbidi, con capi quotidiani che si alternano a pezzi più scenografici, mentre calze colorate spuntano sotto abiti neri e maglie stampate aggiungono il tocco ironico che speriamo di trovare in Moschino.

Institution by Galib Gassanoff

Subito dopo lo sfarzo di Moschino, cambiamo nuovamente registro. Il calendario milanese accoglie una visione più intima ma non meno determinata.
Institution by Galib Gassanoff è un brand lanciato dall’ex co-fondatore di Act N°1 dopo la fine di quell’esperienza. Non punta a sorprendere con capi “alla moda”, ma a raccontare una storia.

La palette è scura, i primi abiti ampi e morbidi. Nonostante la semplicità, nessun capo appare anonimo: alcuni look sono creati usando tappeti riccamente decorati, trasformati in gonne o giacche. La collezione inizia a prendere forma con capi più elaborati, con dettagli come frange e pelliccia.

GCDS

La chiusura della giornata è affidata a GCDS, che negli anni ha trasformato l’estetica pop e digital in un linguaggio fashion perfettamente riconoscibile. Nato nello streetwear, ha progressivamente cercato una maturazione, senza rinunciare all’impatto visivo: qui il minimal silenzioso che abbiamo visto prima non esiste.

La passerella esplode di colore e stampe, con look giovani che catturano immediatamente lo sguardo. I materiali variano e sono spesso combinati a trasparenze, che dominano la scena insieme a tessuti metallizzati e pois.
I corsetti scolpiscono il corpo con fianchi che ricreano mini panier, mentre i tacchi con plateau trasparente completano silhouette audaci.
Il finale, che vede sfilare diversi look neri, non spegne l’energia della collezione, ma la mette in risalto tanto quanto i colori accesi che ci hanno rapito lo sguardo prima.

Foto: Fashion Network

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The new series “Love Story: John F. Kennedy Jr. and Carolyn Bessette” has brought her back into conversation, revisiting a relationship that defined the 1990s American aesthetic before ending in tragedy on July 16, 1999. They were the most talked-about couple of the decade: he was the son of one of the most mythologized U.S. presidents and she was director of publicity at Calvin Klein. But reducing her to a woman beside America’s prince would be a mistake. She was a striking, independent woman who happened to fall in love with the sexiest man alive. Calling it mere public curiosity would hardly do it justice. It became an obsession.

Colleagues described Carolyn as sharp-tongued, intelligent and direct. It’s not hard to understand why. She was suddenly pushed into a world far bigger than the one she had built for herself.
John had grown up in front of cameras, while she had been a private citizen with a job in fashion. The shift was overwhelming: paparazzi followed her constantly, analyzing her expressions, body language and criticizing every move. So perhaps, what many read as coldness was often a way of protecting herself and her space.

Her authenticity feels current because it wasn’t designed to attract attention.

That same quiet confidence was then carried into her wardrobe. In a time when so much seems staged, her style choices still feel relevant, even decades and miles away from her world.
She didn’t chase trends but built her own uniform. Black, navy, gray and ivory were her go-to colors for a clean, simple look. When she wanted impact, she relied on texture.
Over time, she found the pieces that suited her best and reflected her personality, and used them as signature items.

Her approach taught us a quiet lesson in luxury and elegance: style is not about constantly reinventing ourselves or buying the latest seasonal clothes. It’s choosing a piece, wearing it, loving it and letting it describe who we are. Fashion only becomes beautiful when it enhances the wearer, not the brand or the trend.

She understood the system and played with it, but she always set her own rules.
She once said that a good coat—mostly Prada, in her case—is essential to keep up with New York’s weather and life itself.
Her accessories, like her clothing, were few but carefully chosen. Every piece was so intentional that nearly 30 years later, people still hunt them down.
As for bags, she’s known for carrying her Hermès Birkin like a true New Yorker: practical, fully lived in and never a trophy. It wasn’t a statement piece left in a closet to gather dust; it held everything she needed for her day and she wore it without hesitation.

In July 1999, Karl Lagerfeld emphasized that she was not a “label girl.” CBK embodied the look of the 90s with her minimalism and quiet elegance.
Not just her style, but also JFK Jr.’s image soon represented taste and sophistication. Together, they defined American glamour, in an effortless yet composed way.

Her wedding dress, designed by Narciso Rodriguez, a former colleague at Calvin Klein, became instantly iconic.

