Dall’eleganza senza tempo di Armani alla ribellione di Tell The Truth, dai ricami di HUI alla pelle innovativa di Francesca Liberatore: la giornata di oggi è stata un mix di tradizione, creatività e audacia.

Giorgio Armani: il passaggio del testimone

La domenica mattina della Milano Fashion Week ha sempre un nome: Giorgio Armani. Ma quest’anno l’emozione era diversa.

La Fall/Winter 2026-2027 è la prima collezione dopo la scomparsa del fondatore e il debutto milanese di Silvana Armani, che guida la linea storica di suo zio per la prima volta completamente da sola. Si sente che è un momento importante. Si sente che è un nuovo inizio. Infatti, il titolo Nuovi orizzonti dice già tutto. Le forme sono leggere, le giacche svuotate dalle imbottiture, mentre i cappotti e i pantaloni cadono morbidi fino a terra.

Ma c’è qualcosa di nuovo in questo nuovo Armani. Giacche effetto ciniglia, trench in pelle e boleri di piume che riscrivono l’outerwear. La sera diventa più teatrale: kimoni ricamati in lurex, tuniche sopra i pantaloni, superfici increspate che sembrano paesaggi montani. Un omaggio all’Oriente che ha sempre attraversato il vocabolario Armani, ma con uno sguardo fresco.

Credits photo GiorgioArmani: AmicaMagazine

E poi la musica: la voce di Mina con A costo di morire, cover di Fausto Leali del 1967, ha reso tutto più intenso. In sala era impossibile non avere la pelle d’oca.

Non era solo una sfilata: era un passaggio di testimone. Un addio che diventa nuovo inizio.

Il lusso underground di Tell The Truth

Lo spirito underground incontra la qualità: Tell The Truth debutta alla Milano Fashion Week FW26/27 portando una collezione che unisce street style e artigianalità. Fondato da Rainy Womack, è un brand americano che mescola lusso e ribellione, portando lo spirito di strada nel mondo dell’alta moda.

Il brand gioca con stampe bold, linee oversize e tagli decisi, senza rinunciare a materiali pregiati e lavorazioni curate, pensate per durare nel tempo.

La sostenibilità è al centro: pelli vegane e tessuti riciclati trasformano ogni capo in una dichiarazione di lusso responsabile. Luxury rebellion è quindi la filosofia: capi che rompono le regole senza perdere eleganza, pensati per chi vuole uno stile giovane, fresco e consapevole.

Credits photo TellTheTruth: AmicaMagazine

Hui: l’arte femminile del ricamo

Tra fili rossi sospesi e un’atmosfera calma e raccolta, il défilé di HUI porta in scena una storia fatta di tradizione e contemporaneità. Per la sfilata Fall Winter 26-27 intitolata Her Threads, la fondatrice Huizhou Zhao sceglie di mettere al centro il Nü Gong (女红), l’antica arte femminile del ricamo.

Il ricamo diventa quindi il vero e unico protagonista: non è solo decorazione, ma racconto. Si vede lungo le cuciture, sui polsini, sulle schiene. I fili, inizialmente sottili e delicati, diventano via via più evidenti e strutturati, come simbolo di una forza che cresce.

Anche la palette segue questo percorso: si parte da tonalità chiare e leggere, per arrivare a colori più profondi, fino a bianchi luminosi che chiudono la sfilata con un senso di libertà e consapevolezza. Una collezione che parla con semplicità, ma lascia un segno preciso.

Credits photo HUI: imaxtree.com

Francesca Liberatore: la collaborazione con Lineapelle

Francesca Liberatore torna a sfilare in una scuola, stavolta alla Nicola Moreschi, portando in passerella FW26/27 uno spirito libero e creativo. «Essere stilista e docente mi permette di far nascere immaginazione e idee», racconta, accompagnata dalle note di Un ottico di Fabrizio De André, che invita a guardare il mondo con occhi nuovi.

La collezione gioca tra Italia e Cina, mescolando forme, materiali e lunghezze: giacche classiche e gonne a ruota si alternano a lycra color block e stampe vivaci. Al centro c’è la pelle, protagonista grazie alla collaborazione con Lineapelle: materiali innovativi che imitano il denim anni ’80 e intarsi maculati trasformano i capi in veri statement piece, tra tradizione artigianale e sperimentazione.

Bomber con rombi e leggings a contrasto aggiungono un tocco sportivo e giocoso, perfetto con la libertà della location. Una sfilata che invita a riscrivere la quotidianità con creatività, spontaneità e immaginazione.

Credits photo FrancescaLiberatore: AmicaMagazine

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La tensione oggi è diversa: meno debutti carichi di attesa, ma più conferme e identità da riaffermare.
Milano diventa ancora una volta il palcoscenico in cui si cerca di capire quali valori tenere e cosa è meglio lasciare andare, tracciando la strada per un nuovo futuro.

Tod’s

Mattiniero ed essenziale è Tod’s, che apre la giornata con il suo lusso silenzioso. Matteo Tamburini non ci presenta nessun eccesso, solo controllo. La donna di Tod’s non ostenta la sua eleganza e non sembra cerca colpi di scena. E forse, proprio per questo, ci mostra carattere.
Il concept di fondo ci riporta al corpo e all’artigianalità, da sempre priorità della maison.
Perfino il make-up, quasi invisibile, sembra voler lasciare carta bianca agli abiti, in modo da far parlare i materiali.

La palette si muove su colori neutri (beige, sabbia, cuoio) attraversati da tocchi di giallo, che illuminano la collezione senza tradirne la compostezza.
Il gioco del layering è centrale: giacche e ponchi sovrapposti, così come maglioni e camicie. Spiccano anche le cinture che segnano il punto vita, posizionate sopra un blazer o una giacca di pelle.
Gli accessori completano la quotidianità dei look, passando da borse spaziose per il giorno a pochette allungate per la sera. Non possono mancare i guanti, indossati o tenuti in mano, che rafforzano l’idea di una femminilità composta.

Marco Rambaldi

Mentre noi osserviamo, la sua passerella si fa dichiarazione, con messaggi che provocano le convenzioni, come “wish you were queer”.

La collezione lavora su stratificazioni di capi e materiali, dove pelle, maglia, felpa e ricami convivono senza gerarchie. I colori sono per lo più neutri, accedendosi con qualche rosa, rosso e azzurro.
Torna il crochet che diventa colletti, cardigan e abiti, sottolineando la bellezza di quei capi che sembrano fatti a mano.
Le silhouette alternano capi morbidi e sportivi ad altri più femminili, ma anche look non usuali, come abiti lasciati aperti in modo che ricadano sui fianchi formando una gonna.
Tacchi con calzini alti, boa e borse con trecce in maglia completano la visione della collezione.

Chi indossa Marco Rambaldi non passa inosservato, e non vuole farlo.

Sportmax

Sportmax porta in passerella una femminilità urbana che combina comodità e stile. Questa collezione sembra dire: la donna moderna vuole comfort, ma non rinuncia mai a un tocco di classe.

I tocchi di colore non mancano e arrivano dagli accessori (borse, orecchini, scarpe e guanti) mentre la base rimane neutra, con il nero che domina ma non appesantisce.
I grandi classici, quelli che conosciamo da sempre, vengono rivisitati nelle forme, nei materiali e nei dettagli. Sono reinventati senza stravolgerne l’essenza. Così, anche ciò che sembra già visto acquista freschezza e vitalità, confermando che certe regole di stile restano valide anche se il tempo passa.

