Nel cuore di Brera, tra gallerie d’arte e vie storiche, Robertaebasta rappresenta un universo sofisticato dove il Novecento prende forma attraverso pezzi unici e una sensibilità estetica inconfondibile. Oggi, infatti, è considerata un punto di riferimento internazionale per collezionisti e appassionati di design.

Robertaebasta: dalle origini all’eccellenza

Fondata nel 1967 da Roberta Tagliavini, Robertaebasta nasce con una visione chiara: unire estetica, storia e ricerca. Fin dall’inizio, la galleria si distingue per una selezione raffinata di arti decorative del XX secolo e design d’autore.

In particolare, lo stile si muove tra Art Déco, Liberty ed eclettismo, creando ambienti scenografici e armoniosi. Inoltre, ogni oggetto è scelto con cura per dialogare con lo spazio, trasformandolo in un’esperienza visiva unica.

Roberta Tagliavini: visione e identità

Nata a Milano, Roberta Tagliavini sviluppa il proprio linguaggio estetico partendo da una boutique storica in zona San Babila. È proprio qui che nasce il nome “Robertaebasta”, simbolo di carattere e identità forte.

Successivamente, il trasferimento a Brera segna una svolta importante. Oggi il brand conta tre gallerie a Milano e una a Londra, tutte curate direttamente dalla fondatrice.

Dal 2021, inoltre, la sua popolarità cresce grazie alla partecipazione al programma televisivo Cash or Trash, che la consacra al grande pubblico come “La Mercante di Brera”.

Un’estetica tra vintage e contemporaneo

Entrare da Robertaebasta significa immergersi in un ambiente dove passato e presente convivono in perfetto equilibrio. Da un lato, troviamo il fascino del vintage e delle arti decorative del Novecento; dall’altro, una visione contemporanea capace di reinterpretare gli spazi.

Di conseguenza, ogni galleria diventa un luogo narrativo, in cui gli oggetti non sono semplici elementi d’arredo, ma veri protagonisti di una storia estetica.

I pezzi iconici in galleria

All’interno delle gallerie è possibile trovare una selezione esclusiva di oggetti, tra cui:

• Specchi Art Decò con cornici dorate o incise, ideali per amplificare luce e spazio
• Lampade francesi degli anni ’30, eleganti e senza tempo
• Lampadari in cristallo dalle geometrie raffinate
• Applique in ottone lavorato e dettagli ricercati
• Tavolini intarsiati e credenze dalle linee sinuose
• Sedute iconiche e oggetti in vetro artistico

Inoltre, non mancano ceramiche decorative, antiquariato e complementi vintage selezionati con grande rigore secondo il gusto esclusivo della Tagliavini.

Robertaebasta al Fuorisalone 2026

In occasione della Milano Design Week 2026, Robertaebasta si trasforma in un vero e proprio spazio esperienziale. Per l’evento, infatti, la galleria ospita tre installazioni speciali.

Tra queste spicca Still 1492 | Never Ending Story, progetto realizzato in collaborazione con Angelino Artworks e l’artista internazionale Fidia Falaschetti. L’opera, un totem monumentale, affronta tematiche profonde legate ai diritti dei popoli nativi americani.

Parallelamente, la galleria accoglie anche i progetti di Seguso Vetri d’Arte e Best of Belgium, arricchendo ulteriormente l’esperienza espositiva.

La Mercante di Brera: un simbolo di stile

Oggi Robertaebasta è sinonimo di eleganza, ricerca e autenticità. Grazie alla visione di Roberta Tagliavini e al contributo del figlio Mattia Martinelli, il brand continua a evolversi mantenendo una forte identità.

Inoltre, la presenza in fiere internazionali come BRAFA e Masterpiece London conferma il suo prestigio nel panorama globale.

In conclusione, “La Mercante di Brera” non è solo un titolo, ma una vera dichiarazione di stile: un modo unico di interpretare il design e trasformare l’antiquariato in emozione.

Photocredit: RobertaebastaArtgallery, AliceArdore, Pinterest, AngelinoatWorks

Leggi: Chasing the Sun e Fuori Salone 2025

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Una storia che si rinnova

Il taglio corto non è mai stato una novità assoluta: è una moda che ciclicamente torna a imporsi, riflettendo i cambiamenti sociali e culturali. Già negli anni ’50, seppur con linee più morbide e strutturate, iniziava a farsi spazio tra le donne più audaci. Negli anni ’60 esplode il pixie cut, reso celebre da Twiggy, simbolo di emancipazione e rottura degli schemi tradizionali. Gli anni ’80 e ’90 portano versioni più ribelli e grunge ma raffinate, con donne audaci come Lady Diana e Madonna. I primi anni 2000 lo reinterpretano in chiave chic e minimal in un caschetto corto con lunghe punte in avanti (A-line bob o pob), reso iconico da Victoria Beckham.

Le tendenze del 2026

Ma veniamo al 2026. Tra le tendenze più forti ritroviamo il pixie cut destrutturato, leggermente spettinato e naturale, perfetto per un look effortless ma sofisticato. Esibito in una versione più cool che mai dall’iconica Meryl Streep nei panni di Miranda Priestley ne Il diavolo veste Prada 2. Grande ritorno anche del bob corto, spesso portato sopra la mandibola, con linee nette o leggere scalature per dare movimento.

Molto richiesto è anche il buzz cut, il taglio rasato che rompe definitivamente con l’idea tradizionale di femminilità, diventando un simbolo di forza e sicurezza. Accanto a questo, il bixie (via di mezzo tra bob e pixie) conquista chi cerca un compromesso tra praticità e versatilità.

