Apri TikTok. Scorri Instagram. Fermati davanti a una vetrina o a una passerella. Qualcosa che ritorna con insistenza, quasi con ostinazione. Non è un dettaglio. La moda anni 2000 è tornata. Ovunque.

Ma non nel modo in cui ci si aspetterebbe. Non come ricordo addolcito, non come vintage rassicurante. Piuttosto come un corpo che riemerge, preciso, consapevole, quasi impaziente di essere guardato di nuovo.

E in questo ritorno, tra pelle, silhouette aderenti e una sensualità che non chiede il permesso, si riconosce una firma chiara: Frida Giannini e la sua era Gucci.

Madonna, Kylie Jenner e il ritorno di un immaginario preciso

A riaccendere questa estetica non è solo la moda. È la cultura pop. Da un lato, il ritorno di Madonna con Confessions on a Dance Floor II riporta sotto i riflettori un immaginario preciso: quello della notte, del corpo in movimento, della sensualità costruita e mai casuale. Dall’altro, è la Gen Z a renderlo virale. E qui entra in scena Kylie Jenner, ( e altre icone Gen Z) che negli ultimi mesi ha riportato in primo piano proprio quell’estetica fatta di silhouette aderenti, abiti cut-out, pelle e richiami espliciti agli anni 2000.

Non è sola. Figure come Bella Hadid o Dua Lipa hanno trasformato il revival Y2K in un linguaggio quotidiano, visivo, replicabile. È così che il passato smette di essere archivio e diventa feed.

Frida Giannini e Gucci

Non è solo Gucci in un suo preciso periodo storico. È un’idea di femminilità. Quella costruita da Frida Giannini, sensuale, decisa, mai passiva, oggi torna a parlare perfettamente la lingua della Gen Z. Una sensualità netta, strutturata, che non si giustifica.

E forse è proprio questo il punto: non è la moda che torna.
È il desiderio di viverla che cambia forma.

Trend Y2K 2026: la Gen Z riscrive gli anni 2000

La Gen Z non ha vissuto davvero gli anni 2000. E proprio per questo li maneggia con una libertà sorprendente. Li prende, li smonta, li ricompone. Così riemergono i jeans low-rise, le minigonne ridotte all’essenziale, i top aderenti, le borse iconiche, tutti elementi che oggi tornano anche attraverso l’interpretazione delle nuove icone digitali. Ed è così che nasce il trend Y2K

Quello che cambia è lo sguardo.

Negli anni Duemila, il corpo era esposto. Quasi imposto. Oggi è gestito.

Il low-rise, indossato da figure come Kylie Jenner, diventa styling consapevole. Non più regola, ma scelta.

Moda anni ’90 e anni 2000

Accanto al ritorno degli anni 2000, si muove un’altra forza: quella degli anni ’90.

Linee pulite, palette neutre, accessori essenziali.

Un minimalismo che non cerca di sedurre, ma di contenere.

Ed è proprio nell’incontro tra questi due estremi, spesso visibile anche nei look delle stesse icone contemporanee, che nasce il vero linguaggio attuale.

In un presente instabile, la moda guarda indietro per trovare un appiglio. Non per rifugiarsi, ma per costruire.

E oggi questo processo passa inevitabilmente attraverso i social: ciò che viene indossato da una celebrity diventa immediatamente replicabile, condivisibile, virale.

Frida Giannini oggi

È qui che tutto torna.

Frida Giannini smette di essere un riferimento storico e diventa codice. Una sensualità costruita, lucida, mai casuale. Una femminilità che oggi vive anche attraverso nuovi volti, nuovi corpi, nuovi media. Il ritorno degli anni 2000 non è un’operazione nostalgica. È una trasformazione. Non è la moda che torna. È il modo di guardare, e di essere guardate, che cambia.

Photocredits: Pinterest

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C’è stato un momento in cui volevamo tutte essere Andy Sachs. Entrare, imparare in fretta, sopravvivere e poi (nel momento giusto) andarcene. Senza pagarne davvero il prezzo. Ed ora, veniamo a noi. L’ho visto due volte, in due giorni consecutivi. Prima al cinema, poi all’anteprima di Milano. Due visioni, un’unica domanda: cosa resta davvero de Il Diavolo veste Prada quando smettiamo di voler essere Andy? Quel momento è finito. Il Diavolo veste Prada 2 non lo dice apertamente, ma lo fa capire benissimo: non è più una storia di ascesa. È una storia di resistenza. E cambia tutto. Perché, se il primo film raccontava cosa significa entrare nel sistema, questo racconta cosa significa restarci. E restarci, oggi, è molto più difficile.

Sulle note di Vogue di Madonna, scorrono immagini che sembrano familiari: look iconici, riferimenti agli anni Duemila, quella nostalgia che ti fa pensare di sapere già tutto. Ma è solo superficie. Perché Runway non è più un tempio intoccabile. È un sistema sotto pressione, costretto a fare i conti con una crisi che non è più solo editoriale, ma strutturale.

