Un airbag non nasce per diventare un abito. Una cintura di sicurezza nemmeno. Eppure la moda, quando smette di limitarsi alla superficie, ha questa curiosa abitudine: prendere ciò che conosciamo, sottrarlo alla sua funzione e costringerci a guardarlo di nuovo.

È da questa trasformazione che prende forma The Daily Crash, il progetto presentato al Volvo Studio Milano durante la Milano Fashion Week e nato dalla collaborazione con VerySeri Studio e Collettivo AAA. Venti studenti e studentesse del Politecnico di Milano, selezionati attraverso una open call, hanno lavorato per sei mesi su materiali recuperati provenienti dal mondo Volvo Cars, trasformandoli in capi, accessori, volumi e strutture da indossare.

Ma il crash del titolo non è quello che ci si aspetterebbe da un progetto legato all’automobile. Non racconta l’incidente, almeno non nel suo significato letterale. Racconta piuttosto le collisioni della quotidianità: pressioni, accelerazioni, rotture, momenti in cui l’equilibrio si perde e altri in cui, più o meno lentamente, lo si ricostruisce.

E allora anche la materia segue lo stesso destino. Si rompe con la propria funzione, cambia linguaggio e ricomincia.

Dall’automobile al corpo

Airbag, cinture di sicurezza, tappetini, componenti e parti tecniche provenienti dal mondo Volvo Cars abbandonano la propria funzione originaria e vengono affidati allo sguardo di una nuova generazione di creativi.

Il risultato non è un semplice esercizio di recupero. È, prima di tutto, un cambio di prospettiva: ciò che prima proteggeva un corpo all’interno di un’automobile ora lo veste, lo avvolge, ne modifica i volumi. I materiali diventano abiti, accessori, strutture e protezioni da indossare, conservando qualcosa della propria identità precedente e acquistandone, allo stesso tempo, una completamente nuova.

Ed è forse proprio qui che The Daily Crash trova una delle sue letture più interessanti. La sostenibilità non rimane una dichiarazione a margine del progetto, ma entra direttamente nel processo creativo: recuperare significa osservare ciò che già esiste e chiedersi che cosa potrebbe ancora diventare.

Imparare facendo

Avviato a marzo, il percorso ha accompagnato i venti partecipanti dalla ricerca alla produzione attraverso sei appuntamenti tra lezioni, revisioni e incontri con professionisti del design, della moda e dell’organizzazione culturale.

Per alcuni mesi Volvo Studio Milano ha così assunto la forma di un’aula aperta alla città. Un laboratorio nel quale l’esperienza industriale e progettuale di Volvo Cars ha incontrato l’approccio sperimentale di VerySeri Studio, il lavoro di connessione con il Politecnico svolto dal Collettivo AAA e, soprattutto, lo sguardo di una generazione chiamata non soltanto a progettare, ma a sperimentare.

Il principio alla base era essenziale: imparare facendo. Confrontarsi con un brief concreto, con materiali reali e con un processo destinato, alla fine, a misurarsi con il pubblico.

Una libertà progettuale fortemente voluta anche da Chiara Angeli, Direttore Commerciale Volvo Car Italia e Responsabile delle attività di Volvo Studio Milano, che ha raccontato la volontà di dare «carta bianca» ai giovani creativi, lasciandoli sperimentare e confrontarsi senza porsi limiti.

Una scelta che sposta l’attenzione dal semplice risultato al processo: alle idee, agli errori, ai tentativi e alla capacità di trovare una propria interpretazione.

Cinque modi di attraversare una rottura

Il lavoro, però, non poteva concludersi semplicemente appendendo gli abiti a una gruccia.

The Daily Crash diventa quindi una performance installativa immersiva costruita attraverso cinque stazioni, cinque atmosfere, cinque performer e cinque creazioni. Luce, suono e movimento trasformano lo spazio e accompagnano il pubblico attraverso altrettanti momenti di una rottura: l’impatto, la sospensione temporale, l’instabilità, la protezione ritrovata e, infine, il ritorno alla quotidianità.

Gli oggetti e gli abiti realizzati durante i mesi precedenti acquistano così un corpo e una dimensione narrativa. Non vengono semplicemente mostrati: entrano nello spazio, incontrano il movimento e diventano parte di un racconto.

Moda, design e industria finiscono così per incontrarsi proprio nel punto in cui sembravano più lontani. Perché un airbag può smettere di essere un airbag. Una cintura può dimenticare, almeno per qualche istante, di appartenere a un’automobile. E persino un crash, se osservato da un’altra prospettiva, può non rappresentare soltanto ciò che si rompe.

Magari, questa volta, rappresenta il momento in cui qualcosa cambia.

Photocredits: Volvo Studio Milano

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Di nuovi talenti la moda parla continuamente. Li cerca, li proclama, qualche volta li dimentica con la stessa rapidità con cui li aveva scoperti. Più raro è costruire intorno a loro uno spazio che permetta alla ricerca di crescere, senza pretendere che diventi immediatamente prodotto, tendenza o fenomeno.

Il Sozzani Award nasce esattamente qui.

Fondazione Sozzani presenta la prima edizione del nuovo riconoscimento internazionale dedicato alle giovani generazioni creative, con l’obiettivo di sostenere percorsi capaci di unire indipendenza, rigore e responsabilità. Fotografia, moda e Design & Craft sono i tre territori scelti per raccontare una creatività che non vuole limitarsi all’estetica, ma diventare linguaggio, ricerca e, possibilmente, una nuova maniera di osservare il presente.

Perché creare, dopotutto, significa anche scegliere da che parte guardare. E per cominciare, il premio ha scelto le donne.

Women: Design & Craft

La prima edizione del Sozzani Award, realizzata nella categoria Design & Craft in collaborazione con Veuve Clicquot, porta infatti un titolo piuttosto eloquente: Women.

Al centro ci sono le donne, le loro identità e soprattutto il contributo che la loro ricerca continua a dare alla cultura contemporanea. Non una celebrazione fine a se stessa, quanto il riconoscimento di un ruolo nella costruzione di linguaggi che cambiano insieme alla società.

Sabato 26 settembre, durante la Milano Fashion Week, il primo premio è stato assegnato a Timisola Shasanya, designer britannico-nigeriana laureata alla Central Saint Martins e oggi studentessa all’Institut Français de la Mode di Parigi.

Il suo è un lavoro fatto di incontri, prima ancora che di contrasti. Moda, tessuti e oggetti diventano strumenti attraverso cui mettere insieme la sartoria maschile, l’artigianato nigeriano e il tema della migrazione. Tecniche antiche come tessitura e tintura convivono con laser e ricamo digitale, mentre identità culturale e innovazione smettono di essere due estremi opposti e iniziano a parlare la stessa lingua.

Una ricerca che guarda avanti, insomma, senza avere la necessità di cancellare ciò che è venuto prima.

A sostenerla sarà la Veuve Clicquot Design & Craft Scholarship for Women, una borsa di studio del valore di 15.000 euro.

Tre donne, tre modi di intendere il futuro

Accanto a Shasanya, il Sozzani Award ha selezionato Marie-Ève Lecavalier e Mai Suzki, che avranno l’opportunità di presentare il proprio lavoro negli spazi di Fondazione Sozzani nel corso del 2026/2027.

Lecavalier, canadese con base a Parigi, si muove tra moda, design e arte contemporanea. Pelle, tessuti e oggetti vengono trasformati attraverso una ricerca che coinvolge materia e costruzione, ma soprattutto rimette in circolo ciò che normalmente sarebbe destinato a diventare scarto. E così anche parole abusate dalla moda come valore e lusso tornano, almeno per un momento, a essere domande invece che definizioni.

Mai Suzki parte invece dal Giappone. Artista visiva con base a Londra, lavora tra scultura per il corpo, installazione, performance e oggetti attraverso una personale interpretazione del kumiko, la tradizionale tecnica giapponese di lavorazione del legno. La mette in relazione con modellazione 3D e anatomia umana, costruendo opere che cambiano attraverso il corpo, il movimento, la luce e lo spazio.

Tre ricerche molto diverse. Ad accomunarle, forse, è proprio l’impossibilità di chiuderle dentro una sola definizione.