Blumarine

Con Blumarine il discorso cambia registro alla giornata: la sensualità torna ad essere dichiarata.
La sfilata presenta un romanticismo dark, con volumi che seguono le forme, trasparenze audaci, cutout e fantasie floreali, ormai simbolo dell’immaginario del brand.
La palette gioca tra nero, rosso fuoco, tessuti metallici argento e oro, e conclude in bianco, sempre reso sensuale e mai ingenuo.
I fiori non appaiono solo come stampe sui tessuti, ma diventano tridimensionali con la stoffa che crea rose e petali che cadono.
Gli accessori, dai cameo ai gioielli per il corpo, aggiungono personalità e completano look che alternano eleganza e seduzione.
La femminilità di Blumarine si distingue per essere audace e riconoscibile.

Gucci

Sebbene non sia un vero e proprio debutto, non vedevamo l’ora che il nuovo Gucci di Demna si svelasse in passerella.
Pochi giorni prima dello show, Gucci cancella tutti i post dal suo profilo Instagram. Nessuna traccia del passato, solo alcune immagini, una data e una parola: Primavera.
Il feed diventa così una moodboard fatta di frammenti e anticipazioni.
Nel testo pubblicato alla vigilia, Demna racconta un anno trascorso a studiare la “gucciness” della maison, per poi imbattersi nei capolavori di Botticelli conservati agli Uffizi.
Con la promessa di leggerezza e intensità emotiva, questa Primavera si presenta come un nuovo inizio.

Dai primi look, tuttavia, la domanda sorge quasi spontanea: dov’è Botticelli in questa collezione?
La sfilata apre con una semplicità quasi straniante, tutto è attillato, lineare e in alcuni casi anonimo. Ai modelli però viene dato carattere, diventando veri personaggi che interpretano una parte: chiaro esempio è il ragazzo che quasi si fermava per forse inviare un messaggio.
Poi qualcosa cambia e forse iniziamo a vedere la Primavera che ci era stata promessa inizialmente. Compaiono motivi floreali, abiti più eleganti e tessuti metallici che illuminano la passerella, rompendo la sequenza di nero.
In alcuni look abbiamo ritrovato anche lo stile di Tom Ford, forte più che mai con l’abito di Kate Moss, magnetica come sempre, che chiude la sfilata, rendendola impossibile da ignorare.

E così, tra minimalismo iniziale e qualche scintilla finale, Gucci sembra più sicuro di sé che innovativo. Non resta che chiedersi: è novità o un déjà-vu dal passato?

Sa Su Phi

Sa Su Phi continua a lavorare sull’idea di guardaroba consapevole, ma questa volta lo fa con colori decisi. Dopo le palette scure viste in passerella durante la giornata, la collezione arriva come una boccata d’aria fresca: rosso acceso e color vino, rosa cipria, azzurro, giallo e oro si alternano a tonalità neutre che mantengono l’equilibrio.
Le linee restano pulite, i materiali morbidi e le silhouette sinuose. Troviamo volumi sui fianchi di gonne e pantaloni, ma anche su camicie, che si alleggeriscono grazie a plissettature che donano movimento e rendono il look più arioso.
Il brand fa sfilare un’eleganza raffinata e cool, sofisticata senza risultare rigida.

Elisabetta Franchi

La sfilata si apre con completi strutturati che dialogano con abiti e gonne di pailettes, creando un contrasto interessante tra rigore sartoriale e leggerezza. Il punto vita diventa protagonista: viene accentuato nelle giacche e con corsetti su maglioni oversize o pellicce.
La palette resta prevalentemente neutra, tra nero, bianco e blu scuro, ma si accende con tocchi di rosso e tonalità del marrone.
Le piume dorate che compaiono in alcuni look richiamano la location, decorata da piume bianche che scendono dal soffitto conferendo una maggiore delicatezza al tutto.

Il risultato? Una donna elegante e versatile, capace di passare con naturalezza dal giorno alla notte, mantenendo la sua sensualità.

Moschino

Da Moschino ci si aspetta un’ironia eccentrica che sappia staccare dal tono degli altri brand. Ogni collezione presenta un equilibrio tra gioco e provocazione visiva. E anche oggi, le nostre aspettative non vengono deluse.

A primo impatto, i primi look ci fanno domandare “è veramente Moschino?”. Poi piano piano, la risposta arriva nei dettagli e nelle texture che donano personalità agli abiti: cappelli con orecchie da coniglio, modelle che portano con loro accessori dalle forme inaspettate, come un vaso con un cactus o persino un maialino. E ancora fantasie colorate, tra cui spicca una camicia composta da banconote.
I volumi sono morbidi, con capi quotidiani che si alternano a pezzi più scenografici, mentre calze colorate spuntano sotto abiti neri e maglie stampate aggiungono il tocco ironico che speriamo di trovare in Moschino.

Institution by Galib Gassanoff

Subito dopo lo sfarzo di Moschino, cambiamo nuovamente registro. Il calendario milanese accoglie una visione più intima ma non meno determinata.
Institution by Galib Gassanoff è un brand lanciato dall’ex co-fondatore di Act N°1 dopo la fine di quell’esperienza. Non punta a sorprendere con capi “alla moda”, ma a raccontare una storia.

La palette è scura, i primi abiti ampi e morbidi. Nonostante la semplicità, nessun capo appare anonimo: alcuni look sono creati usando tappeti riccamente decorati, trasformati in gonne o giacche. La collezione inizia a prendere forma con capi più elaborati, con dettagli come frange e pelliccia.

GCDS

La chiusura della giornata è affidata a GCDS, che negli anni ha trasformato l’estetica pop e digital in un linguaggio fashion perfettamente riconoscibile. Nato nello streetwear, ha progressivamente cercato una maturazione, senza rinunciare all’impatto visivo: qui il minimal silenzioso che abbiamo visto prima non esiste.

La passerella esplode di colore e stampe, con look giovani che catturano immediatamente lo sguardo. I materiali variano e sono spesso combinati a trasparenze, che dominano la scena insieme a tessuti metallizzati e pois.
I corsetti scolpiscono il corpo con fianchi che ricreano mini panier, mentre i tacchi con plateau trasparente completano silhouette audaci.
Il finale, che vede sfilare diversi look neri, non spegne l’energia della collezione, ma la mette in risalto tanto quanto i colori accesi che ci hanno rapito lo sguardo prima.

Foto: Fashion Network

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La settimana della moda di Milano è ormai entrata nel vivo. A poco più di quarantotto ore dal fischio d’inizio, le passerelle vengono calcate da nuovi volti, grandi nomi, e trionfali debutti. Dopo l’attesissimo dolce ritorno a casa di Maria Grazia Chiuri, che ieri ha debuttato alla guida di Fendi, è stata oggi la volta di Meryll Rogge per Marni.

Ancora, il romantico omaggio al Medioevo di Max Mara, l’iper-femminilità dandista di Genny, il layering di Prada: ecco tutto ciò che ha lasciato il segno durante la terza giornata di Milano Fashion Week.

Max Mara

Quando si parla di Medioevo, lo si fa spesso con un’accezione negativa. A volte, la parola stessa viene usata quasi come un insulto, volto a definire antico e superato – nel senso più svalutante del termine – ciò a cui ci si riferisce. Ian Griffiths, direttore creativo di Max Mara, raccoglie invece la sfida: rispolverando qualche libro di storia, scopre qualcosa di “estremamente moderno” tra le pagine che narrano dell’età di mezzo tra l’antichità e l’epoca moderna. Per la collezione Autunno Inverno 2026 di Max Mara, la sua musa diventa così Matilde di Canossa.