Siamo davvero in crisi?

E questa crisi non è astratta. Entra nelle riunioni, nei dialoghi, nei dettagli. Si insinua nei nuovi equilibri di potere, dove l’editoria non è più al centro e dove le decisioni passano sempre più spesso da manager miliardari, interessati meno alla visione e molto di più ai numeri. Non è più solo una questione di gusto. È una questione di controllo.

E qui arriva il punto. Non è più Andy Sachs il centro della storia. Andy è l’eccezione, quella che entra e riesce a uscire senza rompersi davvero. Ma questo film non parla di chi se ne va. Parla di chi resta. E improvvisamente cambiano le prospettive. Emily Charlton e Nigel Kipling smettono di essere figure laterali e diventano il cuore del racconto. Sono quelli che tengono in piedi il sistema, anche quando il sistema smette di funzionare.

Nigel e Emily: due opposti dello stesso sistema

Nigel è la dedizione pura, quella che non fa rumore. La prova concreta che puoi dare tutto, tempo, visione, fedeltà, senza che questo garantisca un ritorno. È quello che resta quando il resto cambia. Quando Miranda lo riconosce, “ci sei sempre stato tu”, non è un momento emotivo. È una presa d’atto. Perché, in fondo, Runway non è mai stata davvero Miranda Priestly. Runway è chi la tiene in piedi ogni giorno.

Emily, invece, è la parte più scomoda. Quella che nessuno vuole essere, ma in cui tutti finiscono per riconoscersi. Ambiziosa, precisa, instancabile. Perfettamente dentro il sistema. E proprio per questo sacrificabile. Lavora il doppio, regge ritmi impossibili, conosce ogni dinamica, eppure non basta. Emily usa strategie, e, denaro. Perché il problema non è quanto vali. È quanto sei sostituibile. Ed è qui che il film smette di parlare di moda e inizia a parlare di lavoro, davvero.

Nuove logiche

E poi c’è il linguaggio. Che cambia. O meglio: prova a cambiare. In una riunione, si introduce il tema del “body positive”, lo fa con difficoltà, quasi come se fosse un territorio ancora instabile. La reazione è immediata, trattenuta, ma evidente. Non è rifiuto. È disallineamento. È un sistema che prova ad aggiornarsi, ma non sa ancora come farlo senza perdere sé stesso.

E ancora, in un’altra riunione, una battuta che dice molto più di quanto sembri: modelle “incoraggiate a pascolare come capre fameliche nel parcheggio di una clinica di metadone nel New Jersey”. Silenzio. Disagio. Amari svolge il suo ruolo di assistente, richiama “all’ordine”. E poi la correzione di Miranda Priestly, quasi infastidita: “Cosa? Non posso più dire che cosa? Metadone? New Jersey? Comunque, sapete cosa intendo.”
È lì che si capisce tutto. Non è solo ironia.Il Diavolo Veste Prada 2 racconta uno scarto generazionale. È un sistema che non sa più dove finisce la provocazione e dove inizia l’inadeguatezza.

La crisi attraversa tutto il racconto. Non solo quella dei magazine, ma quella di un intero modello. La carta perde centralità, le decisioni si spostano dal piano editoriale a quello strategico, entrano nuovi attori, nuove logiche, nuovi equilibri. E chi c’era prima deve adattarsi. O sparire. Persino Miranda Priestly vacilla. Non perché perda potere, ma perché quel potere non funziona più come prima.

Vuoi, ancora, essere Andy?

E allora la domanda cambia. Non è più “vuoi essere Andy?”. Perché Andy è un’eccezione narrativa. La vera domanda è: cosa succede quando resti? Quando continui a lavorare dentro un sistema che cambia più velocemente di te? Quando capisci che il talento non è l’unico criterio e che la dedizione non garantisce nulla? La risposta non è comoda. Non è aspirazionale. Ma è reale.

Siamo Emily. Siamo Nigel.

E forse è proprio per questo che Il Diavolo veste Prada 2 funziona. Non perché racconti il sogno, ma perché racconta cosa succede dopo. Quando il sogno si stabilizza, si incrina, e smette di brillare. Quando diventa lavoro. Guardarlo non è solo un ritorno nostalgico. È un piccolo shock di realtà. E sì, probabilmente vorrai rivederlo. Ma non per i look, o meglio, non solo per i look. Perché, a un certo punto, ti riconosci. E non è detto che ti piaccia.

Photocredits: press kit Cristiana Caimmi & Co. S.r.l

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La luce, nel sud del Marocco, non si limita a illuminare: seleziona, scolpisce, sottrae.
Nella valle del Draa, ultimo avamposto prima del Sahara, ogni cosa sembra esistere in una forma più essenziale, ridotta all’idea stessa di materia e movimento.

È da questa sospensione che prende forma la collezione uomo Primavera/Estate 2026 di Daniele Fiesoli Italia: un esercizio di sottrazione, in cui il gesto creativo si fa più lento, più preciso, quasi silenzioso.

