Quello che succede a New York rimane a New York. Sembrava essere questa la regola, stile Fight Club, alla quale la settimana della moda americana aveva finito per attenersi nelle ultime stagioni. Con calendari sempre più snelli, ovattata e sommessa, la NYFW fungeva ormai quasi solo da ponte d’accesso tramite il quale attraversare l’oceano e arrivare alle reali destinazioni: Milano e Parigi, le due capitali capaci di inanellare una successione di appuntamenti abbastanza serrata da tenere alta l’attenzione e frenetico il ritmo. Il sogno americano era diventato tale nel senso più letterale del termine: dormiente.

Sarà l’effetto della Primavera-Estate, sarà che il sonno si è fatto più leggero. Sta di fatto che la New York Fashion Week è ora tornata al centro. Come punto di partenza per il fashion month, certo, ma anche come nuova asticella: quella con cui da qui in avanti toccherà misurare le settimane della moda a venire.

Qualcosa, sulla East Coast, ha ricominciato a muoversi. Dai grandi nomi che hanno scritto la storia delle passerelle newyorkesi agli emergenti, passando per tutto ciò che ha riportato la città nel vivo della conversazione: ecco cosa resta della New York Fashion Week Primavera/Estate 2027.

“Una questione di linguaggio del corpo”: Henry Zankov debutta in Diane von Furstenberg

Ad inaugurare la New York Fashion Week è stato il debutto Henry Zankov alla guida di Diane von Furstenberg. Ritorno particolarmente significativo per lo stilista, che aveva già lavorato per la maison sotto la direzione creativa di Jonathan Saunders. Zankov entra nell’archivio DVF munito del proprio vocabolario per decifrarlo: tonalità squillanti e stampe multiformi si fondono alla tipica disinvoltura sensuale che da sempre definisce il marchio. Il risultato è una conversazione tra due linguaggi diversi che, più che scontrarsi, sembrano riconoscersi nelle proprie divergenze.

Tommy Hilfiger: tenere alta la bandiera dell’american prep

Se c’è qualcuno che questa stagione ha saputo tenere alta la bandiera della New York Fashion Week, quel qualcuno è Tommy Hilfiger. Perché, prima ancora, ha saputo tenere alta la propria. Letteralmente. Presentata al Plaza Hotel, dove lo stilista ha vissuto per anni con la famiglia, la collezione Primavera/Estate 2027 ha rimesso in scena tutti i codici dell’american prep che hanno contribuito a costruire l’identità del marchio. Polo da rugby, righe, tartan, giacche dai tagli Ivy League, colletti alzati, cappellini e pantaloni chino. Il tutto ridisegnato tramite alti e bassi di proporzioni, e animato, naturalmente, dal tricolore rosso, bianco e blu della bandiera Tommy.

Il pezzo forte, però, non è arrivato dall’archivio stilistico del marchio. Bensì, da quello pubblicitario – direttamente dalla Times Square degli anni ’80. Nel 1985 Tommy Hilfiger era ancora un giovane designer freelance con un’idea precisa: costruire un brand che potesse competere con i grandi nomi della moda americana. Per farlo si rivolse a George Lois, uno degli art director più celebri dell’epoca, investendo 200 mila dollari in una campagna pubblicitaria tanto semplice quanto spregiudicata. Un enorme cartellone presentava quattro nomi da indovinare, come in una sorta di gioco dell’impiccato. Ralph Lauren, Perry Ellis, Calvin Klein e, per ultimo, Tommy Hilfiger. I primi tre erano immediatamente riconoscibili. L’ultimo no. In fondo al manifesto, il logo e una frase rendevano esplicita la provocazione: Hilfiger era – per il momento – il meno conosciuto dei quattro.

Quella stessa pubblicità è riapparsa, quarantuno anni dopo, stampata su un lungo abito bianco di seta. Il riferimento all’iconico billboard non è dunque un semplice esercizio di nostalgia, ma l’esatto momento in cui Hilfiger trasforma la propria storia in materia di collezione. Indossabile o meno, il colpo è riuscitissimo.

L’esercizio di ripetitività minimalista di Calvin Klein Collection

“Minimalismo” è forse la parola più abusata dell’intero sistema moda. Basta che una maglia perda i colori, che un abito si spogli delle proprie forme, che gli accessori scarseggino ed ecco che tutto, in un batter d’occhio, diventa minimalista. E poi, di conseguenza, eterno. Tanto depurato da valere sempre.

Il gioco di Veronica Leoni per Calvin Klein Collection sembra essere proprio questo. Costruire, quasi architettonicamente, silhouette talmente precise da non avere bisogno di aggiunte. E mentre c’è chi pensa che spogliare, eliminare, ridurre all’essenza sia facile, il lavoro di Leoni dimostra tutto il contrario. Rimanere così profondamente riconoscibili attraverso un esercizio di sottrazione, facendo dell’assenza di decorazioni il fulcro stesso della collezione, richiede coraggio.

Una palette quasi muta, interrotta da qualche picco di elettricità; abiti a canotta, trasparenze opache, pantaloni morbidi e blazer semplici, ma ineludibili. Capi che si impongono attraverso la precisone, non l’eccesso. La collezione, ispirata a Georgia O’Keeffe e a Teyana Taylor, diventa così un’ode alla ripetitività. Che forse, oggi, è la vera novità.

Moda che si guarda, si sente, ma soprattutto, si tocca: la texture come protagonista

A New York la texture è stata la vera protagonista di tre collezioni apparentemente lontane, ma accomunate dalla stessa necessità: riportare gli abiti alla loro dimensione più fisica. Quella che, passando per lo sguardo, cerca di rendere l’idea del tatto. Da Monse la frangia è diventata movimento, superficie e ricamo. Da Simkhai, la pelle ha subito le più elaborate alterazioni, con finiture lucide dall’effetto quasi gommoso che sembrano chiedere di esser toccate. Infine Area, con il suo abbagliante eccesso: abiti metallici sfrangiati nelle più svariate maniere, nati da un tessuto di paillettes lavorato prima ancora che queste vengano forate. Strisce sottili, rigide, attillate, sinuose, rese frisé. La materia di costruzione costituisce l’intero look.

Bring back shame: Conner Ives across the pond

A New York ci è tornato passando da Londra. Conner Ives, nato nella contea di Westchester ma formatosi alla Central Saint Martins, ha scelto la sua città d’origine per il debutto ufficiale alla NYFW con Across the Pond: un titolo che racconta già tutta la collezione. Da una parte l’America del rugby, degli slogan, del glamour della società; dall’altra l’eleganza britannica e il rigore sartoriale di Savile Row, insieme a quella libertà di ricomporre il vintage che ha definito il percorso londinese del designer. Due sponde in collisione.

È con una T-shirt, tuttavia, che il discorso si fa pungente. Bring Back Shame, indossata in passerella da Hari Nef, è lo slogan che Ives sceglie per interrogare un’America in cui il concetto di vergogna sembra sfumare sempre di più. O meglio, quasi sparire. La collezione guarda all’America attraverso la distanza di chi è stato oltreoceano. Lo dicono le forme, i colori, i riferimenti. La maglia, invece, guarda più da vicino. E lo fa con una frase che, più che decorare una T-shirt o sollevare una domanda, sembra voler provocare una risposta.