Figura straordinariamente atipica per il suo tempo, Matilde rappresenta l’eccezione: una donna che esercitò autorità in un’epoca in cui l’autonomia femminile iniziava a essere progressivamente erosa. Fu un’abile diplomatica, una mecenate delle arti, governatrice di vasti territori.

Il suo carisma, nella collezione, prende forma attraverso cashmere, suede, cammello e mohair, modellati attorno al corpo morbidamente. I cappotti fungono da armature contemporanee, le cinture con doppie fibbie laterali evocano quelle usate per sostenere le spade, le spalle, statuarie ed imbottite, disegnano una silhouette protetta e autorevole. La palette attraversa tonalità che vanno dal beige al marrone, dall’antracite al nero. Eppure, nel monocromo firmato Max Mara, non c’è nulla di monotono: l’uso dei tessuti rende ogni sfumatura profondamente viva.

Il défilé risulta romantico e medievale, ma allo stesso tempo intriso di una contemporaneità che, talvolta, solo l’intreccio con la storia riesce a generare. Paradossale forse, ma è così. Griffiths non mette in scena un’epoca. Sceglie di tradurla in presente.

Genny

Un diverso tipo di romanticismo è quello scelto da Sara Cavazza Facchini per Genny. La designer, ispirata dalla mostra Marie Antoinette Style al Victoria & Albert Museum di Londra, attualizza quell’estetica iper-femminile bon ton, investendola di gentili venature mascoline. Disinvoltura e compostezza convivono: nessuna delle due prevale, assumono la stessa importanza. Corposi velluti, leggiadre piume, ruches, fiocchi e corpetti che ricordano antiche crinoline si alternano in passerella. Se la frivolezza del rococò e l’arbiter elegantiarum tipico dello stile dandy avessero un figlio, porterebbe il nome dell’Autunno Inverno 2026 di Genny.

Boss

Un guardaroba che esalta la straordinaria varietà del vivere quotidiano: questa l’idea di Marco Falcioni per l’Autunno Inverno 2026 di Boss. La pelle è una grande protagonista: liscia, lucida, con trama di struzzo. Così come è un grande protagonista anche il tailoring scolpito, sia al maschile che al femminile. Non mancano i riferimenti agli anni Novanta, con quell’estetica un po’ Patrick Bateman di American Psycho, che, diciamocelo, funziona sempre. Il power dressing d’ufficio si intreccia alla grammatica visiva equestre, presente soprattutto nel sapiente gioco di styling. Qui prende forma nelle spille di pelle, nei colletti e nei polsini delle camicie che sembrano sfidare la gravità, e nei manici delle borse, reinventati come cravatte.

Prada

Prada è Prada. In un fashion system che barcolla, immersa in una moda che a tratti fatica a farsi valere, Prada non ha bisogno di dimostrare niente, né di esser nulla al di fuori di sé stessa. Per il prossimo inverno, la parola chiave è: pluralità. Non intesa come moltitudine di estetiche, ma come caleidoscopio di realtà. Di momenti. Come lente d’osservazione per le complessità della vita quotidiana. La collezione è uno studio sul layering di vestiti, che, anziché essere un semplice atto di styling, diventa gesto utile. Necessario. Un modo di abitare, usare, togliere e rimettere i vestiti che si indossano. Quindici modelle hanno preso d’assalto la passerella, entrando ed uscendo susseguendosi ogni volta con uno strato in meno, in più, o reinventato.

La battaglia di Prada per l’utilizzo – e soprattutto il riutilizzo – dei capi emerge anche dal finish di alcuni tessuti: cappotti e giacche mostrano segni di logoramento, volutamente consumati. Non si tratta di dettagli appositamente studiati per far parlare di sé, niente gimmick in corso. Sono in realtà accorgimenti che aprono a una conversazione diversa. La moda si rinnova, lo fa per definizione, instancabilmente. Questo, però, non ci solleva dalla responsabilità di rallentarne il ritmo, reindossando i capi il più possibile, vivendo l’indumento al di là delle tendenze.

Emporio Armani

“Maestro”: questo il titolo della collezione co-ed di Emporio Armani, la prima linea Emporio disegnata da Silvana Armani e Leo Dell’Orco. Non vi è distinzione di genere, ma complementarietà. Lo spirito, oltre che senza tempo, ma attuale, è collettivo: coppie e gruppi di modelli sfilano occasionalmente fianco a fianco. La narrazione viene portata avanti da un’ampia varietà di tessuti: denim, lana, e velluto si alternano a un knitwear lavorato in mille modi – i maxi abiti sfrangiati sul fondo strizzano l’occhio ad un modo tutto nuovo (per il brand, almeno) di reinventare i materiali, amplificandone la texture. Rispondono all’appello anche gonne da school girl, giubbotti da motociclista, trench coats e strass su jeans e colletti.

Dire che Armani è sinonimo di eleganza è ridondante. Quasi ovvio. Nonostante ciò, è una di quelle cose che non si riesce a non menzionare quando si scrive del disegno del re della moda italiana. Seppur la penna sia diversa stavolta, conserva tutta la sua essenza.

Marni

La sfilata di Marni  segna il debutto di Meryll Rogge, chiamata a inaugurare una nuova fase della maison. La designer belga introduce una parola chiave, che, si traduce in passerella in un guardaroba riconoscibile, emotivo e volutamente vicino alla vita reale, pur conservando quell’eccentricità cromatica che è parte del Dna del marchio.

In passerella si susseguono silhouette morbide, costruite su volumi leggermente sbilanciati e sovrapposizioni spontanee. Cappotti dalla linea cocoon avvolgono abiti fluidi, mentre gonne midi si accostano a maglieria dalla mano materica, creando un ritmo visivo fatto di contrasti tattili più che di costruzioni rigide.

Le stampe, floreali sgranati, motivi pittorici, grafismi rétro, appaiono come frammenti di memoria visiva, spesso accostati a campiture monocrome che ne amplificano la presenza. La palette alterna toni caldi e terrosi a improvvise accensioni di verde acido, rosso laccato e blu polveroso, in una composizione cromatica tipicamente Marni ma resa più controllata.

Particolarmente riuscito il lavoro sugli abiti day-to-evening: slip dress sovrapposti a maglie sottili, completi morbidi con pantaloni leggermente cropped, cappotti in tessuti tecnici abbinati a scarpe basse o stivali morbidi che accentuano la sensazione di comfort urbano. Gli accessori restano discreti ma identitari: borse morbide, quasi vissute, e bijoux irregolari che sembrano piccoli oggetti trovati.

Il debutto di Rogge si distingue per una ricerca di equilibrio: meno gesto provocatorio, più costruzione emotiva. È un Marni che guarda al quotidiano senza banalizzarlo, trasformando la plausibilità in una nuova forma di libertà espressiva.

Cavalli

La memoria visiva associata a Roberto Cavalli, stampe vibranti, animalier luminosi, esplosioni cromatiche, viene improvvisamente incrinata da un gesto radicale: Fausto Puglisi costruisce la collezione autunno-inverno 2026-27 come una variazione in total black. Un nero che, nelle sue parole, diventa «tela, profondità, materia viva», sensuale e carnale, attraversato da un’iper-femminilità magnetica e da un ottimismo sotterraneo.

Il risultato è un “dark Cavalli” che non rinnega il Dna della maison ma lo filtra come una fotografia a colori stampata in bianco e nero. Silhouette aderenti, abiti gladiator impreziositi da borchie dorate, superfici lucide e opache che catturano la luce trasformano il nero in paesaggio materico. Quando il colore riappare, l’effetto è quello di fotogrammi dipinti a mano che riaccendono la narrazione.