Memoria e futuro

A scegliere le finaliste è stata una giuria composta da Galib Gassanoff, founder e creative director di Institution; Veronica Leoni, creative director di Calvin Klein Collection; Fabrice Paineau, creative consultant; Kris Ruhs, co-founder di Fondazione Sozzani, artista e designer; Olivier Saillard, storico della moda, curatore e direttore della Fondation Azzedine Alaïa; Carla Sozzani, presidente e co-founder di Fondazione Sozzani, e Sara Sozzani Maino, creative director della Fondazione.

Qualità artistica, ricerca, impatto sociale e capacità di costruire nuove narrazioni sono i criteri sui quali si fonda il premio, che ogni anno sarà assegnato in una delle tre categorie: Fotografia, Moda e Design & Craft.

Ma dietro il Sozzani Award c’è soprattutto un’idea di continuità. Fondazione Sozzani, nata a Milano nel 2016 per volontà di Carla Sozzani e oggi impegnata nella promozione della fotografia, della moda, della cultura e delle arti, parla infatti del premio come di un passaggio tra generazioni, discipline, memoria e futuro.

Ed è probabilmente questa la parte più interessante. In un sistema creativo spesso affannato nella ricerca della prossima novità, fermarsi a chiedersi cosa meriti davvero di essere trasmesso non è un esercizio nostalgico. È quasi una necessità.

Perché il futuro, nella moda come nella cultura, difficilmente nasce dal nulla. Qualcuno, prima, deve dargli gli strumenti per cominciare.

Photocredits: press kit ES_PR

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Dal fashion design alla fotografia, fino al cinema e al sound design: il nuovo progetto di Levi’s e Afro Fashion Association trasforma il denim in un linguaggio culturale e porta alla ribalta una nuova generazione di talenti creativi.

I tessuti che seguono le tendenze sono vari, tanti, e poi c’è il denim, che le attraversa tutte.

Nato come uniforme da lavoro, trasformato in simbolo di ribellione, adottato dalle sottoculture e successivamente elevato a pilastro del lusso contemporaneo, il denim continua a raccontare storie che vanno ben oltre il guardaroba. È proprio da questa consapevolezza che nasce Voices of Denim, il nuovo progetto sviluppato da Levi’s e Afro Fashion Association, che riunisce 30 creativi emergenti BIPOC in un percorso annuale dedicato a moda, arte, fotografia, cinema e cultura contemporanea.

L’iniziativa culminerà durante la Milano Fashion Week di settembre 2026, quando una mostra immersiva aperta al pubblico presenterà il risultato di un anno di ricerca, sperimentazione e collaborazione interdisciplinare. Ma sarebbe riduttivo definire Voices of Denim una semplice piattaforma dedicata ai giovani talenti. Il progetto nasce infatti con l’obiettivo di esplorare il denim come linguaggio culturale vivo, capace di raccontare identità, memoria collettiva, appartenenza e trasformazione sociale.

Cos’è Voices of Denim, il nuovo progetto di Levi’s e Afro Fashion Association

Presentato a Milano, Voices of Denim rappresenta un nuovo modello di collaborazione tra industria della moda e produzione culturale. Il programma coinvolge professionisti provenienti da discipline diverse (fashion design, fotografia, arti visive, styling, sound design, cinema e scrittura) chiamati a reinterpretare l’eredità creativa di Levi’s attraverso prospettive contemporanee e nuove sensibilità culturali.

La struttura del progetto si sviluppa attraverso diverse fasi di mentorship, ricerca e produzione creativa. Al centro dell’iniziativa c’è la volontà di costruire un ecosistema in cui le nuove generazioni possano accedere a competenze, relazioni e opportunità professionali spesso difficili da raggiungere.

Un approccio che riflette una delle trasformazioni più interessanti del fashion system contemporaneo: la moda non è più soltanto un prodotto da consumare, ma un terreno di confronto culturale dove identità, rappresentazione e creatività diventano parte della stessa conversazione.

I 30 creativi che porteranno il denim alla Milano Fashion Week 2026

I trenta partecipanti selezionati provengono da background geografici e professionali differenti. Tra loro figurano fashion designer, fotografi, artisti, stylist, videomaker, sound designer e storyteller che operano tra Italia, Africa, Sud America, Asia e Medio Oriente.

Dieci designer realizzeranno altrettanti look manifesto utilizzando materiali deadstock Levi’s, mentre gli altri creativi contribuiranno alla costruzione dell’universo narrativo del progetto attraverso immagini, produzioni editoriali, installazioni, contenuti audiovisivi e paesaggi sonori. Il risultato sarà una riflessione collettiva sul ruolo del denim nella cultura contemporanea e sulla sua capacità di attraversare generazioni, comunità e linguaggi differenti.

Ad accompagnare il percorso saranno alcune figure di riferimento del panorama creativo internazionale. Tra i mentor coinvolti figurano Francesca Ragazzi, Head of Editorial Content di Vogue Italia, Edward Buchanan, Tamu McPherson, Walter D’Aprile, Michelle Francine Ngonmo e membri del team design di Levi’s, tra cui Cara Fenu e Paul Dillinger.

Perché il denim continua a essere il linguaggio universale della moda

In un momento storico in cui il settore della moda è chiamato a confrontarsi con temi come inclusione, rappresentazione e accesso alle opportunità creative, Voices of Denim sceglie di partire da uno degli oggetti più democratici del guardaroba contemporaneo.

Da oltre 150 anni il denim accompagna cambiamenti sociali, movimenti culturali e trasformazioni generazionali. Oggi Levi’s sceglie di utilizzare questo patrimonio come punto di partenza per un dialogo che guarda al futuro, mettendo al centro nuove voci e nuove prospettive.

Il progetto sviluppato insieme ad Afro Fashion Association supera infatti il tradizionale concetto di collaborazione tra brand e creativi. L’obiettivo è costruire uno spazio in cui la creatività possa diventare strumento di crescita collettiva, scambio culturale e innovazione.

Una visione che appare particolarmente significativa in un periodo in cui il valore della moda non si misura soltanto attraverso le collezioni, ma anche attraverso la capacità di generare conversazioni, costruire comunità e amplificare narrazioni spesso rimaste ai margini.

Una mostra aperta alla città di Milano

Il percorso si concluderà il 23 settembre 2026 con l’inaugurazione di una mostra immersiva presso Casa degli Artisti, durante la Milano Fashion Week. Curata da Jordan Anderson e supportata da Camera Nazionale della Moda Italiana, l’esposizione sarà aperta gratuitamente al pubblico per due settimane.

Denim, immagini, suono, installazioni e storytelling si intrecceranno in un racconto collettivo che parla di identità, appartenenza e nuove forme di espressione creativa.

Probabilmente il segreto del denim è sempre stato questo: cambiare continuamente forma senza perdere la propria voce. E oggi, grazie a una nuova generazione di creativi, quella voce sembra avere ancora molto da raccontare.

Photocredits: press kit NEGRI FIRMAN PR & COMMUNICATION

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With Milan Fashion Week over and Paris Fashion Week also coming to an end, fashion month is entering its final phase. After weeks of shows across New York, London, Milan and Paris, the international fashion calendar is wrapping up, leaving behind not only new collections but also images, appearances and moments destined to go viral.

In recent years, the runway is no longer the only place where fashion is told. Over time, the attention of fashion enthusiasts—and not only them—has increasingly shifted to the front row, where editors, buyers and international celebrities help shape the imagery of the shows just as much as the clothes on the runway.

Among these guests, one group in particular has come to dominate the fashion week scene: idols, young and successful artists from the Asian entertainment industry, at the center of a growing dialogue between music and fashion industries.

The power of idols in fashion today

The presence of K-pop artists at fashion shows is not accidental. In recent years, major fashion houses have realized how strategic it is to build relationships with idols, often appointing them as global ambassadors for their brands.

This choice responds to a clear need: connecting with a global, digital generation that is deeply engaged with social media. These artists are not only singers or performers, but figures who embody aesthetics, values and visual narratives capable of reaching millions of fans around the world.

The relationship between artist and fashion house often develops through a dialogue with the brand’s creative director. Idols become interpreters of a brand’s identity, appearing in advertising campaigns, wearing collections in music videos and on red carpets, and helping create a consistent image that connects music, fashion and visual storytelling.

For fashion houses, collaborating with idols is also a way to connect with a global community that is particularly active on social media and highly engaged with contemporary pop culture.