Una silhouette che non costringe

La collezione si costruisce attorno a un’idea precisa: liberare il corpo. I volumi si fanno morbidi, le stratificazioni leggere. Le silhouette si aprono in una fluidità che non cerca struttura, ma movimento.
Sahariane destrutturate, camicie oversize e pantaloni ampi disegnano una mascolinità nuova, più rilassata, meno performativa. Non c’è rigidità, non c’è tensione, piuttosto, c’è spazio.

Ed è proprio in questo spazio che si inserisce una riflessione più ampia: quella di un uomo contemporaneo che non ha più bisogno di dimostrare, ma semplicemente di essere.

Il viaggio è linguaggio estetico

Ogni capo sembra portare con sé una traccia. Un passaggio. Un attraversamento. La sabbia, il tè, le spezie non sono solo suggestioni, ma diventano codici visivi. Si leggono nelle pieghe, nelle superfici, nei colori che non urlano mai, ma restano, come fanno le cose vere.

La palette cromatica si muove tra rosa sabbia, miele scuro, verdi essiccati e marroni caldi. Toni polverosi, mai saturi, come filtrati dalla luce dorata del tardo pomeriggio africano.

È una tavolozza che vuole raccontare, non stupire.

Materia e luce

I tessuti diventano protagonisti discreti. Non cercano effetto, ma relazione: finissaggi polarizzati e filati mercerizzati catturano la luce, mentre texture opache la assorbono. Il risultato è un equilibrio sottile, quasi impercettibile, che si rivela solo nel movimento. Perché questa è una collezione che non si comprende da ferma, è una collezione che va osservata mentre si muove, mentre respira, mentre cambia.

Una nuova idea di eleganza

Quella proposta da Daniele Fiesoli è una collezione che mostra equilibrio. Tra materia e luce, tra presenza e sottrazione, tra ciò che si mostra e ciò che resta appena accennato. Un’eleganza che non cerca definizioni, ma si lascia attraversare. Come il deserto, del resto: apparentemente immobile, eppure in continua trasformazione. E forse è proprio lì, in questa sospensione silenziosa, che la moda ritrova il suo gesto più autentico.

Photocredits: press kit Unique Italia

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È esistito un momento in cui il vintage era una caccia. Disordinata, polverosa, quasi casuale. Si scavava. Si cercava. Si sperava. Oggi, invece, succede qualcosa di diverso. A Milano, per tre giorni, il vintage smette di essere un accumulo e diventa una decisione. Succede con Unsane Vintage Kilo, il format che arriva al Moscova District Market e ribalta la logica del second-hand: prima si sceglie, poi si pesa. E no, non è sfumatura.

Non è vintage: è selezione

Nel panorama attuale, dove il second-hand è spesso sinonimo di quantità, Unsane lavora al contrario. Ogni capo viene selezionato, controllato, ricondizionato. Nessuna corsa. Nessuna frenesia.   Si entra, si osserva, si prova. Si torna indietro. Il tempo, quello che normalmente perdiamo, qui diventa parte dell’esperienza.

E forse è proprio questo il punto: comprare smette di essere un gesto automatico e torna a essere una scelta.

Il prezzo cambia. La cura no

L’esperienza si articola su tre livelli, ma senza gerarchie emotive:

• Lost Gems (30€/kg): pezzi imprevedibili, spesso unici

• Vintage Core (45€/kg): il guardaroba quotidiano, quello che funziona davvero

• First Cut (60€/kg): materiali, costruzioni, presenza

Tre fasce, una sola logica: il valore non è nel prezzo, ma nella selezione.  

Tra archivi e immaginario collettivo

Dentro Unsane convivono linguaggi diversi: workwear, sportswear, sartoriale.

E poi i nomi. Quelli che non hanno bisogno di presentazioni: Barbour, Nike, Ralph Lauren, Max Mara, Levi’s, Carhartt.  

Ma non è nostalgia. È qualcosa di più sottile: la possibilità di costruire uno stile fuori dalla logica della stagione. E a Milano, città che vive di moda, questo assume un peso ancora diverso. Perché tra i capi possono emergere anche firme come Gucci, Fendi, Armani: senza il filtro del lusso tradizionale.  

Milano, Roma e un cambio di scala

Mentre Milano ospita l’esperienza nella sua dimensione più fluida e urbana, a Roma succede qualcosa di ancora più interessante.

Unsane entra per la prima volta in un contesto istituzionale: Rinascente Tritone.  

Non è solo una location diversa, diventa anche un cambio di linguaggio. Il vintage al chilo, nato come alternativa, entra nel cuore del retail tradizionale, e, lo fa senza perdere la sua identità.

Perché oggi il vintage cambia significato

Dietro Unsane c’è una visione precisa, quella di Velvet For Philosophers: il vestito non come prodotto, ma come documento.