La parola chiave è personalizzazione: ogni taglio viene adattato ai lineamenti e alla personalità, rendendo il corto estremamente contemporaneo. Ma vediamo da chi arrivano questi hair trends per la primavera/estate 2026.

Celebrities che ci hanno dato un taglio

Il fascino del corto conquista sempre più star, ognuna con una propria interpretazione. E, si sa, che dalle icone generazionali la diffusione del trend si espande in maniera esponenziale proprio come un algoritmo social.

Partiamo da lei, Hailey Bieber che ha reso iconico il bob lucido e minimal, diventato uno dei tagli più richiesti nei saloni. Zendaya ha rivoluzionato completamente il suo look reinventando il pixie con un haircut trasformabile passando da look sleek a volumi più morbidi. Margot Robbie, appena reduce dal successo di Cime Tempestose, sfoggia un total new look con un caschetto corto e frangetta che le conferisce un aspetto più naturale e fresco.

Sta facendo parlare di sé Gracie Abrams, sia per la sua love story con Paul Mescal che per il suo chic bixie cut morbido e naturale, mentre l’internazionale icona chic Lily Collins gioca con un micro bob grafico dal sapore rétro, definito anche French bob, che sottolinea la sua eleganza parisienne in chiave attuale.

Tra le altre protagoniste del corto troviamo Florence Pugh, che alterna buzz cut e pixie con grande sicurezza, Emma Stone, spesso fedele a bob corti e sofisticati, e Taylor Russell che incarna perfettamente l’estetica del super corto moderno con tagli essenziali e raffinati.

Modelle e passerelle: l’haircut come linguaggio visivo

Nel mondo della moda, il corto è ormai un codice estetico consolidato che domina le passerelle 2026. Gli stilisti lo prediligono per la sua capacità di eliminare il superfluo e concentrare l’attenzione su silhouette, volumi e identità. È una scelta estetica, ma anche narrativa. Le tendenze principali includono pixie scalati con frangia a tendina, caschetti geometrici per arrivare a tagli androgini.

Volti come Adut Akeche e Ruth Bell hanno reso i capelli corti, spesso rasati o appena accennati, un tratto distintivo sulle passerelle internazionali. Anche le modelle Poppy Miles e Akolde Meen sono espressione di questo linguaggio stilistico.

Non un semplice taglio: una rinascita

Perché proprio adesso assistiamo a questo ritorno massiccio del taglio corto? La risposta va oltre la moda e la praticità giornaliera.

Tagliare i capelli è sempre stato un gesto carico di significato. Non è solo cambiare look: è interrompere una continuità, ridefinire la propria immagine, a volte persino segnare un nuovo inizio.

Scegliere un taglio corto oggi diventa un simbolo di indipendenza e autodeterminazione, obbliga a esporsi, a rinunciare a un elemento tradizionalmente associato alla seduzione e alla protezione. È una scelta che sposta l’attenzione: dai capelli al volto, dall’apparenza all’espressione, dall’idea che la femminilità debba necessariamente passare attraverso una lunga chioma.

Una nuova grammatica del femminile

Ma è davvero una negazione della femminilità? E’ proprio qui emerge una nuova chiave di lettura: dietro un taglio corto spesso si nasconde una femminilità più consapevole, meno decorativa e più identitaria, che non ha bisogno di codici prestabiliti per esistere.

La domanda non è se il corto sia femminile o meno, ma quanto siamo pronti a riconoscere una femminilità che non ha bisogno di essere addolcita, ornata o nascosta.

Nel 2026 la risposta, allora, sembra chiara: il corto non sottrae nulla, non è maschile né femminile, semmai amplifica, rivela, rafforza. E’ incredibilmente potente.

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Dal 2025 carico di aspettative a un 2026 che le supera tutte: Zendaya si impone come protagonista assoluta tra cinema, moda e cultura pop. Un anno d’oro, scritto con stile impeccabile e presenza magnetica.

Dalle premesse del 2025 alla consacrazione del 2026

Il 2025 aveva già lasciato intravedere un orizzonte luminoso per Zendaya, tra set in fermento e produzioni attesissime. Ma il 2026 si è rivelato ben più di una promessa mantenuta: un anno straordinario in cui l’attrice conquista non solo il cinema con una line-up impressionante, ma anche la moda, il mondo delle collaborazioni di lusso e i social. Tra red carpet impeccabili, nuovi progetti e una vita privata sempre più elegante e riservata accanto a Tom Holland, Zendaya si conferma come l’icona assoluta del suo tempo.

Blockbuster season

Zendaya si afferma sugli schermi del 2026 con una maratona cinematografica che è solamente al suo inizio. L’abbiamo appena vista a Los Angeles alla première di The Drama, affiancata dal coprotagonista Robert Pattinson. La Zendy si è presentata in un look da sposa: ricicla l’abito bianco satin di Vivienne Westwood indossato agli Oscar nel 2015.  Quest’abito oggi ha un altro significato, poichè è reinterpretato perfettamente per la sua bridal era!

Quest’estate attendiamo di vederla nelle sale con i due colossal The Odyssey e Spider-Man: Brand New Day. Entrambi gli eventi sono super attesi, sia per osservare quanto divinamente riuscirà ad ammaliarci sui carpet sia per vederla nuovamente recitare al fianco del suo Tom Holland.

D’inverno è fissata l’uscita di Dune 3, per terminare in maniera epica questo 2026 cinematografico.

