Con l’uscita di The Odyssey di Christopher Nolan, il confronto con Troy di Wolfgang Petersen è diventato inevitabile. Due film epici, due modi diversi di raccontare Omero e due colossal che hanno conquistato il pubblico mondiale. Dal cast alla fedeltà ai poemi, passando per durata, ritmo e incassi al botteghino.  Vediamo come le due opere rappresentano l’universo dell’Iliade e dell’Odissea.

Il fenomeno Nolan: un’Odissea che conquista il mondo

È bastata una settimana perché The Odyssey diventasse il film di cui tutti parlano. L’ultimo colossal di Christopher Nolan ha esordito con oltre 264 milioni di dollari nel primo weekend mondiale, il miglior debutto della carriera del regista al di fuori della saga di Batman. Dopo appena due settimane ha già superato i 639 milioni di dollari d’incasso globale, confermandosi il grande evento cinematografico dell’estate 2026.

E inevitabilmente il pensiero corre a un altro gigante del cinema epico: Troy di Wolfgang Petersen. Uscito nel 2004, divise la critica ma conquistò il pubblico mondiale, trasformandosi negli anni in un autentico cult. Ancora oggi, quando si parla di mitologia greca sul grande schermo, il volto di Brad Pitt nei panni di Achille è la prima immagine che riaffiora nella memoria collettiva.

Cast: le stelle di Troy contro il dream team di Nolan

Uno degli aspetti che accomuna Troy e The Odyssey è senza dubbio il cast. Wolfgang Petersen riunì alcune delle più grandi star di Hollywood dei primi anni Duemila: Brad Pitt, Eric Bana, Orlando Bloom, Diane Kruger, Sean Bean e Peter O’Toole diedero vita a personaggi diventati iconici per milioni di spettatori.

Christopher Nolan risponde con un cast altrettanto prestigioso. Matt Damon interpreta Ulisse, mentre Tom Holland, Anne Hathaway, Zendaya, Charlize Theron, Robert Pattinson, Lupita Nyong’o e Jon Bernthal completano una squadra di interpreti tra le più importanti del cinema contemporaneo. Due produzioni diverse, ma accomunate da una scelta precisa: affidare i grandi miti della letteratura ai migliori attori della propria generazione.

Durata e ritmo: azione contro contemplazione

Con circa 163 minuti, Troy mantiene un ritmo sostenuto, alternando grandi battaglie, intrighi politici e momenti spettacolari senza concedere molte pause.

The Odyssey, invece, supera le due ore e cinquanta (172 minuti) e porta in scena un viaggio molto più introspettivo. Nolan sceglie di raccontare il tempo, la memoria e il peso del ritorno, concedendosi sequenze contemplative che rallentano volutamente la narrazione. È un film meno immediato e più impegnativo, che chiede allo spettatore attenzione e pazienza, ma che restituisce immagini di una potenza visiva straordinaria.

Incassi al botteghino

Quando uscì nel 2004, Troy incassò circa 497 milioni di dollari nel mondo, diventando uno dei maggiori successi commerciali dell’anno e confermando il fascino intramontabile dei grandi colossal storici.

The Odyssey sta vivendo un percorso ancora più impressionante. In sole due settimane ha già superato i 639 milioni di dollari a livello globale, con sale IMAX esaurite in molti Paesi e una tenuta al botteghino che lascia immaginare una corsa verso il miliardo di dollari.

Ma al di là dei numeri, entrambi hanno riportato il grande cinema epico al centro della cultura popolare, dimostrando che i racconti di Omero, dopo quasi tremila anni, continuano ancora a emozionare milioni di spettatori.

Quale racconta meglio l’epica di Omero?

È forse il confronto più interessante.

Troy prende numerose libertà narrative. Elimina quasi del tutto la componente divina, modifica il destino di diversi personaggi e semplifica molti eventi dell’Iliade per costruire un grande film d’azione storico. Il risultato è spettacolare, ma distante dal poema originale.

The Odyssey, invece, nasce con un obiettivo diverso: raccontare il viaggio di Ulisse rispettando molto di più lo spirito dell’opera di Omero. Pur reinterpretando alcuni episodi con lo stile visionario di Nolan, il film mantiene il cuore del poema: il lungo ritorno a Itaca, il rapporto con gli dèi, il tema dell’identità e il significato stesso della casa. Sul piano della fedeltà letteraria è probabilmente l’adattamento cinematografico più ambizioso mai dedicato all’Odissea.

Troy o The Odyssey?

Mettere a confronto Troy e The Odyssey è naturale. Il primo ha segnato un’intera generazione grazie al carisma di Brad Pitt e alla spettacolarità delle sue battaglie. Il secondo dimostra che anche oggi è possibile realizzare un colossal ambizioso, capace di unire spettacolo, profondità narrativa e ricerca visiva.

C’è chi continuerà a preferire la forza epica del film di Wolfgang Petersen e chi sceglierà la visione più autoriale di Christopher Nolan. Qualunque sia il verdetto, una cosa appare evidente: nonostante qualche passaggio più lento, The Odyssey è un colossal destinato a entrare nella storia del grande cinema.

Photocredit: Pinterest

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Praticamente la prima influencer dell’arte contemporanea. Solo con più visione e meno filtri.

Adesso la sua storia torna a Londra. E Bottega Veneta ha deciso di esserci.