Autocelebrazione e metamorfosi, Carolina Herrera e Thom Browne

Per il 45° anniversario della maison Carolina Herrera, Wes Gordon è tornato là dove tutto era cominciato, trasformando il David H. Koch Theater in una Park Avenue fiorita da quasi trentamila tulipani gialli. In passerella tornano i codici Herrera (la camicia bianca, i pois, le ruches, le silhouette da uptown), e in passerella sfila il ritratto della fondatrice realizzato da Andy Warhol in versione abito.

Arriva infine Thom Browne, alla cui Spring/Summer 2027 è affidato il compito di chiudere in grande la New York Fashion Week. Browne, da sempre, sostiene l’impiego come pochi altri riuscirebbero. La passerella diventa un grande giardino abitato da insetti, dove una gigantesca crisalide annuncia la propria metamorfosi. Api, libellule, farfalle e coccinelle si posano su tweed e tagli sartoriali tipici della maison. Le silhouette prendono la forma di corazze, ali e strutture organiche, fino a trasformare il rigoroso tailoring di Browne in qualcosa di quasi entomologico. Il riferimento è A Bug’s Life, ma il gioco è tutto nella trasformazione: anche il linguaggio più riconoscibile può cambiare pelle senza smettere di essere sé stesso.

Foto: Vogue, The Impression

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La moda ha sempre avuto un certo talento nel nascondere la propria matematica.
Preferisce raccontare l’ispirazione, il gesto creativo, l’archivio riscoperto, il viaggio, la musa. Parole bellissime, naturalmente. Molto meno romantico sarebbe raccontare che, mentre qualcuno immagina la prossima stagione, qualcun altro sta già facendo i conti con quantità, marginalità, sell-through, colori, taglie, SKU e budget.
Eppure è proprio lì, lontano dai riflettori delle passerelle, che spesso si decide se una collezione resterà una splendida dichiarazione d’intenti o diventerà qualcosa che le persone desidereranno davvero comprare.
Fashion Puzzle nasce esattamente in questo spazio: quello che separa (e contemporaneamente unisce) l’idea dalla sua possibilità di funzionare.

Stefano e Orsetta lavorano nella moda da molti anni e da tempo condividono anche l’esperienza dell’insegnamento. È proprio da qui che nasce il libro. «Ci siamo resi conto della mancanza di letteratura sull’argomento, soprattutto italiana», racconta Stefano. «Abbiamo quindi deciso di creare uno strumento che riepilogasse i nostri appunti e potesse aiutare studenti e professionisti attraverso casi empirici, esempi ed esercizi maggiormente esplicativi».

Perché insegnare buying e merchandising significa anche tentare di rendere accessibile un sapere che, tradizionalmente, viene custodito con una certa gelosia. Stefano sorride su un’abitudine piuttosto diffusa nel settore: «Spesso buyer e merchandiser sono gelosi del loro sapere e non rivelano gli strumenti, se non quelli essenziali». Eppure stiamo parlando, continua, di «uno dei lavori più avvincenti e soddisfacenti che una persona possa svolgere nel mondo della moda» quando si desidera privilegiare un approccio analitico e quantitativo senza rinunciare ai trend e alla creatività. Orsetta insiste invece sull’importanza della pratica. I case study e gli esercizi contenuti nel libro non servono soltanto a spiegare una professione, ma a farla sperimentare: avvicinare gli studenti a ciò che si troveranno realmente ad affrontare nel day to day.
Perché il fashion business, prima o poi, pretende sempre di uscire dai libri.

Il creativo immagina. Qualcuno deve trasformare l’idea in realtà

La moda continua ad alimentare il mito del creatore solitario.
Ma dietro un brand di successo raramente c’è soltanto un grande designer.
«C’è anche un alleato, non ovvio: il merchandiser», spiega Stefano. «È l’anello che congiunge la parte creativa alla sua concretezza commerciale. Lo stilista propone visioni e idee, il merchandiser le traduce in collezioni coerenti, sostenibili e vendibili».
Parola pericolosa, vendibili.
Quasi volgare, nell’industria che ama parlare di sogni.
E invece è precisamente lì che il sogno incontra la realtà. Perché innovazione e redditività non sono necessariamente nemiche: la seconda permette alla prima di continuare a esistere.
Stefano lo ha imparato anche durante gli anni trascorsi come CEO di Giuliano Fujiwara. Ricorda una frase che il designer era solito ripetere: «Metto molta emozione nella mia moda, ma la moda deve vendere ed essere ciò che la gente vuole e può portare».

Orsetta sposta però il confine un poco più avanti.
«Credo che il merchandiser debba intervenire soprattutto sull’equilibrio della collezione, non sulla sua anima».
Ed è una distinzione fondamentale.
«Ci saranno sempre alcuni pezzi più emozionali, che magari non saranno i bestseller ma costruiscono immagine e desiderabilità. Accanto a questi devono esserci prodotti capaci di generare volume, continuità e marginalità».
Non tutto deve vendere allo stesso modo perché non tutto nasce per assolvere alla stessa funzione.
Un capo può essere un bestseller. Un altro può esistere per raccontare chi sei.
«La vera competenza», continua Orsetta, «sta nel non giudicare il singolo capo soltanto attraverso il sell-through, ma nel capire quale funzione svolge all’interno dell’intera architettura della collezione».

Architettura è probabilmente la parola giusta. Perché se il creativo disegna l’edificio, qualcuno deve assicurarsi che rimanga in piedi.
E quando il rapporto funziona, aggiunge, il tanto raccontato conflitto tra creatività e numeri quasi scompare: «Vedo piuttosto un dialogo continuo: il creativo spinge il brand in avanti, il merchandiser fa in modo che quella visione incontri il cliente e possa diventare un business sostenibile».

Prevedere domani

C’è poi un problema piuttosto singolare: chi lavora nella moda non lavora quasi mai nel presente.
«Il settore fashion vive nel futuro», osserva Stefano. Una collezione viene decisa con sei, talvolta otto mesi di anticipo. Significa scegliere oggi ciò che qualcuno potrebbe desiderare domani. Ed è qui che entra in gioco il buyer. «L’attività di fashion buying è la sintesi tra domanda e offerta», spiega Stefano. Il compratore parte da una proposta potenzialmente infinita e deve tradurla «nella realtà unica del proprio store». Deve eliminare, scegliere, scommettere. E soprattutto deve farlo prima di sapere se avrà ragione.
I dati aiutano, naturalmente. Ma hanno un difetto piuttosto evidente: raccontano magnificamente ciò che è già successo.
«Lo spazio per l’intuito di un buyer esiste ancora», sostiene Stefano.