Milan Fashion Week

At the February 2026 Milan Fashion Week, several K-pop artists attended shows from some of the most important international fashion houses. Among the most talked-about appearances were San from Ateez, ambassador for Dolce & Gabbana, and S.Coups from Seventeen, who attended the Boss show.
Bang Chan, ambassador for Fendi, was also present at the show that marked the return of Maria Grazia Chiuri to the Roman fashion house, years after her previous experience there before becoming the creative director of Dior.
Karina from aespa, ambassador for Prada, was also among the most photographed guests of the fashion week.

These appearances show how idols are no longer just guests, but figures who reflect the current aesthetic of many brands. Each artist brings a distinct image: from more classic elegance to experimental styling, and even increasingly fluid and hybrid aesthetics.

Paris Fashion Week

If Milan represents the meeting point between sartorial tradition and global pop culture, Paris remains the symbolic capital of fashion.
In recent years, the French city has also become one of the places where the presence of idols at fashion shows is increasingly common.
Among the most photographed artists are Jennie, Rosé and Lisa from Blackpink, Jimin from BTS and Korean DJ Peggy Gou, all regular front row guests who often attract as much media attention as the collections themselves.
 Also worth mentioning are Wonyoung from IVE at Miu Miu and Felix from Stray Kids at Louis Vuitton.

All of them are artists who, in recent years, have strengthened the connection between the world of K-pop and communication strategies of fashion houses.

The relationship between K-pop and fashion, however, is not one-sided

While idols offer visibility and access to new global audiences, fashion also plays an important role in shaping the visual identity of these artists.

In K-pop, aesthetics are an essential part of musical storytelling: every comeback introduces new concepts, styling and visual codes. Collaborations with fashion houses allow artists to develop an increasingly sophisticated image, while brands find in idols new interpreters through whom they can present their collections.

L’effetto degli Idol

Fashion Month: quando gli idol del K-pop conquistano il front row delle capitali della moda

Con la Milano Fashion Week conclusa e la Parigi Fashion Week ormai anche essa finita, il fashion month entra nella sua fase finale. Dopo settimane di sfilate tra New York, Londra, Milano e Parigi, il calendario della moda internazionale si avvia verso la chiusura, lasciando dietro di sé non solo nuove collezioni ma anche immagini, presenze e momenti destinati a diventare virali.

Negli ultimi anni, infatti, la passerella non è più l’unica relazione in cui si racconta la moda. Man mano che passa il tempo, l’attenzione di chi è appassionato di moda e non solo, si sta spostando sul front row, dove editor, buyer e celebrities internazionali contribuiscono a definire l’immaginario delle sfilate tanto quanto gli abiti che scorrono in passerella.

Tra queste presenze, una in particolare domina ormai il panorama delle fashion week, ovvero gli idol, giovani artisti di successo dell’industria asiatica, protagonisti di un dialogo sempre più stretto tra industria musicale e moda.

Il potere degli idol nella moda di oggi

La presenza alle sfilate degli artisti del mondo del K-pop non è casuale. Negli ultimi anni le grandi maison hanno compreso quanto sia strategico costruire legami con gli idol, trasformandoli in global ambassador dei propri marchi.
Questa scelta risponde ad una necessità: dialogare con una generazione globale, digitale e profondamente connessa ai social media. Questi artisti non sono soltanto cantanti o performer, ma figure che incarnano estetiche, valori e narrazioni visive capaci di raggiungere milioni di fan in tutto il mondo.

Il rapporto tra artista e maison spesso si sviluppa attraverso un dialogo con il direttore creativo del brand. Gli idol diventano interpreti dell’identità della casa di moda, partecipando alle campagne pubblicitarie, indossando le collezioni nei videoclip e nei red carpet, contribuendo così a costruire un’immagine coerente tra musica, moda e storytelling visivo.

Per le maison, collaborare con gli idol rappresenta anche un modo per entrare in contatto con una comunità globale particolarmente attiva sui social e molto coinvolta nelle dinamiche della cultura pop contemporanea.

Milano Fashion Week

Alla Milano Fashion Week di febbraio 2026, diversi artisti del panorama K-pop hanno preso parte alle sfilate di alcune delle principali maison internazionali. Tra le presenze più osservate di quella settimana figuravano San degli Ateez, ambassador per Dolce & Gabbana, e S. Coups dei Seventeen, invitato a partecipare alla sfilata di Boss. Tra questi anche Bang Chan, ambassador di Fendi, presente alla sfilata che ha segnato il ritorno di Maria Grazia Chiuri nella maison romana, a distanza di anni dalla sua precedente esperienza prima di diventare direttrice creativa di Dior.
Anche Karina delle aespa, ambassador di Prada, è stata tra gli ospiti più fotografati della settimana della moda.

Queste apparizioni mostrano come gli idol non siano più semplici ospiti, ma figure che incarnano l’estetica attuale dei brand. Ogni artista porta con sé un’immagine distinta: dall’eleganza più classica alla sperimentazione stilistica, fino ad estetiche sempre più fluide e ibride.

Paris Fashion Week

Se Milano rappresenta l’incontro tra tradizione sartoriale e cultura pop globale, Parigi rimane il luogo della consacrazione simbolica della moda.

Negli ultimi anni anche la capitale francese è diventata uno dei luoghi in cui la presenza degli idol alle sfilate è sempre più frequente.
Tra gli artisti più fotografati si vuole citare Jennie, Rosé e Lisa delle Blackpink, Jimin dei BTS e la DJ coreana Peggy Gou, protagonisti di front row che spesso attirano l’attenzione dei media quanto le collezioni stesse.
Da non dimenticare Wonyoung delle IVE da Miu Miu e Felix degli Stray Kids da Louis Vuitton.

Tutti quanti sono artisti che negli ultimi anni hanno consolidato il legame tra il mondo del K-pop e le strategie di comunicazione delle case di moda.

Il rapporto tra K-pop e moda non è però a senso unico.

Se da un lato gli idol offrono visibilità e accesso a nuovi pubblici globali, dall’altro la moda contribuisce a definire l’identità visiva di questi artisti.

Nel K-pop l’estetica è parte integrante della narrazione musicale: ogni comeback introduce nuovi concept, styling e codici visivi. Le collaborazioni con le maison permettono agli artisti di sviluppare un’immagine sempre più sofisticata, mentre i brand trovano negli idol nuovi interpreti attraverso cui raccontare le proprie collezioni.

Articolo di: Carol Garlando e Stella Biasucci

Foto: Instagram

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ZONA 20 “Remain in the Dream of England: Fragments of Time”

Zona20 presenta la nuova collezione Autunno/Inverno 2026/27 “Remain in the Dream of England: Fragments of Time”, inaugurando anche il suo primo show-room in via Morimondo 26.

Il risultato è un guardaroba essenziale ma contemporaneo, guidato dall’immaginario di “Quel che resta del giorno di Kazuo Ishiguro”, premio Nobel per la letteratura.

La collezione fa sua quell’atmosfera britannica ottocentesca propria di una campagna apparentemente quieta, e ne approfitta per riflettere su temi che la moda spesso evita volentieri, quali il tempo la memoria e l’identità.

Il riferimento al tailoring inglese del XIX secolo è evidente, ma Zona20 lo rilegge in chiave attuale attraverso la decostruzione, elemento distintivo del brand. Spalle, colli, orli e punti vita vengono smontati e riassemblati. L’obietivo di Zona20 non è negare la costruzione rigorosa della sartoria storica, ma alleggerirla e renderla più dinamica attraverso tagli improbabili e asimmetrie.

Zona20 Key looks 

Tra i Key looks, un cappotto oversize in tartan, dalla classica silhouette doppiopetto con spalle scese e un rever asimmetrico che combina, sui due lati, un rever a lancia e uno a scialle. Pensato come capo gender-neutral, si adatta con naturalezza a diverse fisicità. Il look è completato da pantaloni coordinati in tartan a gamba ampia e da un maglione in cashmere a collo alto, arricchito da ricami fatti a mano e cuciture nere a contrasto. 

I cardigan in tinta unita invece, sono costruiti come un patchwork di maglie diverse, tra pannelli lisci, lavorazioni a trecce, e fasce a coste.

La pelle occupa un ruolo centrale nella stagione, declinata nelle tonalità del marrone profondo e del nero carbone. Realizzata in pelle di agnello toscano e sottoposta a una lenta concia vegetale, acquista una superficie calda e raffinata, simile a quella di una copertina di libro antica. Tra i protagonisti della collezione anche il trench in pelle con colletto d’ispirazione militare, e il cappotto in lana pied-de-poule marrone, realizzato con vera lana scozzese proveniente da un’azienda attiva da oltre un secolo. 

