Fashion, design, beauty e gioielli. Milano moltiplica le sue settimane tematiche, trasformando eventi e appuntamenti esclusivi in occasioni di business, turismo e visibilità. Tra influencer, luxury experience e location instagrammabili, le week conquistano la città. Ma dietro questo fenomeno si nasconde una nuova strategia economica o il bisogno sempre più diffuso di esserci?

Milano e il fenomeno delle Week: dalla moda al design

Tutto è iniziato con due grandi protagonisti: la Milano Fashion Week e la Design Week, con il suo celebre Salone del Mobile. Due appuntamenti internazionali che negli anni hanno trasformato Milano in un palcoscenico di sfilate, installazioni, eventi esclusivi e migliaia di visitatori. Un successo non soltanto mediatico, ma anche economico, capace di coinvolgere hotel, ristoranti, boutique e numerosi professionisti del settore. Da qui, forse, l’intuizione: perché non estendere questo modello anche ad altri mondi? Ed ecco che il calendario milanese si arricchisce di nuove settimane tematiche, dove ogni settore può diventare protagonista.

Dalla Milano Beauty Week alla Jewelry Week 2026

Dopo la Milano Beauty Week, dal 16 al 20 settembre 2026, dedicata al mondo della cosmetica e del benessere, e la Fashion Week, è il momento dei gioielli. Dal 20 al 26 ottobre, la Milano Jewelry Week 2026 accende i riflettori sull’arte orafa, il design e l’alta gioielleria, trasformando boutique, atelier e palazzi storici in luoghi d’incontro tra creatività e lusso. Una manifestazione che conferma quanto il format delle week sia ormai diventato un elemento riconoscibile dell’identità milanese.

Milano Jewelry Week: gli eventi da non perdere

Tra gli appuntamenti più attesi della Milano Jewelry Week 2026 spicca The Jewelry Hub, dal 24 al 26 ottobre a Palazzo Serbelloni, dedicato ai marchi di alta gioielleria, orologi e diamanti. Negli stessi giorni, Palazzo Bovara ospita Artistar Jewels & Talent Show, con oltre 200 designer e artisti internazionali. L’Experiential Journey, dal 20 al 26 ottobre, anima invece il centro cittadino con mostre, workshop e aperture di atelier. Completano il calendario i talk presso Sotheby’s Italia e la MJW Awarding Night del 25 ottobre, all’Auditorium di Milano Fondazione Cariplo. Un programma che porta il gioiello oltre la semplice esposizione, trasformandolo in un’esperienza culturale e creativa.

Il fascino dell’esclusività: perché tutti vogliono esserci?

Ma perché le week riscuotono tanto successo? La Fashion Week ha dimostrato che l’interesse del pubblico va ben oltre le passerelle. Oggi a incuriosire sono soprattutto gli eventi collaterali, i party privati, le location iconiche e quella corsa ad accaparrarsi un invito, spesso difficile da ottenere. Il fascino degli ambienti di nicchia e del mondo luxury alimenta il desiderio di partecipare, anche solo per qualche ora, a un universo percepito come esclusivo. Non è più soltanto una questione di moda, design o gioielli: l’esperienza stessa è diventata un oggetto del desiderio.

Il business delle Week: QUANTO gli eventi muovono Milano

Dietro il glamour si nasconde una macchina economica ben organizzata. Event manager, agenzie di comunicazione, brand, istituzioni e operatori turistici contribuiscono a trasformare ogni settimana tematica in un’occasione di visibilità e sviluppo. Gli eventi attirano professionisti, influencer, celebrity e visitatori, generando opportunità per il commercio e il settore dell’ospitalità. Per le aziende significa amplificare la propria presenza sul mercato; per Milano, rafforzare il proprio posizionamento internazionale. Le week diventano così strumenti di marketing territoriale, capaci di promuovere contemporaneamente un settore e la città che lo ospita.

Hashtag #social

C’è poi un altro aspetto che racconta perfettamente il nostro tempo: il bisogno di condividere. Viviamo nell’epoca delle esperienze instagrammabili, dove una fotografia in una location esclusiva, un incontro con una celebrity o un invito a un evento luxury possono trasformarsi in contenuti social. Le week rispondono perfettamente a questa dinamica, offrendo un susseguirsi di occasioni da vivere, fotografare e raccontare. E Milano sembra aver compreso che oggi non sono soltanto i brand a dover essere desiderabili: anche una città può costruire la propria immagine attraverso esperienze capaci di diventare virali.

Ma abbiamo davvero bisogno di tutte queste Week?

Fashion, Design, Beauty, Jewelry. Milano continua a reinventarsi attraverso un calendario sempre più ricco di appuntamenti. Ma se da una parte le settimane tematiche rappresentano opportunità concrete per aziende, creativi e professionisti, dall’altra sollevano una domanda: stiamo valorizzando nuovi settori o trasformando qualsiasi esperienza in un evento da consumare e condividere?

Forse il vero fenomeno delle week non riguarda soltanto la moda, il design o il lusso, ma il nostro modo di vivere la città. Un tempo si partecipava a un evento per ciò che aveva da offrire; oggi, sempre più spesso, conta anche poter dimostrare di esserci stati.

E mentre Milano continua a riempire il calendario di nuove esperienze, resta una riflessione: siamo ancora alla ricerca di qualcosa da vivere o soprattutto di qualcosa da mostrare?

Perché, in fondo, sembra essere diventata tutta una questione di week. E di poter dire: io c’ero.

Photocredit: Pinterest

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Dove tutto ricomincia

Per Moncler, tornare alle origini significa tornare in montagna. È da qui che parte Re/Icons 2026, il progetto che riscopre quattro capi d’archivio diventati simboli del brand: Karakorum, Verone, Himalaya e Tibb. Nati tra gli anni Cinquanta e gli anni Ottanta, vengono riletti attraverso una sensibilità contemporanea, senza perdere il loro legame con la cultura alpina. Il racconto della stagione, “Pioneers in Moncler with Extraordinary Dreams”, prende forma anche attraverso le immagini delle spedizioni storiche e gli scatti del leggendario alpinista Lionel Terray.