E appartiene soprattutto a chi, dopo anni di esperienza, ha imparato a riconoscere quelli che definisce «segnali deboli». Piccoli cambiamenti, comportamenti, contaminazioni culturali. Cose che ancora non possiedono la consistenza rassicurante di una percentuale ma che potrebbero diventare, sei mesi dopo, esattamente ciò che tutti desiderano. Bisogna quindi «osare scelte che i numeri da soli spesso non riescono a suggerire».
Orsetta concorda senza esitazioni: «L’intuito e la sensibilità di capire come agire sono due doti indispensabili nel lavoro del buyer».
Ed eccoci al paradosso. Più l’industria diventa capace di misurare tutto, più continua ad avere bisogno di qualcosa che non riesce a misurare.

Quello che sfugge ai numeri

Negli ultimi anni la moda è stata travolta da globalizzazione, fast fashion, digitalizzazione e social media. Sono cambiati i modelli di business, le strategie e persino i meccanismi attraverso cui attribuiamo valore a un prodotto.
Limited edition, co-branding, heritage marketing, influencer, esperienza: il vocabolario del desiderio si è ampliato insieme agli strumenti utilizzati per intercettarlo.
Eppure, secondo Stefano, rimane sempre «qualche dettaglio erratico, di difficile prevedibilità». È la componente emozionale, sociale, culturale, lifestyle e soprattutto simbolica del consumo. Quella che nessun foglio Excel riesce completamente a contenere.

Basta pensare all’onda dello streetwear, capace per anni di modificare non soltanto ciò che indossavamo ma l’immagine stessa dei punti vendita. Oppure all’universo quasi da Wunderkammer costruito da Alessandro Michele, prima da Gucci e poi da Valentino: un immaginario che, con risultati alterni, ha oltrepassato i confini della moda arrivando a contaminare design, cinema ed entertainment.
«Un buon manager o un buon buyer può mitigare e tentare di gestire il processo», osserva Stefano, «ma non potrà mai possedere completamente questi fattori».
E forse non dovrebbe nemmeno poterlo fare.
Perché se il desiderio diventasse completamente prevedibile, la moda perderebbe una parte considerevole della propria ragione di esistere.

Orsetta, dall’altra parte del tavolo

Per Orsetta il rapporto tra creatività e mercato ha assunto negli anni una prospettiva ancora diversa.
Da buyer e merchandiser è passata dall’altra parte del tavolo, arrivando al prodotto. Ma quella forma mentis non l’ha mai abbandonata.
«Anche quando disegno, continuo automaticamente a chiedermi: questa camicia si venderà? Come verrà indossata? A quale esigenza reale della cliente risponde?».
Tre domande che contengono quasi un’intera filosofia del prodotto.
Perché disegnare conoscendo il retail significa sapere che, dopo il moodboard, l’ispirazione e lo styling, arriverà inevitabilmente una donna vera.
Una donna che entrerà in negozio, prenderà quella camicia, ne toccherà il tessuto, osserverà il colore, proverà la vestibilità, guarderà il prezzo e deciderà se comprarla.

«La mia esperienza nel retail, nella vendita e nella costruzione delle collezioni mi ha dato un vantaggio importante: il prodotto non nasce mai soltanto da un’intuizione estetica, ma da una lettura molto concreta della cliente e del mercato».
Quell’esperienza le permette anche di mantenere un rapporto rigoroso con le SKU: osservare ciò che vende realmente, comprendere quali modelli, colori e vestibilità funzionino, eliminare ciò che non serve e concentrare la collezione sui prodotti più forti.
Ma qui arriva un’altra trappola. Perché affidarsi esclusivamente a ciò che ha già funzionato significa condannarsi a ripeterlo.
«Il punto non è inseguire soltanto ciò che ha già venduto, perché così si rischierebbe di non evolvere mai», spiega Orsetta. «Bisogna invece partire da ciò che sappiamo funzionare e introdurre ogni volta il giusto grado di novità». Continuità e sorpresa.
Forse l’intero mestiere potrebbe essere ridotto a queste due parole.

Quando la moda diventa amministrazione

Resta infine una questione più grande, e decisamente più scomoda. Che cosa accade quando l’equilibrio si rompe?
Stefano individua uno dei rischi contemporanei nelle logiche finanziarie che sempre più spesso finiscono per prevalere sulla tutela dell’identità dei marchi. Budget e limiti imposti dall’alto possono compromettere proprio quella capacità di osare che dovrebbe permettere a buyer e merchandiser di anticipare il mercato.
Ed è difficile non guardare alle difficoltà attraversate negli ultimi anni da una parte del lusso senza chiedersi quanto di quella crisi dipenda proprio dalla progressiva trasformazione dei brand in macchine da performance.
Un marchio di moda, però, non è un foglio Excel. Può (e deve) essere gestito attraverso numeri, previsioni, marginalità e strategie. Ma il valore che vende nasce anche da qualcosa che sul foglio Excel compare molto male: identità, appartenenza, immaginario, aspirazione.

Ed è qui che Fashion Puzzle smette di essere soltanto un libro dedicato a buyer e merchandiser e diventa, indirettamente, una riflessione sul funzionamento stesso della moda. Perché il puzzle del titolo è esattamente questo. Creatività e analisi. Identità e fatturato. Continuità e sorpresa. Emozione e sell-through. Nessuna tessera, da sola, restituisce l’immagine completa. La moda ha bisogno di chi sappia leggere un bilancio e di chi sappia leggere l’aria. Di chi riconosca un bestseller e di chi abbia il coraggio di scegliere qualcosa che ancora non lo è.
Perché i numeri possono raccontare cosa abbiamo comprato ieri: il mestiere, quello vero, consiste ancora nel capire cosa vorremo domani.

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Gli Emmy premiano le migliori storie della televisione, ma ieri sera alcune delle più belle erano fuori dallo schermo. Tra coppie che stanno insieme da più di vent’anni e amori nati proprio su un set, per una sera abbiamo guardato meno le statuette e un po’ di più chi si teneva per mano.

Harrison Ford e Calista Flockhart

Partiamo da Harrison Ford e Calista Flockhart, perché dopo più di vent’anni insieme riescono ancora a farci fermare davanti a una loro foto.

Si sono conosciuti ai Golden Globes del 2002 e da allora non si sono praticamente più lasciati. Si sono sposati nel 2010, dopo otto anni di relazione, e oggi sono una di quelle coppie che sembrano essere sempre esistite. Agli Emmy sono arrivati insieme: Harrison in smoking nero, Calista con un abito fucsia monospalla. Lui era candidato per “Shrinking” e lei era lì accanto a lui, come tante altre volte negli ultimi vent’anni.

Niente baci studiati o scene da red carpet. Ma forse dopo tutto questo tempo non servono nemmeno più. A Hollywood arrivare insieme è facile, continuare a farlo ventiquattro anni dopo un po’ meno.

Zendaya e Tom Holland

Zendaya e Tom Holland, invece, li abbiamo praticamente visti innamorarsi.

Si conoscono nel 2016 sul set di “Spider-Man: Homecoming”, diventano amici, iniziano a frequentarsi e nel 2021 una foto di un bacio in macchina rende inutile continuare a fingere che Internet si fosse immaginato tutto. Da quel momento sono diventati una delle coppie più amate di Hollywood, forse anche perché fanno una cosa piuttosto strana per due persone così famose: cercano di non raccontarci proprio tutto.

