La moda recente, basandosi su ideali più sostenibili, spesso vende immaginari etici di sensibilità culturali e di appartenenze emotive. In un sistema che viene continuamente accusato di superficialità, velocità e consumo, la profondità diventa una forma di seduzione.

Il capitale simbolico della moda nasce dalle mani di Charles Frederick Worth che nel 1858 fonda la sua maison a Parigi e contribuisce a trasformare la figura del sarto in autore. Il gesto di cucire l’etichetta con il proprio nome sui capi, avvicina l’abito all’opera d’arte, perché richiama il gesto dell’artista che firma il quadro.

Bourdieu e Yvette Delsaut, nel saggio Le couturier et sa griffe. Contribution à une théorie de la magie, aiutano a capire questo meccanismo. La firma dello stilista non è solo un nome cucito su un’etichetta, ma è un segno che cambia il valore dell’abito.

Questo passaggio è importante perché mostra che la moda non produce valore solo attraverso gli oggetti, ma anche attraverso i significati che riesce ad attaccare agli oggetti. Il nome dello stilista, la storia della maison, l’idea di esclusività e il rapporto con la cultura diventano parte del valore del vestito. In questo senso, l’arte è uno dei riferimenti più potenti che la moda possa usare, perché appare lenta, capace di evocare memoria, libertà espressiva e autenticità, tutti ideali che la società moderna sembra desiderare perché in contrasto con la velocità, il consumo e la riproduzione continua delle immagini.

Proprio per questo il rapporto tra arte e moda va guardato con attenzione. L’arte può diventare un semplice alibi culturale, usato per rendere il prodotto più nobile e desiderabile, oppure può trasformare davvero il linguaggio dell’abito.

In questo senso, il caso di Yves Saint Laurent è interessante per il suo rapporto profondo e continuo con l’arte. Non va letto come una figura fuori dal sistema della moda, del lusso o della comunicazione, ma proprio dentro questa ambiguità. Nei suoi lavori si vede bene come l’arte possa entrare nella moda in modi diversi.

L’arte nelle collezioni di Saint Laurent

Il primo caso è la collezione haute couture Autunno-Inverno 1965, con gli abiti ispirati a Piet Mondrian. Saint Laurent riprende le linee nere, campiture bianche, colori primari, equilibrio tra il verticale e l’orizzontale. A prima vista potrebbe sembrare una semplice citazione grafica, ma se la griglia di Mondrian nasce su una superficie piatta e immobile, Saint Laurent la sposta invece su un corpo tridimensionale e destinato a muoversi. Le linee nere non funzionano solo come decorazione, ma organizzano la superficie dell’abito, e i blocchi di colore non sono solo applicati sopra il vestito, ma diventano parte della sua architettura. Il quadro, quindi, non viene semplicemente copiato.

Accanto a Mondrian, nella stessa stagione del 1965, compare anche il riferimento a Serge Poliakoff. Se Mondrian gli permette di lavorare sulla griglia e sull’ordine geometrico, Poliakoff gli offre un’astrazione diversa, più morbida, costruita attraverso campi di colore e forme irregolari. Anche qui l’arte non è solo immagine.

Nel 1966 Saint Laurent si confronta con la Pop Art americana, in particolare con Tom Wesselmann. Qui il rapporto con l’arte cambia tono. La Pop Art lavora già con immagini pubblicitarie, consumo, corpi semplificati, erotismo e cultura di massa. Per questo l’incontro con la moda è particolarmente ambiguo. Il fashion guarda a un’arte che riflette proprio sui codici del desiderio e del consumo. Negli abiti ispirati a Wesselmann il corpo diventa un poster con le gambe. Il riferimento artistico non serve a rendere l’abito più “puro”, ma a mostrare quanto moda, immagine e consumo siano già intrecciati.

Teatro e moda

Un altro momento importante arriva nel 1979, con la collezione legata a Sergej Diaghilev, ai Ballets Russes e all’immaginario di Picasso. Qui l’arte è il teatro, e l’abito diventa presenza scenica costruendo un ruolo per il corpo che lo indossa.

Nel 1981 Saint Laurent guarda invece a Henri Matisse e Fernand Léger e sette anni dopo a Van Gogh, per lacollezione Primavera-Estate 1988. Le giacche Iris e Tournesols, ricamate da Maison Lesage, non riproducono soltanto dei fiori famosi, ma provano a tradurre la densità del colore, la vibrazione della pennellata, l’energia della superficie tipiche del pittore. Una semplice stampa avrebbe reso l’immagine riconoscibile, il ricamo, invece, restituisce il rilievo, il peso fisico e l’elemento temporale.