La mostra si chiama Peggy Guggenheim in London: The Making of a Collector e aprirà il 21 novembre 2026 alla Royal Academy of Arts — uno degli indirizzi culturali più iconici della città. Resterà aperta fino al 14 marzo 2027, poi si sposterà al Guggenheim di New York nell’aprile dello stesso anno.

Ma perché Londra? Perché è qui che tutto è cominciato.

IL CAPITOLO CHE NON CONOSCEVI

Nel 1938 Peggy Guggenheim apre la Guggenheim Jeune, una galleria a pochi passi dalla Royal Academy. In meno di un anno organizza oltre 20 mostre di arte astratta e surrealista. Espone Kandinsky, Brancusi, Cocteau. Dà spazio a nomi che il mercato non prendeva ancora sul serio.

Poi chiude nel 1939. Ma quello che aveva costruito era già irreversibile.

La mostra riunisce opere significative di quel periodo — molte delle quali non tornavano a Londra dalla loro esposizione originale — e ripercorre come si è formata la collezione che tutti oggi conosciamo a Venezia. Non solo l’arte: la visione. L’approccio personale, istintivo, quasi ossessivo di una donna che collezionava con il cuore prima che con la testa.

E BOTTEGA VENETA CHE C’ENTRA?

C’entra più di quanto sembri.

Il brand vicentino non è nuovo a questo tipo di operazioni. Ha già collaborato con Punta della Dogana, il Leeum Museum of Art di Seoul, la Bangkok Kunsthalle, la Fondazione Pier Luigi Nervi. Non è sponsorship fine a se stessa: è un posizionamento culturale preciso.

Bottega Veneta + Peggy Guggenheim funziona perché entrambi parlano di Venezia — la città dove Peggy ha costruito la sua eredità e dove il brand affonda le radici della propria identità artigianale. È un legame geografico, ma anche filosofico: l’idea che la qualità vera non ha bisogno di urlare per essere riconosciuta.

Peggy non spiegava perché comprasse un’opera. La comprava e basta.

Bottega Veneta non mette il logo in vista. Lo cuce dentro.

PERCHÉ INTERESSA A NOI

Perché Peggy Guggenheim è, fondamentalmente, una storia di gusto come atto politico.

In un momento storico in cui l’arte “seria” era territorio quasi esclusivamente maschile, lei comprava quello che voleva, esponeva chi le pareva, e finanziava artisti che il mercato ignorava. Sbagliava? Anche. Ma aveva una coerenza di visione che pochissimi collezionisti — uomini compresi — potevano vantare.

È una lezione che vale ancora adesso. In un’epoca in cui tutti curano estetiche e board Pinterest, la domanda vera è: stai costruendo qualcosa di tuo, o stai solo replicando quello che l’algoritmo ti suggerisce?

Peggy Guggenheim non aveva algoritmo. Aveva occhio.

Peggy Guggenheim in London: The Making of a Collector

Royal Academy of Arts, Londra — 21 novembre 2026 / 14 marzo 2027

A cura di Gražina Subelyţė, Simon Grant, Sylvie Broussine

Foto : Pinterest

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Tra caldo, umidità, giornate al mare e weekend fuori porta, mantenere i capelli freschi può diventare una vera sfida. Lavarli ogni giorno, però, non è sempre la scelta migliore: lavaggi troppo frequenti possono alterare l’equilibrio del cuoio capelluto e rendere la chioma più secca o difficile da gestire. Ed è proprio in questi casi che lo shampoo secco diventa un alleato fondamentale, capace di regalare un aspetto più fresco ai capelli in pochi minuti.
Negli ultimi anni questo prodotto è entrato stabilmente nella beauty routine di molte persone, non solo come soluzione d’emergenza, ma anche come valido supporto per dare volume e prolungare la durata della piega.

Cos’è lo shampoo secco e come funziona

Contrariamente a quanto si potrebbe pensare, lo shampoo secco non pulisce realmente i capelli e non sostituisce il normale lavaggio con acqua e detergente. La sua funzione principale è assorbire il sebo presente sulle radici grazie a ingredienti come amidi vegetali, polveri minerali o silice, restituendo alla chioma un aspetto più pulito e leggero.
Oltre a ridurre l’effetto lucido tipico dei capelli grassi, molte formule aiutano anche a donare corpo e texture, motivo per cui vengono spesso utilizzate anche dai professionisti dell‘hair styling per creare acconciature con maggiore volume.

Quando utilizzarlo

Lo shampoo secco può essere utile in diverse situazioni: dopo un allenamento, durante un viaggio, nelle giornate calde oppure per rimandare il lavaggio di un giorno. Si tratta di una soluzione anche prima di realizzare code, chignon o trecce, perché aumenta l’aderenza dei capelli e facilita lo styling.
Chiaramente non dovrebbe però diventare un sostituto dello shampoo tradizionale! Un utilizzo continuativo senza un corretto lavaggio può favorire l’accumulo di residui sul cuoio capelluto, con la possibilità di causare fastidi o appesantire la chioma.

Come applicarlo correttamente

Per ottenere un buon risultato è importante agitare il flacone prima dell’uso e vaporizzare il prodotto a circa 20-30 centimetri dalle radici, insistendo soprattutto sulle zone più oleose. Dopo aver atteso uno o due minuti, è sufficiente massaggiare delicatamente il cuoio capelluto e spazzolare i capelli per eliminare eventuali residui.
Anche la quantità fa la differenza: applicarne troppo non rende i capelli più puliti, ma rischia di lasciare un effetto opaco o polveroso, soprattutto sulle chiome più scure.