Ma non è finita qui. Ad aprile è prevista l’uscita, su diverse piattaforme a seconda del paese, della nuova stagione di Euphoria, in cui dopo una pausa di oltre 4 anni, Zendaya torna nei panni di Rue.

Red carpet supremacy

Ancor più che nelle sale, Zendaya ha imparato a stupirci agli eventi e carpet internazionali. La sua presenza è diventata sinonimo di perfezione e naturalezza. Il merito? Suo sicuramente, ma molto va dato a Law Roach, il suo ‘image architect’, che l’ha accompagnata fin dagli inizi della sua carriera. Insieme hanno costruito un’identità stilistica riconoscibile: elegante ma mai prevedibile, sofisticata ma sempre giocosa e spontanea. L’attrice americana è apparsa a sorpresa agli Oscar 2026 come presentatrice in un abito custom monospalla marrone di Louis Vuitton.

Ai 2026 Essence Black Women in Hollywood Awards ha, invece, sfoggiato un abito floreale bianco e oro Cachè vintage. Ma la Zendy aveva già ammaliato i fan in un abito bianco durante l’ultima sfilata di Louis Vuitton. Adesso non ci rimane che attendere il prossimo Met Gala, dove lei e il suo stilista Law Roach hanno sempre stupito gli spettatori con look innovativi, tra i più iconici dell’evento.

Zendaya Ambassador

Nel frattempo, il suo status di icona globale la rende una delle Ambassador più ambite del panorama fashion e beauty. Nel 2026 consolida i contratti con Lancome, On, e Louis Vuitton. Proprio per Vuitton l’abbiamo vista recentemente nella nuova campagna pubblicitaria della Speedy 2026, dove ha sfoggiato il suo nuovo taglio corto che incarna perfettamente la sua identità e quella della maison: moderna, raffinata, mai scontata.

Bridal Era: l’arte della privacy

In un’epoca dove ogni momento personale viene condiviso, Zendaya cerca la privacy. Lei, sempre sotto i riflettori, sceglie in linea con il suo compagno Tom Holland di proteggere la vita privata. I due attori si sono conosciuti sul set di Spider-Man dando vita ad una delle storie d’amore più amate di Hollywood. Oggi continuano a rincorrersi le voci di un matrimonio avvenuto in gran segreto tra le due star, dopo un’affermazione fatta da Law Roach in un’intervista durante gli Actor Award. Lo stilista ha dichiarato alla giornalista “Ve lo siete persi, c’è già stato”. Nessuna foto nè conferma ufficiale, solo sorrisi, ammiccamenti, white look e un anello sfoggiato dalla Zendy negli ultimi eventi, che stanno facendo sognare i fan della coppia.

Zendaya Code

Qual è dunque il segreto dell’impatto di Zendaya? Stile e controllo, talento e naturalezza, Il pubblico la riconosce perché riesce ad essere al tempo stesso irraggiungibile e incredibilmente reale. E mentre il 2026 continua a dispiegarsi tra nuove uscite cinematografiche, carpet e passerelle da conquistare, una cosa è certa: il futuro di Hollywood vede Zendaya come volto potente e dominante. Siamo solo all’inizio di un Zendaya Code.

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Il mese della Fashion Week Fall/Winter 26/27 ha raccontato una stagione ricca di contrasti affascinanti. Tra revival sofisticati e nuove proporzioni. Minimalismi chic che incontrano esplosioni cromatiche. Nuove strutture geometriche versus silhouette fluide e quasi eteree. In un mosaico di visioni la scelta di una maison significa avere una propria narrazione estetica. Nasce da tale idea uno dei giochi più affascinanti del fashion system: dimmi che maison ami e ti dirò chi sei.

Prada

— L’intellettuale contemporaneo

Chi ama Prada raramente segue la moda nel senso più semplice del termine. La osserva, la analizza, spesso la anticipa.

Minimalismo concettuale, ironia sottile e sperimentazione culturale definiscono una personalità curiosa e sofisticata. Miuccia Prada e Raf Simons celebrano la donna nella sua realtà sfaccettata ed impegnata. Con un processo di stratificazione degli abiti i designer ci mostrano come, con pochi capi, si possano creare svariati look.

L’esteta di Prada ama sorprendere nonostante il minimalismo.

Chanel

— Metamorfosi elegante e emancipazione

Chanel significa credere che lo stile possa essere immortale.

Il tweed iconico, il nero, le linee pulite e i dettagli preziosi dalla texture lucida si alternano ad altri opachi. Il ritorno alle gonne plissettate a vita bassa della maison anni ’20. Il blazer oversize fluente è al centro della scena e si contrappone a gonne corte. Il direttore creativo Matthieu Blazy attinge dagli armadi della Chanel più classica ma li rilegge in chiave contemporanea. Crede fortemente nella metamorfosi dal bruco, simbolo di un workwear basic quasi maschile, alla farfalla che si materializza attraverso gli abiti di seta scivolata, fiori tridimensionali e ricami a forma d’insetto. Si passa dal pragmatismo diurno alla stravaganza chic notturna.

Chi sceglie Chanel ha una sicurezza naturale, libera e un gusto raffinato. La sua eleganza esiste oltre il tempo.

Schiaparelli

— Il surrealista visionario

Schiaparelli non è semplicemente moda: è immaginazione.

I dettagli scultorei, le iconografie dorate e l’estetica surrealista attraggono personalità creative e audaci. Spalle strutturate, corsetti metallici, gonne lunghe e teatrali. Un ibrido tra moda e scultura.