Anche ieri sera è andata così. Zendaya ha percorso il red carpet da sola, con un nuovo pixie cut e un abito Prada ricoperto di cristalli, mentre Tom è entrato più discretamente e l’ha raggiunta durante la cerimonia. Lei era candidata ancora una volta per “Euphoria”, lui era semplicemente lì per sostenerla.

E forse è proprio questo che continua a piacerci di loro. In un posto dove qualsiasi gesto può diventare una foto, sembrano ancora capaci di tenersi qualcosa soltanto per loro.

Macaulay Culkin e Brenda Song

Questa continua a sembrarmi una delle coppie più improbabili e allo stesso tempo più perfette di Hollywood.

Macaulay Culkin e Brenda Song si sono conosciuti nel 2017 sul set di “Changeland”. Lui sarà per sempre Kevin di “Mamma, ho perso l’aereo”, lei per un’intera generazione sarà sempre London Tipton di “Zack e Cody”. Oggi stanno insieme da quasi dieci anni e hanno due figli. Agli Emmy Macaulay era tra i presenter della serata e Brenda era al suo fianco. Vederli insieme fa ancora un certo effetto, soprattutto se sei cresciuto guardando entrambi quando erano praticamente bambini.

Forse è proprio questo a renderli così simpatici: due persone cresciute davanti alle telecamere che sembrano aver trovato qualcosa di molto normale proprio lontano da esse.

Michael J. Fox e Tracy Pollan

Con Michael J. Fox e Tracy Pollan la storia cambia completamente.

Si sono conosciuti nel 1985 sul set di “Casa Keaton”, dove interpretavano due giovani innamorati. Qualche anno dopo l’amore è diventato vero e nel 1988 si sono sposati. Sono passati quasi quarant’anni.

Nel mezzo ci sono stati quattro figli e soprattutto la diagnosi di Parkinson ricevuta da Fox a soli 29 anni. Tracy gli è rimasta accanto durante tutta la malattia e ieri sera era ancora lì quando Michael ha ricevuto il Bob Hope Humanitarian Award per il suo lavoro nella ricerca sul Parkinson.

E qui c’è poco da romanticizzare, perché la storia parla abbastanza da sola. Quasi quarant’anni insieme, soprattutto quando la vita non è stata sempre semplice, valgono più di qualsiasi posa davanti ai fotografi.

Kaley Cuoco e Tom Pelphrey

Kaley Cuoco e Tom Pelphrey sono invece in tutt’altra fase.

Si sono conosciuti nel 2022 grazie alla loro manager e, almeno secondo il racconto di Kaley, è stato praticamente un colpo di fulmine. Un anno dopo è nata la loro prima figlia, Matilda, e oggi stanno aspettando il secondo figlio.

Ieri sera Kaley è arrivata agli Emmy con un abito rosa che lasciava vedere il pancione, accanto a Tom. Tra tutte le coppie sul red carpet, loro avevano forse l’aria di quelli con qualcosa di ancora più importante da festeggiare una volta tornati a casa.

Matthew Rhys e Keri Russell

Matthew Rhys e Keri Russell sono invece la dimostrazione che innamorarsi del collega sul set, ogni tanto, non finisce malissimo. I due si sono conosciuti lavorando a “The Americans”, dove interpretavano una coppia di spie russe sposate. La relazione fuori dal set è iniziata nel 2014 e nel 2016 è nato il loro figlio.

Ieri sera erano entrambi agli Emmy e questa volta è stato Matthew ad avere parecchio da festeggiare: ha portato a casa due premi, entrando anche nella storia della serata. Keri era lì con lui.

Da marito e moglie per finta a una famiglia vera. Scritto così sembra quasi la trama di una commedia romantica abbastanza banale. Evidentemente, ogni tanto, funzionano anche quelle.

Alla fine è probabilmente per questo che durante gli Emmy continuiamo a interessarci anche a chi arriva con chi. Non perché una foto sul red carpet possa dirci davvero se due persone siano felici, Hollywood ci ha già insegnato abbastanza volte che non funziona proprio così, ma perché dietro alcune di quelle foto ci sono storie che durano da dieci, venti o quasi quarant’anni.

E per una sera possiamo anche essere un po’ meno cinici. Gli Emmy premiano le storie scritte meglio. Quelle vere, purtroppo, non hanno ancora una sceneggiatura.

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Il denim secondo Elodie

Dopo il primo capitolo lanciato lo scorso aprile, Liu Jo feat. Elodie torna con un secondo drop che amplia e fa evolvere la capsule collection nata dall’incontro tra il brand e l’artista italiana. Il protagonista rimane il denim, elemento da sempre centrale nel DNA di Liu Jo, che questa volta diventa ancora più espressivo e versatile.

L’idea alla base della collezione è quella di raccontare una femminilità contemporanea attraverso un materiale che riesce a cambiare identità a seconda di come viene interpretato. Il denim può essere casual, sofisticato, sensuale, deciso. Esattamente come la donna immaginata da Elodie e Liu Jo: libera di cambiare registro senza perdere il proprio carattere.

“Il denim è un materiale che amo. È forte, resistente e molto pratico sia nella quotidianità sia sul palco”, racconta Elodie. E proprio il rapporto tra palco e vita quotidiana sembra essere uno degli elementi chiave di questo nuovo capitolo, dove l’attitudine pop dell’artista incontra un’estetica più sofisticata.

Y2K, ma con un twist

Se c’è un riferimento estetico che domina il secondo drop, è quello degli anni 2000. Ma dimentichiamoci per un attimo della semplice nostalgia Y2K: qui il passato viene ripreso e trasformato, diventando qualcosa di più maturo, glam e contemporaneo.

Le silhouette sono decise, i volumi più studiati e i dettagli diventano protagonisti. Il denim si allontana dalla sua dimensione più basic per trasformarsi in una vera superficie espressiva, capace di catturare l’attenzione anche attraverso lavorazioni più elaborate.

“L’estetica degli anni 2000 ha guidato prima la ricerca e poi la realizzazione dei capi”, spiega Elodie, descrivendo una donna “più sofisticata, glam e sicura di sé”. Una direzione che si traduce in un guardaroba pensato per essere indossato tanto nella quotidianità quanto sotto i riflettori.

Denim, ma make it glam

A rendere riconoscibile questo secondo drop sono soprattutto le lavorazioni e i dettagli ad alto impatto visivo. Applicazioni luminose, trattamenti ricercati e stampe pitone tono su tono trasformano il denim in qualcosa di molto più prezioso rispetto alla sua tradizionale connotazione casual.

Il risultato è un equilibrio tra carattere e femminilità, dove il denim diventa quasi un tessuto da sera senza però perdere quella praticità che lo ha reso uno dei materiali più amati di sempre.

È proprio questa capacità di oscillare tra opposti a rendere interessante la capsule: strong ma femminile, quotidiana ma glam, contemporanea ma con un evidente richiamo nostalgico. In poche parole, denim with an attitude.