Tre shampoo secchi da tenere a portata di mano

Per affrontare al meglio la stagione estiva, ecco una selezione di shampoo secchi pensati per rinfrescare la chioma tra un lavaggio e l’altro.
Joico Weekend Hair Dry Shampoo è studiato per assorbire il sebo in eccesso, donare volume alle radici e contribuire a mantenere il colore luminoso più a lungo.

Per chi cerca una formula leggera, ghd Once Again promette di rinfrescare capelli e cuoio capelluto senza bisogno di acqua, prolungando la durata dello styling e lasciando una delicata profumazione con note di bergamotto e ylang ylang.

Infine, Yves Rocher Shampoo Secco Purificante Purezza è formulato con polvere di origine naturale e Alga Bio di Bretagna. Pensato per capelli da normali a grassi, assorbe il sebo alle radici e dona una sensazione di leggerezza che, secondo il brand, può durare fino a 48 ore.

Un alleato pratico, ma non un sostituto dello shampoo

Lo shampoo secco è una soluzione pratica per affrontare il caldo e le giornate più frenetiche. Il suo utilizzo è consigliato tra un lavaggio e l’altro per rinfrescare la chioma e aggiungere volume. Resta però un prodotto complementare allo shampoo tradizionale, indispensabile per una corretta detersione del cuoio capelluto.

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Il mondo della moda ha un problema di cui si comincia a parlare solo ora, e ancora troppo poco. Il dibattito si è acceso con l’arrivo di Olivier Rousteing alla direzione creativa di Rabanne. Ma questa dinamica esiste da molto tempo. Quello che è successo negli ultimi mesi ha semplicemente riportato l’attenzione su un sistema che continua a ripetersi e che, forse, è arrivato il momento di mettere davvero in discussione.

Nella moda il potere resta nelle mani degli uomini

Secondo le analisi del settore, tra cui i report del British Fashion Council e diverse rilevazioni dedicate al lusso, solo il 12-14% dei ruoli di direttore creativo è oggi occupato da donne. L’86-88% resta nelle mani degli uomini. Un dato che appare ancora più significativo se si considera che il mercato della moda è composto in larga parte da consumatrici.

La questione, però, non riguarda soltanto la scarsa presenza femminile ai vertici delle grandi maison, ma anche il modo in cui avvengono le successioni. Quando una donna lascia la direzione creativa di un marchio, nella maggior parte dei casi il suo posto viene affidato a un uomo.

È successo con Maria Grazia Chiuri, sostituita da Jonathan Anderson alla guida di Dior. Lo stesso è accaduto dopo l’uscita di Virginie Viard da Chanel, dove è stato scelto Matthieu Blazy, e dopo l’addio di Sarah Burton ad Alexander McQueen, con l’arrivo di Seán McGirr.

Sono solo alcuni degli esempi più recenti. Le maison guidate da donne continuano a essere poche e, nella maggior parte dei casi, si tratta di brand fondati o costruiti proprio da loro, come Prada o Marine Serre.

Il riciclo degli stessi designer

Quando arriva il momento di scegliere un nuovo direttore creativo, le maison non solo continuano a privilegiare uomini, ma tendono anche ad affidarsi agli stessi nomi che da anni gravitano all’interno del sistema. La scelta ricade quasi sempre su figure già affermate, considerate una garanzia.

Un meccanismo che lascia pochissimo spazio sia alle donne sia ai giovani designer che cercano di costruire il proprio percorso. Dopo anni di studio, formazione e sacrifici, emergere diventa sempre più difficile se le opportunità continuano a concentrarsi sugli stessi professionisti. Viene quindi spontaneo chiedersi quale spazio resti davvero per le nuove generazioni.

Una creatività che rischia di diventare monotona

Vedere gli stessi direttori creativi passare da una maison all’altra rischia di rendere il panorama della moda sempre più prevedibile. Quando il ricambio si limita a pochi nomi, anche le visioni creative finiscono inevitabilmente per assomigliarsi, alimentando una sensazione di ripetitività.

Lasciare maggiore spazio alle donne e ai giovani talenti significherebbe, invece, introdurre nuovi punti di vista, nuove sensibilità e nuove idee, elementi indispensabili per un settore che ha sempre fatto dell’innovazione il suo punto di forza.

Come spesso accade, alle donne viene ancora richiesto di dimostrare il doppio per conquistare gli stessi ruoli. Eppure gran parte delle collezioni è pensata per un pubblico femminile e la maggioranza dei clienti della moda di lusso è composta proprio da donne. Aprire finalmente questa cerchia ristretta a nuove figure, senza limitarsi ai soliti nomi, potrebbe rappresentare un passo concreto verso un sistema più dinamico, inclusivo e capace di rinnovarsi.

Foto: Pinterest

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C’è una sottile alchimia dietro la nascita di un oggetto destinato a diventare un classico. Nel panorama del lusso contemporaneo, dove la ricerca dell’equilibrio tra estetica e praticità rappresenta spesso un terreno scivoloso, la risposta delle grandi maison d’alta moda punta dritta alla funzionalità intelligente. È esattamente questo il terreno di gioco scelto da Louis Vuitton per la sua ultima creazione, un accessorio che promette di ridefinire i confini della pelletteria quotidiana: stiamo parlando della borsa Multipass.