Sempre nello stesso anno Saint Laurent rende omaggio a Georges Braque. Se Van Gogh porta il problema della materia, Braque porta quello della composizione e della scomposizione dello spazio. Il riferimento al cubismo permette di pensare l’abito come una superficie fatta di piani, frammenti e rapporti visivi, trovando un modo “sartoriale” per tradurre una diversa idea di spazio.

La moda che usa l’arte

Questi esempi mostrano che il rapporto tra Yves Saint Laurent e l’arte non può essere ridotto a una semplice serie di citazioni colte. Mondrian, Poliakoff, Wesselmann, Picasso, Matisse, Léger, Van Gogh e Braque non entrano tutti nello stesso modo nell’abito. A volte il riferimento è più grafico, altre volte più teatrale, altre materiale o strutturale. Proprio per questo il suo caso permette di vedere concretamente i diversi modi in cui la moda può usare l’arte.

Come detto in precedenza, Saint Laurent non è di certo fuori dalle logiche del lusso, e il suo rapporto con l’arte non va idealizzato come puro o privo di ambiguità. Sarebbe una lettura troppo semplice. I suoi abiti restano oggetti firmati, costosi, inseriti in un sistema di prestigio e desiderio. Ma proprio dentro questo sistema si vede la tensione iniziale. L’arte può aumentare il valore simbolico di un vestito, renderlo più colto e più desiderabile, ma in alcuni casi può anche modificare il modo in cui si pensa l’abito.

Foto: malacoda.it, pinterest, analisidellopera.it, luxe magazine, fashion network, museeyslparis, harpersbazaar, nssgclub, x.com

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La spilla è un accessorio prezioso, nato ben prima dell’idea moderna di moda. La sua origine è profondamente legata a un’esigenza pratica: unire, chiudere, fissare. Con il passare del tempo, però, si è trasformata, seguendo l’evoluzione della società e dei costumi, fino a diventare un ornamento senza tempo, capace di coniugare funzione, stile e simbolismo.

Le sue radici affondano in epoche lontane. Nell’antichità, le spille erano semplici strumenti realizzati con materiali poveri come osso, legno o metallo grezzo. Venivano utilizzate per fissare mantelli, tuniche o pelli e avevano spesso forme rudimentali, ma funzionali. Già nelle civiltà cretese e minoica, passando per l’antica Roma, la spilla iniziò ad assumere anche un valore decorativo. I romani, ad esempio, ne facevano uso non solo per motivi pratici, ma anche per ostentare ricchezza e status sociale: le spille diventavano veri e propri gioielli, arricchiti da pietre, smalti e incisioni.

Durante il Rinascimento le spille furono oggetto di restrizioni. Le Leggi Suntuarie, pensate per regolamentare l’ostentazione del lusso, ne vietavano l’uso eccessivo alla popolazione comune. Le spille, quindi, divennero simboli esclusivi, riservati a nobili e sovrani. Regina Vittoria, grande appassionata di spille, fu tra coloro che ne consacrarono l’importanza, tanto da volere che fossero incluse nei gioielli ufficiali della Corona.

Una curiosa e importante svolta nella storia moderna della spilla arriva nel 1849, grazie a un certo Walter Hunt. Hunt si trovava in difficoltà economiche e doveva restituire un debito di 15 dollari, all’epoca una cifra importante. Riflettendo su un’idea semplice ma utile, realizzò con del filo di metallo quella che oggi conosciamo come spilla da balia. Nacque così un oggetto tanto funzionale quanto geniale, la cui utilità sarebbe durata nei secoli.

Il vero colpo di scena, però, avvenne negli anni ’20 del Novecento, con l’esplosione della moda moderna. Gabrielle “Coco” Chanel rivoluzionò il concetto di gioiello introducendo la bigiotteria: ornamenti semi-preziosi, raffinati ma accessibili. Non amante del lusso ostentato, Chanel creò una linea di accessori eleganti ed economici, tra cui numerose spille. Iniziò così una nuova era per questo gioiello: da simbolo elitario a oggetto di stile quotidiano. Le spille cominciarono a comparire sui tailleur, sugli abiti da sera, sui cappotti, trasformandosi in veri elementi di identità e riconoscibilità.

Oggi la spilla torna protagonista sulle passerelle di tutto il mondo. Maison del calibro di Chanel, Cartier, Tiffany & Co., Van Cleef & Arpels, Yves Saint Laurent, Versace, Etro. Tutte celebrano questo piccolo ma potente accessorio, reinterpretandolo stagione dopo stagione.