Una collaborazione destinata a crescere

Più che una semplice capsule collection, Liu Jo feat. Elodie sembra essere pensata come un progetto in evoluzione. Il secondo drop amplia infatti non solo il numero dei capi, ma anche le possibilità espressive della collaborazione, consolidando il dialogo tra moda, musica e cultura contemporanea.

Maurizio Croceri, CEO di Liu Jo, sottolinea proprio questa volontà di costruire un progetto duraturo, capace di parlare a una nuova generazione di donne senza perdere il legame con l’identità del brand. Una collaborazione che, stagione dopo stagione, sembra quindi voler trovare un linguaggio sempre più preciso.

E se il primo capitolo aveva aperto la conversazione, questo secondo drop alza decisamente il volume.

Elodie, la nuova musa denim

Il legame tra Liu Jo ed Elodie funziona perché non si limita a mettere il volto di un’artista su una collezione. Elodie diventa parte dell’immaginario stesso del progetto: magnetica, sicura, trasformista e perfettamente a suo agio tra sensualità e forza.

Il denim diventa così il punto d’incontro tra due mondi che condividono la stessa idea di femminilità: non una definizione rigida, ma qualcosa in continuo movimento.

E forse è proprio questa la vera forza del secondo drop. Liu Jo non cerca di riportare semplicemente gli anni 2000 nel presente, ma di chiedersi cosa succederebbe se quel linguaggio venisse reinterpretato da una donna contemporanea, consapevole del proprio corpo, del proprio stile e del proprio spazio.

Il risultato? Un denim che non vuole più soltanto essere indossato.

Vuole farsi notare.

Crediti foto: Giampaolo Sgura

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Il trailer tanto atteso è finalmente arrivato. Harry Potter sta per tornare sullo schermo con una nuova serie televisiva che riprenderà la storia del maghetto più famoso del mondo, questa volta con un nuovo trio di protagonisti.

Una nuova generazione di attori entrerà nei panni di Harry, Ron e Hermione, riportando sullo schermo un universo che le generazioni passate e moderne hanno amato attraverso libri, film e infiniti rewatch.

Dai libri ai film: una saga diventata leggenda

Gli otto film della saga cinematografica hanno trasformato le storie di J.K. Rowling in un fenomeno mondiale. Per milioni di spettatori, tornare a Hogwarts significa ancora oggi rivedere Daniel Radcliffe, Emma Watson e Rupert Grint nei ruoli che li hanno resi celebri.

Ora, però, la storia riparte da capo. E la domanda è inevitabile: che cosa ci aspetta questa volta?

Quando esce Harry Potter su HBO Max

La prima stagione di Harry Potter and the Philosopher’s Stone arriverà a Natale 2026 su HBO e sarà disponibile in streaming su HBO Max, anche in Italia.

La stagione sarà composta da otto episodi e racconterà il primo romanzo della saga, Harry Potter e la Pietra Filosofale. L’obiettivo di HBO è però molto più ampio: realizzare un nuovo adattamento televisivo dell’intera saga, seguendo i sette libri di Rowling.

La serie è prodotta da HBO e vede tra i suoi produttori esecutivi anche J.K. Rowling, insieme a Neil Blair, Ruth Kenley-Letts e David Heyman.

Le riprese sono iniziate nel luglio 2025 ai Warner Bros. Studios Leavesden, nell’Hertfordshire, gli stessi studi britannici legati alla produzione dei film originali.

Il nuovo trio: Harry, Ron e Hermione

A raccogliere l’eredità di Radcliffe, Watson e Grint saranno Dominic McLaughlin, Arabella Stanton e Alastair Stout. McLaughlin interpreterà Harry Potter, Stanton sarà Hermione Granger e Stout vestirà i panni di Ron Weasley.

Il confronto con il trio originale sarà inevitabile, ma i tre giovani attori hanno davanti un’occasione completamente diversa. Non dovranno soltanto ripetere ciò che abbiamo già visto al cinema: avranno la possibilità di costruire una propria versione dei personaggi, seguendo più da vicino le caratteristiche raccontate nei libri. Il trailer li mostra ancora inesperti e spaesati davanti al mondo di Hogwarts, proprio come erano i loro personaggi all’inizio della storia.

Il cast adulto: un’eredità quasi impossibile

La sfida riguarda però anche gli interpreti più grandi. John Lithgow sarà Silente, raccogliendo l’eredità di Richard Harris e Michael Gambon; Janet McTeer sarà Minerva McGranitt; Paapa Essiedu interpreterà Severus Piton, ruolo che porta con sé inevitabilmente il ricordo di Alan Rickman; Nick Frost sarà invece Hagrid, dopo l’iconica interpretazione di Robbie Coltrane.

Nel cast troviamo anche Luke Thallon come professor Raptor, Paul Whitehouse come Gazza, Katherine Parkinson come Molly Weasley, Johnny Flynn come Lucius Malfoy, Lox Pratt come Draco Malfoy, Bel Powley e Daniel Rigby come Petunia e Vernon Dursley e Bertie Carvel come Cornelius Caramell.

 A fare da ponte con il passato ci sarà Warwick Davis, che tornerà nei panni del professor Filius Vitious, già interpretato nei film.

Più spazio ai libri, più spazio alla storia

La grande differenza rispetto ai film potrebbe essere soprattutto una: il tempo.

La prima stagione avrà otto episodi per raccontare un singolo libro. La serie potrà quindi soffermarsi maggiormente sulla vita a Hogwarts, sui rapporti tra i protagonisti e sugli episodi che nei film erano stati inevitabilmente tagliati o ridotti.

L’ambizione è dunque quella di tornare direttamente ai romanzi e offrire un adattamento più approfondito, senza limitarsi a riprodurre ciò che il pubblico ha già visto al cinema.

Il confronto inevitabile con i film

Ed è proprio questo il punto più delicato della nuova serie. I film di Harry Potter non sono semplicemente adattamenti cinematografici: per moltissimi spettatori sono diventati parte dei ricordi d’infanzia e adolescenza.

Quando vedremo il nuovo Harry entrare nella Sala Grande, sarà difficile non pensare a Daniel Radcliffe. Quando Hermione inizierà a parlare dei suoi libri, il volto di Emma Watson tornerà inevitabilmente alla memoria. E davanti a Ron, sarà impossibile non ricordare Rupert Grint.

La nuova serie dovrà quindi conquistare il pubblico senza cercare di cancellare ciò che è venuto prima.

Una nuova Hogwarts per una nuova generazione

Il pubblico, però, non sarà composto soltanto dai fan storici. Per una nuova generazione, Dominic McLaughlin, Arabella Stanton e Alastair Stout potrebbero diventare semplicemente Harry, Hermione e Ron.

È forse questa la scommessa più interessante di HBO: raccontare una storia che conosciamo già benissimo, ma farla scoprire per la prima volta a chi non è cresciuto con i film.

Ritorno a Hogwarts: sarà all’altezza delle aspettative?

La curiosità è enorme. Dopo anni di maratone e rewatch, siamo pronti a tornare a Hogwarts per rivivere le storie di magia, amicizia e avventura create da J.K. Rowling.