Dopo anni di rispetto quasi filologico dei codici Cavalli, Puglisi offre forse la sua interpretazione più personale: non una rivoluzione, ma uno slittamento emotivo. Un’ode all’ombra che genera luce, mentre la colonna sonora di Sweet Dreamsaccompagna il messaggio implicito della collezione, la ricerca di una nuova sicurezza dentro un’immagine familiare, ma finalmente diversa.

Articolo di Greta Liberatoscioli e Francesca Soba

Foto: Vogue, The Impression, Fashion Network

L'articolo Milano Fashion Week FW 2026: day 3 proviene da AdL Mag.

Dal rigore poetico di Jil Sander al debutto carico di aspettative da Fendi, passando per la leggerezza narrativa di Vivetta e il colore identitario di Missoni: la seconda giornata di sfilate fino a Nº21 disegna una moda che osserva.

La giornata si apre con Luisa Beccaria, che porta in scena una femminilità sospesa, fatta di trasparenze e romanticismo disciplinato. Non c’è nostalgia, piuttosto un’idea di grazia come forma di resistenza al rumore del presente.

Jil Sander

La sfilata di Jil Sander si sviluppa come un esercizio di sottrazione controllata. La costruzione sartoriale è il fulcro: cappotti dalla spalla pulita ma non rigida, giacche con revers allungati e pantaloni a vita alta che accompagnano il movimento senza imporre struttura.

I materiali raccontano la ricerca: lane compatte, flanelle leggere, pelli sottilissime lavorate quasi come tessuti. Il layering è calibrato con precisione architettonica, camicie liquide sotto blazer rigorosi, abiti colonna interrotti da inserti materici, creando una tensione tra morbidezza e disciplina.

La palette rimane fedele al vocabolario della maison: neri profondi, crema lattiginosi, tocchi di verde minerale e marroni caldi. Ma è la proporzione a fare la differenza. Orli leggermente abbassati, volumi impercettibilmente ampliati, silhouette che sembrano familiari eppure nuove.

È minimalismo che non congela, ma vibra. Una moda che si affida alla precisione per generare emozione, dimostrando che la sottrazione può essere il gesto più radicale.

Antonio Marras

Con Antonio Marras la passerella cambia ritmo e diventa racconto. La collezione si muove tra citazioni culturali, memorie personali e suggestioni geografiche, come pagine di un diario visivo.

Tecnicamente, il lavoro si gioca sulla stratificazione: abiti sovrapposti a maglieria irregolare, cappotti decorati con patchwork pittorici, gonne leggere interrotte da inserti materici. Le silhouette alternano costruzione e libertà, con volumi che sembrano nati dal gesto più che dal cartamodello.

Le stampe, floreali sbiaditi, grafismi quasi calligrafici, motivi fotografici, dialogano con ricami manuali e applicazioni tessili, creando superfici narrative. Marras lavora come un montatore cinematografico: accosta epoche, materiali e riferimenti fino a ottenere una coerenza emotiva.

La palette oscilla tra toni polverosi, neri teatrali e improvvise accensioni cromatiche, mentre gli accessori sono sciarpe avvolgenti, calzature ibride, borse materiche, rafforzano l’idea di personaggi più che modelli.

È una collezione che non cerca la linearità, ma la profondità. Un invito a leggere la moda come memoria condivisa.

Fendi: “Meno io, più noi”

Il momento più atteso arriva con Fendi. Sulla passerella campeggia una frase netta: “Meno io, più noi.” È il manifesto della prima collezione di Maria Grazia Chiuri per la maison romana a Milano, nonché la sua prima esplorazione esplicita del guardaroba maschile all’interno di questo contesto.

Il messaggio si traduce immediatamente in scelte tecniche e stilistiche. Il nero domina, compatto e deciso, fungendo da tela su cui costruire una narrazione collettiva. Le pellicce, recuperate e rielaborate, diventano gesto etico e artigianale: rasate, alleggerite, trasformate in superfici quasi tessili.

La collezione lavora sulla trasversalità: cappotti strutturati ma fluidi, pantaloni sartoriali accostati a cargo, gilet che dialogano con sottovesti, completi rigorosi affiancati a bermuda e gonne longuette. Maschile e femminile si dissolvono in favore di un guardaroba modulare, pensato per accompagnare i corpi piuttosto che definirli.

Le costruzioni rivelano l’esperienza di Chiuri tra Valentino e Dior, ma il risultato rimane profondamente radicato nel Dna Fendi. Le spalle sono naturali, i volumi scivolano, le proporzioni cercano comfort senza perdere eleganza. Nulla costringe, tutto accarezza.

Il logo ritorna all’origine, quasi archeologico, ancorando la collezione alla memoria della maison. E la Baguette riappare nella sua funzione primaria: oggetto quotidiano, artigianale, lontano dall’icona urlata e più vicino alla complicità personale.

Il debutto non è rivoluzionario nel senso spettacolare del termine, ma lo è nella sua dichiarazione di metodo: collaborazione, continuità, rispetto per il patrimonio e apertura al presente.

Il centro emotivo della giornata è, quindi, Fendi. Il debutto di Maria Grazia Chiuri non è semplicemente una sfilata, bensì un momento di osservazione collettiva. Milano guarda, misura, interpreta. La collezione gioca con i codici della maison, pellicce alleggerite, costruzioni fluide, femminilità consapevole, e lo fa con un equilibrio che evita sia la nostalgia sia la rottura brusca. Tensione nell’osservare un debutto in punta di piedi, si valuta, si studia, e, si decide. Ai posteri l’ardua sentenza.

Dopo la tensione narrativa di Fendi, arriva la leggerezza intelligente di Vivetta. Ironia sottile, dettagli grafici, un romanticismo pop che restituisce alla moda la sua dimensione ludica senza cadere nella superficialità.

Missoni

Con Missoni, a Milano,  la passerella si accende di materia e ritmo. Alberto Caliri guarda a storici scatti della maison del 1978 e li traduce in una collezione che celebra la maglia come linguaggio primario.

Le sovrapposizioni diventano il dispositivo tecnico dominante: cardigan su abiti, maglie stratificate, capi che costruiscono volume su volume senza perdere fluidità. Il risultato è una silhouette energica, quasi scultorea, che mescola maschile e femminile con naturalezza.

La maglieria, cuore identitario del marchio, si espande in nuove proporzioni: texture dense, righe vibranti, superfici tridimensionali che trasformano il movimento del corpo in paesaggio dinamico.

Caliri non cerca nostalgia, ma continuità. La memoria del 1978 diventa punto di partenza per una collezione grintosa e contemporanea, dove l’identità Missoni si rinnova proprio attraverso la sua materia originaria.

Nº21

La sfilata di Nº21 sorprende sin dall’inizio. O forse dalla fine. Alessandro Dell’Acqua apre lo show con quello che normalmente sarebbe il momento conclusivo: tutte le modelle insieme in passerella, l’intera collezione rivelata in un unico colpo d’occhio. Poi la narrazione ricomincia davvero, ribaltando la struttura tradizionale e instaurando un racconto circolare.

L’ispirazione nasce da Hotel di Sophie Calle, progetto in cui l’artista osservava le tracce intime lasciate dagli ospiti nelle stanze. Dell’Acqua traduce questa suggestione in quello che definisce un “voyeurismo sentimentale”: una collezione che esplora l’intimità senza invaderla, più matura e sobria rispetto al passato.

Le silhouette si fanno pulite e rigorose. Cappotti essenziali con colletti ricamati, body e pezzi più freschi affiancati a figure femminili adulte scelte per affermare una visione inclusiva dell’età. Il dialogo generazionale diventa parte integrante del messaggio.