The silk slip dress was simple, almost too simple, but what made it unforgettable was the way she wore it. Reportedly priced over $40,000, it didn’t scream luxury but quietly reshaped what brides dreamed of in those years, from the moment she stepped into that small church on a remote island.
The ceremony was kept secret, far from cameras and chaos. Even Princess Diana confided to Anna Wintour that she envied the privacy of CBK’s wedding, something she had always wished for herself.

In the end, perhaps they truly kept one secret from the world. We will never know what they said or how they felt in their final hours together, and perhaps this is exactly what makes their story eternal. Their way of being continues to inspire and captivate.
Today, they are more than just a memory: they are legend, myth and symbols of style, grace and timeless chicness.

Love Story: Carolyn Bessette-Kennedy e il suo stile sono tornati!

Prima delle board su Pinterest, prima che TikTok o Instagram dettassero le tendenze, prima che “quiet luxury” diventasse un hashtag abusato, c’era Carolyn Bessette-Kennedy. Proprio nel cercare di passare inosservata, è diventata un modello di stile senza tempo. All’epoca non poteva sapere che, decenni dopo, le donne avrebbero ancora studiato le sue fotografie fotogramma per fotogramma.

La nuova serie “Love Story: John F. Kennedy Jr. e Carolyn Bessette” l’ha riportata al centro dell’attenzione, raccontando la relazione che ha definito l’estetica americana degli anni ’90, prima di finire in tragedia il 16 luglio 1999. Erano la coppia più chiacchierata del decennio: lui era il figlio di uno dei presidenti americani più mitizzati, lei era direttrice della comunicazione di Calvin Klein. Ma ridurla a una donna al fianco del “principe d’America” sarebbe un errore. Era una figura affascinante e indipendente che, quasi per caso, si innamorò dell’uomo più desiderato del momento. Parlare di semplice curiosità del pubblico non rende giustizia per quanto fossero sotto i riflettori.

I colleghi la ricordano come tagliente, intelligente e diretta: non è difficile capire perché! All’improvviso si ritrovò catapultata in un mondo molto più grande di quello che aveva costruito per sé. John era cresciuto davanti alle telecamere, lei era una cittadina privata con un lavoro nella moda. Lo shock fu enorme: i paparazzi la seguivano ovunque, analizzando ogni espressione e gesto, criticando ogni mossa. Quello che molti oggi interpretano come freddezza, era spesso un modo per proteggere se stessa ed il suo spazio.

La sua autenticità resta attuale perché non era pensata per attirare l’attenzione.

Quella stessa quieta sicurezza si rifletteva nel suo guardaroba. In un’epoca in cui tutto sembra costruito, le sue scelte di stile sembrano ancora moderne, anche a decenni e miglia di distanza dal suo mondo.
Non inseguiva le tendenze, ma ha costruito la propria “uniforme”: nero, blu navy, grigio e avorio erano i suoi colori di riferimento per un look pulito e semplice. Quando voleva lasciare il segno, puntava sulle texture. Col tempo trovò i capi che le stavano meglio e riflettevano la sua personalità, usandoli come pezzi distintivi.

Il suo approccio ci ha insegnato una lezione su lusso ed eleganza: lo stile non consiste nel reinventarsi continuamente o comprare l’ultimo capo di stagione. È scegliere un pezzo, indossarlo, amarlo e lasciare che racconti chi siamo.

La moda diventa bella solo quando valorizza chi la indossa, non il marchio o la tendenza. Lei capiva il sistema e sapeva come muoversi al suo interno, ma seguiva sempre le proprie regole.
Diceva che un buon cappotto—per lo più Prada, nel suo caso—è essenziale per affrontare il clima e la vita di New York. Gli accessori, come i vestiti, erano pochi ma scelti con cura.
Ogni pezzo era così pensato che, quasi trent’anni dopo, continua ad essere moderno e ricercato. La sua Birkin di Hermès, per esempio, veniva portata come una vera newyorkese: pratica, vissuta, mai da esibizione. Non era un oggetto lasciato nell’armadio a prendere polvere; conteneva tutto il necessario per la giornata e Carolyn la indossava senza esitazioni.

Nel luglio 1999, Karl Lagerfeld sottolineò che non era una “label girl”. CBK rappresentava il look degli anni ’90 con il suo minimalismo e la sua eleganza discreta.
Non solo il suo stile, ma anche l’immagine di JFK Jr. divennero sinonimo di gusto e raffinatezza. Insieme incarnavano il glamour americano in modo naturale e composto.

Il suo abito da sposa, disegnato da Narciso Rodriguez, ex collega di Calvin Klein, divenne subito iconico.