Svelata per la prima volta in occasione della collezione Cruise ad Avignone, questa borsa non è arrivata in punta di piedi. Si inserisce all’interno della linea Express, una famiglia di borse morbide che privilegia linee pulite e una raffinatezza priva di fronzoli superflui. Il suo destino sembra già segnato: affiancare pilastri storici della maison come la Petite Malle e la Side Trunk, ritagliandosi uno spazio d’onore tra le future icone dello stile globale.

Trasformismo urbano: l’ingegneria della versatilità

Il vero punto di forza della Multipass risiede nella sua spiccata camaleonticità. Una borsa pensata non solo per essere ammirata su un piedistallo, ma per essere vissuta, sganciata, agganciata e modificata a seconda del ritmo della giornata. La sua struttura modulabile è il risultato di un set di accessori interamente amovibili: una tracolla regolabile, una catena intrecciata e un manico corto.

Questo sistema di elementi componibili permette alla borsa di cambiare identità in pochi secondi. Di giorno, portata a spalla o a tracolla, garantisce quella libertà di movimento essenziale per affrontare gli impegni urbani con un piglio contemporaneo; di sera, impugnata elegantemente a mano tramite il manico corto, si trasforma in un accessorio dal tratto decisamente più sofisticato.

Anche sul fronte dei materiali e delle finiture, la maison non ha lasciato nulla al caso. Accanto all’immancabile e iconica tela Monogram, la Multipass si declina in pregiata pelle e in una palette cromatica ampia che va dal classico nero a sfumate tonalità di vaniglia. Particolarmente interessante è la ricerca tattile e visiva espressa dalle versioni con effetto scamosciato o dal sofisticato Epi trompe l’œil applicato proprio sulla pelle scamosciata, un dettaglio che gioca con le percezioni e la profondità dei materiali.

Dalla passerella al formato pocket: arriva la Mini Multipass

La forza di un design vincente si misura spesso nella sua capacità di ridimensionarsi senza perdere carattere. Per la stagione Autunno-Inverno, Louis Vuitton ha scelto di ampliare la famiglia introducendo la Mini Multipass.

Questa versione in miniatura riprende fedelmente tutti i codici stilistici e strutturali della sorella maggiore, trasformandosi in un accessorio compatto, bilanciato e dal forte impatto visivo. Non una semplice versione ridotta, ma un esercizio di stile che conferma come la tendenza dei formati micro continui a esercitare un fascino magnetico, offrendo una soluzione ideale per chi cerca l’essenziale senza rinunciare all’imprinting della maison.

Il viaggio come filosofia permanente

In fondo, ogni creazione di Louis Vuitton porta con sé il DNA originario del fondatore, quell’inconfondibile “Arte del Viaggio” nata nel 1854 tra bauli e bauli da spedizione. La Multipass raccoglie questa eredità secolare e la adatta alle geografie fluide della nostra quotidianità. Più che un semplice accessorio di lusso, si candita a essere una compagna di viaggio fedele per le sfide di tutti i giorni, confermando che l’eleganza più autentica è quella che sa muoversi insieme a chi la indossa.

Per approfondire:
–REBONDS: il nuovo libro di Louis Vuitton
–Louis Vuitton celebra 130 anni di Monogram

Crediti foto: Louis Vuitton Press Kit

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Per anni Tesla è stata sinonimo di auto elettriche. Oggi, però, sembra che il futuro abbia un’altra forma.

Tesla sta infatti smantellando parte delle linee produttive dedicate a questi modelli nello stabilimento di Fremont per fare spazio alla prima linea industriale di Optimus, il robot umanoide presentato da Elon Musk. Un cambiamento che non è solo simbolico, ma racconta chiaramente dove l’azienda vuole investire nei prossimi anni.

I primi esemplari non saranno messi in vendita. Verranno utilizzati all’interno di Tesla per imparare nuove attività, raccogliere dati e migliorare attraverso l’esperienza. L’obiettivo, nel lungo periodo, è arrivare a produrne milioni. Un traguardo che lo stesso Musk ha definito una delle sfide industriali più difficili mai affrontate dall’azienda.

I robot sono già tra noi

Quando si pensa ai robot, viene spontaneo immaginare qualcosa di futuristico, quasi da film di fantascienza. In realtà conviviamo con loro già da diverso tempo, anche se spesso non ci facciamo caso.

Basta pensare ai robot aspirapolvere che puliscono casa in autonomia oppure ai bracci robotici utilizzati nelle fabbriche per assemblare automobili e componenti elettronici con una precisione impossibile per un essere umano. In molti ristoranti, soprattutto nelle grandi città, iniziano a comparire robot che portano i piatti ai tavoli, mentre negli ospedali vengono impiegati per trasportare farmaci e materiali.

Sono strumenti molto diversi da Optimus, certo, ma dimostrano che la robotica non appartiene più soltanto al futuro: è già una parte della nostra quotidianità.

Il Giappone ci mostra cosa potrebbe succedere

Se c’è un Paese che sembra vivere già qualche anno avanti rispetto a noi, quello è probabilmente il Giappone.

In aeroporti, centri commerciali, hotel e ristoranti è sempre più normale trovare robot che accolgono i clienti, danno informazioni, accompagnano le persone o servono ai tavoli. Non sostituiscono completamente il personale, ma lo affiancano nelle attività più ripetitive, rendendo alcuni servizi più rapidi ed efficienti.