Il blu acceso delle bluse in seta e dei maglioncini in lana merino, ravviva la palette autunnale di grigi e marroni tenui, e a completare la collezione, le gonne con pieghe frontali in lana jaspé.

Fondato nel 2023 a Milano da Zoe e Cherie Wang, Zona20 con la  collezione Autunno/Inverno 2026 mantiene un posizionamento coerente con la propria idea di slow fashion, e con un attenzione alla qualità che lo ha sempre distinto nel panorama attuale.

L’Autunno/Inverno di Marco Rambaldi

Frastornati dal rumore, a volte dimentichiamo quello che conta davvero. Eppure, la forza di un “classico” gesto o di un’emozione rimane inalterata nel tempo. È proprio questo il punto di partenza  della collezione Autunno/Inverno 2026 di Marco Rambaldi: il classico, ma non non come qualcosa di vecchio e lontano, ma come qualcosa di vivo e attuale. 

E cosa c’è di più “classico” di un semplice abbraccio? È la stessa promessa fisica e sentimentale del valzer, una danza fondata sulla vicinanza dei corpi.

Un ballo che nel suo tempo rese accettabile il contatto stretto, allora considerato scandaloso. Proprio da quel contatto, così fisico e così emotivo, che si apre la sfilata, costruita attorno a un’idea di intimità condivisa.

Per raccontare tutto questo mette insieme due immagini molto italiane e molto diverse, Pasolini con il suo immaginario sacro e drammatico, e il più goffo e comico di tutti, Fantozzi. Da questo contrasto nasce il tono della collezione, elegante ma strano, serio e contemporaneamente ironico.

La rivoluzione del guardaroba tradizionale

Sul piano stilistico, Rambaldi mette in discussione i codici della sartoria tradizionale. Pantaloni, gonne e giacche lasciano intravedere gli interni, e i loro dettagli strutturali diventano parte dell’aspetto finale. Un semplice modo per mettere in discussione la tradizione e proporre un “classico contemporaneo”. 

Anche l’animalier viene reinterpretato in modo originale, perché non più legato alla solita idea di aggressività o seduzione. Difatti, il brand sceglie il motivo dalmata per raccontare una fauna non convenzionale.

Ma è nella maglieria che la collezione raggiunge il suo climax. Rambaldi sabota il completo “per bene” per eccellenza, il twinset, che con un accurato layering nasconde un secondo twinset trompe-l’oeil, e una tuta sportiva, il meno classico dei completi. 

Anche questa volta Lineapelle accompagna naturalmente la collezione, attraverso l’uso della pelle scamosciata o in versione più vissuta e protettiva, e a completare il quadro le scarpe realizzate con Hispanitas, semplici ed essenziali.

Con la collezione Autunno/Inverno 2026, Marco Rambaldi ci dimostra che anche il pezzo più classico e apparentemente scontato del guardaroba, può essere trasformato in qualcosa di vivo e attuale.

1972 e la nuova collezione “Shades of Seduction”

Il colore come atmosfera e la sensualità naturale della pelle diventano i protagonisti della nuova collezione autunno/inverno 2026/27 di 1972. 

“Shades of Seduction” prende forma presso il Leather Fashion Hub di Lineapelle, evocando le tonalità intense e le sfumature profonde dei velluti. La palette scelta esprime eleganza ed emozione, un sentimento che nasce dalla forza dei materiali e dalla qualità della pelle. 

Ivana Omazic propone un guardaroba urbano e facilmente combinabile, le cui proporzioni danno forma al disinvolto lusso contemporaneo, super fan dell’oversize non eccessivo. 

Il design di 1972 è tutta questione di equilibrio tra tradizione conciaria e sperimentazione tecnica. La laminazione scuba ad esempio, dona struttura e definizione ai materiali, senza comprometterne la leggerezza, insomma, il cuore del progetto resta la materia prima. 

Il DNA di 1972: atemporalità e sostenibilità

Nella fall winter 2026/27, vediamo il pellame in una pluralità di declinazioni: la nappa plongé, morbida e luminosa; la nappa vegetale, destinata a evolversi nel tempo con l’uso e la luce; la nappa stretch, liscia o stampata coccodrillo; la bio leather, materiale biodegradabile ottenuto attraverso fermentazione microbica e privo di componenti sintetici, che riflette l’impegno del marchio verso la sostenibilità. 

A completare questa ricerca intervengono anche texture calde e materiche, come le varianti di montone merino, il vello riccio della pecora Mongolian e il Velvet Calf. Non mancano poi i dettagli che raccontano la ricerca stilistica del brand, come la rilettura del tradizionale Kalpak anatolico, reso più morbido e attuale da una nuova costruzione con piccola visiera, oppure le catene soffici intrecciate nella pelle, inserite in frange, cinture modulari e gioielli.

Fondato nel 2014 dalla famiglia Çelet e con sede a Istanbul, il brand è presente in oltre 120 boutique internazionali, è membro del Leather Working Group e ha ottenuto il Golden Standard, confermando l’attenzione per la sostenibilità lungo tutta la filiera produttiva. 

Il risultato è chiaro, 1972 vuole creare capi atemporali, che grazie all’alta qualità dei materiali e delle lavorazioni, resistano alle mode passeggere che avvelenano la scena contemporanea.

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La tensione oggi è diversa: meno debutti carichi di attesa, ma più conferme e identità da riaffermare.
Milano diventa ancora una volta il palcoscenico in cui si cerca di capire quali valori tenere e cosa è meglio lasciare andare, tracciando la strada per un nuovo futuro.

Tod’s

Mattiniero ed essenziale è Tod’s, che apre la giornata con il suo lusso silenzioso. Matteo Tamburini non ci presenta nessun eccesso, solo controllo. La donna di Tod’s non ostenta la sua eleganza e non sembra cerca colpi di scena. E forse, proprio per questo, ci mostra carattere.
Il concept di fondo ci riporta al corpo e all’artigianalità, da sempre priorità della maison.
Perfino il make-up, quasi invisibile, sembra voler lasciare carta bianca agli abiti, in modo da far parlare i materiali.

La palette si muove su colori neutri (beige, sabbia, cuoio) attraversati da tocchi di giallo, che illuminano la collezione senza tradirne la compostezza.
Il gioco del layering è centrale: giacche e ponchi sovrapposti, così come maglioni e camicie. Spiccano anche le cinture che segnano il punto vita, posizionate sopra un blazer o una giacca di pelle.
Gli accessori completano la quotidianità dei look, passando da borse spaziose per il giorno a pochette allungate per la sera. Non possono mancare i guanti, indossati o tenuti in mano, che rafforzano l’idea di una femminilità composta.

Marco Rambaldi

Mentre noi osserviamo, la sua passerella si fa dichiarazione, con messaggi che provocano le convenzioni, come “wish you were queer”.

La collezione lavora su stratificazioni di capi e materiali, dove pelle, maglia, felpa e ricami convivono senza gerarchie. I colori sono per lo più neutri, accedendosi con qualche rosa, rosso e azzurro.
Torna il crochet che diventa colletti, cardigan e abiti, sottolineando la bellezza di quei capi che sembrano fatti a mano.
Le silhouette alternano capi morbidi e sportivi ad altri più femminili, ma anche look non usuali, come abiti lasciati aperti in modo che ricadano sui fianchi formando una gonna.
Tacchi con calzini alti, boa e borse con trecce in maglia completano la visione della collezione.

Chi indossa Marco Rambaldi non passa inosservato, e non vuole farlo.

Sportmax

Sportmax porta in passerella una femminilità urbana che combina comodità e stile. Questa collezione sembra dire: la donna moderna vuole comfort, ma non rinuncia mai a un tocco di classe.

I tocchi di colore non mancano e arrivano dagli accessori (borse, orecchini, scarpe e guanti) mentre la base rimane neutra, con il nero che domina ma non appesantisce.
I grandi classici, quelli che conosciamo da sempre, vengono rivisitati nelle forme, nei materiali e nei dettagli. Sono reinventati senza stravolgerne l’essenza. Così, anche ciò che sembra già visto acquista freschezza e vitalità, confermando che certe regole di stile restano valide anche se il tempo passa.