L’unico lampo glamour esplicito arriva dalle scarpe glitter con punta in raso, bagliori luminosi che interrompono la sobrietà e ricordano che anche la discrezione può concedersi un gesto teatrale.

Quella presentata alla Milano Fashion Week, è una collezione intima, osservata più che esibita, dove l’emozione nasce dal dettaglio e dalla consapevolezza.

MM6 Maison Margiela

Con MM6 Maison Margiela la giornata trova una chiusura silenziosa ma concettualmente densa. La collezione, presentata alla Milano Fashion Week, lavora su un’ibridazione spontanea di codici: sportswear, classici borghesi e accenti equestri convivono in un guardaroba che evoca il piacere di giornate autunnali nel countryside ma rimane perfettamente credibile anche nello scenario urbano.

La chiave tecnica è la contaminazione. I capi appaiono come frammenti diversi che si incastrano con naturalezza: giacche sartoriali accanto a felpe asciutte, pantaloni sportivi dialogano con cappotti rigorosi, dettagli equestri si insinuano in silhouette quotidiane. Tutto è sorprendentemente indossabile, come se la sperimentazione fosse già stata assorbita dalla vita reale. Margiela lavora quindi su una tensione sottile: destrutturare senza rompere, estremizzare senza allontanare. Il risultato è una collezione che mantiene la dimensione concettuale tipica della maison ma la traduce in una portabilità concreta, quasi affettuosa.

È una chiusura che non cerca il colpo di scena, ma lascia una domanda aperta: quanto può essere sperimentale la normalità?

Si chiude la seconda giornata

La seconda giornata della Milano Fashion Week AI 2026-27, fino a Nº21, ha costruito un discorso maturo sulla moda contemporanea. Jil Sander ha mostrato la forza della precisione, Marras quella della memoria, Fendi quella della collaborazione. Missoni ha riaffermato il valore della materia identitaria, Nº21 quello dell’intimità narrativa.

E mentre Milano si spegne lentamente tra riflessi di vetrine e taxi in corsa, resta una certezza: la moda più interessante non è quella che cerca l’effetto immediato, ma quella che invita a guardare più a fondo.

Photocredits: Fashion Network

L'articolo Milano Fashion Week FW 2026: day 2 proviene da AdL Mag.

Prima giornata di passerelle nel capoluogo meneghino, che ospita la terza tappa del calendario internazionale delle settimane della moda. Al via la Milano Fashion Week dedicata alle collezioni Autunno Inverno 2026.

Diesel: il caos dell’aftermath

“Svegliarsi in un posto senza avere idea di cosa sia successo la notte prima”: queste le parole di Glenn Martens, direttore creativo di Diesel, a proposito del tema della sua collezione Autunno Inverno 2026 per il brand. Il senso di confusione si percepisce già dal set, che sembra il perfetto scenario di un fever dream: un’allucinazione contorta e magnetica, un ambiente dall’estetica hyper pop che impedisce allo sguardo di soffermarsi troppo a lungo su un solo elemento. Giocattoli, frammenti d’arredo, peluche, vasi, bottiglie, biglietti, abiti gettati a terra. Tutti oggetti riciclati da progetti e sfilate passate vengono riassemblati in una sorta di galleria caotica e stratificata.

Una sovrastimolazione visiva che prosegue anche in passerella, dove gli abiti amplificano la sensazione di disorientamento creativo: patchwork di pelliccia, stampe a contrasto, tessuti arricciati da bottoni chiusi in modo volutamente sbagliato, denim reinventato come solo Martens sa fare. Il suo Diesel continua ad essere caos e certezza. A Milano, da anni, è questo il rito d’inizio, il preludio ideale per la settimana.

Max Zara Sterck

Alla vigilia della presentazione della sua collezione Autunno Inverno 2026, Max Zara Sterck ha condiviso sui social l’immagine di una pietra nera: un’ossidiana arcobaleno, simbolo di protezione, profondità e metamorfosi. Un riflesso di quello che poi, sarebbe accaduto in passerella. Oggi pomeriggio, negli spazi della Fondazione Sozzani, ha preso forma un’esplosione di minimalismo dinamico e calibrato. Una palette ristretta colora silhouette asciutte, attraversate da trasparenze e tagli sensuali. Sensuali, ma elegantemente misurati. E se finora sono stati i pois a dominare le tendenze, Sterck suggerisce un cambio di direzione: arrivano le righe. Stampate oppure costruite attraverso sottili strisce di tessuto che si muovono insieme al corpo, o lo abbracciano, diventano loro un primo possibile indizio della prossima ossessione di stagione.

Venerdì pomeriggio: Vivetta Ponti si reinventa

In un intimo appartamento affacciato sul Castello Sforzesco, Vivetta Ponti svela la prima capsule del suo nuovo progetto, Venerdì pomeriggio. Pizzi, fiocchi, ruches, stampe floreali e ricami a mano danno vita ad un guardaroba dall’animo fiabesco, ingenuo e consapevole allo stesso tempo. Un défilé dall’estetica marcatamente femminile, trasforma oggetti domestici in racconto sartoriale – abat jour che diventano mini abiti, tovaglie che si fanno gonne e copricapi – evocando l’immagine di una casa di bambole che, all’improvviso, prende vita. Nota di merito per i materiali recuperati da stock inutilizzati. Il martedì sera, a Milano, non è mai stato così Venerdì pomeriggio.

Il silenzio di posizione di Casa Preti

Casa Preti nasce a Palermo, dalla visione di Mattia Piazza. Ha debuttato oggi nel calendario della Milano Fashion Week, con la collezione “Pietà”. Una linea che non pretende di far sentire la propria voce, quanto, il suo silenzio. Il tema si riflette anche nelle parole del fondatore, che abbraccia per la sua prima sfilata il concetto di orizzontalità: niente prime o ultime uscite, ogni abito ha il suo valore. Rinunciando al climax tipico di ogni défilé, Piazza sceglie la coerenza. Una staticità che è sicurezza, e, in un certo senso, rifugio. Nell’insieme iper minimalista, sembra comunque esservi una pièce de résistance: un lungo cappotto abitato da piccoli, delicati fiorellini di campo. Simbolicamente, la prova che il bello può fiorire ovunque.

Foto: Amica, The Impression

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Tokyo James e Francesca Liberatore: il caos come cifra stilistica

Il mondo di oggi è caotico, veloce e in continuo cambiamento. Le tendenze arrivano e svaniscono in un attimo, rendendo difficile captare i desideri di un consumatore che cambia idea rapidamente. Un caos che Tokyo James (finalista del LVMH Prize 2022) e Francesca Liberatore (designer romana) hanno trasformato in estetica alla MFW.

Con delle silhouette fluide, tagli asimmetrici e pelle lavorata minuziosamente, il designer anglo-nigeriano Tokyo James è riuscito a trasformare il disordine in eleganza. La palette vibrante di arancio, rosso, nero e bianco amplifica il contrasto tra forza e fragilità, mentre accessori come borse crochet oversize e ricami a mano omaggiano l’artigianato africano.

Nel cortile di una scuola in via Borgospesso, è andato in scena invece lo show di Francesca Liberatore. Questa collezione in particolare sembrava essere senza un tema definito, ma allo stesso tempo capace di riflettere la società frammentata in cui viviamo. Tra immagini forti, come spade naïf, e una colonna sonora che spazia da Morricone a Elisa, le modelle scendono da una scala antincendio dando il via alla sfilata. I primi look appaiono con quadri indossati come corone. La collezione poi alterna soprabiti sartoriali, tessuti leggeri e dettagli metallici in bronzo e argento. A completare gli outfit, cuffie Sony come accessori, a segnare il secondo capitolo della collaborazione tra la multinazionale giapponese e la griffe italiana.