Un archivio vivo, dove moda, musica e società si intrecciano.   E forse è proprio qui che si gioca tutto. Perché oggi non compriamo più solo per avere. Compriamo per capire chi siamo. O chi vogliamo essere.

Informazioni utili

Unsane Vintage Kilo – Milano

Moscova District Market, Via Volta 7A

10–12 aprile 2026 dalle 10:00 alle 21:00

Ingresso gratuito su registrazione  

Unsane Vintage Kilo – Roma

Rinascente Tritone

10–12 aprile 2026 dalle 10:00 alle 21:00

Ingresso gratuito su registrazione  

Photocredits: press kit Menotrenta

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Ci sono momenti in cui anche la moda (che vive di immagine, di racconto, di costruzione) smette per un attimo di raccontarsi e lascia intravedere la sua struttura.

Succede raramente. Ma quando succede, è sempre per una ragione precisa. La notizia dell’uscita di Stefano Gabbana dalla presidenza, ma non dal brand va specificato, di Dolce & Gabbana è uno di quei momenti. Non tanto per il gesto in sé, quanto per quello che implica. Perché Dolce & Gabbana non è solo un marchio. È uno degli ultimi simboli di un’idea di moda italiana ancora indipendente, ancora costruita su un equilibrio quasi personale tra visione creativa e controllo diretto. E quell’equilibrio, oggi, sembra incrinarsi.

Cosa sta davvero succedendo

Formalmente, la transizione è ordinata. La presidenza passa ad Alfonso Dolce, figura già centrale nella gestione del gruppo. Nulla, apparentemente, cambia. Eppure, è proprio qui che il racconto si fa più interessante. Secondo quanto riportato in esclusiva da Bloomberg, Stefano Gabbana avrebbe lasciato la presidenza già nei mesi scorsi e starebbe valutando il futuro della sua quota, circa il 40%, aprendo una fase che non è solo di transizione, ma di ridefinizione strategica per l’intera maison.

Non è un passaggio simbolico. È un passaggio strutturale.

Cosa cambia davvero (e cosa no)

A chiarire ulteriormente la posizione, è intervenuta anche una comunicazione circolata sui social nelle ultime ore, che sintetizza in modo diretto il punto centrale della vicenda: Stefano Gabbana non ha lasciato Dolce & Gabbana, ma ha semplicemente abbandonato il ruolo di presidente. Resta co-fondatore. Al momento resta, ancora, azionista con circa il 40%.
Resta, soprattutto, parte attiva del brand.

Un chiarimento necessario, perché il rischio, in una notizia di questo tipo, è sempre lo stesso: confondere un cambio di ruolo con un’uscita di scena. E invece, qui, la scena resta la stessa. È la regia che cambia.

I numeri

La moda ama raccontarsi attraverso le collezioni. Ma è nei momenti come questo che si capisce che, sotto, è sempre stata un’industria. Dolce & Gabbana si prepara infatti, sempre secondo Bloomberg, a negoziare con le banche una ristrutturazione di circa 450 milioni di euro di debito, in un contesto in cui il rallentamento del lusso globale sta imponendo nuove priorità anche ai brand più solidi. Non solo. Sul tavolo ci sarebbe anche la richiesta di nuovi fondi fino a 150 milioni di euro, insieme a una serie di operazioni mirate a rafforzare la liquidità:

• la possibile cessione di asset immobiliari
• il rinnovo di licenze strategiche
• una revisione più ampia della struttura finanziaria

Non si tratta di segnali isolati. Si tratta di un riassetto.

Un caso isolato? Non proprio

Quello che sta accadendo a Dolce & Gabbana non è un’eccezione. È parte di un movimento più ampio. Negli ultimi anni:

• Versace è entrata nell’orbita di Capri Holdings
• Gucci, all’interno di Kering, ha registrato un rallentamento significativo
• Ferragamo sta attraversando una fase complessa di rilancio
• Valentino ha aperto il capitale a investitori esterni

Il filo rosso è evidente: anche i brand più forti non sono più immuni, e l’indipendenza ha un costo sempre più alto.

Il vero nodo: indipendenza o sistema?

Per anni Dolce & Gabbana ha rappresentato un’anomalia virtuosa. Mentre altri entravano nei grandi conglomerati, il brand ha scelto di restare indipendente. Controllo totale, visione coerente, identità forte. Ma oggi il mercato chiede altro.

Scala.
Capitale.
Struttura.

E a un certo punto, la domanda diventa inevitabile: quanto è sostenibile, oggi, restare soli?

Gli scenari possibili

Se Stefano Gabbana decidesse davvero di cedere la sua quota, si aprirebbero tre strade. La prima è quella della continuità: nuovi capitali, ma controllo interno preservato. Seconda strada, sarebbe l’ingresso di un partner strategico, capace di rafforzare la struttura senza snaturare il brand. La terza è la più radicale: la cessione, totale o progressiva, a un grande gruppo internazionale. Non è uno scenario certo. Ma è, per la prima volta, uno scenario possibile.