Quattro icone, nuove coordinate

Il Karakorum, nato nel 1954 per Achille Compagnoni e Lino Lacedelli durante la spedizione italiana sul K2, torna in micro ripstop lucido da 10 denari. Leggero ma avvolgente, conserva cappuccio removibile, coulisse, spallacci interni per portarlo come uno zaino e l’ampia tasca sul petto con logo Re/Icons ridisegnato. Il Verone, icona degli anni Ottanta e dei Paninari milanesi, viene invece reinterpretato in micro cotone opaco e leggero, con fit rilassato, cappuccio estraibile e patta antivento. L’Himalaya, nato nel 2009 e ispirato all’equipaggiamento delle spedizioni degli anni Cinquanta, è realizzato in un blend opaco di cotone e nylon, mentre il Tibb, gilet oversized degli anni Ottanta, torna in Longue Saison opaco riciclato reversibile o in gabardine di lana, con la sua caratteristica trapuntatura boudin.

Non solo piumini

La vera novità è che Re/Icons, per la prima volta, esce dai confini dell’outerwear e diventa un total look. Windbreaker, T-shirt, pantaloni e gonne si affiancano a beanie, balaclava, foulard in silk-twill e occhiali da sole in titanio e pelle ispirati ai modelli vintage da alpinismo. Le giacche giocano con sofisticati effetti tono su tono. All’interno, la fotografia del K2 scattata da Vittorio Sella nel giugno 1909 diventa un’etichetta, mentre i loghi metallici ricordano le spille vintage dei souvenir alpini. Le palette spaziano dal nero, rosso e blu petrolio del Karakorum al rosa pastello, lilla, navy, grigio, bianco panna, marrone e caramello degli altri modelli, con proposte specifiche per uomo e donna.

Un diario, un archivio, una memoria

Il progetto si completa con The Alpine Diary, un libro concepito come il diario di un immaginario esploratore degli anni Cinquanta. Pagine manoscritte, fotografie storiche in bianco e nero e immagini contemporanee della collezione costruiscono un racconto intimo dell’esplorazione e dell’eredità Moncler. La collezione è stata presentata in anteprima a Parigi il 5 e 6 ottobre, negli spazi de Il Rifugio, all’interno del negozio sugli Champs-Élysées.

Dalla montagna al cinema

L’archivio Moncler arriva anche sul grande schermo con Bianco, diretto da Daniele Vicari e interpretato da Alessandro Borghi nel ruolo di Walter Bonatti. La Karakorum, ricreata sulla base dell’originale del 1954, entra così nel film dedicato agli alpinisti che hanno scritto la storia. Prodotto da Be Water Film, Rai Cinema, The Project Film Club e Tarantula, arriverà nelle sale italiane nel 2027. Re/Icons sarà disponibile in pre-lancio a Parigi l’8 ottobre, poi all’Isetan di Tokyo e da Moncler Fifth Avenue il 14 ottobre, prima del lancio globale del 15 ottobre in boutique selezionate e su moncler.com.

Photo:Noémie Vigo

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Dalla storia della Maison nata a Valenza nel 1967 alla nuova collezione LINK-E: Recarlo reinterpreta il gioiello a catena attraverso geometrie Art Déco, forme ottagonali e diamanti naturali taglio cuore. Un racconto prezioso di legami, movimento e infinito.

La storia di Recarlo nasce a Valenza nel 1967, quando Carlo Re fonda la Maison insieme alla moglie Bruna. Il primo gioiello è un anello da uomo, una creazione che segna l’inizio di un percorso destinato a diventare espressione dell’eccellenza orafa italiana.

Fin dalle origini, la filosofia della Maison si fonda su un’idea precisa: creare gioielli capaci di rendere eterna la bellezza. Una visione che ancora oggi unisce savoir-faire artigianale, ricerca e sensibilità contemporanea.

La Maison Recarlo tra tradizione e futuro

A quasi sessant’anni dalla sua nascita, Recarlo mantiene un forte legame con le proprie radici. La Maison è ancora di proprietà della famiglia Re. I figli del fondatore, Giorgio e Paolo Re, CEO del brand, sono affiancati da un team di manager capitanati da Giorgio Pinto, General Manager dal febbraio 2024.

Il cuore produttivo e creativo rimane legato a Valenza, territorio simbolo dell’alta gioielleria italiana. Ed è proprio da questo patrimonio che Recarlo continua a guardare al futuro, trasformando la tradizione in un linguaggio sempre nuovo.

LINK-E è la nuova protagonista

È da questa storia che prende forma LINK-E, la nuova collezione Recarlo che porta il gioiello a catena in una dimensione nuova. Non più soltanto un elemento decorativo, ma una vera architettura da indossare, fatta di ritmo, proporzione e movimento.

LINK-E parla così di connessioni: tra una maglia e l’altra, tra passato e presente, tra la precisione della geometria e la naturalezza del gesto. Una metafora preziosa per una collezione che invita a indossare il gioiello non come semplice ornamento, ma come estensione della propria personalità.

Ottagono: geometrie e infinito

L’elemento distintivo di LINK-E è la forma ottagonale, scelta per il suo equilibrio e per il suo forte valore simbolico, reinterpretata attraverso maglie che si susseguono con un ritmo fluido. La geometria, rigorosa e sofisticata, viene ammorbidita dal movimento del gioiello sul corpo, creando quel contrasto tra struttura e leggerezza che definisce l’identità della collezione.

L’ottagono nasce dall’incontro ideale tra cerchio e quadrato: il primo legato allo spirito e al cielo, il secondo alla materia e alla terra. Due dimensioni opposte che si incontrano dando vita a una nuova forma.

Nelle maglie LINK-E questa geometria diventa metafora di connessione e continuità. Un richiamo all’infinito che trova la sua espressione più preziosa nei piccoli diamanti naturali taglio cuore, firma inconfondibile di Recarlo.

Sunset Gold e Arctic Gold: due modi di interpretare LINK-E

LINK-E gioca anche con il colore dell’oro, declinandosi nelle tonalità Sunset Gold e Arctic Gold. Due interpretazioni che ampliano la possibilità di vivere la collezione e ne sottolineano la vocazione contemporanea.

Il design rimane riconoscibile, ma cambia il modo di interpretarlo. La catena può diventare protagonista assoluta oppure essere indossata con maggiore discrezione; può seguire un look da sera o trasformarsi in un dettaglio quotidiano. È questa versatilità a rendere LINK-E particolarmente contemporanea: non impone un modo di indossare il gioiello, ma lascia spazio alla persona che lo sceglie.