Fonte: FashionNetwork

HUI e il rituale del tè: cerimonia o sfilata?

Alla Milano Fashion Week, Hui ha trasformato il suo défilé in un’esperienza multisensoriale che unisce moda, spiritualità e cultura orientale.

Con la collezione Primavera-Estate 2026, The Song of Silver, la designer Huizhou Zhao ha creato un rito immersivo, dove il pubblico è stato accolto da un rituale del tè simbolo di consapevolezza, accompagnato dai profumi di sandalo e cedro e da musiche ancestrali. La collezione si ispira ai gioielli d’argento del popolo Miao, reinterpretati con un’estetica minimalista e internazionale. Hui ha anche puntato su materiali sostenibili, come sete riciclate, denim vegetale e cotoni organici, mescolando tradizione artigianale e innovazione. Le silhouette combinano elementi dell’abbigliamento cerimoniale orientale (come i kimono, le gonne e i pantaloni ampi) con linee moderne e volumi architettonici, creando un equilibrio perfetto tra passato e futuro.

Fonte: MAMe

L’amore per le radici peruviane di J.Salinas

“Il Perù ha molte cose da raccontare, e lo farà attraverso la moda”

Jorge Luis Salinas, designer e direttore creativo del marchio J. Salinas, ha reso omaggio alle sue radici durante la Fashion Week di Milano, sorprendendo il pubblico con uno show che ha fuso arte, moda e tradizione. In un gesto simbolico, ha portato in passerella le artigiane peruviane, rendendo omaggio al savoir faire e all’eredità tessile del Perù.

La sua collezione P\E è inoltre ispirata all’antica danza delle forbici (una danza tradizionale peruviana), dove ogni capo riflette una cura meticolosa e un profondo amore per la cultura andina, con ricami intricati, silhouette forti e dettagli che raccontano storie millenarie. Non si tratta dunque solo di una collezione, ma di una manifestazione culturale, un atto di resistenza e un ponte tra il passato e il presente che ha lasciato tutti a bocca aperta!

Fonte: JSalinas Official Instagram

Giorgio Armani: un tributo emozionante alla MFW

Le dolci note di Einaudi al pianoforte e la famosissima canzone Experience; un’atmosfera sospesa, quasi magica, e la luce soffusa delle candele. Il tempo sembra essersi fermato. E proprio in questo scenario suggestivo, si è svolto l’evento più atteso della Milano Fashion Week: quello dedicato a Giorgio Armani. Lo show, tenutosi alla Pinacoteca di Brera, non è stato solo un tributo alla sua carriera, ma anche una straordinaria celebrazione dei 50 anni del suo marchio. La scomparsa dello stilista, avvenuta il 4 settembre 2025, ha reso l’evento ancora più significativo, un’occasione unica per omaggiare l’uomo che ha definito l’eleganza contemporanea.

Tra i presenti, tante celebrità come Anna Wintour, Roberto Bolle (uno dei primissimi ad arrivare), Antonia Dell’Atte, Richard Gère, Cate Blanchett e molte altre personalità.

Fonte: Vogue by Marta Oldrini

Le creazioni in passerella sono state magnifiche. Gli abiti da sera hanno catturato l’attenzione con il loro scintillio e la loro eleganza senza tempo. I tessuti morbidi, come seta e chiffon, si adattavano alla perfezione alla figura femminile.

Quella di Armani è una moda che oggi più che mai fa dialogare l’abbigliamento maschile e femminile, con forme fluide, tessuti preziosi e silhouette raffinate. Ogni look è il risultato di un’abilità straordinaria nel scegliere i tessuti giusti per ogni occasione, con una cura impeccabile per ogni dettaglio.

Il momento più emozionante arriva quando in passerella escono Leo Dell’Orco, storico compagno di vita e braccio destro di Giorgio, e Silvana Armani, sua nipote. Insieme salutano il designer, che in qualche modo era ancora lì, a curare ogni minimo particolare fino all’ultimo secondo. Un addio che, purtroppo, arriva, ma che non cancella il suo lascito: un’eredità che continuerà a vivere nelle sue creazioni, e nell’infinita eleganza che ha donato al mondo.

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Milano ha indossato il suo miglior doppiopetto: pioggia leggera, tappeti rossi e, soprattutto, passaggi di scettro. Tra debutti molto attesi e comparsate cinematografiche, il sabato della MFW ha avuto l’aria di una cerimonia di corte: inchini, fanfare, e qualche colpo di teatro. Una giornata densa, dove la passerella non è stata soltanto teatro di stile, ma anche palcoscenico di impegno ambientale e suggestioni spettacolari. Le maison hanno portato in scena, sulle passerelle di Milano, collezioni che oscillano tra sperimentazione e classicismo, con una crescente attenzione a filiere trasparenti, materiali responsabili e tecniche sartoriali a basso impatto.

Ferrari

Il linguaggio di Rocco Iannone continua a privilegiare l’essenzialità. Denim organico, pelle conciata a basso impatto, silhouette nette come traiettorie su pista.
Non è nuovo l’uso ridotto di tagli e cuciture ottimizza la resa dei tessuti e limita gli scarti, un approccio che parla di moda come design industriale.
E allora, in passerella vediamo giacche avvolgenti e pantaloni dal taglio pulito, pensati per durare più di una stagione.

Ermanno Scervino

La maison ha scelto di non rinunciare al sogno couture, ma di declinarlo in chiave quotidiana. Trasparenze sorvegliate, ricami minuziosi e tessuti provenienti da filiere certificate. Si porta in passerella trasparenze e ricami, ma con un lessico rinnovato. Il Mediterraneo resta come filtro ispirativo, mentre l’accento si sposta su taglio, manutenzione e durata: la grazia estiva si traduce in capi capaci di reggere il ritmo cittadino.
Chiffon e organze rigenerate, seta certificata e filiere tracciabili. La scelta di materiali pensati per resistere nel tempo unisce femminilità e rigore produttivo.
Un’eleganza che conserva il sogno couture, ma calibrata sulle necessità quotidiane di chi vive la città.
Si vede femminilità controllata, senza fragilità estetica.

Ferragamo

Maximilian Davis rilegge l’età del Charleston in chiave moderna. Borse e scarpe diventano protagoniste, con lampi di verde chartreuse.
Innovazione tecnica: lavorazioni modulari che consentono riparazioni e sostituzioni parziali. Le borse non sono più oggetti chiusi ma sistemi aperti, prolungando il ciclo di vita.
Siamo nel mood di eleganza sobria, con il ritmo soffuso di un jazz club.

Luisa Spagnoli

Un equilibrio tra continuità e innovazione: tubini e tailleur rivisitati con lane merinos certificate, tessuti cradle-to-cradle e l’iconica borsa LS 1928 in versione cruelty-free bio-based.
Si mostra attenzione alla tracciabilità della filiera e packaging interamente compostabile.
Inoltre, nota importante e non trascurabile, la tradizione non è nostalgia, ma piattaforma per il futuro.

Stella Jean

Ritorno in grande stile con un messaggio politico e culturale. Grazie al progetto ForWomenForNations, tessuti bhutanesi incontrano sartoria italiana.
Focus su filati naturali, colorazioni vegetali e produzione limitata che riduce drasticamente le emissioni.
Una collezione che diventa manifesto, più che semplice guardaroba.