Blumarine

Con Blumarine il discorso cambia registro alla giornata: la sensualità torna ad essere dichiarata.
La sfilata presenta un romanticismo dark, con volumi che seguono le forme, trasparenze audaci, cutout e fantasie floreali, ormai simbolo dell’immaginario del brand.
La palette gioca tra nero, rosso fuoco, tessuti metallici argento e oro, e conclude in bianco, sempre reso sensuale e mai ingenuo.
I fiori non appaiono solo come stampe sui tessuti, ma diventano tridimensionali con la stoffa che crea rose e petali che cadono.
Gli accessori, dai cameo ai gioielli per il corpo, aggiungono personalità e completano look che alternano eleganza e seduzione.
La femminilità di Blumarine si distingue per essere audace e riconoscibile.

Gucci

Sebbene non sia un vero e proprio debutto, non vedevamo l’ora che il nuovo Gucci di Demna si svelasse in passerella.
Pochi giorni prima dello show, Gucci cancella tutti i post dal suo profilo Instagram. Nessuna traccia del passato, solo alcune immagini, una data e una parola: Primavera.
Il feed diventa così una moodboard fatta di frammenti e anticipazioni.
Nel testo pubblicato alla vigilia, Demna racconta un anno trascorso a studiare la “gucciness” della maison, per poi imbattersi nei capolavori di Botticelli conservati agli Uffizi.
Con la promessa di leggerezza e intensità emotiva, questa Primavera si presenta come un nuovo inizio.

Dai primi look, tuttavia, la domanda sorge quasi spontanea: dov’è Botticelli in questa collezione?
La sfilata apre con una semplicità quasi straniante, tutto è attillato, lineare e in alcuni casi anonimo. Ai modelli però viene dato carattere, diventando veri personaggi che interpretano una parte: chiaro esempio è il ragazzo che quasi si fermava per forse inviare un messaggio.
Poi qualcosa cambia e forse iniziamo a vedere la Primavera che ci era stata promessa inizialmente. Compaiono motivi floreali, abiti più eleganti e tessuti metallici che illuminano la passerella, rompendo la sequenza di nero.
In alcuni look abbiamo ritrovato anche lo stile di Tom Ford, forte più che mai con l’abito di Kate Moss, magnetica come sempre, che chiude la sfilata, rendendola impossibile da ignorare.

E così, tra minimalismo iniziale e qualche scintilla finale, Gucci sembra più sicuro di sé che innovativo. Non resta che chiedersi: è novità o un déjà-vu dal passato?

Sa Su Phi

Sa Su Phi continua a lavorare sull’idea di guardaroba consapevole, ma questa volta lo fa con colori decisi. Dopo le palette scure viste in passerella durante la giornata, la collezione arriva come una boccata d’aria fresca: rosso acceso e color vino, rosa cipria, azzurro, giallo e oro si alternano a tonalità neutre che mantengono l’equilibrio.
Le linee restano pulite, i materiali morbidi e le silhouette sinuose. Troviamo volumi sui fianchi di gonne e pantaloni, ma anche su camicie, che si alleggeriscono grazie a plissettature che donano movimento e rendono il look più arioso.
Il brand fa sfilare un’eleganza raffinata e cool, sofisticata senza risultare rigida.

Elisabetta Franchi

La sfilata si apre con completi strutturati che dialogano con abiti e gonne di pailettes, creando un contrasto interessante tra rigore sartoriale e leggerezza. Il punto vita diventa protagonista: viene accentuato nelle giacche e con corsetti su maglioni oversize o pellicce.
La palette resta prevalentemente neutra, tra nero, bianco e blu scuro, ma si accende con tocchi di rosso e tonalità del marrone.
Le piume dorate che compaiono in alcuni look richiamano la location, decorata da piume bianche che scendono dal soffitto conferendo una maggiore delicatezza al tutto.

Il risultato? Una donna elegante e versatile, capace di passare con naturalezza dal giorno alla notte, mantenendo la sua sensualità.

Moschino

Da Moschino ci si aspetta un’ironia eccentrica che sappia staccare dal tono degli altri brand. Ogni collezione presenta un equilibrio tra gioco e provocazione visiva. E anche oggi, le nostre aspettative non vengono deluse.

A primo impatto, i primi look ci fanno domandare “è veramente Moschino?”. Poi piano piano, la risposta arriva nei dettagli e nelle texture che donano personalità agli abiti: cappelli con orecchie da coniglio, modelle che portano con loro accessori dalle forme inaspettate, come un vaso con un cactus o persino un maialino. E ancora fantasie colorate, tra cui spicca una camicia composta da banconote.
I volumi sono morbidi, con capi quotidiani che si alternano a pezzi più scenografici, mentre calze colorate spuntano sotto abiti neri e maglie stampate aggiungono il tocco ironico che speriamo di trovare in Moschino.

Institution by Galib Gassanoff

Subito dopo lo sfarzo di Moschino, cambiamo nuovamente registro. Il calendario milanese accoglie una visione più intima ma non meno determinata.
Institution by Galib Gassanoff è un brand lanciato dall’ex co-fondatore di Act N°1 dopo la fine di quell’esperienza. Non punta a sorprendere con capi “alla moda”, ma a raccontare una storia.

La palette è scura, i primi abiti ampi e morbidi. Nonostante la semplicità, nessun capo appare anonimo: alcuni look sono creati usando tappeti riccamente decorati, trasformati in gonne o giacche. La collezione inizia a prendere forma con capi più elaborati, con dettagli come frange e pelliccia.

GCDS

La chiusura della giornata è affidata a GCDS, che negli anni ha trasformato l’estetica pop e digital in un linguaggio fashion perfettamente riconoscibile. Nato nello streetwear, ha progressivamente cercato una maturazione, senza rinunciare all’impatto visivo: qui il minimal silenzioso che abbiamo visto prima non esiste.

La passerella esplode di colore e stampe, con look giovani che catturano immediatamente lo sguardo. I materiali variano e sono spesso combinati a trasparenze, che dominano la scena insieme a tessuti metallizzati e pois.
I corsetti scolpiscono il corpo con fianchi che ricreano mini panier, mentre i tacchi con plateau trasparente completano silhouette audaci.
Il finale, che vede sfilare diversi look neri, non spegne l’energia della collezione, ma la mette in risalto tanto quanto i colori accesi che ci hanno rapito lo sguardo prima.

Foto: Fashion Network

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La settimana della moda di Milano è ormai entrata nel vivo. A poco più di quarantotto ore dal fischio d’inizio, le passerelle vengono calcate da nuovi volti, grandi nomi, e trionfali debutti. Dopo l’attesissimo dolce ritorno a casa di Maria Grazia Chiuri, che ieri ha debuttato alla guida di Fendi, è stata oggi la volta di Meryll Rogge per Marni.

Ancora, il romantico omaggio al Medioevo di Max Mara, l’iper-femminilità dandista di Genny, il layering di Prada: ecco tutto ciò che ha lasciato il segno durante la terza giornata di Milano Fashion Week.

Max Mara

Quando si parla di Medioevo, lo si fa spesso con un’accezione negativa. A volte, la parola stessa viene usata quasi come un insulto, volto a definire antico e superato – nel senso più svalutante del termine – ciò a cui ci si riferisce. Ian Griffiths, direttore creativo di Max Mara, raccoglie invece la sfida: rispolverando qualche libro di storia, scopre qualcosa di “estremamente moderno” tra le pagine che narrano dell’età di mezzo tra l’antichità e l’epoca moderna. Per la collezione Autunno Inverno 2026 di Max Mara, la sua musa diventa così Matilde di Canossa.

Figura straordinariamente atipica per il suo tempo, Matilde rappresenta l’eccezione: una donna che esercitò autorità in un’epoca in cui l’autonomia femminile iniziava a essere progressivamente erosa. Fu un’abile diplomatica, una mecenate delle arti, governatrice di vasti territori.

Il suo carisma, nella collezione, prende forma attraverso cashmere, suede, cammello e mohair, modellati attorno al corpo morbidamente. I cappotti fungono da armature contemporanee, le cinture con doppie fibbie laterali evocano quelle usate per sostenere le spade, le spalle, statuarie ed imbottite, disegnano una silhouette protetta e autorevole. La palette attraversa tonalità che vanno dal beige al marrone, dall’antracite al nero. Eppure, nel monocromo firmato Max Mara, non c’è nulla di monotono: l’uso dei tessuti rende ogni sfumatura profondamente viva.