Gli snodi, progettati per garantire morbidezza e flessibilità, seguono il movimento del corpo e trasformano una struttura apparentemente rigorosa in un gioiello fluido e confortevole.

Dalla sautoir all’Alta Gioielleria

Tra i pezzi più evocativi della collezione emerge la collana sautoir, che guarda agli anni Venti e all’eleganza geometrica dell’Art Déco. Una citazione del passato che non assume mai la forma della nostalgia: la memoria viene filtrata attraverso un linguaggio essenziale e contemporaneo.

Il progetto raggiunge la sua massima espressione nella selezione di Alta Gioielleria. Qui il design LINK-E acquista maggiore intensità attraverso creazioni dalla forte presenza scenografica.

Protagonisti sono un bracciale manchette e un choker a tre file, composti da moduli ottagonali interamente tempestati di diamanti naturali e impreziositi, ciascuno, da due diamanti taglio cuore.

Greta Ferro: il volto della Maison

A dare volto a LINK-E è Greta Ferro, attrice e interprete della nuova generazione del cinema italiano.

La sua eleganza spontanea e contemporanea si inserisce perfettamente nel linguaggio della collezione, raccontando un’idea di gioiello lontana dalla rigidità e vicina alla personalità di chi lo indossa.

La campagna digitale accompagna così il lancio di LINK-E attraverso un racconto visivo dedicato alla nuova collezione e alla sua idea di bellezza: sofisticata, dinamica, riconoscibile.

Il nuovo gioiello Recarlo fedele alla tradizione

Con LINK-E, Recarlo porta avanti la propria storia senza rimanere ancorata al passato. La tradizione valenzana, il diamante taglio cuore e la cultura del Made in Italy incontrano una nuova estetica fatta di geometrie, movimento e libertà.

La catena diventa così qualcosa di più di un gioiello: diventa un simbolo. Maglia dopo maglia, racconta l’incontro tra persone, esperienze e sentimenti.

Un legame che continua, senza interruzioni. Proprio come l’infinito.

Photocredit: Recarlo Ufficio Marketing, Recarlo IG

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In occasione del suo 25° anniversario, GHD presenta Sculpt, la prima styler interattiva dotata di intelligenza artificiale e tecnologia Heat-Adapt. Progettata per adattarsi in tempo reale alle esigenze di ogni ciocca.

GHD Sculpt, la nuova frontiera dello styling intelligente

In occasione del suo 25° anniversario, GHD presenta GHD Sculpt, la prima styler interattiva del brand progettata per offrire uno styling professionale senza compromettere la struttura naturale dei capelli. L’obiettivo è superare uno dei pregiudizi più diffusi nel mondo dell’haircare: l’idea che gli strumenti a caldo danneggino inevitabilmente la fibra capillare. Grazie a un approccio completamente nuovo, GHD Sculpt combina tecnologia, intelligenza artificiale e design innovativo per garantire risultati impeccabili, capelli luminosi e una protezione superiore durante ogni utilizzo.

Heat-Adapt Technology: la styler che si adatta ai tuoi capelli

Il cuore dell’innovazione è la nuova Heat-Adapt Technology, un sistema intelligente che rileva la temperatura dei capelli in tempo reale e regola automaticamente il calore. A differenza delle piastre tradizionali, GHD Sculpt misura direttamente il capello e non le piastre, personalizzando lo styling su ogni ciocca grazie a un algoritmo di intelligenza artificiale che effettua fino a 2.900 rilevazioni al secondo.

Styling GHD

Secondo GHD, Sculpt offre risultati visibili già dal primo utilizzo. Fino al 90% di lucentezza in più, 2,5 volte meno effetto crespo, ricci e onde più definiti. Una migliore protezione dal calore e uno styling fino a cinque volte più rapido rispetto alla GHD Original. L’obiettivo è ottenere una piega duratura senza compromettere la salute della fibra capillare.

Un design innovativo

Oltre alla tecnologia, GHD Sculpt introduce una silhouette inedita, più sottile, leggera ed ergonomica. Le nuove Super Slim Infinity™ Plates scorrono con fluidità dalla radice alle punte, facilitando la realizzazione di look lisci, mossi o ricci su ogni tipo di capello e migliorando il comfort durante l’utilizzo.

La visione di GHD: il futuro dello styling

Per il CEO Jeroen Temmerman, GHD Sculpt rappresenta il futuro della beauty-tech, grazie a un sistema capace di offrire risultati professionali senza danneggiare i capelli. Una visione condivisa anche da Dafydd Thomas, Senior Director Global Education & Professional NPD, che definisce la nuova styler una vera rivoluzione per precisione, semplicità d’uso e capacità di adattarsi a ogni ciocca.

How much and where?

Disponibile nelle versioni bianca e nera, GHD Sculpt è proposta al prezzo di 449 euro. La nuova styler è acquistabile nei migliori saloni, presso le principali catene di distribuzione e sul sito ufficiale del brand.

. Dopo venticinque anni di innovazione nel settore dell’hair styling, GHD compie così un ulteriore passo avanti, proponendo una tecnologia destinata a ridefinire il concetto stesso di piastra per capelli e a offrire una nuova esperienza di styling personalizzato. Più intelligente e rispettosa della naturale bellezza della chioma.

Photocredit: Press Kit Errani Studio

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Il ritorno dello stile anni ’90: perché è tornato di moda?

Lo stile anni ‘90 rappresentava un equilibrio perfetto tra eleganza essenziale e spontaneità. Era l’epoca dei blazer oversize, dei jeans dal taglio dritto, delle canotte bianche, delle camicie maschili, degli slip dress in satin, delle giacche in pelle, dei mocassini, degli occhiali dalle lenti sottili e delle iconiche borse baguette.

Accanto al minimalismo convivevano il grunge di Seattle, lo streetwear influenzato dall’hip hop e il glamour delle supermodelle che dominavano le passerelle internazionali.

Le protagoniste di quel decennio sono diventate veri punti di riferimento: Kate Moss, Carolyn Bessette-Kennedy, Naomi Campbell, Cindy Crawford, Linda Evangelista, Winona Ryder, Lady Diana, Aaliyah, Britney Spears, Christina Aguilera. Donne diverse tra loro, ma accomunate da una qualità rara: uno stile personale, riconoscibile e senza tempo.