Dolce & Gabbana

Ci trasporta in un mondo di pj obsession e, udite udite, il cameo del giorno. La sfilata più chiacchierata del sabato: lingerie trasformata in tailleur, pigiami in seta come divisa metropolitana, faux fur riciclato.
Le sete sono certificate, le pellicce sintetiche provengono da fibre post-consumo rigenerate. La collezione, dal titolo “PJ Obsession”, reinventa il pigiama maschile come capo da donna, oscillando tra seduzione e rigore.
I pigiami rigati e ricamati divengono elementi centrali del guardaroba, stratificati con giacche, lingerie, top trasparenti o capi outer. L’idea è che il pigiama non sia solo capo notte, ma nuovo “essenziale urbano”.

La sfilata esplora l’ibridazione tra maschile e femminile, tra intimo e tailleur, con una stilistica ironica e raffinata. Il pigiama alleato di contrasto con giacche sartoriali, abiti aperti, denim e persino cappotti animalier: un gioco di stratificazioni che ribalta i consueti canoni. Scalpore, flash e interesse per la prima fila. In front row Meryl Streep e Stanley Tucci hanno regalato un déjà-vu del cult Il diavolo veste Prada, riaccendendo i riflettori sul sequel in arrivo. Viene girato a Milano in piena MFW. È stato il momento mediatico che ha oscurato persino i riflettori della passerella.

Laura Biagiotti

Al Piccolo Teatro Grassi di Milano, Lavinia Biagiotti ha celebrato la maison con un omaggio a Giacomo Balla. Tubini, caftani e trench leggeri animati dalla “farfalla” futurista.
Lino organico e cotone GOTS, a sottolineare che la leggerezza estetica coincide con la leggerezza ecologica.
Inoltre la presenza di Pat Cleveland ha aggiunto una dimensione storica ed emotiva.

Bottega Veneta

Il primo atto di Louise Trotter è il debutto attesissimo. Uno degli attesissimi -insieme a Dario Vitale da Versace- accolto con curiosità e rispetto. La nuova direttrice creativa ha scelto frange, intrecci e volumi morbidi, senza tradire l’eredità di discrezione del marchio.

Per l’occasione, in questa fashion week Milano Edition, si apre l’archivio, riaffiorano codici storici e torna al centro la sartorialità come principio guida. La pelle diventa struttura, mentre le frange restituiscono una tridimensionalità controllata, quasi architettonica.
La reintroduzione della Lauren 1980 in formato maxi celebra il passato con un tocco di contemporaneità.
 Insieme agli archivi, anche i materiali guardano al futuro.
Trotter sceglie un’autorità silenziosa, un’estetica meditata che non tradisce la discrezione del marchio, ma la rilancia in chiave contemporanea. Nuova nello stile della maison, è, l’introduzione di alternative vegetali alla pelle tradizionale, processi produttivi a basso consumo idrico e un forte investimento sulla durabilità dei capi.
Si nota autorità pacata ma modernità tangibile.

MSGM

Energia grafica a emissioni ridotte. Massimo Giorgetti conferma la sua estetica pop e vibrante, ma con un occhio alle tecniche digitali di stampa.
Nel dettaglio uso di tecnologia inkjet che consuma meno acqua e produce il 50% in meno di scarti rispetto alla serigrafia.
L’effetto? Sicuramente adrenalina visiva, ma -se vogliamo essere precisi- con responsabilità.

Photocredits: Vogue, Fashion Network

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C’è chi crea i vestiti per vendere, per seguire le mode e soddisfare più persone possibili. Poi c’è chi la moda la fa e basta, chi crea cose belle senza sentirsi obbligato da nessun trend, ma segue solo il proprio estro creativo. Questa spontaneità e sincerità mi vengono in mente quando vedo i capi Deenj.

Durante la Milano Fashion Week, Dennj ci ha chiesto di essere onesti e ci ha ricordato che la moda sostenibile non può adattarsi al passo sempre più veloce delle stagioni, non è così che funziona.

Dennj ha presentato una “riflessione provocatoria”, così la definisce, e probabilmente non ci sarebbe descrizione più appropriata. “La vera innovazione non sta nel produrre di più, ma nel disegnare capi che si adattino perfettamente all’individuo, celebrando l’unicità e la diversità dei corpi”.

In un sistema che ci induce a consumare, che ci fa correre e correre dietro un capo ora e a un accessorio dopo, quello di cui davvero abbiamo bisogno è il vestito giusto, sì, ma giusto per davvero, che non tiene conto della Fall Winter o della Spring Summer. Questo è quello che è stato mostrato con la sua presentazione al Fashion Hub di Palazzo Giureconsulti.

Dennj quindi presenta Dennj Atelier, dove il designer mostra l’arte della maestria, dell’artigianalità e della ricerca dei materiali.

La presentazione diventa una vera e propria esibizione. All’interno vengono mostrati capi finiti assieme a prototipi realizzati con tessuto di recupero di Zerow, una realtà italiana che si occupa di vendere rimanenze di lusso italiane. Questa l’ennesima dimostrazione dell’importanza fondamentale della sostenibilità e dell’impegno che ci mette chi se ne occupa davvero della sostenibilità, perchè ci crede e non perchè fa vendere.

Volume14 ha realizzato, poi, un video che esplora il consumo eccessivo, mentre artigiani creano dal vivo, portando in scena il valore del lavoro fatto a mano. Dennj non ha fermato qui la sua creatività è ha presentato una combinazione di suoni creata da Boi_Hidden, così sono stati mixati i ronzii delle macchine da cucire con suoni d’atmosfera.

La sua presentazione ci ha fatto tornare con i piedi per terra, ci ha spiegato l’importanza, quella vera, del fatto a mano, dell’artigianale, della creazione e della bellezza che deriva da tutto il suo processo.

Dennj è da sempre che crea con il vero fatto-a-mano. Nelle sue creazioni capita spesso di parlare di reinvenzione, dell’utilizzo di materiali di recupero. Questo a dimostrazione del fatto che la sostenibilità può e deve andare di pari passo con la moda, qualunque essa sia. Questo anche perchè l’approccio del brand ai materiali di recupero va oltre il riciclo, per questo Dennj parla proprio di “reinvenzione”, una parola anche questa onesta e adatta a quello che dovrebbe essere l’approccio alla e della moda alle difficoltà dell’industria oggi.

Il designer pensa bene alla diversità dei corpi e lo fa creando ognuno dei capi, così facendo dà crea una moda che è unica come i corpi che “adorna”. “Un processo che dà vita ad estetiche iconiche e design progettati consapevolmente“.

Il designer crea abiti pensati, che si prendono la libertà di vestire chiunque voglia indossarli e così facendo nascono modelli unici.

Dennj nasce nel 1988 nella campagna dell’Emilia-Romagna, “una realtà di poche persone”. Qui inizia a lavorare nell’atelier della sarta di paese. Sul sito si legge che i due si sono incontrati per caso, durante le pause pranzo. Qui Dennj impara l’importanza della produzione lenta, del fatto a mano e della precisione sartoriale.

Le macchine da cucire sono il filo conduttore delle sue creazioni, con queste crea, sperimenta, immagina e sviluppa. La realtà della vita lenta di paese, una realtà che in molti conosciamo, ha mostrato il suo volto migliore a Dennj. Non l’ha spinto a superare quella lentezza. Una rilassatezza che dopotutto è solo calma e voglia di fare le cose per bene perchè è importante e non solo perchè è giusto così.

Le realtà come quella che rappresenta Dennj sono le parentesi di sincerità e moda vera che si respirano raramente nell’industria. Vedere il sostegno di Cameramoda è una cosa importante, un riconoscimento che gli spetta veramente. Dennj ha molto da insegnarci e noi non vediamo l’ora di imparare.

