Ultimamente possiamo notare come il confine tra cinema e moda si stia assottigliando sempre di più. Negli ultimi anni le star non promuovono semplicemente i propri film, ma li interpretano anche fuori dal grande schermo. Prima il red carpet era infatti solo un mezzo per sfilare con abiti bellissimi, ma in qualche modo “scollegati”. Ciò che invece avviene oggi è qualcosa di più interessante: gli outfit diventano parte della trama stessa.

Cos’è il method dressing?

Avete presente il “Method Acting”? Così come gli attori si immedesimano nel personaggio che interpretano, il Method Dressing amplia la narrazione cinematografica includendo red carpet, interviste e première. Ogni vestito diventa un “easter egg”, un richiamo, un segno. Nello specifico si tratta di una strategia stilistica che unisce moda e storytelling, capace di evocare il film che si presenta.

La sovrana: Zendaya

Nell’ultimo periodo sempre più stylist stanno adottando questo metodo, ma alcune star lo stanno facendo meglio di chiunque altro. La sovrana di questa tendenza è sicuramente l’attrice Zendaya che, grazie al suo amato Fashion Stylist Law Roach, gioca con colori, forme e dettagli che richiamano il plot. In occasione del suo nuovo film “The Drama” in cui interpreta una giovane sposa, l’attrice ha indossato degli abiti che rimandano alla tradizione: qualcosa di vecchio, qualcosa di nuovo, qualcosa di prestato e qualcosa di blu. O ancora, ad una delle prime proiezioni cinematografiche del film, Zendaya ha sorpreso i fan indossando una maglia con l’immagine di Edward Cullen, interpretato dalla co-star Robert Pattinson. Zendaya non si veste per essere bella (quello le viene naturale): si veste per raccontare.

Sadie Sink

Anche Sadie Sink ha recentemente dimostrato quanto possa essere raffinato e poetico il method dressing. L’attrice ha indossato per il suo debutto teatrale in “Romeo and Juliet” un abito custom Prada che richiamava quello del celebre film “Romeo+Juliet” indossato da Claire Danes. La reference al personaggio di Giulietta è stata tempestiva, grazie all’estetica sospesa tra sogno e melanconia. In questo caso il method dressing ha reso omaggio ad una grande attrice ed è diventato dialogo tra due epoche diverse.

Rachel Ziegler

Un altro esempio perfetto è quello di Rachel Ziegler durante la promozione di “Hunger Games: La ballata dell’usignolo e del serpente”. Alla premiere l’attrice ha indossato un abito che richiamava alla perfezione l’universo visivo della saga, ispirato alla protagonista Katniss Everdeen. L’abito di McQueen era cosparso di elementi luminosi, richiami al fuoco e giochi di luce. In questo modo non solo l’attrice ha ripreso uno dei look più significativi del film, ma ne ha rafforzato l’identità.

Un incantesimo senza fine

Possiamo quindi dire di apprezzare il Method dressing perché trasforma la realtà in qualcosa di molto più vicino ad una scena cinematografica. Ad ogni modo è fondamentale ricordare che dietro ogni look che ci fa sognare ad occhi aperti ci sono gli stylist: senza loro, infatti, questa strategia visiva non esisterebbe nella forma straordinaria che conosciamo, dove ogni dettaglio sembra catturato da un incantesimo senza fine.

foto: pinterest

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La collaborazione tra Weekend Max Mara, linea lifestyle del Gruppo Max Mara, e Sebago, storico brand di mocassini, giunge alla terza e ultima edizione. Oltre a essere la conclusione di una partnership commerciale, è il punto di arrivo di un dialogo stilistico coerente che fonde due identità affini. Da un lato l’eleganza rilassata e contemporanea, dall’altro la tradizione calzaturiera legata al mondo nautico. La capsule collection Primavera/Estate 2026 “A Weekend with Sebago” ruota attorno la reinterpretazione del celebre modello da barca Docksides. La scarpa è rivisitata in chiave contemporanea e mantiene l’equilibrio tra funzionalità e stile, qualità che la hanno resa un must nel corso dei decenni.

Il primo elemento di spicco è la suola bianca luminosa, che conferisce alla calzatura un aspetto fresco che rimanda immediatamente all’estate. Da questa base si sviluppano quattro varianti che giocano su diversi materiali e sulla palette cromatica, studiata appositamente per accompagnare con naturalezza i look estivi. La pelle prevede i toni neutri del bianco e del marrone, mentre il suede, morbido e materico, si presenta blu o khaki.

Il vero dettaglio che definisce questa edizione è costituito dai lacci intrecciati, tono su tono, che percorrono i lati della scarpa e annodati sul davanti. Questi nodi sono poi arricchiti da macro-nappe applicate sulla tomaia. Questo elemento stilistico decorativo è evidente e deciso, ma non compromettono il design minimal e pulito poichè le nappe sono rimovibili. Un semplice gesto può rivoluzionare la scarpa trasformandola da pezzo caratteristico a modello essenziale capace di adattarsi a contesti diversi, dal formale all’informale. Da qui emerge chiara la filosofia adottata nello sviluppo della capsule: la versatilità dell’oggetto, capace di accompagnare momenti differenti senza perdere di identità.