Lo slip dress di seta era semplice, quasi troppo semplice, ma ciò che lo rese indimenticabile fu il modo in cui lo indossò.
Nonostante il prezzo stimato di oltre 40.000 dollari, non ostentava lusso e, dal momento in cui entrò nella piccola chiesa, ridefinì silenziosamente i sogni delle spose di quegli anni.
La cerimonia fu tenuta segreta, lontana da telecamere e caos. Perfino la principessa Diana confidò ad Anna Wintour di invidiare la privacy del matrimonio di CBK, un’intimità che aveva sempre desiderato per sé.

Alla fine, forse l’unico segreto che davvero custodirono resta racchiuso nelle loro ultime ore insieme. Non sapremo mai cosa si siano detti o come si siano sentiti, e forse è proprio questo a rendere la loro storia eterna. Il loro modo di essere continua ad ispirare e affascinare.
Oggi non sono solo un ricordo: sono leggenda, mito e simboli di stile, fascino e chic senza tempo.

Foto: Pinterest

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Da questa domanda prende forma “Sempre ritorni come l’onda” di Antonio Scommegna, pubblicato da SBS Edizioni. Una raccolta in cui la poesia diventa uno spazio capace di contenere dubbi, tensioni e domande che non cercano di essere risolte.
Il paesaggio interiore si intreccia con quello reale, con la terra d’origine e con la lingua che riemerge, anche nel dialetto. Il ritorno non è un passo indietro, ma ci porta in un punto completamente nuovo, dove avremo la possibilità di crescere e ricominciare.
Esattamente come un’onda: sembra ripetersi costantemente, ma ogni volta riscrive il confine tra terra e mare.

Essere selezionato per Casa Sanremo Writers 2026, significa esporsi su un palco, davanti ad un pubblico che non è necessariamente abituato ad avere a che fare con la poesia.
Antonio Scommegna, insegnante e operatore culturale, si confronta ogni giorno con le nuove generazioni, con le loro fragilità e domande. Forse è proprio da questo confronto che nasce l’occasione di analizzare questa urgenza di senso.

E forse il ritorno di cui parla il titolo non è soltanto verso la terra, la fede o l’amore, ma verso se stessi, per uscirne diversi.

La sua attività di insegnante e operatore culturale affiora in filigrana anche nella scrittura poetica. In che modo l’esperienza con le nuove generazioni ha influenzato il suo modo di intendere oggi la poesia?

L’esperienza con le nuove generazioni ha inciso profondamente sul mio modo di intendere la poesia, spingendomi verso una parola sempre più essenziale, autentica e responsabile. Il confronto soprattutto con gli studenti che partecipano al progetto “Il piacere di scrivere…poesia” mi ha insegnato che la poesia non può rifugiarsi nell’autoreferenzialità o nel puro esercizio formale: deve invece restare uno spazio di ascolto, di relazione, di verità condivisibile. L’insegnamento non è mai stato solo un trasferimento di saperi, bensì uno scambio perché la poesia diventa un luogo dove la fragilità, il dubbio e la ricerca possono convivere, e dove la parola conserva ancora una funzione etica e trasformativa.

Essere selezionato per Casa Sanremo Writers 2026 significa portare la poesia in un contesto di grande visibilità. Che cosa si aspetta che accada, a Sanremo, quando un testo poetico incontra un pubblico non necessariamente “specialista”?

Mi aspetto che accada un incontro autentico. Quando la poesia entra in uno spazio di grande visibilità come Sanremo e incontra un pubblico probabilmente anche non “specialista”, smette di essere un territorio riservato e torna a essere ciò che è sempre stata: una forma di esperienza condivisa. Può sorprendere, spiazzare, talvolta rallentare il ritmo di chi ascolta, ma proprio per questo apre una fessura. In quella fessura può nascere un riconoscimento emotivo, anche senza strumenti critici o definizioni tecniche. Credo che la poesia, fuori dai suoi luoghi abituali, abbia la forza di parlare in modo diretto, di accendere domande più che offrire risposte, e di ricordare che le parole non servono solo a spiegare il mondo, ma anche a sentirlo. 

In “Sempre ritorni come l’onda” convivono crisi spirituale, radici, dialetto e una forte componente sensoriale. Qual è stato l’ordine interno con cui questi nuclei si sono organizzati nella raccolta: prima i temi, prima le immagini, o prima la necessità di dire?