Chi ama Schiaparelli vive la moda come un atto artistico. Non cerca discrezione. Cerca stupore.

Maison Margiela

— L’esteta radicale

Maison Margiela è il territorio di chi ama la moda concettuale e dell’identità nascosta.

Decostruzione, anonimato e sperimentazione definiscono una visione che rompe le regole tradizionali del lusso. La sfilata della linea MM6 della Maison è avvenuta in uno scenario urbano, dove i modelli attraversassero la città. Camicie a quadri, gonne ampie, blazer sartoriali si alternavano a trench coat, maglioni da sci e denim interpretati in modo creativo. Gli occhiali scuri che coprono lo sguardo sono il tocco della maison.

Chi sceglie Margiela ama l’intelligenza estetica più dell’approvazione immediata.

Hermès

— Il culto della perfezione

Hermès è la quintessenza del lusso senza tempo.

Artigianalità, tradizione e qualità assoluta definiscono una filosofia che valorizza la durata e la perfezione. La direttrice artistica Nadège Vanhée-Cybulsky si è ispirata al gioco di luce e ombra. Un’atmosfera misteriosa e poetica, che lascia immaginare un paesaggio al tramonto. I materiali: pelle lavorata con precisione, lane morbide e seta il tutto rappresentato dalla sartorialità maestra della maison.

Chi ama Hermès non va alla ricerca del lusso, lo incarna.

Louis Vuitton

—Il viaggiatore globale

Amare LV significa riconoscersi in un’estetica dove heritage e desiderio contemporaneo si incontrano. Alla sfilata il direttore creativo Nicolas Ghesquière ha messo in scena il concept di “Super Nature”: un paesaggio montano immaginario, quasi alpino, allestito nel cortile del Louvre. La natura seppur selvaggia, a tratti, è accostata ai tratti classici della couture. In passerella capes e mantelle strutturate, cappelli in shearling e pelliccia e altri riferimenti al folklore alpino. Tra i dettagli più commentati tacchi a forma di corna e il ritorno di borse iconiche.

Da simbolo del viaggio a icona del lusso contemporaneo, la maison rappresenta una personalità cosmopolita, dinamica e ambiziosa.

Gucci

— I belli e dannati

Quello che Demna ha messo in scena per il suo debutto con la maison Gucci è una passerella sexy. Dai completi anni ’90 al glamour anni 2000.

Colori, loghi, nostalgia vintage e glamour contemporaneo costruiscono un’estetica potente e magnetica. Mini abiti aderenti, tailleur corti e sexy, top stretti, pantaloni attillati e cappotti reinterpretati. Gli abiti sono sfrontati e provocatori.

Chi ama Gucci è pragmatico, sempre riconoscibile.

Giorgio Armani

— Il minimalista assoluto dell’eleganza

Giorgio Armani ha trasformato la semplicità in un linguaggio di potere. Silvana Armani, nipote del fondatore, ha fatto il suo debutto alla Milano FW 2026/2027, portando una visione personale pur restando fedele ai codici storici della maison.

Silhouette fluide, palette neutre e sartorialità impeccabile definiscono uno stile disciplinato e moderno. Cappotti e soprabiti ampi, destrutturati. Capi di velluto, cashmere, flanelle morbide e seta luminosa che avvolgono il corpo in modo naturale

Chi ama Armani vive il lusso discreto. Possiede un’eleganza composta di chi sa di essere, senza dover dimostrare.

Dior

— Il romanticismo strutturato

Dior parla a chi ama la moda nella sua forma più scenografica e raffinata.

La sfilata è avvenuta in una cornice poetica sotto la direzione creativa di Jonathan Anderson: le modelle hanno sfilato nei giardini di Tuileries, all’interno di una serra di vetro circondata da ninfee e piante d’acqua. Un giardino incantato come quegli abiti che sembravano dei fiori.

Il risultato è quello di una passeggiata parigina a stretto contatto con il paesaggio. Proprio la natura non è solo decorazione ma metafora di eleganza e movimento poetico.

Chi ama Dior possiede un’anima romantica ma disciplinata, percepisce la bellezza e vuole entrare in connessione con essa.

Balenciaga

—Il creativo ribelle e moderno

Balenciaga è tra le espressioni più alte di un linguaggio contemporaneo che ama uscire dagli schemi. Alla ricerca di un a forma di eleganza non tradizionale. Alla Paris FW 26/27 la maison, guidata artisticamente da Pierpaolo Piccioli,  ha dato vita a giochi di contrasti in una collezione intitolata d’altronde ClairObscur: una passerella scura, quasi cinematografica, e look che mescolavano couture e streetwear. Bomber oversize, abiti scultorei, minidress e stivali platform hanno creato una visione della moda intensa e quasi teatrale.

Chi ama Balenciaga è audace e anticonformista. Sperimentazione di una propria identità.

Ferrari

— L’esteta della velocità

Ferrari è l’emblema italiano della passione.

Velocità, ingegneria e il rosso iconico raccontano una personalità ambiziosa e competitiva.

“Skins I Am In” è il titolo della sfilata italiana della FW 26/27. La collezione esplora l’idea di moda come seconda pelle, mettendo al centro la connessione tra vestito e corpo. In passerella silhouettes sinuose, abiti aderenti e tagli puliti e precisi. I toni neutri tra nude, beige, marrone cioccolato fino all’iconico rosso Ferrari che emerge nei pezzi chiave della collezione.