È uno scenario che in Europa vediamo ancora solo in parte, ma che fa capire quanto la robotica possa entrare nella vita di tutti i giorni senza essere qualcosa di straordinario.

La sfida non è costruire un robot, ma renderlo utile

Per questo motivo il vero banco di prova di Optimus non saranno i video pubblicati sui social, dove il robot cammina, afferra oggetti o esegue movimenti sempre più fluidi.

La vera sfida sarà produrne migliaia, renderli affidabili, abbastanza economici e davvero utili nel lavoro di tutti i giorni. Per le automobili esiste ormai una filiera consolidata. Per milioni di robot umanoidi, invece, servono componenti e processi produttivi che oggi non esistono ancora su quella scala.

Tesla è già riuscita a cambiare il mercato delle auto elettriche. Adesso vuole fare qualcosa di ancora più ambizioso: trasformare il modo in cui immaginiamo il lavoro fisico. È difficile dire se ci riuscirà davvero. Ma una cosa è certa: il futuro dei robot non sembra più così lontano. E, forse, senza rendercene conto, abbiamo già iniziato a viverlo.

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Mangiamo con gli occhi una vetrina. Seguiamo il brand sui social. Ci lasciamo conquistare dall’immagine costruita intorno alla nuova collezione. Attiviamo la campanella in attesa del nuovo drop sul sito. Celebriamo il designer e il simbolo della maison, memorizziamo persino la color palette della stagione…

Ma ci chiediamo mai chi ha trasformato quell’idea geniale in un capo reale? Chi ha studiato la vestibilità, costruito il cartamodello, corretto il prototipo e dato forma al progetto? Tra il disegno di una collezione e il capo esposto in boutique esiste un universo di competenze tecniche senza le quali il prodotto non potrebbe mai esistere.

E proprio per dare voce a sarti, modellisti, prototipisti, e professionisti della filiera che nasce ANSEMI ETS, l’Associazione Nazionale Sarti e Modellisti Italiani. Ne abbiamo parlato con il direttore dell’associazione, che ci ha raccontato la missione di una realtà che muove ora i suoi primi passi. 

Come nasce ANSEMI?

“Ansemi è un’associazione ETS che nasce per valorizzare e divulgare le maestranze artistiche della moda e quindi le professionalità tecniche che rendono possibile avere un capo di abbigliamento. Tutte le professioni che succedono dopo lo stile, dopo il design.“ Afferma il direttore Marco Bagalini, deciso a colmare una lacuna importante nel panorama nazionale.

Perché il valore del lavoro sartoriale è ancora poco riconosciuto?

“Perché quando si parla di moda si parla di un’immagine patinata. Siamo abituati a pensare alla moda come il prodotto finale e non quello che c’è nel frangente.”

E come si può spiegare a chi non lavora in questo ambito cosa significa costruire davvero un capo? 

“L’idea di Ansemi nasce anche dalla volontà di attirare i non addetti ai lavori e fargli fare esperienza tramite workshop, seminari e talk, in modo tale che abbiano consapevolezza di quanto lavoro c’è dietro un capo di abbigliamento.”

Ansemi vuole quindi creare consapevolezza nel pubblico, creando occasioni di confronto e apprendimento che rendano visibile il valore del lavoro sartoriale. In questo modo, anche chi è estraneo a questo mondo potrà comprendere cosa significa progettare un cartamodello, confezionare un capo e trasformare un’idea creativa in prodotto reale.

Qual è il rapporto di Ansemi con la sostenibilità?

“Oggi nella moda si parla tanto di sostenibilità, e anche di greenwashing nella maggior parte dei casi. La sostenibilità non riguarda solo i materiali. Il dibattito si sta spostando verso un design più responsabile, che comprende anche il rispetto dei lavoratori, delle competenze e dei processi produttivi. Chi lavora dietro un capo ha un ruolo fondamentale nella sua qualità e nella sua durata.”

Per ANSEMI la sostenibilità va considerata come un valore culturale e sociale, legato alla progettazione consapevole, alla riparabilità dei prodotti e alla dignità del lavoro tecnico. 

Come si può dare finalmente il giusto riconoscimento a queste professioni?

“Uno dei problemi principali è che molte figure tecniche non hanno ancora un riconoscimento professionale chiaro. Per questo proponiamo certificazioni referenziate al quadro europeo EQF, così da valorizzare concretamente le competenze di modellisti, sarti, prototipisti e di tutte le maestranze della filiera.”

L’associazione nazionale si impegna quindi a costruire strumenti capaci di certificare queste professionalità, offrendo maggiori garanzie sia ai lavoratori sia alle aziende. 

Quale ruolo avranno scuole e accademie?

“Per noi sono interlocutori fondamentali, vogliamo collaborare con accademie e istituti di formazione. Noi crediamo che sia molto interessante affiancare ad un diploma di primo livello riconosciuto dal MIUR in Fashion Design, un livello professionale dedicato proprio alle maestranze tecniche”

Le nuove generazioni rappresentano un punto centrale per l’Associazione, che mira a creare un dialogo sempre più stretto tra il mondo della formazione e quello del lavoro.

Quali sono le prime azioni concrete con cui Ansemi vuole rendere visibile il proprio operato? 