In “Sempre ritorni come l’onda” l’ordine non è stato progettato a tavolino. È nata prima la necessità di dire, che aveva a che fare con una crisi e con un ritorno alle radici. Nelle poesie sono affiorate le immagini, spesso legate al corpo, ai sensi, ai luoghi interiori e reali che il dialetto esprime meglio di qualsiasi altra lingua. I temi hanno preso forma e si sono riconosciuti tra loro, come correnti che scorrono nello stesso mare. La dimensione spirituale, il richiamo delle origini, la materia sensoriale non sono stati scelti: si sono imposti, seguendo un ordine emotivo più che razionale. La raccolta si è quindi costruita ascoltando ciò che tornava con insistenza, come un’onda appunto.


Il titolo evoca una dinamica inevitabile: il ritorno. Quale “ritorno” è il più decisivo nel libro, quello alla terra, quello alla fede, quello all’amore, oppure quello a se stessi?

Il ritorno più decisivo, nel libro, è quello a se stessi, perché è il luogo in cui tutti gli altri ritorni si ritrovano. Il ritorno alla terra, alla fede e all’amore non sono traiettorie separate, ma modi diversi di ritrovarsi. Tornare alla terra significa riconoscere le proprie radici e la propria fragilità; tornare alla fede è accettare il dubbio come parte del cammino; tornare all’amore è esporsi di nuovo. Ma tutto questo accade solo quando si ha il coraggio di rientrare in sé, di attraversare ciò che brucia e ciò che manca. In “Sempre ritorni come l’onda” il ritorno non è mai nostalgico né pacificato: è un percorso, a volte doloroso, che non riporta allo stesso punto, ma a una consapevolezza più profonda di chi si è diventati.

Per approfondire:
– Sheyla Bobba e SBS Edizioni;
– Chiara Domeniconi;
– Antonella Torres;
– Marinella Brandinali;
– Veronica Madia;
– Alessandra Esposito;
– Alessio Tanzi;
– Barbara Fabrizio;
– Fabio Marino.

L'articolo Il significato della vita in poesia proviene da AdL Mag.

Milan has something special waiting. Marking 100 years since Claude Monet’s death, on December 5th an immersive exhibition opened at Spazio Ventura.  Don’t worry, it runs until April 4th, so there’s still time!

Here Impressionism isn’t shown only through Monet’s works, you experience it throughout the entire visit.

Almost 2,000 square meters of masterpieces are brought to life with 4K technology. It’s a completely different experience from a traditional museum (which, of course, remains wonderful and irreplaceable). This one is more immersive, more personal, and perhaps more accessible to a younger audience.

Just imagine water lilies floating across walls taller than you while you lie on a large pillow on the floor. It’s dreamlike. You could almost fall asleep right there, surrounded by background sounds that recreate the atmosphere of the paintings. 

Although it may seem overwhelming—or at least that’s what I thought at first—you’ll feel transported into another world.

Before stepping into that world, let’s take a quick look at Monet’s life.

Born in Paris in 1840, he soon discovered his talent. As a teenager, he was already selling caricatures of teachers and locals. Everything changed when he met landscape painter Eugène Boudin, who encouraged him to paint outdoors. From that moment on, light became Monet’s lifelong obsession.

In the 1870s his painting “Impression, Sunrise” gave its name to a new art movement (Impressionism), even if the term was originally meant as an insult by critics.

In 1883, he settled in Giverny, which became his sanctuary. There, he created some of his most iconic works—think of the Japanese bridge or the water lily pond.

He continued traveling across Europe, drawing inspiration from nature and painting the same scenes over and over again to capture how light transformed them at different times of day.

The exhibition follows his journey closely.

One minute you’re under the smoky skies of London; the next, you’re in Venice, a city Monet once described as “too beautiful to be painted.” Suddenly, you’re back in Giverny, wandering through his colorful house and garden, which is probably every gardener’s dream.

You don’t just observe his travels through Europe and the different stages of his life: you feel them.

Why did impressionism actually matter?

When photography was invented, artists had to rethink their role. The camera was surely a better tool to capture reality, wasn’t it? Monet and the Impressionists found their answer: they didn’t simply paint what was happening, but how it felt.

They were deeply interested in color theory, making color alive and vibrating. They didn’t paint white lights, but reflections made of blues, yellows, pinks and greys. Shadows, weren’t even black anymore.

Instead, they placed small colored spots side by side and let the viewer’s eye blend them, capturing the landscape as what Monet said was “nothing but an impression, an instant one”.

How to conclude the experience in the best way possible.