Chi si identifica con Ferrari vive la vita con intensità e desiderio di eccellenza.

Nessuno è davvero un solo brand.

La personalità più interessante nasce sempre dall’incontro tra universi diversi: l’intelligenza di Prada, il romanticismo di Dior, la disciplina di Armani, la fantasia di Schiaparelli.

Il vero lusso contemporaneo non è appartenere a una sola maison.

È costruire il proprio stile attraversandole tutte.

Photocredits: Fashion Network

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Dopo mesi di attesa e un passaparola diventato virale, HBO Max porta nel nostro Paese questa storia d’amore su ghiaccio. I due protagonisti, oggi star, Connor Storrie e Hudson Williams hanno messo in scena una rivalità/passione intensa che reinventa il classico romance.

La serie cult

Heated Rivalry nasce dall’omonimo romanzo bestseller di Rachel Reid. Racconta un romance intenso sul ghiaccio. I due rivali in gioco sono le due star dell’hockey Shane Hollander (Hudson Williams) e Ilya Rozanov (Connor Storrie). La trama segue la relazione durante otto anni in cui la rivalità evolve in attrazione esplorando le sfide legate all’identità queer in ambito sportivo. La serie ne raccoglie l’anima più cruda e romantica, trasformando la rivalità in desiderio, la competizione in sentimento, senza filtri.

Come si diventa star globali

Prima di diventare tra i volti più commentati del momento, Connor Storrie e Hudson Williams conducevano vite molto diverse dal glamour attuale. Tra piccoli ruoli indipendenti, teatro, spot locali e audizioni interminabili, il loro percorso è stato tutto fuorché immediato. In pochissimo tempo, però, Heated Rivalry li ha trasformati in fenomeni globali, protagonisti di copertine e trend social.

Prima del successo: le vite “normali” di Williams e Storrie

Hudson Williams ha iniziato la sua carriera artistica nel mondo dell’arte visiva e del cinema indipendente: cresciuto a Vancouver, ha frequentato Langara College dove ha realizzato cortometraggi con amici e colleghi. In quei progetti amatoriali mostrava un amore instancabile per la recitazione. Fin poco prima della serie, alternava questi lavori creativi con impieghi quotidiani, mantenendo un profilo piuttosto basso e concentrandosi sull’arte piuttosto che sulla celebrità.

Anche Connor Storrie proveniva da una situazione molto concreta: come rivelato in un’intervista televisiva, lavorava come cameriere poco prima di ottenere il suo ruolo da protagonista in Heated Rivalry. Il giorno stesso in cui ha scoperto di essere stato scelto per interprete Ilya Rozanov, Storrie ha quasi perso quel lavoro per via di una recensione negativa al ristorante — un aneddoto che racconta perfettamente quanto fosse lontana la sua vita quotidiana dalle passerelle e dai red carpet cui è ora abituato.

Dal set alla fama internazionale

L’esplosione di popolarità di Heated Rivalry ha spalancato le porte del mondo della moda e degli eventi di alto profilo per entrambi gli attori, che sono rapidamente diventati tra i giovani più richiesti dalle maison, dai marchi ed eventi globali.

Connor Storrie è stato annunciato come ambassador di Saint Laurent. Hudson Williams, dal canto suo, ha fatto il suo debutto in passerella come modello per Dsquared2 durante la Milano Fashion Week 2026. Balenciaga lo ha, inoltre, scelto come nuovo volto della campagna Heart and Body.

L’ascesa mediatica li ha portati a partecipare a eventi di portata internazionale oltre i red carpet. Ai Golden Globe Awards 2026 i due attori hanno partecipato consegnando uno dei premi. Sono stati scelti poi come tedofori ufficiali nel percorso della fiamma olimpica di Milano-Cortina 2026.

Tutto questo è segno di come la serie abbia oltrepassato l’ambito cinematografico per entrare nel sistema culturale e fashion globale.

Un finale in lingua originale

In Italia, l’attesa per Heated Rivalry è stata così autentica che HBO Max ha deciso di trasmettere la serie in lingua originale (almeno per il momento): il trailer italiano non ha convinto i fan, troppo affezionati alle voci e alle interpretazioni originali dei due attori americani, da considerare i doppiatori non idonei.

Una scelta cauta che conferma quanto sia importante tener fede ad una storia, ai suoi interpreti, ancor di più quando questi si affermano a livello globale.

Photocredits: Pinterest

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Un’identità che attraversa il tempo

Alla Fashion Week 2026 di Milano, Custo Barcelona riafferma con forza la propria identità: una grammatica visiva che da oltre quarant’anni attraversa culture, linguaggi e generazioni. In un calendario dominato da minimalismi concettuali e ritorni nostalgici, il brand catalano sceglie ancora una volta la via dell’espressione libera, portando in passerella un universo stratificato di simboli, cromie e archetipi contemporanei.

Le radici di un’estetica visionaria

Fondato nei primi anni Ottanta dai fratelli Custo Dalmau e David Dalmau, il marchio nasce da un viaggio coast-to-coast negli Stati Uniti che ne segna per sempre l’estetica. Le grafiche californiane, la cultura surf, l’energia pop e la contaminazione urbana diventano materia viva su cui costruire un’identità riconoscibile al primo sguardo. Il debutto avviene alla New York Fashion Week nel 1997. Così il brand diventa una presenza globale riconoscibile, portavoce di uno spirito libero.