“Una delle prime iniziative sarà entrare nelle scuole primarie e secondarie con laboratori esperienziali dedicati al tessile. Vogliamo che i ragazzi possano conoscere questi mestieri attraverso l’esperienza diretta, proprio come già accade con altri percorsi educativi.”

Un progetto che racconta bene la filosofia di ANSEMI, ovvero riportare al centro il valore delle mani. Perché dietro ogni capo non c’è solo creatività, ma una filiera di professionisti che merita di essere conosciuta e riconosciuta. 

Foto: Pinterest, Unsplash

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Tra veli impalpabili, dettagli metallici e silhouette sospese, The Unseen indaga il fascino di ciò che sfugge allo sguardo. Un editoriale in cui la moda non svela, ma suggerisce, trasformando ogni look in un equilibrio tra protezione, mistero e identità.

Crediti:

Pedroni Sofia, De Gobbi Giada, Rallo Laura, Piotto Alessia.

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C’è chi sceglie un blazer sartoriale perché vuole sentirsi ordinato, chi non rinuncia mai al total black, chi passa ore su Vinted alla ricerca del pezzo unico, e chi invece aspetta il drop di Shein per riempire il carrello di micro top e mini gonne. Ma quanto c’è davvero della nostra personalità nei vestiti che indossiamo?

Vestirsi non è solo questione di stile o funzionalità. Quello che indossiamo ha impatto sul nostro modo di pensare e sul modo in cui affrontiamo il mondo. 

La psicologa britannica Karen J. Pine, nel libro Mind What You Wear, spiega che i vestiti non riflettono semplicemente il nostro stato d’animo, ma possono modificarlo.

Indossare una divisa ci fa sentire più responsabili, un completo sportivo può persino aumentare la motivazione ad allenarsi. L’abbigliamento influenza il nostro modo di vivere.

Questa idea è stata approfondita nel 2012 dagli psicologi Hajo Adam e Adam D. Galinsky, che nello studio Enclothed Cognition, pubblicato sul Journal of Experimental Social Psychology, dimostrarono come i vestiti possono influenzare i processi mentali di chi li indossa. Nel loro esperimento tutti i partecipanti ricevettero lo stesso identico camice bianco, a un gruppo venne detto che si trattava di un camice da medico, mentre all’altro fu presentato come un camice da pittore. Sebbene il capo fosse identico, chi pensava di indossare il camice del medico ottenne risultati migliori nei test di attenzione e concentrazione. Secondo i ricercatori, non era il camice ad avere un potere speciale, ma il significato simbolico che le persone gli attribuivano. 

Nessun outfit può definire una persona nella sua totalità, ma lo stile rappresenta un linguaggio attraverso cui scegliamo di comunicare gusti, valori o semplicemente il nostro stato d’animo. Proprio perché la moda è fatta di codici condivisi, oggi è facile riconoscere alcune “tribù/personalità estetiche”, che convivono nelle nostre città.

L’influencer

Indossa oggi quello che tutti compreranno tra un mese. Influenzata/o da Instagram, TikTok e dalle sfilate. Loghi visibili, layering di accessori, make-up studiato per sembrare naturale. 

Blazer oversize con top aderente, micro top e jeans larghi che cadono sui kitten heels, o completo coordinato con pericolo d’incendio. 

Non segue uno stile preciso perché il suo stile è seguire ciò che fa figo in foto. Non ha un’estetica immutabile, fa grande attenzione a ciò che succede nel mondo della moda e scopiazza qua e là nella speranza che qualcuno la/lo creda originale.

Il Minimalista / Timeless

Chi si riconosce in questa personalità estetica non rincorre il trend del momento, investe in pochi capi ben costruiti, destinati a durare negli anni. Blazer, pantaloni ricchi di pince, camicie di qualità, maglieria in lana o cachemire. Acquistano valore i dettagli sartoriali, il tessuto, la vestibilità, e ciò che rappresenta il brand. Si innamora dei capi più classici ma con una costruzione insolita o un dettaglio inaspettato, capace di rendere il pezzo avanguardia pura.

La Baddie

Se “il Minimal” investe in un cappotto immortale, lei riempie il carrello online con dieci top al prezzo di uno. Lo stile della Baddie è fatto di minigonne, jeans attillati, camperos, top microscopici, borsette così mini da obbligare il telefono in tasca, brillantini e silhouette che mettono le forme in risalto. 

Il fast fashion è l’unica scelta che permette di cambiare look continuamente senza spendere tanto. I trend durano il tempo di uno scroll su TikTok e dietro questa personalità estetica c’è la voglia di sentirsi valorizzate fisicamente e trasformare il proprio aspetto in base alle tendenze del momento.

La Zingara

Preferisce passare un pomeriggio a scavare nei mercatini o a scrollare Vinted, piuttosto che entrare in un centro commerciale. Ama i dettagli e il pezzo unico/introvabile. 

Mixa argento e oro, non si sente a suo agio se prima di uscire non fa layering di collane, abbinate a orecchini acchiappasogni, cinture vissute e accessori trovati dopo settimane di ricerca. Costruisce un archivio personale fatto di pezzi che difficilmente qualcun altro avrà mai nell’armadio. 

Dietro questo stile e questa personalità, c’è spesso una forte sensibilità verso il riuso e distanza dal fast fashion. Siete arrivati un po tardi, le borsette Guess vintage su Vinted sono già finite!

L’Outsider

Total black, dettagli in pelle, pantaloni larghi, sovrapposizioni monocromatiche alla Yohji Yamamoto o alla Rick Owens.