Bella Hadid: l’erede del cool effortless di Kate Moss

Tra tutte le celebrity contemporanee, Bella Hadid è probabilmente quella che ha fatto del revival anni ’90 la propria firma estetica.

Il suo guardaroba è un omaggio continuo a Kate Moss: jeans vintage a vita bassa, tank top bianchi, trench in pelle, blazer oversize, occhiali da sole rettangolari, sneaker rétro e silhouette essenziali.

Bella non copia il passato: lo rende attuale. Ogni look sembra uscito da una fotografia del 1990, ma con una sensibilità moderna che ha reso il suo stile uno dei più imitati al mondo.

Hailey Bieber: tra Carolyn Bessette-Kennedy e Lady Diana

Hailey Bieber rappresenta la perfetta sintesi tra due icone apparentemente lontane ma sorprendentemente complementari: Carolyn Bessette-Kennedy e Lady Diana.

Da Carolyn prende l’eleganza minimalista: blazer sartoriali, cappotti impeccabili, camicie bianche, jeans dal taglio dritto, mocassini, palette neutre e gioielli essenziali. Un lusso discreto che oggi è diventato sinonimo di “quiet luxury”.

Da Lady Diana, invece, riprende il lato più rilassato dello street style: felpe oversize, blazer maschili, biker shorts, calzettoni a vista, sneaker sportive e baseball cap. Look che Diana sfoggiava fuori dagli impegni ufficiali e che oggi sono tornati a essere una delle formule più copiate dello streetwear contemporaneo.

Il risultato è uno stile pulito, sofisticato e incredibilmente moderno.

Dua Lipa: l’anima pop degli anni ’90 e dei primi Duemila

Dua Lipa attinge al guardaroba delle pop star che hanno segnato la fine degli anni ‘90 e l’inizio dei 2000.

Britney Spears e Christina Aguilera sono le sue principali fonti d’ispirazione: denim coordinato, cargo pants, crop top, micro top e una forte componente pop.

Il risultato è un’estetica divertente, colorata e nostalgica che ha contribuito a riportare sotto i riflettori la moda Y2K.

Olivia Rodrigo: il ritorno del grunge romantico

Olivia Rodrigo rilegge l’estetica ribelle di Winona Ryder con uno sguardo contemporaneo.

Cardigan morbidi, Mary Jane, mini dress, anfibi, collant, maglioni oversize e dettagli punk convivono con un’attitudine romantica che rende il suo stile riconoscibile.

È il perfetto esempio di come il grunge anni ’90 possa evolversi senza perdere autenticità.

Kendall Jenner: il fascino senza tempo delle supermodelle

Kendall Jenner guarda alle grandi top model degli anni ’90, in particolare Cindy Crawford e Linda Evangelista.

Il suo stile è costruito su pochi elementi chiave: blazer oversize, pantaloni sartoriali, denim vintage, cappotti lunghi, maglie basic e accessori essenziali.

È la dimostrazione che il minimalismo, quando è costruito con proporzioni perfette e capi di qualità, non passa mai di moda.

New Icon Vs Icon ‘90

Le celebrity contemporanee hanno un vantaggio che le icone degli anni ’90 non avevano: i social media. Ogni outfit diventa virale in pochi minuti.

Le icone degli anni ‘90, invece, hanno costruito il proprio mito in un’epoca senza Instagram, senza TikTok e senza la velocità del digitale. Il loro stile nasceva da un’identità autentica, non da un algoritmo. Non seguivano i trend: spesso erano loro a crearli.

Tra trent’anni parleremo ancora dei look di Bella Hadid, Hailey Bieber o Zendaya come oggi ricordiamo Kate Moss, Carolyn Bessette-Kennedy o Lady Diana?

La risposta arriverà solo con gli anni. Perché un’icona non si misura dai like o dai follower, ma dalla capacità di lasciare un’eredità che continua a ispirare anche quando le tendenze cambiano.

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L’Haute Couture Autunno-Inverno 2026 è alle porte. Dal 6 al 9 luglio la Fédération de la Haute Couture et de la Mode inaugurerà una nuova settimana dedicata all’Alta Moda, trasformando ancora una volta Parigi nel centro della creatività sartoriale mondiale.

Ma cosa significa davvero Haute Couture? Come nasce questa tradizione, quali requisiti devono rispettare le maison per ottenere la prestigiosa denominazione e quali stilisti hanno scritto la storia dell’Alta Moda? Ecco tutto quello che c’è da sapere.

Tutti parlano di Alta Moda. Ma cosa significa Haute Couture?

L’espressione Haute Couture identifica il livello più alto della moda artigianale. Non è semplicemente sinonimo di lusso: in Francia è una denominazione legalmente protetta e può essere utilizzata soltanto dalle maison riconosciute dalla Fédération de la Haute Couture et de la Mode.

Ottenere la qualifica ufficiale di maison Haute Couture è ancora oggi un privilegio riservato a pochi atelier. Tra i principali requisiti figurano:

• possedere almeno un atelier a Parigi;
• realizzare capi interamente su misura;
• impiegare artigiani altamente specializzati;
• presentare due collezioni ufficiali ogni anno;
• proporre un numero minimo di look durante le sfilate del calendario couture.

Ogni abito richiede centinaia, talvolta migliaia, di ore di lavorazione. Tutto viene realizzato a mano, dai cartamodelli ai ricami con cristalli, piume, paillettes e perline.

L’Haute Couture rappresenta ancora oggi la massima espressione del savoir-faire francese e continua a essere il laboratorio creativo che ispira l’intero settore della moda.

Le maison che hanno scritto la storia dell’Haute Couture

La storia dell’Haute Couture coincide con quella delle grandi maison che hanno trasformato la moda in arte.

Il primo grande protagonista è Charles Frederick Worth, considerato il padre dell’Alta Moda nel 1858. È il primo stilista a firmare le proprie creazioni e a trasformare il couturier in un autore riconoscibile.

Nel 1910 Gabrielle “Coco” Chanel apre la sua maison e rivoluziona il guardaroba femminile. Elimina il corsetto, introduce linee essenziali e ridefinisce il concetto di eleganza moderna.