E forse, il punto è proprio questo

Per anni abbiamo pensato che il lusso fosse intoccabile. Che bastasse il desiderio a sostenerlo, invece, oggi scopriamo che non è così. Anche il lusso deve fare i conti. Con i numeri, con il mercato, con il tempo. E forse, la vera notizia non è che Stefano Gabbana cambia ruolo. Ma che, per la prima volta, il sistema moda italiano non può più permettersi di non cambiare.

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La verità è che non sappiamo più vedere.

Guardiamo ovunque, continuamente, ossessivamente, ma non vediamo più niente.
Non vediamo da dove vengono le cose. Non vediamo chi le fa. Non vediamo il tempo che serve perché esistano. Vediamo solo il risultato. E anche quello, sempre meno. Poi arriva INSIEME.
“Prima degli oggetti, ci sono sempre le persone.” È una frase semplice. Quasi disarmante.
Ma è anche, oggi, una presa di posizione. Perché nel sistema in cui viviamo (moda compresa) le persone sono diventate un dettaglio. Il processo, un passaggio intermedio e il tempo, un ostacolo.

Sabato De Sarno fa esattamente il contrario. E lo fa nel momento più esposto possibile: la Milano Design Week.

Non è una mostra. È uno spostamento di sguardo

Negli spazi della Piscina Cozzi, INSIEME riunisce dodici eccellenze artigiane italiane.  Ma chiamarla “mostra” è riduttivo, perché qui non si espongono oggetti. Si espone ciò che li precede. Il gesto. L’errore. La ripetizione. La conoscenza che non si può spiegare, ma solo trasmettere.

È una sottrazione, prima ancora che un progetto, e,  in un’epoca che aggiunge continuamente, togliere diventa un atto radicale.

Il lusso, spogliato

INSIEME non è nostalgico. Non guarda al passato per rifugiarsi, lo guarda per fare una domanda scomoda: quando abbiamo deciso che il valore fosse solo nel risultato?

Dal vetro di Venini ai tessuti di Rubelli, passando per il metallo, la ceramica, la pietra…tutto sembra dirci la stessa cosa: il lusso non è l’oggetto. È il tempo che contiene. E il tempo, oggi, è ciò che manca di più.

Il tempo 

INSIEME rallenta. Non per estetica, ma per necessità.

Il percorso espositivo è costruito per far emergere ciò che normalmente resta invisibile: l’attesa, la concentrazione, la fatica. Non è spettacolare, potrebbe non essere immediato.
E proprio per questo funziona. Perché ci costringe a fare qualcosa che non facciamo più: restare. Restiamo all’interno di qualcosa a cui non si riesce a dare un nome, ma, si può dare un colore. 

Giallo come luce che rivela, come attenzione e come qualcosa che interrompe lo sguardo automatico. Perché il giallo, qui, non decora, indica.  E in un progetto che parla di visibilità, è tutto tranne che un dettaglio.

I volti, finalmente al centro

Poi succede qualcosa. Fuori, sulla facciata della Piscina Cozzi, i volti degli artigiani diventano enormi.
Occupano lo spazio urbano. Si impongono. Non sono modelli e non sono campagne, ma sono persone. Grazie al progetto Inside Out di JR, ciò che normalmente resta nascosto diventa impossibile da ignorare. 

E in quel momento, tutto si ribalta. Non guardiamo più l’oggetto per immaginare chi lo ha fatto.
Guardiamo chi lo ha fatto, e capiamo tutto il resto.

Quello che resta

INSIEME non dà risposte. E forse è proprio questo il punto: il fatto che non consola. Non semplifica e non vende. Nulla di tutto ciò, ma, sposta. E lascia addosso una sensazione precisa: che abbiamo guardato troppo avanti, troppo in fretta, troppo a lungo. Perciò è lecito pensare che, il gesto più contemporaneo, oggi, non è inventare qualcosa di nuovo, ma tornare a riconoscere ciò che c’è sempre stato.

Le mani. Il tempo. Le persone.

Photocredits: press kit Wunderplace Studio

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“All Together Now” The Custodians Plastic Race è il momento in cui l’ambiente smette di essere un tema e può diventare una scelta

Ci sono parole che abbiamo consumato. “Sostenibilità”. “Emergenza”. “Ambiente”.

Le abbiamo ripetute così tante volte da renderle innocue, quasi decorative. Come certi concetti che stanno bene nei discorsi, ma non arrivano mai davvero a toccarci. Poi, però, ci sono i numeri.
E quelli non hanno bisogno di essere interpretati. Fino a cinque grammi di plastica ingeriti ogni settimana. L’equivalente di una carta di credito.  E allora qualcosa cambia. Perché non è più un’idea. È una presenza.

L’azione smette di essere simbolica

“All Together Now – The Custodians Plastic Race” nasce nel 2023 a Genova, nel contesto dell’Ocean Race, ma non si limita a essere un’iniziativa tra le tante. È una costruzione lenta, concreta.