La nuova serie avrà più tempo per raccontare i libri e una generazione completamente nuova di attori. Ma dovrà anche confrontarsi con un’eredità cinematografica difficilissima da eguagliare.

Sarà all’altezza dei libri? E soprattutto, riuscirà questa nuova versione di Harry Potter a farsi amare più, o almeno quanto, abbiamo amato i film e gli attori del passato?

La sfida è sicuramente ardua. Perché cambiare gli attori è facile. Cambiare il ricordo che abbiamo di loro, molto meno.

Photocredit: Pinterest

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L'articolo Harry Potter la serie arriva su HBO Max proviene da AdL Mag.

Caro lettore,

forse dovremmo smettere di chiederci quando abbiamo cominciato a diventare grandi. È una domanda troppo precisa per una cosa che non ha mai avuto una data.

Crescita è cambiamento?

Un pomeriggio abbiamo smesso di disegnare sui margini. Un altro abbiamo buttato via un sasso dalla forma curiosa perché non sapevamo più dove metterlo. Abbiamo imparato a non fissare troppo a lungo la luna, a non dare nomi alle cose che non ne avevano bisogno, a non raccontare agli altri la storia che avevamo inventato per quella signora seduta da sola al tavolino accanto.

Niente di drammatico. È questo il problema. Le cose che ci cambiano di più, qualche volta, non fanno rumore.

Tracce di un bambino creativo

Rimangono soltanto alcune tracce. Una matita rosicchiata in fondo a un astuccio. La carta sottile di un biscotto al burro, piegata con cura e dimenticata dentro un libro. Un cassetto che non si apre bene perché, dietro le cose utili, qualcuno ha nascosto una collezione di oggetti senza nome: un bottone, tre monete straniere, una fotografia venuta male, un nastro scolorito.

Li guardiamo da adulti e ci chiediamo perché li abbiamo conservati. Non troviamo una risposta.

Abbandonare per crescere

“Un adulto creativo è un bambino sopravvissuto.” Sopravvissuto. Non rimasto. Non cresciuto. Non diventato. Sopravvissuto.

Come se l’infanzia fosse un luogo da cui, prima o poi, siamo costretti a partire. Come se crescendo dovessimo attraversare una frontiera invisibile e lasciare qualcosa dall’altra parte.

Il creativo nascosto

Le ginocchia sporche. Le case costruite con due sedie e una coperta. Quasi tutto. Se non fosse che certe cose hanno l’abitudine di nascondersi invece di morire.

Le ritrovi in posti improbabili.

Il passare un dito sulla condensa di un vetro lasciando una linea chiara. Il gesto di scegliere una mela e rigirarla lentamente tra le mani, come se anche la sua parte nascosta avesse qualcosa da dire. E ancora, la punta di un dito che disegna una superficie mentre sei al telefono o il rumore preciso che fa una matita quando rotola e si ferma contro un libro.

Non significano niente. Ed è proprio questo il loro fascino. Non tutto deve condurre da qualche parte, un po’ come quegli oggetti che continuiamo a conservare senza sapere quale versione di noi li abbia trovati degni di essere salvati.

Seminare creatività 

La creatività abita anche qui. In questa piccola esitazione davanti alle cose. Nel momento esatto in cui una tenda è soltanto una tenda e, subito dopo, per un secondo soltanto, non lo è più.

E allora, non è forse questo il significato di sopravvivere? Non portarsi dietro l’infanzia come una valigia. Lasciarla sparpagliata.

Un po’ nelle tasche dei cappotti, un po’ tra le pagine dei libri, un po’ dentro quei cassetti che continuiamo ad aprire senza sapere cosa stiamo cercando.

E quando finalmente troviamo qualcosa, non sappiamo darle un nome. La guardiamo. Poi la rimettiamo al suo posto. Come se, in fondo, fosse sempre stata lì.

Foto: Pinterest

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A Wimbledon il silenzio non è mai stato un dettaglio. Fa parte del tennis quasi quanto la racchetta, l’erba e il bianco. E mentre agli US Open il confine tra torneo ed evento social sembra diventare sempre più sottile, a Londra hanno deciso di non cambiare le regole: niente accrediti pensati apposta per influencer e content creator.

La questione è esplosa proprio a New York, dove quest’anno sono stati invitati circa 100 creator, quasi il doppio rispetto all’anno scorso. L’idea era semplice: usare TikTok, Instagram e i loro milioni di follower per avvicinare un pubblico più giovane al tennis. Una scelta che, in realtà, ha perfettamente senso. Lo sport ha bisogno di parlare anche a chi una partita intera magari non la guarderebbe mai, e oggi una clip di trenta secondi può portare un torneo davanti a milioni di persone.

Il problema arriva quando, per raccontare lo sport, si finisce per disturbare chi quello sport lo sta giocando.

Durante gli US Open rumori, fotografie e luci dagli spalti hanno creato più di qualche problema, tanto che alcune giocatrici, tra cui Naomi Osaka, Coco Gauff e Jessica Pegula, hanno chiesto maggiore rispetto durante le partite. Non tutti questi episodi sono stati causati dagli influencer presenti, ed è giusto specificarlo. Ma la discussione che ne è nata ha fatto emergere una domanda molto più interessante: fino a che punto un evento deve cambiare per diventare più social?

Perché attirare un pubblico nuovo è importante, trasformare una partita nello sfondo per creare contenuti un po’ meno.

Ed è proprio qui che Wimbledon sembra aver scelto una strada diversa. Non si tratta, come è stato raccontato da molti, di un vero e proprio “ban” degli influencer. Il torneo semplicemente non prevede accrediti stampa dedicati a loro e non ha intenzione di introdurli. Questo non significa che i creator spariranno dagli spalti: potranno comprare un biglietto, essere invitati dai brand e raccontare tranquillamente il torneo. Ma avere milioni di follower non basterà per essere considerati stampa.

Una differenza piccola solo in apparenza.

Negli ultimi anni abbiamo visto gli influencer entrare praticamente ovunque. Moda, cinema, musica e inevitabilmente sport. Ed è comprensibile: portano pubblico, visualizzazioni e soprattutto quella fascia più giovane che molti eventi cercano disperatamente di raggiungere. Il punto non è quindi chiedersi se debbano esserci oppure no. Sarebbe anche abbastanza assurdo pensare di poter raccontare lo sport nel 2026 ignorando completamente i social.

La domanda è un’altra: devono avere automaticamente lo stesso accesso di chi quello sport lo racconta per lavoro?

Un giornalista sportivo e un creator possono entrambi portare qualcosa a un torneo, ma non necessariamente la stessa cosa. Uno è lì principalmente per raccontare ciò che succede in campo, l’altro spesso anche per raccontare la propria esperienza intorno a quello che succede in campo. Entrambe le cose possono funzionare, basta non fingere che siano sempre la stessa cosa.

Ed è forse questo che Wimbledon sta cercando di proteggere. Non un tennis fermo nel passato, ma un ordine abbastanza semplice delle priorità.

Prima c’è la partita. Poi tutto quello che le costruiamo intorno.