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La città milanese si è trasformata in un palcoscenico dove tradizione e innovazione hanno sfilato fianco a fianco. Se da un lato le grandi Maison hanno celebrato il lusso con eleganza, come Ferrari e Ferragamo, dall’altro brand come Aniye Records, Fiorucci e MSGM hanno portato in passerella un’energia ribelle e vibrante. Un contrasto di visioni che ha reso questa giornata di Fashion Week un vero manifesto della moda contemporanea.

Il tailoring di Ferrari e il romanticismo di Ferragamo

Ferrari ha creato letteralmente il guardaroba perfetto per la donna contemporanea, composto da una fusione di tailleur sartoriali dal gusto maschile e gonne seducenti con spacchi audaci. Accanto a questo rigore, hanno trovato spazio anche la pelle e il denim, reso sofisticato grazie agli effetti trompe-l’oeil. Ma il vero colpo di scena arriva con il movimento ipnotico delle frange, che decorano giacche, pantaloni e abiti.

Ferragamo, invece, ha portato in scena il fascino romantico del passato, e per l’occasione, ha sfilato su un tappeto di rose, evocando subito il film cult American Beauty. Maximilian Davis, direttore creativo, ha creato una collezione in stile anni ‘20 che unisce eleganza e audacia: completi raffinati, abiti con piume, trasparenze e tessuti pregiati come velluto e seta. I riferimenti agli archivi storici sono evidenti, con le scarpe che omaggiano Salvatore Ferragamo, il fondatore che trasse ispirazione dall’America e dal suo sogno.

Le cool girls vestono Dolce&Gabbana

“Essere una cool girl significa essere se stesse”. Con questa dichiarazione si è aperta la sfilata A\I di Dolce & Gabbana, che ha celebrato la GenZ con le sue famose cool girls. Uno stile spontaneo e personale che combina capi oversize con pellicce, lingerie in pizzo e sottovesti. Più che sul design hanno puntato dunque sullo styling, giocando sulla sovrapposizione di capi diversi, mescolati tra loro a seconda del gusto di chi li indossa. Questo mondo street style è un’ode alla libertà e alla spensieratezza, ed incarna perfettamente l’essenza delle nuove generazioni.

Password: Leggerezza. Il filo conduttore di MSGM e Fiorucci

Massimo Giorgetti, direttore creativo di MSGM, afferma che “la leggerezza non è superficialità”, e come dargli torto. Per l’occasione, ha trasformato questo concetto nel cuore pulsante della sua nuova collezione, stratificando gli abiti con superfici di tulle e creando così un effetto di trasparenza che lascia intravedere ciò che si cela al di sotto: simbolo di una leggerezza consapevole e mai effimera.

Anche Francesca Murri da Fiorucci si è ispirata alla leggerezza, alla gioia e alla libertà; e lo fa tramite i colori vivaci e sgargianti, i materiali come il PVC – con il quale ha realizzato un bellissimo abito porta foto-Polaroid – e atmosfere che rimandano alla vita adolescenziale. Non a caso, il nome che porta la sfilata è Beatitudo, letteralmente beatitudine, felicità. 

Il rebel heart di Aniye Records

Attitudine, energia e vibrazioni sono i tre aggettivi che meglio descrivono la sfilata di Aniye Records. La collezione è un perfetto binomio tra stile goth e grunge che ha trasportato il pubblico in un viaggio estetico che va dalla luce all’oscurità. Si passa infatti da look total white a tonalità più scure come marrone e nero: un contrasto studiato per esaltare il dualismo della collezione.

L’attitudine ribelle emerge sin da subito, con le modelle dal passo disinvolto che attraversano la passerella fumando, avvolte in leggere sottovesti candide. L’atmosfera grunge anni ‘90 è stata enfatizzata da tartan, borchie e maxi t-shirt che fungono da abiti con i loghi dei Nirvana o degli Iron Miden. Mentre dettagli come pizzi, volant e corsetti hanno aggiunto un tocco romantico e dal sapore gotico. Anche l’hairstyling ha seguito il mood ribelle, con chiome spettinate in un perfetto stile che di questi tempi definiremmo indie sleaze.

Foto: VogueRunway, AmicaMagazine

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La frenesia della settimana della moda continua senza sosta, e all’alba delle ultime due giornate di show nel weekend, grandi e piccoli brand si susseguono in un calendario che non conosce riposo. Un fil rouge ha però unito quasi tutte le sfilate di questa giornata di Milano Fashion Week: lo sguardo verso la tradizione. Iniziamo con Institution e i suoi interrogativi sull’identità culturale, per finire con Versace che guarda al suo heritage per puntare al futuro.

La tradi(innova)zione di Institution

Ad aprire le danze della quarta giornata della settimana della moda milanese, un patto d’unione fra Italia e Georgia: Galib Gassanoff, originario di Tblisi, fa fiorire la sua moda con Institution. Chiamata El, la collezione esplora il concetto di identità e appartenenza, intrecciando lo studio delle tradizioni azere con le tradizioni pastorali della transumanza del bisnonno del designer, in un trionfo di materiali naturali come lana, cotone e pelle. Ciò che rende attuale la collezione, aggrovigliando sapientemente passato e presente, è l’utilizzo di materiali innovativi per ricreare le texture: lacci e bottoni diventano così il centro dell’attenzione. Il tutto viene accompagnato da una palette di colori neutri, che lascia spazio all’esaltazione della forma.

Essere o non essere minimal? Questo il dilemma

Una tendenza che sembra non riuscire a rimaner lontana dalle passerelle è quella del minimalismo, è innegabile. Ciò che però si fa sempre più strada, è la sua riformulazione. Sportmax ad esempio, pur optando per tonalità perlopiù neutre e silhouettes fluide, eleva la sua inclinazione al design minimal con pesanti frange, mix and match di pattern e volumetriche pellicce, in favore di una “iper-reinvenzione”, come citato nelle note ad accompagnamento della collezione. Lo stesso vale per Tod’s: proponendo una collezione che sembra essere un perfetto guardaroba di outfit giornalieri, non rinuncia alla sperimentazione con attraverso un attento lavoro di layering.

Ogni trend però, vive anche in funzione del proprio opposto: non c’è alcun minimalismo senza un po’ di sano massimalismo. A correre in soccorso degli amanti dell’eclettismo, arrivano infatti Missoni, Moschino e Versace. Il primo con le iconiche combinazioni di pattern, il secondo tramite abiti tridimensionali che sfidano la gravità e l’illusionismo, con stole tenute ferme da meta-spille: non spille reali, ma foto di esse che fungono da tali. Ultimo ma non meno importante, il ritorno allo sfarzo messo in atto da Versace, le cui famosissime stampe dorate tornano a sfilare.

Il fascino genderless di Sunnei

Le shopping bags sono l’unico accessorio di cui i modelli di Sunnei hanno bisogno: con le braccia lungo i fianchi e le mani piene di sacchetti con stampato il logo del brand, sfilano in abiti che celebrano l’estetica sporty-chic. Ponendo il focus sui colori primari, lo stile urban della collezione sfida la nuova frontiera dello streetwear, quella genderless. Il brand, fondato nel 2014 da Loris Messina e Simone Rizzo, nasce infatti proprio dalla necessità di raccontare i giovani milanesi, le loro similarità e differenze accomunate dallo stesso stile di vita. La freschezza del brand è resa nella collezione grazie ad un misurato gioco di texture, che trova sfogo nelle scarpe a frange o nei berretti dai quali scendono lunghi capelli di lana arricciata.

Foto: Vogue

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