La spilla non è solo decorazione. È simbolo, appartenenza, memoria. Esistono spille di lusso e spille popolari, spille commemorative e spille politiche. In un solo oggetto, spesso di dimensioni ridotte, può racchiudersi un intero universo di significati. È questo il segreto del suo fascino eterno.

Perché, in fondo, una spilla non si indossa soltanto. Si racconta.

Foto: Pinterest

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Dal 7 luglio al 5 ottobre 2025, il festival di fotografia più importante del mondo, Les Rencontres de la Photographie a Arles in Francia. Una mostra che celebra lo stilista Yves Saint Laurent e il suo speciale rapporto con le immagini. Un percorso immerso tra scatti d’autore e un cabinet de curiosités di 200 oggetti di archivio.

Il rapporto di Yves con la fotografia risale a molto tempo fa. A solo 17 anni lo stilista dava già prova del suo straordinario talento come la realizzazione di una collezione di 11 “paper dolls”. Bambole di carta vestite con oltre 400 abiti e accessori disegnati e dipinti a mano. Si trattava di una vera e propria Maison di moda in miniatura. 

Yves ritagliava immagini di modelle per creare le sue muse cartacee. Le sue creazioni nascevano da fotografie ritagliate da alcuni giornali come riviste di moda che leggeva la madre: si sceglieva pose, volti e atteggiamenti. 

Una piccola anticipazioni di quello che sarebbe diventato l’universo iconico di Yves Saint Laurent, collaborando con i più grandi fotografi del XX secolo. Avedon, Newton, Moon, Sieff, Bourdin, Doisneau, Horst, Leiboitz, Klein, tutti hanno avuto il loro Yves, ognuno lo ha arricchito con il proprio stile. 

La mostra si divide in due percorsi. Il primo percorso della mostra riunisce oltre 80 opere, un viaggio visivo tra ritratti, editoriali e backstage. Un percorso cronologico sull’evoluzione delle creazione di Yves e i ritratti significativi del couturier che non ha mai smesso di stupirci. Ogni immagine testimonia un epoca e un’evoluzione artistica dell’iconico stilista Yves Saint Laurent. Dal 1957 ritratto di Irving Penn a quello di Patrick Demarchelier del 2004. Immagini sperimentali di William Klein del 1962 e di Bettina Rheims nel backstage  delle sfilate degli anni ’80. 

Fotografiche che hanno segnato e contribuito alla fama mondiale dello stilista, lasciando un memorabile ricordo che viaggia nel tempo. 

La seconda parte, concepita come cabinet de curiosités, presenta 200 oggetti d’archivio che ripercorrono gli anni più significativi dello stilista. Proveniente dagli archivi del Musée Yves Saint Laurent di Parigi, prendono forma nella mostra tra planches-contact, ritagli di stampa, riviste, cataloghi di collezioni e fotografie private.

La mostra immerge il visitatore nel modo dello stilista rivoluzionario ed esplora il rapporto tra la fotografia e la moda. 

Foto: Pintrest

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È il 26 settembre 2023, una miriade di stelle cadenti irrompe su Parigi, è la notte dei desideri di Anthony Vaccarello. 

La capitale francese brilla come mai prima d’ora, è una notte magica per il direttore creativo di Saint Laurent, è la notte dei desideri direbbe Jovanotti, è la notte in cui Anthony Vaccarello, dall’alto della Torre Eiffel, domina la Ville Lumière con la sua collezione donna SS24, semplice, potente e sensuale e che sfila su un palcoscenico marmorizzato raffinato ed elegante.

“Prima sogno i miei dipinti, poi dipingo i miei sogni” _ Vincent Van Gogh. 

Come Van Gogh, Vaccarello prima ha sognato poi ha creato, cosa? una collezione da togliere il fiato:  «avevo voglia di pulizia, di innamorarmi ancora della moda, di non rimanere intrappolato in una silhouette. Sono tornato a una essenzialità, togliendo orpelli»  _ Anthony Vaccarello.

Il designer italo-belga con lo sguardo rivolto al passato, ma la mente proiettata al futuro, decide sia di fare un passo indietro per ritornare a quella semplicità che tanto amava Monsieur Saint Laurent, ma al contempo di colorare con audacia e con un pizzico di contemporaneità che lo contraddistingue, la collezione donna SS24. 

La semplicità della donna Saint Laurent 

La donna è l’oggetto più prezioso della maison Saint Laurent, una vera e propria stella.

«Nel corso degli anni ho imparato che ciò che è importante di un vestito è la donna che lo indossa» _ Yve Saint Laurent.