Perché il rischio, nella corsa a rendere qualsiasi cosa più giovane, veloce e condivisibile, è dimenticare perché le persone dovrebbero interessarsi a quell’evento in primo luogo. Se per rendere il tennis interessante sui social dobbiamo trasformarlo in qualcosa che assomiglia sempre meno al tennis, forse non lo stiamo modernizzando. Lo stiamo semplicemente adattando all’algoritmo.

Gli influencer possono essere utilissimi allo sport, farlo conoscere a persone nuove e raccontarlo con un linguaggio diverso. Ma essere bravi a creare contenuti non significa che qualsiasi luogo debba trasformarsi in un set per permetterti di crearli.

Wimbledon, almeno per ora, sembra averlo capito. Puoi cambiare il modo in cui racconti uno sport senza cambiare lo sport per poterlo raccontare.

E forse, almeno questa volta, un po’ di silenzio non ci farà male.

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La moda della prossima stagione vive di contrasti. Da una parte troviamo capi strutturati, giacche dal collo alto e blazer che disegnano la figura; dall’altra trasparenze, pizzo e dettagli di pelliccia portano una femminilità più audace. A completare il quadro ci sono suede, frange, animalier e pantaloni utility.

Stampe e texture: dall’animalier alla bambi print

L’animalier continua a essere protagonista, ma cambia volto. Accanto alle stampe più conosciute emerge la bambi print, ispirata al manto del cerbiatto: macchie morbide nei toni del marrone, beige e crema che rendono l’animalier più delicato e sofisticato. Non è l’unica fantasia da tenere d’occhio. Anche le superfici effetto coccodrillo acquistano importanza, soprattutto su borse, giacche e accessori. Tra le lavorazioni più interessanti troviamo poi jacquard, velluto, pelle e suede. Quest’ultimo è uno dei materiali chiave della stagione: morbido, materico e perfetto nei toni caldi dell’autunno. Le frange completano il panorama delle superfici, muovendosi su abiti, gonne, giacche e accessori. Una tendenza già vista nelle stagioni precedenti che per il nuovo inverno acquista un carattere più sofisticato.

Silhouette sensuali, collo alto e pantaloni utility

La silhouette torna a seguire il corpo. La vita viene evidenziata attraverso blazer sciancrati, giacche aderenti e costruzioni sartoriali che sottolineano le proporzioni senza rinunciare alla comodità. Tra i capispalla spiccano le giacche a collo alto e funnel neck, una delle tendenze più riconoscibili dell’autunno 2026. Il collo diventa quasi un elemento architettonico e sostituisce spesso il classico rever, dando ai capi un aspetto più contemporaneo. Accanto alla sartorialità troviamo però un’anima più urbana: giacche di jeans, bomber, zip e pantaloni utility. Il guardaroba mescola così femminilità e funzionalità, creando contrasti tra capi aderenti e volumi più rilassati. Anche il layering continua a essere fondamentale: top lunghi, camicie, maglieria e tessuti trasparenti vengono sovrapposti per costruire look più personali e dinamici.

Un autunno tutto da riscrivere

La sensualità dell’Autunno-Inverno 2026-2027 passa soprattutto attraverso pizzo e trasparenze. Tulle, tessuti sheer e lavorazioni delicate vengono accostati a capi più pesanti, creando un equilibrio tra scoperto e coperto. A rendere ancora più interessante la stagione è la palette. Il burgundy rimane uno dei colori simbolo dell’inverno, affiancato da viola intensi, marroni caldi, verde oliva e tonalità senape. Anche il rosso continua a essere utilizzato come pop of color, capace di accendere un look attraverso un singolo elemento.

Tra nuove stampe, colori intensi e silhouette che tornano a seguire il corpo, l’Autunno-Inverno 2026-2027 sembra voler superare il solito guardaroba invernale. Il nero lascia spazio a burgundy, marrone, viola e verde oliva, mentre suede, pizzo, trasparenze e frange rendono i look più ricchi e personali. Una stagione fatta di contrasti, dove il romanticismo incontra l’utility e la sensualità si mescola a capi più pratici. Le tendenze sono tante, ma il punto resta uno: sperimentare e trovare il proprio modo di interpretarle.

Foto: Pinterest

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Ci sono momenti in cui un brand non ha bisogno di reinventarsi, ma di ricordarsi chi è. A più di trent’anni dalla sua nascita, A|X Armani Exchange torna al punto di partenza con Basics by Armani, un payoff che è molto più di una semplice campagna: è una dichiarazione di intenti. Il progetto recupera l’essenzialità che ha costruito l’identità di A|X e la traduce nel linguaggio di una nuova generazione, dimostrando che tornare alle origini non significa guardare indietro. Significa sapere esattamente da dove partire per andare avanti.

Back to basics, but make it Armani

Basics by Armani nasce da un’idea apparentemente semplice: eliminare il superfluo. Ma, nel sistema Armani, l’essenziale non è mai sinonimo di banale. È una forma di precisione. Il progetto riporta al centro quei codici che hanno definito A|X fin dalle sue origini, quando Giorgio Armani aveva interpretato la strada attraverso un guardaroba immediato, urbano e accessibile. Il risultato è una rilettura contemporanea di un’identità che non ha bisogno di urlare per essere riconoscibile. Il basic diventa quindi una posizione estetica: meno decorazione, più carattere; meno costruzione artificiale, più autenticità. È qui che Basics by Armani trova la sua forza, perché trasforma ciò che potrebbe sembrare ordinario in qualcosa di estremamente riconoscibile. A|X non cerca di competere con il rumore della moda contemporanea aumentando il rumore. Fa esattamente il contrario. Sottrae. E in un momento in cui l’immagine è spesso sovraccarica, la sottrazione può diventare il gesto più radicale.

Il DNA non si archivia: si reinterpreta

Il vero valore della campagna sta nel modo in cui guarda all’archivio. Non c’è nostalgia fine a sé stessa, né il tentativo di trasformare gli anni Novanta in una cartolina vintage. I riferimenti al passato diventano materia prima per parlare del presente. È una distinzione fondamentale. Recuperare un codice non significa copiarlo: significa capire perché ha funzionato e chiedersi cosa possa significare oggi. A|X parte proprio da questa domanda, riportando nella contemporaneità un’attitudine fatta di energia, naturalezza e libertà. La moda, in questo senso, diventa memoria attiva. I codici Armani non vengono imbalsamati, ma rimessi in movimento. E Basics by Armani sembra suggerire una cosa molto precisa: l’identità di un brand non risiede nella quantità di elementi che riesce ad accumulare, ma nella capacità di essere riconoscibile anche quando ne rimangono pochissimi.

Un’immagine che non ha bisogno di gridare

A dare forma visiva alla campagna è il fotografo Mark Lukas Savage, attraverso un linguaggio costruito su fondo neutro, luce da studio e inquadrature essenziali. Volti e corpi diventano protagonisti senza essere inghiottiti da scenografie spettacolari. Il bianco e nero rafforza questa scelta e crea un ponte diretto con l’immaginario Armani e A|X degli anni Novanta, aggiornandolo però attraverso una sensibilità contemporanea. Non è un’immagine fredda: è un’immagine controllata. E proprio nel controllo lascia spazio alla personalità. La campagna dimostra così che anche un’estetica minimale può avere una forte tensione editoriale. Quando non ci sono distrazioni, ogni dettaglio acquista peso: uno sguardo, una postura, una silhouette, un tessuto. Il prodotto non viene semplicemente mostrato: viene messo in condizione di parlare.