Archetipi contemporanei, tecnologia, colore

L’immaginario di Custo Barcelona si muove tra archetipi e tecnologia. Figure mitiche reinterpretate in chiave cyber, stampe che evocano universi paralleli, tessuti tecnici che dialogano con materiali più sensuali. E’ una moda che non teme l’eccesso, anzi lo rivendica.

Il colore, cifra stilistica imprescindibile, esplode in contrasti audaci, in un pattern emotivo. Il tutto diventa narrazione visiva. 

Custo Barcelona per Milano Fashion Week 26

Milano 2026 raccoglie quell’eredità e la proietta in una dimensione nuova, più digitale e immersiva.

La collezione presentata in passerella è un dialogo tra passato e futuro. Le silhouette rimangono fedeli allo spirito del brand, fluide, dinamiche, pensate per corpi in movimento, ma si arricchiscono di lavorazioni tridimensionali e layering sofisticati e leggeri, in contrapposizioni al mix di colori audaci.

L’immaginario di Custo Barcelona  mette in scena visioni femminili, libertà, desiderio, ironia. Scenografie wild con fusioni cromatiche irriverenti.

“WE OWN THE LIGHT”: il manifesto di una sfilata immersiva.

A Milano, in Palazzo Bovara il 24.02.26, la sfilata diventa esperienza.

La luce diventa simbolo di energia ed espressione personale. E’ l’elemento progettuale primario, espresso attraverso l’alternanza di trasparenze e opacità. In passerella mini abiti in tulle stratificato con dettagli fantasiosi, maniche voluminose, drappeggi fluidi, e lavorazioni artigianali in pizzo definiscono il brand nella MFW 26. La palette scelta è calda: ocra, blush e oro si fondono con tonalità più profonde e notturne.

Il manifesto è chiaro: un inno alla luminosità interiore in una visione che integra artigianalità e innovazione, manualità e sperimentazione tecnologica. 

Generare tendenze, non inseguirle

Nel panorama della Fashion Week, Custo Barcelona occupa uno spazio preciso: quello dei brand che non inseguono le tendenze, ma le generano. La collezione 2026 conferma una coerenza rara, capace di evolversi senza tradire le proprie radici. Visioni, archetipi, luce: tre parole che sintetizzano un percorso creativo che continua a sorprendere, stagione dopo stagione. In un’epoca in cui l’identità è fluida e performativa, il brand propone un guardaroba come manifesto personale. E Milano è qui ad applaudire il suo linguaggio moderno.

Photocredits: Press Kit FW 26.27 Custobarcelona, logospr_milano, pinterest

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«There is no bad weather, only bad clothing», amano dire i popoli nordici. Eppure, nonostante il clima spesso inclemente che contraddistingue da sempre i Paesi del Nord Europa, come Svezia, Norvegia e Danimarca, il loro stile sta conquistando un’attenzione crescente, affascinando appassionati di moda e comunità internazionali. Ma cosa rende lo stile scandinavo la tendenza del momento?

L’essenza dello stile nordico

“Compra meno, scegli bene e fallo durare”, diceva Vivienne Westwood. Una frase che sembra descrivere alla perfezione la filosofia che guida la moda nordica. Mentre molti associano lo stile all’inseguimento delle tendenze, agli acquisti impulsivi e agli abbinamenti appariscenti, i Paesi scandinavi insegnano un approccio completamente diverso. Qui si dà valore alla longevità di ogni capo, al modo in cui viene realizzato e alla sua qualità intrinseca.

La sostenibilità è il cuore pulsante di ogni look. La maggior parte dei designer del Nord predilige materiali ecologici (come cotone biologico e tencel) oltre a tessuti riciclati o di seconda mano. L’attenzione si concentra su pratiche responsabili e sulla creazione di capi destinati a durare, portando a costruire un guardaroba che non si rinnova a ogni stagione, ma che accompagna chi lo indossa nel tempo, con versatilità e coerenza.

Minimalismo e arte del layering

A catturare l’attenzione dello “scandi-style” sono i colori delicati, le linee essenziali e le silhouette oversize. Il minimalismo, perfettamente in sintonia con la filosofia del ‘less is more’ radicata nella cultura nordica, è solo una parte della storia. Accanto alla sobrietà e all’eleganza di capi che trasmettono rispetto per l’ambiente, emergono motivi più audaci, tocchi giocosi e texture inaspettate. Sono tutti elementi pensati per essere intercambiabili, così da creare combinazioni sempre nuove e adattabili a occasioni diverse e alle mutevoli condizioni metereologiche.

A contraddistinguere ogni look, però, è soprattutto l’arte del layering, disciplina in cui i nordici eccellono. La stratificazione non è soltanto una scelta pratica per affrontare un clima imprevedibile: è un vero e proprio tratto distintivo di stile. Ogni strato è studiato con cura per aggiungere profondità e personalità all’outfit, creando quell’eleganza naturale che permette agli scandinavi di apparire impeccabili e disinvolti… anche a meno due gradi. 

Il fascino irresistibile del comfy-chic

Ciò che più di ogni altra cosa ha catturato l’attenzione della fashion community internazionale è però il caratteristico stile comfy-chic, di cui le Scandi girls sono ormai un’icona indiscussa. In questo approccio, l’eleganza si fonde con il comfort più autentico. Ogni capo è progettato per garantire praticità e benessere a chi lo indossa, permettendo di affrontare con disinvoltura qualsiasi condizione meteorologica.