Anche quando ogni singolo capo è totalmente nero, il look non è mai piatto. Gli strati, le texture e le forme danno carattere all’outfit. Spesso ispirato alla scena underground, alla musica e alla moda contemporanea più sperimentale. 

Ovviamente nessuno di questi stili racconta davvero una persona nella sua totalità. Questa indagine superficiale vuole solo osservare alcuni codici visivi che incontriamo ogni giorno e farci riflettere su come la moda diventi un linguaggio attraverso cui scegliamo, consapevolmente o meno, di raccontarci. Non si tratta di etichettare le persone in categorie, ma di capire come ogni scelta estetica possa nascere da un insieme di influenze, desideri, appartenenze e modi diversi di vedere se stessi.

Foto: Pinterest, Vogue, instagram, rebelliousfashion, temu, susanaperczek

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There was a time when sunscreen was almost seen as something that got in the way. The goal was to tan as fast as possible and people would do anything to make it happen. Some used tanning oils, others went for SPF 4 and some even relied on homemade tricks. One of the most famous? A mix of beer and olive oil (or Johnson’s Baby Oil), which became popular in the ’80s and ’90s as a supposed “tan booster.” In reality, the only thing it boosted was your chances of getting burned.

Today, things look completely different. Sunscreen is probably one of the beauty topics we’re most informed about. We know what SPF means, we check the UV index before spending time in the sun and we buy SPF 50+, sunscreen sticks for sensible areas such as eye contour, and hair protection sprays. We know UV rays can get through clouds, that the sun speeds up skin aging and that a sunburn is much more than a temporary inconvenience. Social media tells us to wear sunscreen every day of the year and dermatologists remind us to reapply it every two hours.
And yet, every summer, the same thing happens: we get sunburned.

So the question isn’t whether we know more than we did thirty years ago. We definitely do. The real question is: why isn’t all this information enough?

Well, the answer is simple: knowing something doesn’t necessarily mean putting it into practice.
The first mistake is thinking that the SPF will protect you all day. The truth is, sunscreen doesn’t work like a permanent shield. Sweat, repeated swims and even drying off with a towel gradually reduce its effectiveness.

Then there’s something that often goes unnoticed: sunscreen expires. A bottle that was opened last summer and left sitting in the sun or in a hot car for days may no longer provide the protection written on the label. That doesn’t mean SPF 50 magically turns into SPF 30, but its effectiveness can decrease if the formula has broken down or hasn’t been stored properly.
So how can you tell if it’s still good? Besides checking the PAO symbol (the little open-jar icon on the back), pay attention to the texture, color and smell. If anything seems off, the UV filters have most likely started to degrade.

Another common misconception has to do with water. Many people think going for a swim gives their skin a break from the sun, when in reality both water and sand reflect part of the UV rays (around 10–25%), increasing your overall exposure. That means that even if you’re floating in the water or sitting under an umbrella, you’re still getting hit by UV rays coming from below as well as above. And if your sunscreen has been washed off or rubbed away with a towel, your chances of getting burned go up even more.
Not to mention that no sunscreen is truly waterproof. If it says “water resistant,” it simply means it can keep about 50% of its protection after you’ve been in the water.

Finally, there’s one factor we all know about but keep ignoring: timing. Spending time in the sun during the middle of the day doesn’t help you tan faster, it just increases the amount of damage your skin takes.

Let’s bust one of the oldest tanning myths: “first I burn, then I tan”. That’s not how it really works.

I know it because I’ve been there myself.
Did I put sunscreen on? Yes. Did I reapply it? Sure, but nowhere near as often as I should have.
The result was a week of dealing with skin that burned, peeled and reminded me every time I put on a t-shirt that knowing what to do and actually doing it are two very different things.
And the ending wasn’t exactly worth it either. There was no golden glow to make me think: “well, at least it was worth it”. Instead, I was left with patchy, uneven skin before turning almost as pale as I was before. Basically, my skin decided to shed like a snake to get rid of the damaged cells. Unfortunately, the surface pigment goes with them, leaving behind lighter patches. On top of that, the skin becomes much more sensitive and needs constant hydration while its protective barrier recovers.
A sunburn is actual damage to your skin cells’ DNA. A tan, on the other hand, is your skin’s defense mechanism. Melanin is produced by melanocytes to help protect the cells’ nuclei from UV damage.

The real lesson.

Maybe that’s the point. Sun protection isn’t just about putting sunscreen on once. It’s a habit made up of small actions.
The lesson isn’t the obvious one “wear sunscreen.” We already know that. The real difference comes from everything that follows: using enough of it, reapplying it often without forgetting easy-to-miss spots, checking the expiration date and taking breaks in the shade.

They may seem like small details, at least until your skin ends up paying the price.
Because our skin keeps track of every bit of sun damage. Years later, it can show up as dark spots, new moles or premature aging.
As much as we hate to admit it, there’s no point trying to get an entire summer’s tan in one afternoon. A good tan is something you build brick by brick, with patience. Trying to rush it only increases the risk of ruining the result and, more importantly, damaging your skin along the way.

Effetto “sunkissed” o scottatura?

Sappiamo tutto sulla protezione solare. E allora perché ci scottiamo ancora?