Il basic come atto di identità

La parte più interessante di Basics by Armani è forse proprio questa: il basic non viene raccontato come una rinuncia, ma come una conquista. Indossare l’essenziale significa lasciare che sia la persona a completare il look. È un approccio particolarmente contemporaneo perché parla a una generazione abituata a utilizzare la moda come estensione della propria identità. Non servono necessariamente loghi giganteschi o styling complicati per dichiarare chi si è. A volte basta un capo capace di diventare una seconda pelle. A|X intercetta quindi un desiderio preciso: apparire senza dover dimostrare continuamente qualcosa. L’autenticità diventa il vero elemento distintivo, mentre energia e naturalezza impediscono al minimalismo di trasformarsi in anonimato.

Basics by Armani è solo l’inizio

Ridurre Basics by Armani a una nuova campagna sarebbe limitante. Il progetto funziona perché sembra inserirsi in una riflessione più ampia sull’evoluzione di A|X: come può un brand con oltre trent’anni di storia continuare a parlare a chi sta costruendo oggi la propria identità? La risposta arriva attraverso una parola apparentemente piccola: basics. Perché tornare all’essenziale può essere il modo più efficace per ripensare il futuro. Non cancellare ciò che è stato, ma distillarlo fino a trovare ciò che ancora conta. Ed è qui che A|X Armani Exchange trova il suo punto di forza: trasformare l’heritage in energia contemporanea. Basics by Armani non dice che il futuro della moda sarà più semplice. Dice qualcosa di più interessante: che quando tutto viene ridotto all’essenziale, il vero stile diventa impossibile da nascondere.

Fonte: www.armani.com

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Marina Spadafora e una rivoluzione iniziata prima che diventasse di moda

La moda ha uno strano rapporto con le rivoluzioni. Prima le guarda con sospetto, poi le osteggia, infine le trasforma in tendenza. A quel punto, naturalmente, sembra che ci avesse sempre creduto. Marina Spadafora appartiene alla categoria più rara: quella di chi certe battaglie ha cominciato a combatterle quando ancora non conveniva farlo.

Il 2 ottobre arriva in libreria Se sembra impossibile puoi farlo. Una vita nella moda con una missione speciale, il racconto di una carriera, certo, ma soprattutto di una vita trascorsa a dimostrare che glamour e coscienza non devono necessariamente abitare due pianeti differenti.

Da Audrey Hepburn alle passerelle della Milano degli anni Novanta

E di glamour, nella sua storia, ce n’è parecchio. C’è persino Audrey Hepburn. Non semplicemente l’icona che continuiamo a mettere sulle moodboard settant’anni dopo Sabrina, ma una donna vera, incontrata da Spadafora perché madre del suo secondo marito. «Audrey Hepburn era una persona semplice, divertente e accogliente», ricorda l’autrice. Un incontro che avrebbe lasciato un segno e un modello destinato a rimanere.

Poi ci sono gli anni Novanta, quelli in cui Milano non aveva ancora bisogno di spiegare al mondo di essere una capitale della moda: semplicemente lo era. Spadafora lancia la propria collezione, lavora per Ferragamo, Prada, Miu Miu e Marni. Potrebbe essere già la trama perfetta di una brillante autobiografia fashion: nomi importanti, passerelle, successo. E invece è proprio qui che la storia diventa interessante.

Quando il vestito diventa una domanda

Perché progressivamente il vestito smette di essere soltanto il punto d’arrivo e diventa una domanda: chi lo ha fatto? Dove? A quale prezzo, e non quello scritto sull’etichetta? La direzione creativa della linea di abbigliamento e accessori di Altromercato porta Spadafora a lavorare con artigiani in diverse parti del mondo. La moda acquista così una dimensione diversa, sociale prima ancora che estetica. È il principio di quella Fashion with a Mission che diventerà il filo rosso della sua carriera e la porterà a essere ambasciatrice internazionale della moda etica e sostenibile.

Oggi termini come sustainability, responsibility e ethical fashion popolano campagne pubblicitarie, bilanci aziendali e dichiarazioni d’intenti. Ma c’è una differenza sostanziale tra adottare il vocabolario di un’epoca e contribuire a scriverlo. Spadafora appartiene alla seconda categoria.

Fashion Revolution e l’impegno per una moda sostenibile

Ha lavorato a progetti delle Nazioni Unite in Ghana, Etiopia, Kenya, Tanzania ed Egitto; nel 2015 ha ricevuto a New York il Women Together Award delle Nazioni Unite ed è coordinatrice nazionale italiana di Fashion Revolution dal 2014. La sua attività si è concentrata sull’impatto ambientale della produzione tessile, sulla tutela dei lavoratori e sulla valorizzazione dell’artigianato locale.

Parole che oggi fanno parte del lessico quasi obbligatorio dell’industria, ma che nella carriera di Spadafora sono diventate una presa di posizione molto prima che la sostenibilità conquistasse le prime file delle Fashion Week.

“Se sembra impossibile puoi farlo”: non soltanto una storia di moda

Ma sarebbe troppo facile trasformare Se sembra impossibile puoi farlo nella celebrazione ordinata di una carriera riuscita.

Perché le vite vere, fortunatamente, sono molto meno educate. Nel libro entrano anche le cadute: la crisi dell’azienda, le delusioni sentimentali, la malattia. E insieme il desiderio, profondamente privato, di costruire una famiglia e diventare madre. Dietro la professionista che attraversa continenti, passerelle e istituzioni internazionali rimane quindi una donna che prova, perde, ricomincia.

Qui il titolo smette di sembrare uno slogan motivazionale. Se sembra impossibile puoi farlo non promette che basti desiderare qualcosa perché accada, sarebbe una consolazione piuttosto ingenua. Dice qualcosa di più scomodo: che prima di dichiarare impossibile una strada bisogna almeno avere avuto il coraggio di imboccarla. «Tutto è impossibile, se non provi a farlo», scrive Spadafora.

Una frase che vale per una collezione, per un’azienda, per una battaglia ambientale. Ma anche per quelle rivoluzioni molto meno fotografabili che avvengono nella vita privata.

Una moda che non può essere soltanto bella

Forse è questa, alla fine, la vera Fashion with a Mission: non l’idea che la moda debba rinunciare alla bellezza per diventare responsabile, ma che la bellezza, da sola, non sia più sufficiente. Perché possiamo continuare a domandarci cosa indosseremo domani. Marina Spadafora, da parecchio tempo, ha scelto di porsi una domanda più difficile: in quale mondo vogliamo indossarlo?

Marina Spadafora presenterà Se sembra impossibile puoi farlo insieme a Matteo Ward l’8 ottobre alle 18.30 alla Fondazione Sozzani di Milano.

Photocredits: s2bpress, Pinterest

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