Amelia Earhart e Adrienne Bolland, donne pioniere nell’aviazione e nelle corse automobilistiche, ambiti un tempo rilegati esclusivamente agli uomini, sono state le muse di Vaccarello per la SS24.

Forti, determinate e audaci, hanno saputo mettere da parte le loro fragilità e trovare il coraggio di dominare un mondo prettamente maschile, dove la donna non può nemmeno immaginare di farne parte. 

Et voilà la collisione stellare di Ysl : in astronomia, quando due corpi celesti si scontrano si parla di collisione stellare. Lo stesso fenomeno è avvenuto ieri alla défilé di Saint Laurent, dove femminilità e mascolinità si sono fuse assieme per dar vita ad una collezione semplice, potente e sensuale. 

Praticità e utilità come parole d’ordine della collezione SS24 

Anthony Vaccarello celebra le donne aviatrice, sulle note di Catherine Deneuve, con sahariane, tute leggere e chemisier, ricordando le origini della maison ai tempi del fondatore Saint Laurent (la sagoma della giacca safari era stata introdotta per la prima volta allo show del 1967 da Saint Laurent)

Una collezione comfy chic di giacche safari, blazer su misura, tute con tasche applicate in vita da cinture di pelle bruciata, pantaloni color kaki, top trasparenti e canottiere abbottonate. Il tutto progettato per risultare comodo e versatile ma al contempo femminile e sensuale. 

È lo charm che contraddistingue la donna Saint Laurent a rendere enormemente sexy e femminili le divise da aviatore, note per la loro versatilità e praticità, mentre gli accessori e i piccoli dettagli creano un’armonia inaudita:  la vita stretta si contrappone alle tasche oversize, mentre guanti di pelle, foulard al collo, occhiali da sole, cappelli oversize e tacchi alti, conferiscono quel tocco di raffinatezza alla Saint Laurent.

Infine, a rendere ancor più luminosa la notte dei desideri di Vaccarello sono le “celeb-stelle” ospiti al défilé : da Carla Bruni, con una blusa in organza e una longuette in tessuto gessato a Hailey Bieber, con un abito da sera con una profonda apertura sulla schiena, fino a Demi Moore, Kate Moss e Austin Butler

Anthony Vaccarello accenna un sorriso mentre sfila sulla passerella ai piedi della Torre Eiffel per ringraziare gli ospiti presenti. La sua notte magica si è conclusa, e non vede l’ora di esprimere il suo prossimo desiderio, perché come disse il filosofo Henry David Thoreau “c’è un solo tipo di successo: quello di fare della propria vita ciò che si desidera“

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La spring summer 2024 di YSL è un dejavu della moda donna, così Vaccarello iperfemminilizza l’uomo attraverso i codici estetici tipici della maison.

Casa YSL sceglie Berlino come location per la sua rivoluzione della moda uomo: in una location austera e tagliente sfila un uomo che va contro il macismo imperante.

Su ankle boots con tacco svettano i modelli di YSL che reinterpretano la moda uomo. Sotto blazer dal taglio sartoriale sfilano top in seta che esaltano la femminilità dei corpi maschili. I tessuti scivolati contrastano con la serietà dell’impeccabile gessato usato per giacche e pantaloni. In aggiunta dall’archivio tornano gli occhiali aviator e i lunghi trench che avvolgono l’uomo YSL nel mistero. È il nero il colore più frequente. In una quasi totale acromia, interrotta solo dalle stampe leopardate e a pois, si esaltano le forme dei capi. Nel guardaroba dell’uomo di Vaccarello non mancano lunghi strascichi che esaltano l’eleganza e la raffinatezza dei corpi androgini. Sfilano anche riferimenti al nude look del 1968: sulla passerella i corpi vengono avvolti da leggere ed impalpabili nuvole di tulle.

Proprio come nel Simposio di Platone la metà maschile si ricongiunge con quella femminile. Vaccarello è attore nell’opera di degenderizzazione della moda. Se Yves Saint Laurent negli anni 70 ha rubato dal guardaroba maschile per contaminare la moda donna, oggi Anthony Vaccarello fa l’esatto contrario.

“Ogni uomo uccide ciò che ama” è il titolo della collezione. A calcare la passerella molto più della sola sensualità. Da YSL sfila un uomo che non perde forza e virilità pur indossando abiti tipicamente femminili. Una parafrasi del mondo post-moderno, una società fluida dove le etichette generaliste perdono di senso in favore dell’individualismo e della personalizzazione.

Così l’anima ermafrodita di YSL segna l’inizio di un nuovo modo di intendere la moda maschile con la spring summer 2024.

Foto: Vogue runaway

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