Nel 1927 Elsa Schiaparelli porta la moda nel mondo del Surrealismo. La collaborazione con Salvador Dalí dà vita a creazioni iconiche come il celebre Lobster Dress (Abito Aragosta), simbolo dell’incontro tra arte e couture.

Nel 1947 Christian Dior presenta il New Look, una collezione destinata a cambiare la moda del dopoguerra con vita stretta, gonne ampie e una nuova idea di femminilità.

Negli stessi anni Cristóbal Balenciaga rivoluziona la costruzione del capo attraverso silhouette innovative e volumi scultorei. Tra le sue creazioni più celebri figura l’iconico abito a palloncino. Christian Dior lo definirà “il maestro di tutti noi”.

Nel 1962 Yves Saint Laurent inaugura la propria maison. Gli abiti Mondrian e Le Smoking (il primo tuxedo pensato per la donna) diventano simboli di emancipazione femminile e segnano una nuova epoca della couture.

L’Haute Couture degli anni ’80 e ’90: spettacolo, sperimentazione e supermodel

Tra gli anni Ottanta e Novanta l’Haute Couture vive una stagione di grande sperimentazione. Le sfilate diventano spettacoli teatrali e la moda si apre a influenze artistiche, futuristiche e tecnologiche.

Thierry Mugler è tra i protagonisti assoluti di questo periodo. Le sue silhouette scolpite e la celebre Robot Suit della collezione Autunno-Inverno 1995-1996 trasformano la couture in un universo fantascientifico ( oggi tornata celebre per l’omaggio reso da Zendaya in occasione della premiere di Dune- Parte due nel 2024).  Due anni più tardi Mugler firma un’altra creazione iconica: l’Abito Chimera, realizzato con piume, cristalli e dettagli scultorei, una delle massime espressioni della couture.

Negli stessi anni Gianni Versace ridefinisce il concetto di sensualità. Le sue passerelle, animate dalle supermodel Naomi Campbell, Cindy Crawford, Claudia Schiffer, Linda Evangelista e Christy Turlington, entrano nella storia della moda. Anche gli iconici abiti in Metal Mesh ( in maglia metallica) diventano simbolo di un glamour senza tempo.

Nel 1997 John Galliano inaugura una nuova era in Dior con collezioni teatrali che fondono storia, arte e alta sartoria. Con la collezione Haute Couture Primavera-Estate Les Incroyables, Galliano inaugura una nuova era per la maison.

Nello stesso anno Alexander McQueen debutta da Givenchy portando in passerella una visione radicale fatta di costruzioni impeccabili e suggestioni gotiche.

A completare questo decennio è Karl Lagerfeld, che rinnova Chanel reinterpretando i codici di Gabrielle Chanel con uno stile contemporaneo, contribuendo al rilancio della maison.

L’Haute Couture nel nuovo millennio

Con il nuovo millennio l’Haute Couture continua a evolversi. Accanto alle maison storiche emergono nuovi protagonisti che reinterpretano l’Alta Moda con linguaggi contemporanei.

Tra questi spicca Armani Privé, lanciata da Giorgio Armani nel 2005. Le collezioni si distinguono per eleganza essenziale, silhouette fluide e ricami preziosi.

Maison Margiela Artisanal porta invece la couture verso una ricerca più concettuale. Attraverso recupero, decostruzione e trasformazione dei materiali, ogni creazione diventa un pezzo unico.

Tra i nomi più rappresentativi figura anche Stéphane Rolland, celebre per le sue silhouette architettoniche, i volumi monumentali e una couture dal forte impatto scenografico.

Haute Couture P/E 2026

L’Haute Couture continua a essere il luogo dove la creatività si esprime senza limiti. L’edizione Primavera/ Estate 2026 è stata l’edizione dei grandi debutti e delle nuove direzioni creative, ma anche quella in cui la natura è diventata il filo conduttore delle collezioni.

Tra le sfilate più attese, Valentino ha presentato la nuova visione di Alessandro Michele, che continua a reinterpretare il patrimonio della maison con il suo linguaggio colto e teatrale.

Grande attenzione anche per Chanel, chiamata a inaugurare una nuova fase creativa con il debutto couture di Matthieu Blazy. Leggera, sofisticata e profondamente poetica, la collezione prende vita all’interno di un bosco magico.

Per Dior cresce l’attesa intorno alla nuova direzione artistica di Jonathan Anderson, destinato ad aprire un nuovo capitolo nella storia della maison. Lo stilista immagina la couture come una “camera delle meraviglie” dove natura e artigianato dialogano continuamente.

Tra le collezioni più spettacolari spicca, infine, Schiaparelli con The Agony and the Ecstasy, firmata da Daniel Roseberry. Ispirandosi alla monumentalità della Cappella Sistina e al dialogo tra sublime e inquietudine, il direttore creativo dà vita a un vestiario fantastico popolato da pungiglioni, creature rettiliane, forme aracnidi e silhouette scolpite. Tra i look destinati a entrare nella storia della maison spicca Scorpion Sister, un abito-
scultura impreziosito da un gigantesco scorpione dorato. Altrettanto iconico è Isabelle Blowfish, omaggio alla giornalista e musa
Isabella Blow: un abito che richiama le forme del pesce palla attraverso volumi scultorei, ricami e applicazioni tridimensionali.

Oggi: il ritorno della meraviglia

Dal 6 al 9 luglio, l’Haute Couture Autunno-Inverno 2026 riporterà Parigi al centro della scena internazionale. Tra debutti, nuove direzioni creative e straordinarie lavorazioni artigianali, le maison saranno chiamate a immaginare il futuro dell’Alta Moda. Ancora una volta, l’Haute Couture si confermerà il luogo dove creatività, innovazione e savoir-faire si incontrano, dando vita alle tendenze che ispireranno l’intero mondo della moda.

Photocredit: Fashion Network, Pinterest

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Pedro Pascal si afferma come icona fluid gender grazie a una presenza che ridefinisce i codici estetici contemporanei. Tra red carpet, cinema e impegno sociale, incarna una mascolinità libera, attenta ai diritti LGBTQ+ e transgender.

Chi è Pedro Pascal

Pedro Pascal nasce a Santiago del Cile nel 1975 e cresce tra America Latina e Stati Uniti, dopo che la sua famiglia lascia il paese durante la dittatura. Il suo vero nome è José Pedro Balmaceda Pascal e la sua formazione artistica si sviluppa tra New York e Los Angeles.