Nel Nord, scegliere un indumento funzionale non significa rinunciare allo stile, tutt’altro. Passeggiando per le vie di Copenhagen è facile imbattersi in abiti scintillanti abbinati a semplicissime sneakers, o in flip-flop indossate con naturalezza durante l’estate. L’essenza del vero “cool scandinavo” risiede proprio in questo mix spontaneo: pezzi firmati da designer locali indipendenti accostati a capi scovati nei mercatini delle pulci. Il risultato? Un unione di autenticità, creatività e un forte senso di appartenenza al territorio.

Non a caso, sostenere i piccoli brand e i talenti emergenti è un valore profondamente sentito in Scandinavia, e basta pensare all’evento più atteso dell’anno per rendersene conto: la Copenhagen Fashion Week. Definirla semplicemente una sfilata sarebbe riduttivo. È un’esperienza immersiva, un vero e proprio tempio dello street style, dove la sostenibilità e la valorizzazione dei nuovi designer diventano il fulcro di tutto l’evento. 

L’intenzionalità come tratto di stile 

La moda scandinava è, prima di tutto, un atto di intenzione. Ogni capo viene scelto con cura, non solo per il suo aspetto, ma per la capacità di riflettere i valori e l’identità di chi lo indossa. Si tratta di costruire un guardaroba che parli davvero di sé. Investire in pezzi essenziali, di qualità profonda, pensati per durare nel tempo e accompagnare la persona nelle diverse fasi della vita. Uno stile autentico, che non segue il ritmo delle tendenze, ma quello della propria consapevolezza.

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La couture che marcia

Quando Marc Jacobs incontra Dr. Martens, il risultato non è una semplice collaborazione: è un evento culturale. Il Kiki Boot, stivale cult della Y2K couture di Jacobs, riceve un aggiornamento brutalmente glamour. La pelle lucida incontra la suola massiccia, la cucitura gialla diventa dettaglio couture e il tacco si fa arma di presenza scenica. Questo non è un accessorio: è un manifesto in pelle e metallo.

Icona richiamata, potenza moltiplicata

Il Kiki non è mai stato discreto. Metà bambola, metà dominatrice, completamente Marc Jacobs. Dr. Martens lo rende reale: robusto, industriale, pronto a camminare tra i club e le strade illuminate al neon. La silhouette rimane fedele all’originale, ma la forza della suola e la brillantezza della pelle lo rendono uno stivale che fissa lo sguardo e comanda l’attenzione.

Fetish, glam e tecnologia della cucitura

Ogni dettaglio racconta una storia: il tacco affilato, la punta arrotondata, le cuciture che parlano di cultura punk. Jacobs porta il glamour fetish, Dr. Martens aggiunge la precisione britannica. È una scarpa che sfida la gravità del quotidiano: quando la indossi, non cammini, performi. La notte diventa passerella e ogni passo è una dichiarazione di potere.

Da passerella al club

Il Kiki Boot non resta confinato ai lookbook: invade la strada, diventa simbolo del post-ironic club kid e del fashionista che rifiuta compromessi. Outfit oversize, vinile, mini dress, trench o tute futuristiche: tutto diventa palcoscenico, e lo stivale è protagonista assoluto. Non è moda da guardare: è moda da vivere, respirare e indossare come armatura.

Il tacco che cambia le regole

Marc Jacobs e Dr. Martens hanno creato un ibrido perfetto: glamour tossico anni ’90, ingegneria industriale britannica, performance scenica urbana. Il Kiki Boot non chiede attenzione: la pretende. È una scarpa che non si limita a completare un outfit, ma lo definisce. Perché alla fine, il vero potere è quello che si cammina, un passo alla volta, sul filo del pericolo e della seduzione.

Foto: Pinterest

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Halloween: il lato dark e super fashion della festa più amata dell’autunno, quest’anno si è trasformato in un vero red carpet. Ogni anno, il 31 ottobre, le città si illuminano di zucche e di flash. Ma Halloween ormai è ben più di una notte da “dolcetto o scherzetto”: è la vetrina dell’alter ego, l’occasione per diventare qualcun altro per una notte. Dimentichiamo fantasmi e vampiri: oggi dominano l’ironia, il fashion e la capacità di far parlare di sé in un post. Per le star, Halloween è il momento di brillare. È il trend più hot: le celeb si travestono da… altre celeb. Un gioco irresistibile che trasforma la cultura pop in uno specchio di stile e ironia.

Heidi Klum: la sirena che divora la scena

C’è chi a Halloween si traveste, e chi, come Heidi Klum, diventa la festa. Quest’anno la regina indiscussa dell’Halloween mondiale si è trasformata in una sirena spaventosa, dalle scaglie iridescenti e dai denti aguzzi. Altro che creatura da favola: è una sirena da incubo, metà dea e metà predatrice, pronta a trascinare chiunque nel suo abisso glamour. Con un corpo spettacolare e un make-up da film horror, Heidi conferma che la metamorfosi è la sua arte. Se il terrore avesse stile, avrebbe il volto e le pinne di Heidi Klum.

Lady Gaga: il giardino dell’Eden

Per Halloween, Lady Gaga diventa il suo “Garden of Eden”: un roseto in fiore e in rovina, dove la bellezza sanguina.
Avvolta in un abito di rose che sembrano ferite, tra tulle cremisi e petali intrisi di rosso, regge un attrezzo da giardino come fosse un’arma rituale. Non è Eva, ma il giardino stesso: simbolo di creazione, dolore e rinascita. Un look potente e disturbante, l’Eden secondo Gaga è un inferno meraviglioso.