C’è stato un periodo in cui la protezione solare era quasi vista come un ostacolo. L’obiettivo era abbronzarsi il più in fretta possibile e, per riuscirci, c’era chi usava oli abbronzanti, chi una semplice protezione 4 e chi si affidava a rimedi fatti in casa. Uno dei più famosi? La miscela di birra e olio d’oliva (o olio Johnson’s Baby), che negli anni ’80 e ’90 circolava come “acceleratore” dell’abbronzatura. In realtà non accelerava altro che il rischio di ustionarsi.

Oggi lo scenario è completamente diverso. Probabilmente è uno dei temi beauty su cui siamo più informati. Sappiamo cos’è l’SPF, controlliamo l’indice UV prima di esporci al sole, compriamo creme 50+, stick per il contorno occhi e spray per i capelli. Sappiamo che i raggi UV attraversano anche le nuvole, che il sole accelera l’invecchiamento della pelle e che una scottatura non è soltanto un fastidio passeggero. I social consigliano di applicarla tutto l’anno e i dermatologi ci ricordano di riapplicarla ogni due ore.
Eppure ogni estate succede la stessa cosa: ci scottiamo.

La domanda, quindi, non è se siamo più informati rispetto a trent’anni fa. Lo siamo eccome. La domanda vera è: perché tutte queste informazioni non bastano?

La risposta è semplice: sapere una cosa non significa necessariamente applicarla nel modo corretto.
Il primo errore è credere che la protezione indicata sulla confezione sia una garanzia per l’intera giornata. In realtà la crema solare non funziona come uno scudo permanente: il sudore, i bagni ripetuti e perfino l’asciugamano ne riducono progressivamente l’efficacia.

C’è poi un aspetto che spesso passa inosservato: la crema solare ha una scadenza. Una confezione aperta dalla stagione precedente, lasciata per giorni sotto il sole o in macchina, potrebbe non offrire più la protezione dichiarata. Non significa che una SPF 50 si trasformi matematicamente in una 30, ma che la sua efficacia può diminuire se il prodotto è deteriorato o conservato male. Come capire se è ancora valida? Oltre a controllare il simbolo sul retro del vasetto (il PAO), basta osservare la consistenza, il colore e l’odore. Qualsiasi anomalia significa che i filtri si sono ormai degradati.

Un altro equivoco riguarda l’acqua. Molti associano il bagno a un momento di “pausa” dal sole, quando in realtà acqua e sabbia riflettono parte dei raggi UV (circa 10-25%) aumentandone l’effetto. Significa che anche se sei a mollo o sotto l’ombrellone, ricevi raggi da sotto oltre che da sopra. Se poi la crema viene rimossa dall’acqua o dall’asciugamano, il rischio di scottarsi cresce ulteriormente.
Senza contare che nessuna crema è davvero waterproof! La dicitura “water resistant” significa semplicemente che la crema conserva circa il 50% della protezione dopo il bagno.

Infine c’è la variabile che tutti conosciamo ma che continuiamo a ignorare: gli orari. Restare sotto il sole nelle ore centrali della giornata non accelera l’abbronzatura quanto immaginiamo, aumenta soltanto la quantità di danni inflitti alla pelle.

Sfatiamo un mito: “prima mi scotto, poi mi abbronzo”. No, non funziona proprio così.

Lo dico perché ci sono cascata anch’io. Crema messa, sì. Riapplicata? Certo, ma molto meno di quanto avrei dovuto.
Il risultato è stato una settimana passata a convivere con una pelle che bruciava e si spellava, ricordandomi ogni volta che indossavo una maglietta che tra sapere una cosa e farla davvero c’è una bella differenza.
Per non parlare del finale: nessun colorito dorato a consolarmi con un “vabbè dai, ne è valsa la pena”, ma un antiestetico effetto “dalmata” a macchie, prima di tornare pallida quasi come prima. In pratica la mia pelle ha deciso di fare la muta come i serpenti per eliminare le cellule che ho bruciato. Purtroppo, insieme a loro se ne va anche tutto il pigmento superficiale, lasciando chiazze più chiare. Ma non solo, la pelle rimane più sensibile e necessita di idratazione costante per favorire il recupero della barriera cutanea.

La scottatura è un danno al DNA delle cellule cutanee. L’abbronzatura, al contrario, è una risposta difensiva della pelle. La melanina, infatti, viene prodotta dai melanociti per proteggere il nucleo delle cellule dai danni dei raggi UV.

La vera lezione da imparare.

Forse il problema è proprio questo. La protezione solare deve diventare un’abitudine fatta di piccoli accorgimenti.
La lezione non è quella, un po’ scontata, di “mettere la crema”. Quella la conosciamo già.
La vera differenza sta in tutto ciò che segue: usarne la giusta quantità, riapplicarla spesso senza dimenticare alcune zone, controllarne la scadenza e concedersi qualche pausa all’ombra.
Sono dettagli che sembrano trascurabili, almeno finché non ci si ritrova con la pelle traumatizzata.
Anche perché la nostra pelle archivia tutti questi traumi: li ritroveremo un domani sotto forma di macchie, nuovi nei e invecchiamento precoce.
Perciò, a nostro malincuore, dobbiamo convincerci che è inutile cercare di ottenere in un pomeriggio il colorito di un’intera estate. L’abbronzatura va costruita mattone dopo mattone, con pazienza. Voler fare tutto subito significa solo rischiare di far crollare l’opera sul più bello, mettendo anche a rischio la salute della pelle.

Foto: Pinterest

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