Attore carismatico, ironico e profondamente empatico, oggi è molto più di un interprete: rappresenta un segno dei tempi. Riconosciuto per il suo sostegno ai diritti LGBTQ+, incarna una personalità fluida, in linea con una società sempre più attenta ai diritti umani.

Nonostante sia un volto della “vecchia Hollywood”, a oltre 50 anni mantiene un’immagine fresca, anticonformista e vicina alle nuove generazioni.

 On Set: ascesa cinematografica

Il successo di Pedro Pascal non è stato immediato: per anni ha lavorato in ruoli minori in serie TV, fino alla svolta con Game of Thrones, dove interpreta Oberyn Martell.
Da quel momento, la sua carriera prende il volo con titoli come Narcos, The Mandalorian, The Last of Use Gladiator 2 che lo consacrano star globale. Tra i suoi progetti più recenti figurano: The Unbearable Weight of MassiveTalente e Strange Way of Life.
Questa varietà dimostra una versatilità capace di spaziare tra azione, dramma e cinema d’autore.

Pascal Fluid-gender

 Negli ultimi anni, Pedro Pascal è diventato un simbolo di stile fluid gender, incarnando una visione moderna dell’identità. I suoi look sui red carpet rompono gli schemi tradizionali: camicie trasparenti e silhouette morbide. Dettagli che sfidano la distinzione rigida tra maschile e femminile.
Questo approccio riflette una società in evoluzione. L’abbigliamento diventa espressione dell’individuo, non del genere.

Attivismo sociale: diritti LGBTQ+

L’impegno di Pascal per i diritti LGBTQ+ è concreto e personale. Il punto di svolta è profondamente familiare, legato al coming out come donna trans della sorella Lux Pascal nel 2021. Da allora il suo attivismo sociale è diventato pubblico e costante: porta orgogliosamente con sé Lux ad eventi e carpet. Usa la propria visibilità per sensibilizzare.

Tra gli eventi chiave degli ultimi anni ricordiamo un post su Instagram nel febbraio 2024 in cui l’attore condivide su Instagram lo sticker “A world without trans people has never existed and never will”.

A marzo 2026 viene fotografato a Los Angeles durante una manifestazione con il cartello “NO KINGS, ONLY QUEENS”, slogan pro-fluidità di genere e contro il patriarcato. 

Il ‘Daddy di Internet’ conquista i brand

 La sua immagine spesso definita ‘Internet daddy’ è fresca, accessibile ma sofisticata, capace di dialogare con le nuove generazioni.

Il suo stile fluido e contemporaneo lo ha reso estremamente appetibile per i brand globali. Emblematico è il corto pubblicitario Apple “Someday” realizzato per le nuove Airpods 4, diventato virale con milioni di visualizzazioni.
Oltre ad Apple, l’attore è stato scelto da diversi brand per rappresentare una nuova idea di stile maschile.

Tra le collaborazioni rilevanti spiccano Valentino, che lo ha vestito in numerose occasioni ufficiali con look audaci e sofisticati, tra cui ricordiamo il Red Hot look al Met Gala 2023. Con Bottega Veneta Pascal ha condiviso un’estetica contemporanea e minimale.

Pascal per Chanel Eyewear 2026

 La collaborazione più significativa e recente è quella con Chanel, che lo ha scelto come volto per la nuova campagna Eyewear Spring Summer 2026. Una decisione che segna un cambio di visione: Chanel, storicamente legata a un’immagine femminile classica, abbraccia una figura maschile fluida, simbolo di una nuova eleganza inclusiva. Matthieu Blazy, direttore creativo della Maison, lo ha definito come ‘un uomo straordinario e un attore incredibile’.

La scelta di Pedro Pascal come nuovo volto Chanel va oltre una semplice operazione di casting. Segna un’evoluzione. Chanel con Blazy vuole dare un’identità presente ben precisa alla sua maison: moderna, contemporanea e aperta alle nuove generazioni.

Oltre il sex symbol: il volto dell’Era fluida

Pedro Pascal rappresenta oggi una figura culturale chiave: un uomo che ridefinisce la mascolinità attraverso autenticità, libertà espressiva e impegno sociale.

Il fatto che brand iconici lo scelgano dimostra quanto la moda, il cinema, la musica, stiano evolvendo verso una rappresentazione più ampia e inclusiva. Con il passare degli anni, l’attore si afferma come sex symbol contemporaneo, capace di conquistare anche le nuove generazioni, non solo per il suo fascino, ma per ciò che rappresenta.

Pascal è, dunque, espressione di come il linguaggio visivo moderno voglia rompere con gli schemi rigidi del passato. Non in modo provocatorio, ma superandoli con naturalezza, rendendo la fluidità qualcosa di estremamente accessibile e ordinario.

Photocredit: Pinterest

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Nel cuore di Brera, tra gallerie d’arte e vie storiche, Robertaebasta rappresenta un universo sofisticato dove il Novecento prende forma attraverso pezzi unici e una sensibilità estetica inconfondibile. Oggi, infatti, è considerata un punto di riferimento internazionale per collezionisti e appassionati di design.

Robertaebasta: dalle origini all’eccellenza

Fondata nel 1967 da Roberta Tagliavini, Robertaebasta nasce con una visione chiara: unire estetica, storia e ricerca. Fin dall’inizio, la galleria si distingue per una selezione raffinata di arti decorative del XX secolo e design d’autore.

In particolare, lo stile si muove tra Art Déco, Liberty ed eclettismo, creando ambienti scenografici e armoniosi. Inoltre, ogni oggetto è scelto con cura per dialogare con lo spazio, trasformandolo in un’esperienza visiva unica.

Roberta Tagliavini: visione e identità

Nata a Milano, Roberta Tagliavini sviluppa il proprio linguaggio estetico partendo da una boutique storica in zona San Babila. È proprio qui che nasce il nome “Robertaebasta”, simbolo di carattere e identità forte.

Successivamente, il trasferimento a Brera segna una svolta importante. Oggi il brand conta tre gallerie a Milano e una a Londra, tutte curate direttamente dalla fondatrice.

Dal 2021, inoltre, la sua popolarità cresce grazie alla partecipazione al programma televisivo Cash or Trash, che la consacra al grande pubblico come “La Mercante di Brera”.