Oltre 1.060.000 kg di plastica e reti da pesca raccolti non sono solo un risultato: sono la dimostrazione che l’azione, quando è condivisa, può diventare sistema.  E che la cura non è un gesto isolato, ma una pratica che si apprende.

Un gesto che si ripete, fino a diventare abitudine

Ogni ultimo weekend del mese, in città diverse (Milano, Roma, Palermo, Torino) gruppi di persone si ritrovano per pulire. 

Non è spettacolare. Non è eroico. È quotidiano. E proprio per questo, forse, è radicale.

Il progetto culminerà in una mobilitazione nazionale dal 25 al 31 maggio 2026, una settimana in cui l’Italia intera è chiamata a partecipare.  Non per dimostrare qualcosa, bensì per assumersi una responsabilità.

Custodians: custodire, non salvare

La parola scelta è precisa: Custodians. Non salvatori. Non attivisti nel senso più rumoroso del termine. Custodi.

Persone che riconoscono un legame con il luogo in cui vivono e decidono di agire attraverso un modello semplice:
pulire, misurare, rigenerare.  C’è qualcosa di profondamente contemporaneo in questa visione. E allo stesso tempo, qualcosa di antico. L’idea che ciò che ci circonda non ci appartiene davvero, ma ci è affidato.

Dal consumo alla cura

Il progetto introduce un termine che potrebbe sembrare teorico, ma che in realtà è estremamente concreto: Custocene.

Un tempo in cui l’essere umano smette di essere soltanto consumatore e diventa custode del proprio futuro.  Non è una rivoluzione dichiarata. È uno spostamento silenzioso: dal fare per necessità, al fare per responsabilità.

La plastica

La plastica è stata una conquista. Ha conservato, protetto, reso possibile.

Ma la sua gestione, o meglio, la sua dispersione, l’ha trasformata in una delle principali cause di inquinamento globale, con conseguenze dirette sulla biodiversità e sulla salute umana.  È qui che si apre la frattura. Non tra giusto e sbagliato.
Ma tra ciò che sappiamo e ciò che scegliamo di fare.

Custodians è un modello che nasce locale e guarda lontano

L’ambizione del progetto è chiara: trasformare questa esperienza in un format replicabile, capace di uscire dai confini italiani. Non come esempio virtuoso da raccontare: bensì come pratica da adottare. Perché, in fondo, la vera innovazione non è inventare qualcosa di nuovo, ma rendere possibile ciò che già sappiamo essere necessario.

La scelta, alla fine, è sempre personale

Dal 25 al 31 maggio, chiunque può partecipare, scegliendo il proprio tempo, il proprio spazio, il proprio modo.  È un gesto semplice. Quasi minimo. Eppure, contiene una domanda più grande di quanto sembri: quanto siamo disposti a restare, davvero, dentro il mondo che abitiamo?

Photocredits: press kit and website BioDesign Foundation

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Dubai non dorme mai. Ma oggi, più che brillare, osserva.

Dubai è sempre stata venduta come il luogo dove tutto funziona: sicurezza altissima, ordine impeccabile, lusso ovunque. Una specie di realtà parallela in cui il caos del mondo sembra non entrare mai. Il posto perfetto per vivere, investire o semplicemente fingere, anche solo per pochi giorni, una vita da copertina.

E proprio per questo è diventata un bersaglio.

Cosa sta succedendo davvero

Negli ultimi mesi, gli Emirati Arabi Uniti sono stati colpiti da diversi attacchi attribuiti all’Iran. Una quota significativa degli episodi nella regione ha interessato proprio questo Paese, segnale che non si tratta di eventi isolati.

C’è ovviamente una dimensione geopolitica. Gli Emirati hanno rafforzato le relazioni con l’Occidente e consolidato il dialogo strategico con Israele. In un’area già instabile, questo li espone.

Ma fermarsi qui sarebbe riduttivo. Perché Dubai non è solo un nodo strategico. È un simbolo globale. E colpire un simbolo significa parlare a un pubblico molto più ampio del territorio stesso.

Perché proprio Dubai

Dubai è un’idea prima ancora che una città. Sui social, nei media e nell’immaginario collettivo rappresenta:

• sicurezza totale
• ricchezza accessibile (o almeno simulabile)
• successo visibile
• assenza di problemi

In altre parole, è la versione “perfetta” del capitalismo contemporaneo. Una città che funziona come un brand, costruito con precisione: skyline iconici, eventi globali, esperienze esclusive. Colpire Dubai significa incrinare questa immagine. È un messaggio semplice quanto potente: nessun luogo è davvero intoccabile.