Il défilé risulta romantico e medievale, ma allo stesso tempo intriso di una contemporaneità che, talvolta, solo l’intreccio con la storia riesce a generare. Paradossale forse, ma è così. Griffiths non mette in scena un’epoca. Sceglie di tradurla in presente.

Genny

Un diverso tipo di romanticismo è quello scelto da Sara Cavazza Facchini per Genny. La designer, ispirata dalla mostra Marie Antoinette Style al Victoria & Albert Museum di Londra, attualizza quell’estetica iper-femminile bon ton, investendola di gentili venature mascoline. Disinvoltura e compostezza convivono: nessuna delle due prevale, assumono la stessa importanza. Corposi velluti, leggiadre piume, ruches, fiocchi e corpetti che ricordano antiche crinoline si alternano in passerella. Se la frivolezza del rococò e l’arbiter elegantiarum tipico dello stile dandy avessero un figlio, porterebbe il nome dell’Autunno Inverno 2026 di Genny.

Boss

Un guardaroba che esalta la straordinaria varietà del vivere quotidiano: questa l’idea di Marco Falcioni per l’Autunno Inverno 2026 di Boss. La pelle è una grande protagonista: liscia, lucida, con trama di struzzo. Così come è un grande protagonista anche il tailoring scolpito, sia al maschile che al femminile. Non mancano i riferimenti agli anni Novanta, con quell’estetica un po’ Patrick Bateman di American Psycho, che, diciamocelo, funziona sempre. Il power dressing d’ufficio si intreccia alla grammatica visiva equestre, presente soprattutto nel sapiente gioco di styling. Qui prende forma nelle spille di pelle, nei colletti e nei polsini delle camicie che sembrano sfidare la gravità, e nei manici delle borse, reinventati come cravatte.

Prada

Prada è Prada. In un fashion system che barcolla, immersa in una moda che a tratti fatica a farsi valere, Prada non ha bisogno di dimostrare niente, né di esser nulla al di fuori di sé stessa. Per il prossimo inverno, la parola chiave è: pluralità. Non intesa come moltitudine di estetiche, ma come caleidoscopio di realtà. Di momenti. Come lente d’osservazione per le complessità della vita quotidiana. La collezione è uno studio sul layering di vestiti, che, anziché essere un semplice atto di styling, diventa gesto utile. Necessario. Un modo di abitare, usare, togliere e rimettere i vestiti che si indossano. Quindici modelle hanno preso d’assalto la passerella, entrando ed uscendo susseguendosi ogni volta con uno strato in meno, in più, o reinventato.

La battaglia di Prada per l’utilizzo – e soprattutto il riutilizzo – dei capi emerge anche dal finish di alcuni tessuti: cappotti e giacche mostrano segni di logoramento, volutamente consumati. Non si tratta di dettagli appositamente studiati per far parlare di sé, niente gimmick in corso. Sono in realtà accorgimenti che aprono a una conversazione diversa. La moda si rinnova, lo fa per definizione, instancabilmente. Questo, però, non ci solleva dalla responsabilità di rallentarne il ritmo, reindossando i capi il più possibile, vivendo l’indumento al di là delle tendenze.

Emporio Armani

“Maestro”: questo il titolo della collezione co-ed di Emporio Armani, la prima linea Emporio disegnata da Silvana Armani e Leo Dell’Orco. Non vi è distinzione di genere, ma complementarietà. Lo spirito, oltre che senza tempo, ma attuale, è collettivo: coppie e gruppi di modelli sfilano occasionalmente fianco a fianco. La narrazione viene portata avanti da un’ampia varietà di tessuti: denim, lana, e velluto si alternano a un knitwear lavorato in mille modi – i maxi abiti sfrangiati sul fondo strizzano l’occhio ad un modo tutto nuovo (per il brand, almeno) di reinventare i materiali, amplificandone la texture. Rispondono all’appello anche gonne da school girl, giubbotti da motociclista, trench coats e strass su jeans e colletti.

Dire che Armani è sinonimo di eleganza è ridondante. Quasi ovvio. Nonostante ciò, è una di quelle cose che non si riesce a non menzionare quando si scrive del disegno del re della moda italiana. Seppur la penna sia diversa stavolta, conserva tutta la sua essenza.

Marni

La sfilata di Marni  segna il debutto di Meryll Rogge, chiamata a inaugurare una nuova fase della maison. La designer belga introduce una parola chiave, che, si traduce in passerella in un guardaroba riconoscibile, emotivo e volutamente vicino alla vita reale, pur conservando quell’eccentricità cromatica che è parte del Dna del marchio.

In passerella si susseguono silhouette morbide, costruite su volumi leggermente sbilanciati e sovrapposizioni spontanee. Cappotti dalla linea cocoon avvolgono abiti fluidi, mentre gonne midi si accostano a maglieria dalla mano materica, creando un ritmo visivo fatto di contrasti tattili più che di costruzioni rigide.

Le stampe, floreali sgranati, motivi pittorici, grafismi rétro, appaiono come frammenti di memoria visiva, spesso accostati a campiture monocrome che ne amplificano la presenza. La palette alterna toni caldi e terrosi a improvvise accensioni di verde acido, rosso laccato e blu polveroso, in una composizione cromatica tipicamente Marni ma resa più controllata.

Particolarmente riuscito il lavoro sugli abiti day-to-evening: slip dress sovrapposti a maglie sottili, completi morbidi con pantaloni leggermente cropped, cappotti in tessuti tecnici abbinati a scarpe basse o stivali morbidi che accentuano la sensazione di comfort urbano. Gli accessori restano discreti ma identitari: borse morbide, quasi vissute, e bijoux irregolari che sembrano piccoli oggetti trovati.

Il debutto di Rogge si distingue per una ricerca di equilibrio: meno gesto provocatorio, più costruzione emotiva. È un Marni che guarda al quotidiano senza banalizzarlo, trasformando la plausibilità in una nuova forma di libertà espressiva.

Cavalli

La memoria visiva associata a Roberto Cavalli, stampe vibranti, animalier luminosi, esplosioni cromatiche, viene improvvisamente incrinata da un gesto radicale: Fausto Puglisi costruisce la collezione autunno-inverno 2026-27 come una variazione in total black. Un nero che, nelle sue parole, diventa «tela, profondità, materia viva», sensuale e carnale, attraversato da un’iper-femminilità magnetica e da un ottimismo sotterraneo.

Il risultato è un “dark Cavalli” che non rinnega il Dna della maison ma lo filtra come una fotografia a colori stampata in bianco e nero. Silhouette aderenti, abiti gladiator impreziositi da borchie dorate, superfici lucide e opache che catturano la luce trasformano il nero in paesaggio materico. Quando il colore riappare, l’effetto è quello di fotogrammi dipinti a mano che riaccendono la narrazione.

Dopo anni di rispetto quasi filologico dei codici Cavalli, Puglisi offre forse la sua interpretazione più personale: non una rivoluzione, ma uno slittamento emotivo. Un’ode all’ombra che genera luce, mentre la colonna sonora di Sweet Dreamsaccompagna il messaggio implicito della collezione, la ricerca di una nuova sicurezza dentro un’immagine familiare, ma finalmente diversa.

Articolo di Greta Liberatoscioli e Francesca Soba

Foto: Vogue, The Impression, Fashion Network

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Dal rigore poetico di Jil Sander al debutto carico di aspettative da Fendi, passando per la leggerezza narrativa di Vivetta e il colore identitario di Missoni: la seconda giornata di sfilate fino a Nº21 disegna una moda che osserva.

La giornata si apre con Luisa Beccaria, che porta in scena una femminilità sospesa, fatta di trasparenze e romanticismo disciplinato. Non c’è nostalgia, piuttosto un’idea di grazia come forma di resistenza al rumore del presente.

Jil Sander

La sfilata di Jil Sander si sviluppa come un esercizio di sottrazione controllata. La costruzione sartoriale è il fulcro: cappotti dalla spalla pulita ma non rigida, giacche con revers allungati e pantaloni a vita alta che accompagnano il movimento senza imporre struttura.