Un’estetica tra vintage e contemporaneo

Entrare da Robertaebasta significa immergersi in un ambiente dove passato e presente convivono in perfetto equilibrio. Da un lato, troviamo il fascino del vintage e delle arti decorative del Novecento; dall’altro, una visione contemporanea capace di reinterpretare gli spazi.

Di conseguenza, ogni galleria diventa un luogo narrativo, in cui gli oggetti non sono semplici elementi d’arredo, ma veri protagonisti di una storia estetica.

I pezzi iconici in galleria

All’interno delle gallerie è possibile trovare una selezione esclusiva di oggetti, tra cui:

• Specchi Art Decò con cornici dorate o incise, ideali per amplificare luce e spazio
• Lampade francesi degli anni ’30, eleganti e senza tempo
• Lampadari in cristallo dalle geometrie raffinate
• Applique in ottone lavorato e dettagli ricercati
• Tavolini intarsiati e credenze dalle linee sinuose
• Sedute iconiche e oggetti in vetro artistico

Inoltre, non mancano ceramiche decorative, antiquariato e complementi vintage selezionati con grande rigore secondo il gusto esclusivo della Tagliavini.

Robertaebasta al Fuorisalone 2026

In occasione della Milano Design Week 2026, Robertaebasta si trasforma in un vero e proprio spazio esperienziale. Per l’evento, infatti, la galleria ospita tre installazioni speciali.

Tra queste spicca Still 1492 | Never Ending Story, progetto realizzato in collaborazione con Angelino Artworks e l’artista internazionale Fidia Falaschetti. L’opera, un totem monumentale, affronta tematiche profonde legate ai diritti dei popoli nativi americani.

Parallelamente, la galleria accoglie anche i progetti di Seguso Vetri d’Arte e Best of Belgium, arricchendo ulteriormente l’esperienza espositiva.

La Mercante di Brera: un simbolo di stile

Oggi Robertaebasta è sinonimo di eleganza, ricerca e autenticità. Grazie alla visione di Roberta Tagliavini e al contributo del figlio Mattia Martinelli, il brand continua a evolversi mantenendo una forte identità.

Inoltre, la presenza in fiere internazionali come BRAFA e Masterpiece London conferma il suo prestigio nel panorama globale.

In conclusione, “La Mercante di Brera” non è solo un titolo, ma una vera dichiarazione di stile: un modo unico di interpretare il design e trasformare l’antiquariato in emozione.

Photocredit: RobertaebastaArtgallery, AliceArdore, Pinterest, AngelinoatWorks

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Una storia che si rinnova

Il taglio corto non è mai stato una novità assoluta: è una moda che ciclicamente torna a imporsi, riflettendo i cambiamenti sociali e culturali. Già negli anni ’50, seppur con linee più morbide e strutturate, iniziava a farsi spazio tra le donne più audaci. Negli anni ’60 esplode il pixie cut, reso celebre da Twiggy, simbolo di emancipazione e rottura degli schemi tradizionali. Gli anni ’80 e ’90 portano versioni più ribelli e grunge ma raffinate, con donne audaci come Lady Diana e Madonna. I primi anni 2000 lo reinterpretano in chiave chic e minimal in un caschetto corto con lunghe punte in avanti (A-line bob o pob), reso iconico da Victoria Beckham.

Le tendenze del 2026

Ma veniamo al 2026. Tra le tendenze più forti ritroviamo il pixie cut destrutturato, leggermente spettinato e naturale, perfetto per un look effortless ma sofisticato. Esibito in una versione più cool che mai dall’iconica Meryl Streep nei panni di Miranda Priestley ne Il diavolo veste Prada 2. Grande ritorno anche del bob corto, spesso portato sopra la mandibola, con linee nette o leggere scalature per dare movimento.

Molto richiesto è anche il buzz cut, il taglio rasato che rompe definitivamente con l’idea tradizionale di femminilità, diventando un simbolo di forza e sicurezza. Accanto a questo, il bixie (via di mezzo tra bob e pixie) conquista chi cerca un compromesso tra praticità e versatilità.

La parola chiave è personalizzazione: ogni taglio viene adattato ai lineamenti e alla personalità, rendendo il corto estremamente contemporaneo. Ma vediamo da chi arrivano questi hair trends per la primavera/estate 2026.

Celebrities che ci hanno dato un taglio

Il fascino del corto conquista sempre più star, ognuna con una propria interpretazione. E, si sa, che dalle icone generazionali la diffusione del trend si espande in maniera esponenziale proprio come un algoritmo social.

Partiamo da lei, Hailey Bieber che ha reso iconico il bob lucido e minimal, diventato uno dei tagli più richiesti nei saloni. Zendaya ha rivoluzionato completamente il suo look reinventando il pixie con un haircut trasformabile passando da look sleek a volumi più morbidi. Margot Robbie, appena reduce dal successo di Cime Tempestose, sfoggia un total new look con un caschetto corto e frangetta che le conferisce un aspetto più naturale e fresco.

Sta facendo parlare di sé Gracie Abrams, sia per la sua love story con Paul Mescal che per il suo chic bixie cut morbido e naturale, mentre l’internazionale icona chic Lily Collins gioca con un micro bob grafico dal sapore rétro, definito anche French bob, che sottolinea la sua eleganza parisienne in chiave attuale.

Tra le altre protagoniste del corto troviamo Florence Pugh, che alterna buzz cut e pixie con grande sicurezza, Emma Stone, spesso fedele a bob corti e sofisticati, e Taylor Russell che incarna perfettamente l’estetica del super corto moderno con tagli essenziali e raffinati.

Modelle e passerelle: l’haircut come linguaggio visivo

Nel mondo della moda, il corto è ormai un codice estetico consolidato che domina le passerelle 2026. Gli stilisti lo prediligono per la sua capacità di eliminare il superfluo e concentrare l’attenzione su silhouette, volumi e identità. È una scelta estetica, ma anche narrativa. Le tendenze principali includono pixie scalati con frangia a tendina, caschetti geometrici per arrivare a tagli androgini.

Volti come Adut Akeche e Ruth Bell hanno reso i capelli corti, spesso rasati o appena accennati, un tratto distintivo sulle passerelle internazionali. Anche le modelle Poppy Miles e Akolde Meen sono espressione di questo linguaggio stilistico.