La percezione

Qui entra in gioco un concetto chiave: la percezione. Dubai ha costruito il proprio successo non solo su infrastrutture e capitali, ma sulla fiducia. È percepita come uno dei luoghi più sicuri al mondo, e questa reputazione ha attirato:

• investitori internazionali
• multinazionali
• turismo di fascia alta
• professionisti e expat

Ma la fiducia è un asset fragile. Non serve che la realtà cambi drasticamente. Basta che cambi la narrazione. Basta un dubbio, una crepa nell’immagine, per attivare meccanismi a catena:

• maggiore prudenza negli investimenti
• turismo più selettivo
• attenzione crescente al rischio
• spostamento di capitali verso altre destinazioni

In un mondo iperconnesso, dove le informazioni viaggiano alla velocità dei social, la percezione può cambiare più rapidamente dei fatti.

Lusso e insicurezza sono una combinazione difficile

Dubai resta aperta. I voli continuano, gli hotel funzionano, gli eventi sono confermati. Formalmente, nulla si è fermato.

Eppure, qualcosa è diverso.

Il lusso vive di leggerezza. Funziona quando offre una fuga dalla realtà, quando crea un’esperienza senza preoccupazioni. È, per definizione, spensierato. Ma quando il contesto globale entra nella narrazione, quando compaiono parole come “attacchi”, “tensioni”, “rischio”, quella leggerezza si incrina. Non si tratta di paura concreta, ma di una sottile inquietudine. E per un modello economico basato sull’esperienza e sull’immagine, questo basta a cambiare il clima.

Una città globale, quindi vulnerabile

Dubai ospita oltre 200 nazionalità. È uno dei crocevia più internazionali del pianeta. Questa apertura è la sua forza. Ma è anche una fragilità.

Essere così connessa significa essere esposta a tutto:

• dinamiche geopolitiche
• flussi economici globali
• percezioni mediatiche

Dubai funziona come un hub, ma anche come uno specchio. Riflette il mondo, nel bene e nel male. E quando il contesto internazionale si tende, quella tensione si percepisce anche qui.

Il vero lusso sotto pressione

Per anni Dubai ha venduto skyline, hotel iconici e lifestyle esclusivi. Ma il suo vero prodotto è sempre stato un altro: la certezza

Certezza che:

• tutto sia sotto controllo
• la sicurezza sia garantita
• il sistema funzioni senza intoppi
• il mondo resti fuori

È questa promessa che ha reso Dubai unica. Ed è proprio questa promessa che oggi viene messa alla prova.

Dubai è davvero in crisi?

Non necessariamente. Dubai ha dimostrato più volte di sapersi adattare rapidamente. Ha risorse, capacità decisionale e una visione strategica molto chiara. È probabile che continui a essere uno dei principali hub globali. Ma la sfida è cambiata.

Non basta più essere efficiente o attrattiva. Bisogna difendere costantemente la propria immagine. Nel mondo contemporaneo, le città competono anche, e forse soprattutto, sulla fiducia che riescono a generare.

La fine dell’illusione?

Dubai non smetterà di brillare. Ma forse smetterà di sembrare invulnerabile. E questo cambia il modo in cui viene percepita.

Perché nel mondo globale, dove tutto è visibile e condiviso, il vero potere non sta solo nella realtà dei fatti, ma nella capacità di controllarne la narrazione. Dubai resta un simbolo. Ma oggi è un simbolo un po’ più umano. E proprio per questo, forse, anche un po’ più fragile.

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Si percepisce un che di teatrale in Parigi durante la Fashion Week. Non parliamo solo delle passerelle illuminate e delle sfilate dentro palazzi storici, ma soprattutto di ciò che accade fuori: sui marciapiedi, davanti ai caffè, tra un taxi e una bicicletta che attraversa boulevard trafficati.

È lì che prende vita il vero spettacolo della moda. Editor, modelle e stylist si muovono con quella naturalezza tipicamente parigina che sembra dire: “Mi sono vestita così senza pensarci troppo”. Ma dietro quell’apparente spontaneità si nasconde, quasi sempre, una perfetta consapevolezza stilistica.

Osservando lo street style della Paris Fashion Week, infatti, si intravedono già alcune delle tendenze che accompagneranno la primavera 2026. Un mix raffinato di capi classici reinterpretati e piccoli colpi di scena che rendono ogni outfit memorabile.

Il ritorno del denim dritto

Il denim non abbandona mai davvero la scena, ma questa stagione torna con un’eleganza nuova. I jeans più avvistati tra le strade di Parigi sono dritti, puliti, quasi minimalisti, lontani dagli eccessi degli ultimi anni.

La chiave, come spesso accade nella capitale francese, sta negli abbinamenti. Una polo a righe dal gusto leggermente preppy o un paio di stivaletti texani in suede trasformano un capo semplice in un look pieno di personalità.

Il risultato è quel tipo di eleganza disinvolta che le parigine padroneggiano con naturalezza: semplice, ma mai banale.

La camicia cropped conquista lo street style

Tra i capi più fotografati della settimana della moda spicca la camicia cropped, un classico rivisitato che gioca con le proporzioni.