I materiali raccontano la ricerca: lane compatte, flanelle leggere, pelli sottilissime lavorate quasi come tessuti. Il layering è calibrato con precisione architettonica, camicie liquide sotto blazer rigorosi, abiti colonna interrotti da inserti materici, creando una tensione tra morbidezza e disciplina.

La palette rimane fedele al vocabolario della maison: neri profondi, crema lattiginosi, tocchi di verde minerale e marroni caldi. Ma è la proporzione a fare la differenza. Orli leggermente abbassati, volumi impercettibilmente ampliati, silhouette che sembrano familiari eppure nuove.

È minimalismo che non congela, ma vibra. Una moda che si affida alla precisione per generare emozione, dimostrando che la sottrazione può essere il gesto più radicale.

Antonio Marras

Con Antonio Marras la passerella cambia ritmo e diventa racconto. La collezione si muove tra citazioni culturali, memorie personali e suggestioni geografiche, come pagine di un diario visivo.

Tecnicamente, il lavoro si gioca sulla stratificazione: abiti sovrapposti a maglieria irregolare, cappotti decorati con patchwork pittorici, gonne leggere interrotte da inserti materici. Le silhouette alternano costruzione e libertà, con volumi che sembrano nati dal gesto più che dal cartamodello.

Le stampe, floreali sbiaditi, grafismi quasi calligrafici, motivi fotografici, dialogano con ricami manuali e applicazioni tessili, creando superfici narrative. Marras lavora come un montatore cinematografico: accosta epoche, materiali e riferimenti fino a ottenere una coerenza emotiva.

La palette oscilla tra toni polverosi, neri teatrali e improvvise accensioni cromatiche, mentre gli accessori sono sciarpe avvolgenti, calzature ibride, borse materiche, rafforzano l’idea di personaggi più che modelli.

È una collezione che non cerca la linearità, ma la profondità. Un invito a leggere la moda come memoria condivisa.

Fendi: “Meno io, più noi”

Il momento più atteso arriva con Fendi. Sulla passerella campeggia una frase netta: “Meno io, più noi.” È il manifesto della prima collezione di Maria Grazia Chiuri per la maison romana a Milano, nonché la sua prima esplorazione esplicita del guardaroba maschile all’interno di questo contesto.

Il messaggio si traduce immediatamente in scelte tecniche e stilistiche. Il nero domina, compatto e deciso, fungendo da tela su cui costruire una narrazione collettiva. Le pellicce, recuperate e rielaborate, diventano gesto etico e artigianale: rasate, alleggerite, trasformate in superfici quasi tessili.

La collezione lavora sulla trasversalità: cappotti strutturati ma fluidi, pantaloni sartoriali accostati a cargo, gilet che dialogano con sottovesti, completi rigorosi affiancati a bermuda e gonne longuette. Maschile e femminile si dissolvono in favore di un guardaroba modulare, pensato per accompagnare i corpi piuttosto che definirli.

Le costruzioni rivelano l’esperienza di Chiuri tra Valentino e Dior, ma il risultato rimane profondamente radicato nel Dna Fendi. Le spalle sono naturali, i volumi scivolano, le proporzioni cercano comfort senza perdere eleganza. Nulla costringe, tutto accarezza.

Il logo ritorna all’origine, quasi archeologico, ancorando la collezione alla memoria della maison. E la Baguette riappare nella sua funzione primaria: oggetto quotidiano, artigianale, lontano dall’icona urlata e più vicino alla complicità personale.

Il debutto non è rivoluzionario nel senso spettacolare del termine, ma lo è nella sua dichiarazione di metodo: collaborazione, continuità, rispetto per il patrimonio e apertura al presente.

Il centro emotivo della giornata è, quindi, Fendi. Il debutto di Maria Grazia Chiuri non è semplicemente una sfilata, bensì un momento di osservazione collettiva. Milano guarda, misura, interpreta. La collezione gioca con i codici della maison, pellicce alleggerite, costruzioni fluide, femminilità consapevole, e lo fa con un equilibrio che evita sia la nostalgia sia la rottura brusca. Tensione nell’osservare un debutto in punta di piedi, si valuta, si studia, e, si decide. Ai posteri l’ardua sentenza.

Dopo la tensione narrativa di Fendi, arriva la leggerezza intelligente di Vivetta. Ironia sottile, dettagli grafici, un romanticismo pop che restituisce alla moda la sua dimensione ludica senza cadere nella superficialità.

Missoni

Con Missoni, a Milano,  la passerella si accende di materia e ritmo. Alberto Caliri guarda a storici scatti della maison del 1978 e li traduce in una collezione che celebra la maglia come linguaggio primario.

Le sovrapposizioni diventano il dispositivo tecnico dominante: cardigan su abiti, maglie stratificate, capi che costruiscono volume su volume senza perdere fluidità. Il risultato è una silhouette energica, quasi scultorea, che mescola maschile e femminile con naturalezza.

La maglieria, cuore identitario del marchio, si espande in nuove proporzioni: texture dense, righe vibranti, superfici tridimensionali che trasformano il movimento del corpo in paesaggio dinamico.

Caliri non cerca nostalgia, ma continuità. La memoria del 1978 diventa punto di partenza per una collezione grintosa e contemporanea, dove l’identità Missoni si rinnova proprio attraverso la sua materia originaria.

Nº21

La sfilata di Nº21 sorprende sin dall’inizio. O forse dalla fine. Alessandro Dell’Acqua apre lo show con quello che normalmente sarebbe il momento conclusivo: tutte le modelle insieme in passerella, l’intera collezione rivelata in un unico colpo d’occhio. Poi la narrazione ricomincia davvero, ribaltando la struttura tradizionale e instaurando un racconto circolare.

L’ispirazione nasce da Hotel di Sophie Calle, progetto in cui l’artista osservava le tracce intime lasciate dagli ospiti nelle stanze. Dell’Acqua traduce questa suggestione in quello che definisce un “voyeurismo sentimentale”: una collezione che esplora l’intimità senza invaderla, più matura e sobria rispetto al passato.

Le silhouette si fanno pulite e rigorose. Cappotti essenziali con colletti ricamati, body e pezzi più freschi affiancati a figure femminili adulte scelte per affermare una visione inclusiva dell’età. Il dialogo generazionale diventa parte integrante del messaggio.

L’unico lampo glamour esplicito arriva dalle scarpe glitter con punta in raso, bagliori luminosi che interrompono la sobrietà e ricordano che anche la discrezione può concedersi un gesto teatrale.

Quella presentata alla Milano Fashion Week, è una collezione intima, osservata più che esibita, dove l’emozione nasce dal dettaglio e dalla consapevolezza.

MM6 Maison Margiela

Con MM6 Maison Margiela la giornata trova una chiusura silenziosa ma concettualmente densa. La collezione, presentata alla Milano Fashion Week, lavora su un’ibridazione spontanea di codici: sportswear, classici borghesi e accenti equestri convivono in un guardaroba che evoca il piacere di giornate autunnali nel countryside ma rimane perfettamente credibile anche nello scenario urbano.

La chiave tecnica è la contaminazione. I capi appaiono come frammenti diversi che si incastrano con naturalezza: giacche sartoriali accanto a felpe asciutte, pantaloni sportivi dialogano con cappotti rigorosi, dettagli equestri si insinuano in silhouette quotidiane. Tutto è sorprendentemente indossabile, come se la sperimentazione fosse già stata assorbita dalla vita reale. Margiela lavora quindi su una tensione sottile: destrutturare senza rompere, estremizzare senza allontanare. Il risultato è una collezione che mantiene la dimensione concettuale tipica della maison ma la traduce in una portabilità concreta, quasi affettuosa.

È una chiusura che non cerca il colpo di scena, ma lascia una domanda aperta: quanto può essere sperimentale la normalità?

Si chiude la seconda giornata

La seconda giornata della Milano Fashion Week AI 2026-27, fino a Nº21, ha costruito un discorso maturo sulla moda contemporanea. Jil Sander ha mostrato la forza della precisione, Marras quella della memoria, Fendi quella della collaborazione. Missoni ha riaffermato il valore della materia identitaria, Nº21 quello dell’intimità narrativa.

E mentre Milano si spegne lentamente tra riflessi di vetrine e taxi in corsa, resta una certezza: la moda più interessante non è quella che cerca l’effetto immediato, ma quella che invita a guardare più a fondo.