Non un semplice taglio: una rinascita

Perché proprio adesso assistiamo a questo ritorno massiccio del taglio corto? La risposta va oltre la moda e la praticità giornaliera.

Tagliare i capelli è sempre stato un gesto carico di significato. Non è solo cambiare look: è interrompere una continuità, ridefinire la propria immagine, a volte persino segnare un nuovo inizio.

Scegliere un taglio corto oggi diventa un simbolo di indipendenza e autodeterminazione, obbliga a esporsi, a rinunciare a un elemento tradizionalmente associato alla seduzione e alla protezione. È una scelta che sposta l’attenzione: dai capelli al volto, dall’apparenza all’espressione, dall’idea che la femminilità debba necessariamente passare attraverso una lunga chioma.

Una nuova grammatica del femminile

Ma è davvero una negazione della femminilità? E’ proprio qui emerge una nuova chiave di lettura: dietro un taglio corto spesso si nasconde una femminilità più consapevole, meno decorativa e più identitaria, che non ha bisogno di codici prestabiliti per esistere.

La domanda non è se il corto sia femminile o meno, ma quanto siamo pronti a riconoscere una femminilità che non ha bisogno di essere addolcita, ornata o nascosta.

Nel 2026 la risposta, allora, sembra chiara: il corto non sottrae nulla, non è maschile né femminile, semmai amplifica, rivela, rafforza. E’ incredibilmente potente.

Photocredit: Pinterest

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Dal 2025 carico di aspettative a un 2026 che le supera tutte: Zendaya si impone come protagonista assoluta tra cinema, moda e cultura pop. Un anno d’oro, scritto con stile impeccabile e presenza magnetica.

Dalle premesse del 2025 alla consacrazione del 2026

Il 2025 aveva già lasciato intravedere un orizzonte luminoso per Zendaya, tra set in fermento e produzioni attesissime. Ma il 2026 si è rivelato ben più di una promessa mantenuta: un anno straordinario in cui l’attrice conquista non solo il cinema con una line-up impressionante, ma anche la moda, il mondo delle collaborazioni di lusso e i social. Tra red carpet impeccabili, nuovi progetti e una vita privata sempre più elegante e riservata accanto a Tom Holland, Zendaya si conferma come l’icona assoluta del suo tempo.

Blockbuster season

Zendaya si afferma sugli schermi del 2026 con una maratona cinematografica che è solamente al suo inizio. L’abbiamo appena vista a Los Angeles alla première di The Drama, affiancata dal coprotagonista Robert Pattinson. La Zendy si è presentata in un look da sposa: ricicla l’abito bianco satin di Vivienne Westwood indossato agli Oscar nel 2015.  Quest’abito oggi ha un altro significato, poichè è reinterpretato perfettamente per la sua bridal era!

Quest’estate attendiamo di vederla nelle sale con i due colossal The Odyssey e Spider-Man: Brand New Day. Entrambi gli eventi sono super attesi, sia per osservare quanto divinamente riuscirà ad ammaliarci sui carpet sia per vederla nuovamente recitare al fianco del suo Tom Holland.

D’inverno è fissata l’uscita di Dune 3, per terminare in maniera epica questo 2026 cinematografico.

Ma non è finita qui. Ad aprile è prevista l’uscita, su diverse piattaforme a seconda del paese, della nuova stagione di Euphoria, in cui dopo una pausa di oltre 4 anni, Zendaya torna nei panni di Rue.

Red carpet supremacy

Ancor più che nelle sale, Zendaya ha imparato a stupirci agli eventi e carpet internazionali. La sua presenza è diventata sinonimo di perfezione e naturalezza. Il merito? Suo sicuramente, ma molto va dato a Law Roach, il suo ‘image architect’, che l’ha accompagnata fin dagli inizi della sua carriera. Insieme hanno costruito un’identità stilistica riconoscibile: elegante ma mai prevedibile, sofisticata ma sempre giocosa e spontanea. L’attrice americana è apparsa a sorpresa agli Oscar 2026 come presentatrice in un abito custom monospalla marrone di Louis Vuitton.

Ai 2026 Essence Black Women in Hollywood Awards ha, invece, sfoggiato un abito floreale bianco e oro Cachè vintage. Ma la Zendy aveva già ammaliato i fan in un abito bianco durante l’ultima sfilata di Louis Vuitton. Adesso non ci rimane che attendere il prossimo Met Gala, dove lei e il suo stilista Law Roach hanno sempre stupito gli spettatori con look innovativi, tra i più iconici dell’evento.

Zendaya Ambassador

Nel frattempo, il suo status di icona globale la rende una delle Ambassador più ambite del panorama fashion e beauty. Nel 2026 consolida i contratti con Lancome, On, e Louis Vuitton. Proprio per Vuitton l’abbiamo vista recentemente nella nuova campagna pubblicitaria della Speedy 2026, dove ha sfoggiato il suo nuovo taglio corto che incarna perfettamente la sua identità e quella della maison: moderna, raffinata, mai scontata.

Bridal Era: l’arte della privacy

In un’epoca dove ogni momento personale viene condiviso, Zendaya cerca la privacy. Lei, sempre sotto i riflettori, sceglie in linea con il suo compagno Tom Holland di proteggere la vita privata. I due attori si sono conosciuti sul set di Spider-Man dando vita ad una delle storie d’amore più amate di Hollywood. Oggi continuano a rincorrersi le voci di un matrimonio avvenuto in gran segreto tra le due star, dopo un’affermazione fatta da Law Roach in un’intervista durante gli Actor Award. Lo stilista ha dichiarato alla giornalista “Ve lo siete persi, c’è già stato”. Nessuna foto nè conferma ufficiale, solo sorrisi, ammiccamenti, white look e un anello sfoggiato dalla Zendy negli ultimi eventi, che stanno facendo sognare i fan della coppia.

Zendaya Code

Qual è dunque il segreto dell’impatto di Zendaya? Stile e controllo, talento e naturalezza, Il pubblico la riconosce perché riesce ad essere al tempo stesso irraggiungibile e incredibilmente reale. E mentre il 2026 continua a dispiegarsi tra nuove uscite cinematografiche, carpet e passerelle da conquistare, una cosa è certa: il futuro di Hollywood vede Zendaya come volto potente e dominante. Siamo solo all’inizio di un Zendaya Code.

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