Demi Lovato: l’autoironia è il nuovo sexy

Quando tutti puntano sul glamour o sull’horror, Demi Lovato sceglie l’ironia. Per Halloween 2025 rispolvera il suo meme più celebre, Poot Lovato, e lo trasforma in costume. Un gesto di libertà e autoironia che ribalta l’idea di perfezione: oggi il vero potere non è essere impeccabili, ma saper ridere di sé.

Omaggi, metamorfosi e déjà-vu di stile

Halloween parla una lingua nuova: le celeb diventano altre celeb. Irina Shayk rievoca la provocazione di Cicciolina a Cannes nel 1988; Paris Hilton sfoggia una sfilata di travestimenti pop. Le top model non sono da meno: Stella Maxwell omaggia Kate Moss per Galliano, Winnie Harlow brilla nei panni di Whitney Houston, Elsa Hosk incanta come Tina Carlyle da The Mask.
Diversissime, ma unite da un messaggio: Halloween non è più paura, è reinterpretazione e culto dell’icona. Sotto lattice e glitter, Halloween resta una cosa sola: libertà. La libertà di trasformarsi, raccontarsi, esagerare.
Dalle sirene ai meme le celeb dimostrano che il travestimento non è maschera ma rivelazione.
Perché la notte del 31 ottobre, ancora una volta, ci ricorda che la paura passa ma lo stile resta.

foto: instagram

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Debutta alla Milano Fashion Week la capsule Primavera Estate 2026 di Onitsuka firmata da Dario Vitale per Versace. Otto modelli che fondono heritage, innovazione e spirito globale.

Un’alleanza strategica tra est e ovest

In un connubio creativo che promette di ridefinire i confini tra moda e design, Onitsuka Tiger svela la sua collaborazione con la maison italiana Versace. Il progetto è stato presentato ufficialmente durante la sfilata Primavera Estate 2026 di Versace, andata in scena a Milano venerdì 26 settembre, e rappresenta il primo passo della nuova direzione stilistica firmata dal Chief Creative Officer Dario Vitale.Questa capsule collection segna un punto di svolta per entrambi i brand: da un lato, la raffinatezza couture di Versace; dall’altro, la cultura sportiva e l’eccellenza manifatturiera giapponese di Onitsuka Tiger. Insieme, costruiscono un’estetica nuova, inedita, ma profondamente radicata nelle rispettive identità.

La sneaker tai-chi: un’icona rinnovata

Il cuore della collaborazione è la rielaborazione dell’iconico modello TAI-CHI, uno dei simboli del marchio giapponese. Per l’occasione, la sneaker è stata prodotta nello stabilimento Onitsuka Tiger della regione di Sanin Tottori, nota per l’elevata qualità artigianale.Realizzata con pellami e materiali italiani selezionati con cura, la scarpa si distingue per una lavorazione meticolosa. La tomaia, trattata con lavaggi speciali e processi di carteggiatura, presenta una texture vissuta, dal sapore vintage. Sulle strisce laterali, le celebri “tiger stripes” sono impreziosite da doppia impuntura, mentre sulla linguetta domina la Medusa Versace, ripensata come elemento borchiato: un segno audace, in perfetto equilibrio tra forza e ornamento.

Mocassini e dettagli di stile

Accanto alla sneaker, la capsule include anche una selezione di mocassini realizzati in Italia, che confermano la volontà di fondere savoir-faire e versatilità. Ogni modello incarna la ricerca del dettaglio e la precisione tecnica che accomunano le due maison. Linee pulite, materiali premium e finiture sofisticate raccontano una nuova visione di eleganza contemporanea, dove comfort e stile non sono più in contrasto, ma si completano.In totale, sono otto i modelli presentati, ciascuno con una propria identità ma accomunati da un’estetica coerente: moderna, cosmopolita, fortemente identitaria.

Disponibilità e lancio globale

La collezione sarà disponibile a partire dalla primavera 2026 in una selezione esclusiva di boutique Versace nel mondo e sull’e-commerce ufficiale del marchio. I dettagli relativi a prezzi, punti vendita coinvolti e modalità di acquisto saranno annunciati nei mesi successivi. La distribuzione sarà curata per mantenere l’alto livello di esclusività che caratterizza la collaborazione.

Due mondi, una visione condivisa

Fondata da Gianni Versace nel 1978, la maison italiana continua a incarnare una visione audace e libera del lusso contemporaneo. Oggi, sotto la guida di Dario Vitale, Versace punta a valorizzare i codici storici del brand attraverso nuove narrazioni, capaci di parlare al presente e al futuro.

Onitsuka Tiger, invece, nasce nel 1949 con l’obiettivo di promuovere il benessere giovanile attraverso lo sport. Nel tempo, il marchio si è evoluto in un punto di riferimento globale per chi cerca un’estetica che unisce innovazione, design e radici culturali. Le sue collezioni riflettono la filosofia del “nuovo lusso”: un approccio sofisticato ma accessibile, dove ogni capo è pensato per durare, raccontare, distinguersi.

Una fusione di valori e storie

Questa collaborazione non è solo un’operazione estetica, ma un vero incontro tra due visioni del mondo. La precisione e la spiritualità del design giapponese si fondono con l’intensità emotiva e sensuale dell’immaginario italiano. Il risultato? Una collezione che celebra l’artigianalità, l’identità e la possibilità di creare nuove forme di lusso, sempre più inclusive, dinamiche e radicate nella contemporaneità.Una testimonianza che quando due marchi con un forte heritage si incontrano, il linguaggio della moda può davvero superare ogni confine.

Foto: Onitsuka tiger

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