Photocredits: Fashion Network

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Un’identità che attraversa il tempo

Alla Fashion Week 2026 di Milano, Custo Barcelona riafferma con forza la propria identità: una grammatica visiva che da oltre quarant’anni attraversa culture, linguaggi e generazioni. In un calendario dominato da minimalismi concettuali e ritorni nostalgici, il brand catalano sceglie ancora una volta la via dell’espressione libera, portando in passerella un universo stratificato di simboli, cromie e archetipi contemporanei.

Le radici di un’estetica visionaria

Fondato nei primi anni Ottanta dai fratelli Custo Dalmau e David Dalmau, il marchio nasce da un viaggio coast-to-coast negli Stati Uniti che ne segna per sempre l’estetica. Le grafiche californiane, la cultura surf, l’energia pop e la contaminazione urbana diventano materia viva su cui costruire un’identità riconoscibile al primo sguardo. Il debutto avviene alla New York Fashion Week nel 1997. Così il brand diventa una presenza globale riconoscibile, portavoce di uno spirito libero.

Archetipi contemporanei, tecnologia, colore

L’immaginario di Custo Barcelona si muove tra archetipi e tecnologia. Figure mitiche reinterpretate in chiave cyber, stampe che evocano universi paralleli, tessuti tecnici che dialogano con materiali più sensuali. E’ una moda che non teme l’eccesso, anzi lo rivendica.

Il colore, cifra stilistica imprescindibile, esplode in contrasti audaci, in un pattern emotivo. Il tutto diventa narrazione visiva. 

Custo Barcelona per Milano Fashion Week 26

Milano 2026 raccoglie quell’eredità e la proietta in una dimensione nuova, più digitale e immersiva.

La collezione presentata in passerella è un dialogo tra passato e futuro. Le silhouette rimangono fedeli allo spirito del brand, fluide, dinamiche, pensate per corpi in movimento, ma si arricchiscono di lavorazioni tridimensionali e layering sofisticati e leggeri, in contrapposizioni al mix di colori audaci.

L’immaginario di Custo Barcelona  mette in scena visioni femminili, libertà, desiderio, ironia. Scenografie wild con fusioni cromatiche irriverenti.

“WE OWN THE LIGHT”: il manifesto di una sfilata immersiva.

A Milano, in Palazzo Bovara il 24.02.26, la sfilata diventa esperienza.

La luce diventa simbolo di energia ed espressione personale. E’ l’elemento progettuale primario, espresso attraverso l’alternanza di trasparenze e opacità. In passerella mini abiti in tulle stratificato con dettagli fantasiosi, maniche voluminose, drappeggi fluidi, e lavorazioni artigianali in pizzo definiscono il brand nella MFW 26. La palette scelta è calda: ocra, blush e oro si fondono con tonalità più profonde e notturne.

Il manifesto è chiaro: un inno alla luminosità interiore in una visione che integra artigianalità e innovazione, manualità e sperimentazione tecnologica. 

Generare tendenze, non inseguirle

Nel panorama della Fashion Week, Custo Barcelona occupa uno spazio preciso: quello dei brand che non inseguono le tendenze, ma le generano. La collezione 2026 conferma una coerenza rara, capace di evolversi senza tradire le proprie radici. Visioni, archetipi, luce: tre parole che sintetizzano un percorso creativo che continua a sorprendere, stagione dopo stagione. In un’epoca in cui l’identità è fluida e performativa, il brand propone un guardaroba come manifesto personale. E Milano è qui ad applaudire il suo linguaggio moderno.

Photocredits: Press Kit FW 26.27 Custobarcelona, logospr_milano, pinterest

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Milano non è una città. È un banco di prova, dove la moda riparte da zero, e, lo fa davvero. Qui la moda più che farsi vedere, si misura. In numeri, in buyer, in ordini scritti a penna durante appuntamenti che decidono il destino di un brand.

Dal 26 febbraio al 1° marzo 2026, nel cuore del Tortona Fashion District, torna WHITE Milano. E questa volta non è solo un’edizione in più. È una presa di posizione. Oltre 300 brand presenti, +10% rispetto allo scorso febbraio.
Il 46% arriva dall’estero, inoltre ben 130 nuovi marchi entrano in scena. Questa non è crescita. È selezione naturale.

Buyer internazionali: USA, Cina, Corea, Medio Oriente. Milano torna al centro

La parola chiave è una sola: internazionalizzazione. A WHITE 2026 aumentano in modo significativo i buyer internazionali: Stati Uniti, Cina, Giappone, Corea del Sud, Francia, Germania, UK, Emirati Arabi, Brasile. Mercati strategici. Mercati che comprano. Il supporto di ICE – Agenzia rafforza la presenza degli operatori stranieri e consolida il ruolo di WHITE come piattaforma di riferimento per il womenswear contemporaneo e il Made in Italy. Nel rumore della Milano Fashion Week, WHITE resta il luogo dove si fa business vero. E in questo momento storico, è ciò che conta.

WHITE Accessories: il nuovo spazio dedicato a calzature e accessori

Dentro il Superstudio nasce WHITE Accessories, area interamente dedicata agli accessori con focus sulle calzature.

Uno spazio pensato per la visibilità commerciale, non per la scenografia fine a sé stessa. Tra i brand presenti:
CAMPER, MORSICA, STEFANO MUGNAI, MEXICANA, SPERRY, VILLA NICCOLAI, LA STRAMBERIA.

Il messaggio è chiaro: il mercato oggi chiede prodotto forte, identità chiara e margini sostenibili. WHITE lo sa. E si muove di conseguenza.

Secret Rooms: meno élite, più desiderabilità

Le Secret Rooms tornano, ma cambiano pelle. Non più solo ricerca estrema, ma creatività capace di parlare al retail.
Un equilibrio sottile tra avanguardia e vendibilità. Tra i nomi più interessanti:

• SUSAN FANG, con la sua poetica fusione tra artigianato e tecnologia
• LUCILLE THIEVRE, drappeggi che seguono il corpo invece di costringerlo
• BATAKOVIC BELGRADE, minimalismo elegante e funzionale
• MII, artigianalità indiana e raffinatezza francese

WHITE intercetta un nuovo bisogno: brand con anima, ma con numeri.

FESSURA e il confine sottile tra moda e performance

Tra le novità spicca FESSURA, che lancia la linea “Road Running”. Lifestyle e performance non sono più categorie separate.
Sono il nuovo lusso quotidiano. Il 14 febbraio inaugura il flagship store milanese mentre il 27 febbraio organizza un opening party durante la Fashion Week.

La moda oggi è community. È esperienza. È evento. Chi non lo capisce, resta indietro.

Dall’India al Qatar

L’edizione 2026 conferma un’espansione geografica evidente. Dall’India arrivano ANTAR-AGNI, KA-SHA, NITIN BAL CHAUHAN, URVASHI KAUR. Dal Qatar torna SHIROTSU con la sua visione seasonless e genderless. Dalla Spagna, grazie al supporto ICEX, arrivano NAGUISA, YERSE, LUNA LLENA.

WHITE non è più solo un salone milanese. Si trasforma in una piattaforma che dialoga con i Paesi del Golfo, con l’Asia, con l’Europa. E intanto M SEVENTY consolida la sua presenza internazionale, con lo spazio permanente “The Circle” a Riyadh. Milano come epicentro. Il mondo come raggio d’azione.

“Tabula Rasa”: la visione radicale di Massimiliano Bizzi

Il titolo della campagna 2026 è una dichiarazione netta: TABULA RASA.

Ripartire da zero. Svuotare il superfluo.
Costruire una nuova grammatica del business moda. Massimiliano Bizzi immagina un foglio bianco come atto di coraggio. In un sistema che spesso accumula, WHITE sceglie di sottrarre. Meno rumore, più sostanza.
Meno estetica fine a sé stessa, più prospettive concrete per i retailer.

La selezione Autunno/Inverno diventa così una risposta precisa a una domanda semplice: cosa venderà davvero?

WHITE Milano 2026 è il luogo dove la moda si decide

Nel calendario affollato della Milano Fashion Week, WHITE resta il momento in cui la moda smette di sfilare e inizia a lavorare.

Oltre 300 brand. Buyer raddoppiati. Nuovi mercati. Un cambio di paradigma dichiarato. Non è una promessa vuota. È una strategia. E mentre molti parlano di crisi del sistema moda, WHITE sceglie di fare l’unica cosa sensata: ripartire. Da zero.

Photocredits: WHITE Press kit

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