By the end of the exhibition, you have the opportunity to set off on a 10-minute VR journey, starting from his studio in Giverny and moving through the most iconic landscapes that inspired him. It’s captivating ad surprisingly emotional. 

For those few minutes, you step into his world and, in a way, become Claude Monet yourself.

Amanti dell’arte, questo è per voi!

So che Monet è da tempo nella vostra bucket list, ma diciamoci la verità: la Francia non è proprio dietro l’angolo e non tutti possono prendere un treno per Giverny ogni volta che ne hanno voglia. E se vi dicessi che in realtà non ce n’è bisogno?

A Milano c’è qualcosa di speciale che vi aspetta. Per celebrare i 100 anni dalla morte di Monet, il 5 dicembre ha aperto una mostra immersiva allo Spazio Ventura. Niente paura: sarà visitabile fino al 4 aprile, quindi siete ancora in tempo!

Qui l’Impressionismo non viene mostrato solamente attraverso le opere di Monet, ma lo si vive lungo tutto il percorso della visita.

Quasi 2.000 metri quadrati di capolavori prendono vita grazie alla tecnologia 4k. È un’esperienza innovativa, completamente diversa da quella di un museo tradizionale (che, naturalmente, rimane unico e insostituibile). Questa è più coinvolgente, più personale e forse anche più adatta ad un pubblico giovane.

Immaginate ninfee che fluttuano su pareti più alte di voi, mentre siete sdraiati su un grande cuscino sul pavimento. È come un sogno. Potreste quasi addormentarvi lì, circondati dai suoni di sottofondo che ricreano l’atmosfera dei dipinti mostrati. Anche se all’inizio può sembrare un po’ “overwhelming”—o almeno questa è stata la mia prima impressione—vi sentirete presto trasportati in un altro mondo.

Però, prima di entrarci davvero, facciamo un breve passo indietro nella vita di Monet.

Nato a Parigi nel 1840, scoprì presto il suo talento. Da adolescente vendeva già caricature di insegnanti e abitanti del posto. Tutto cambiò quando incontrò il pittore paesaggista Eugène Boudin, che lo incoraggiò a dipingere all’aria aperta. Da quel momento, la luce divenne la sua ossessione.

Negli anni Settanta dell’Ottocento, il suo dipinto “Impression, Sunrise” diede il nome ad un nuovo movimento artistico, l’Impressionismo, anche se il termine nacque inizialmente come critica.

Nel 1883 si stabilì a Giverny, che divenne il suo rifugio. Qui realizzò alcune delle sue opere più iconiche, come il ponte giapponese o lo stagno delle ninfee.

Continuò a viaggiare in Europa, traendo ispirazione dalla natura e dipingendo più volte gli stessi soggetti per catturare le trasformazioni della luce durante le diverse ore del giorno.

La mostra segue da vicino il suo percorso.

In un primo momento vi troverete sotto i cieli nebbiosi di Londra; quello dopo invece sarete a Venezia, città che Monet definì “troppo bella per essere dipinta”. Poi tornerete a Giverny, passeggiando nella sua casa colorata e nel suo giardino, che probabilmente è il sogno di ogni appassionato di giardinaggio.

Non vi limiterete ad osservare i suoi viaggi e le diverse fasi della sua vita: li vivrete.

Perché l’Impressionismo è stato davvero importante?

Con l’invenzione della fotografia, gli artisti dovettero ripensare al proprio ruolo. La macchina fotografica era uno strumento migliore per catturare la realtà, no? Monet e gli Impressionisti trovarono la loro risposta: non dipingevano semplicemente ciò che accadeva, ma ciò che si provava.

Erano profondamente interessati alla teoria del colore, rendendolo vivo e vibrante. Non rappresentavano una luce bianca, ma un riflesso composto da tonalità di blu, giallo, rosa e grigio. Le ombre non erano nemmeno più nere.

Accostavano piccoli tocchi di colore e lasciavano che fosse l’occhio dello spettatore a fonderli, catturando il paesaggio come quello che Monet definì “nient’altro che un’impressione, un istante”.

Come concludere al meglio l’esperienza?

Alla fine della mostra avrete la possibilità di intraprendere un viaggio di circa 10 minuti con la realtà virtuale, partendo dal suo studio di Giverny e attraversando i paesaggi più iconici che lo hanno ispirato. È coinvolgente e sorprendentemente emozionante.

Per quei pochi minuti entrerete nel suo mondo e, in un certo senso, diventerete anche voi Claude Monet.

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