Tagliata appena sopra la vita, si abbina perfettamente a pantaloni a vita alta o gonne fluide, creando una silhouette moderna e fresca. È una soluzione semplice ma efficace, capace di trasformare un outfit tradizionale in qualcosa di decisamente più contemporaneo.

Ancora una volta Parigi dimostra che la moda spesso nasce da piccoli dettagli.

Il ritorno del boho chic

La primavera 2026 vedrà anche il ritorno di una tendenza romantica e senza tempo: il boho chic. Ma dimenticate l’estetica festival degli ultimi anni.

Gli abiti lunghi e fluttuanti si presentano ora in una versione più raffinata, con tessuti leggeri e linee morbide che evocano una femminilità elegante e spontanea.

Indossati con ballerine, sandali minimal o sneakers, questi abiti raccontano una nuova idea di libertà stilistica: sofisticata ma rilassata.

Il maglione diventa top

Tra le trovate di styling più interessanti viste durante la Fashion Week c’è anche un gesto semplice ma efficace: indossare il maglione come top, senza altri strati sotto.

Un modo intelligente per rendere protagonista il knitwear e creare look essenziali ma sofisticati. Abbinato a pantaloni sartoriali o a gonne leggere, il maglione diventa improvvisamente un capo centrale del guardaroba primaverile.

Il segreto dello stile parigino

Guardando questi outfit si capisce una cosa: la moda parigina non ama gli eccessi. Preferisce l’equilibrio, il dettaglio inatteso, quel mix perfetto tra semplicità e carattere.

È quella famosa nonchalance francese che rende tutto naturale, quasi inevitabile.

Se le strade di Parigi sono davvero l’anticamera delle tendenze (e lo sono quasi sempre) la primavera 2026 promette di essere una stagione fatta di eleganza rilassata, capi versatili e piccole intuizioni di stile.

In fondo, il vero fascino della moda parigina sta proprio qui: nell’arte di sembrare impeccabili senza farlo sembrare troppo evidente.

Photocredits: Pinterest, Vogue, Elle

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Questa volta il protagonista è Etro, che ha annunciato la fine della collaborazione con il direttore creativo Marco De Vincenzo. Una notizia che sta facendo discutere gli addetti ai lavori e gli appassionati di moda: dopo circa due anni alla guida creativa del brand milanese, il designer lascia la maison aprendo ufficialmente una nuova fase per Etro.

Ma cosa significa davvero questo cambiamento? E soprattutto: che direzione prenderà ora uno dei marchi più iconici del Made in Italy?

Cos’è Etro

Per capire perché questa notizia è importante bisogna partire dalle basi.

La storia di Etro inizia nel 1968 a Milano, quando Gimmo Etro fonda un’azienda tessile destinata a diventare una delle case di moda più riconoscibili al mondo.

Il segno distintivo del brand? Il celebre paisley, il motivo ornamentale di origine persiana e indiana che negli anni è diventato la firma stilistica della maison. Nel tempo Etro ha costruito un’identità molto precisa:

. lusso boho

 .spirito viaggiatore

. colori intensi e pattern sofisticati

Una moda per chi ama distinguersi senza seguire necessariamente le tendenze del momento.

Marco De Vincenzo e la sua visione per Etro

Quando nel 2022 Marco De Vincenzo viene nominato direttore creativo, la missione è chiara: modernizzare Etro senza tradirne il DNA. Designer siciliano con una lunga esperienza da Fendi, De Vincenzo porta in passerella collezioni energiche e super colorate, giocando con volumi, texture e naturalmente con il paisley, reinterpretato in chiave contemporanea.

Il risultato? Una moda ancora più massimalista e vibrante, pensata per una nuova generazione di clienti.

Etro sta cambiando strategia?

La separazione arriva in un momento di trasformazione per la maison. Negli ultimi anni Etro ha vissuto un importante cambio di assetto societario con l’ingresso di nuovi investitori internazionali. Un passaggio che spesso porta i brand storici a ridefinire strategia, immagine e direzione creativa. In altre parole: Etro sta entrando in una nuova fase della sua storia. E quando succede, cambiano anche i protagonisti.

Cosa succederà adesso

La grande domanda ora è: chi guiderà il futuro creativo di Etro? Per il momento la maison non ha ancora annunciato il nome del prossimo direttore creativo. Nel frattempo il brand continuerà a lavorare sulla sua identità lifestyle, che oggi include non solo moda ma anche accessori, profumi e home decor.

Una cosa però è certa: il paisley, simbolo storico della maison, resterà al centro del racconto.

Perché questa notizia è importante nel mondo della moda?

I cambi di direzione creativa sono sempre momenti chiave per le case di moda. Possono segnare nuove estetiche, nuovi mercati e persino nuovi clienti. E per un brand iconico come Etro, ogni trasformazione diventa un segnale interessante per capire dove sta andando il lusso italiano. Perché nella moda, proprio come nella vita, ogni fine è solo l’inizio di una nuova stagione.

Photocredits: Pinteres

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