L’affinità identitaria dei brand

Il cobranding è discreto e riconoscibile, con entrambi i loghi dei due marchi presenti su ogni paio. Questo segno simbolico rappresenta l’incontro tra due storie che condividono valori affini, tra cui l’attenzione alla qualità, la cura dei dettagli e la priorità di qualità e durata del prodotto, piuttosto che la stagionalità. Sebago, da sempre punto di riferimento nel panorama calzaturiero, ha costruito la propria reputazione partendo da modelli iconici come il Penny Loafer, per poi affermarsi definitivamente con le sue boat shoes. Weekend Max Mara, invece, ha sviluppato negli anni un linguaggio basato su capi versatili e sofisticati, pensati per una quotidianità dinamica. La collezione rappresenta rappresenta la sintesi delle due brand identity. Le scarpe passano da semplici accessori ad essere strumenti di stile capaci di definire l’attitudine di chi si muove con disinvoltura tra contesti diversi, dal tempo libero sul mare ai fine settimana in città.

“A Weekend with Sebago” chiude un ciclo non con un effetto sorpresa ma con la reinterpretazione intelligente del classico. Porta innovazione attraverso scelte progettuali che esaltano il vero lusso della semplicità ben costruita.

Photocredits: Weekend Max Mara

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Per la Primavera/Estate 2026 il brand italiano forte_forte incontra il marchio giapponese Suicoke per una collaborazione che mette in relazione due visioni apparentemente opposte. L’approccio sensoriale e sofisticato del primo si fonde con l’essenzialità e precisione del secondo: così nasce la capsule che reinterpreta la visione del sandalo contemporary-urban. Suicoke propone come base della calzatura la sua celebre silhouette funzionale e minimal per la quale l’azienda è nota a livello internazionale. I volumi compatti sono accompagnati da suole performanti e confortevoli, adatte ad un utilizzo quotidiano. forte_forte interviene su questa base con un lavoro preciso, fatto di dettagli, materiali e cromatismi che conferiscono un’apparenza sorprendente e inaspettata alla calzatura. 

Il modello sviluppato in collaborazione si declina in due varianti. “Grape” è caratterizzata da una palette color-block, in cui la suola in gomma più opaca introduce un elemento di lieve contrasto visivo, che però risulta deciso e armonico. “Phard”, invece, si distingue per un incontro inatteso tra il dominante rosa pesca e i dettagli in filo verde lime. Dei punti a maglia vibranti attraversano la tomaia nei due corrispettivi estremi, costituendo un paio di linee grafiche prorompenti e distintive che si scostano dalla banalità.

Composizione del prodotto

 La costruzione ben attenzionata esprime il profondo connubio dei marchi. Gli strap in nylon tecnico, cifra stilistica di Suicoke, garantiscono al tempo steso struttura, resistenza e leggerezza. Il suede della tomaia, invece, introduce la dimensione tattile calda e avvolgente. I cinturini a vista sono realizzati a punto crochet e rappresentano l’elemento identitario che coniuga la funzione alla decorazione, oltre a diventare espressione di manualità precisa, quasi domestica. A sorprendere è il piccolo dettaglio finale costituito dal singolo strass luminoso applicato con molta discrezione. Non è un semplice dettaglio ornamentale ma un accento che cattura luce e sguardo come espressione della natura speciale della collaborazione. Proprio in questo punto si concentra il lavoro di forte_forte, che sa come aggiungere emotività all’oggetto tecnico senza snaturarne l’identità originaria.

La capsule collection si accosta a un packaging dedicato ed etichette ideate appositamente per il progetto, a sottolineare la natura extra-ordinaria della collaborazione. Dalla fine di Febbraio 2026 i prodotti saranno disponibili in tutte le boutique monomarca forte_forte, online e presso una selezione di negozi multibrand internazionali. 

La dedizione di forte_forte 

Fondata nel 2002 da Giada e Paolo Forte, forte_forte ha sviluppato un percorso opposto alle accelerazioni tipiche del sistema moda. Nato in Veneto, il marchio ha puntato da sempre a valorizzare la produzione attenta e la ricerca, con riguardo per le sensazioni e i materiali. Le sue collezioni non inseguono le tendenze, si costituiscono come capitoli di un racconto basato su colori intensi, forme fluide e una relazione diretta con tutti coloro che indossano i capi.

La funzionalità di Suicoke

Suicoke nasce a Tokyo nel 2006 e ha l’onore di aver definito un’estetica riconoscibile attraverso la funzionalità. Le sue calzature uniscono influenze streetwear e il minimalismo giapponese, con un occhio di riguardo per la cura della performance e la qualità dei materiali.

Con “forte_forte loves suicoke” le due identità dialogano generando un progetto equilibrato, in cui il sandalo diventa campo di lavoro e incontro tra tecnica e sensibilità.

Photocredits: forte_forte

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L’incontro tra artigianalità e sostenibilità

La collabo tra Springa e Gaia Segattini Knotwear prende vita da una visione condivisa: eccellenza manifatturiera Made in Italy, recupero delle risorse e creatività contemporanea. Springa è l’unico brand italiano specializzato in sneakers vulcanizzate in autoclave con gomma 100% naturale, mentre Gaia Segattini Knotwear realizza maglieria pop nelle Marche utilizzando filati di giacenza o rigenerati, in edizioni limitate.

La prima sneaker vulcanizzata in maglieria

Il progetto dà forma a una sneaker inedita: fondo in gomma naturale costruito a mano e vulcanizzato in autoclave in Puglia, tomaia in cotone rigenerato proveniente dagli scarti della filiera marchigiana. Il tirante è lavorato a uncinetto, il doppio laccio – segno distintivo Springa – deriva da giacenze produttive. Un prodotto che unisce innovazione sostenibile e forte identità espressiva.

Packaging sostenibile e spirito pop

La filosofia della collaborazione si riflette anche nel packaging: una scatola progettata per durare, laserata su doppio cartone e legno naturale, prodotta nelle Marche e decorata con il pattern optical istituzionale di Gaia Segattini Knotwear. A completare il design, un pompon laterale staccabile aggiunge una nota ludica e distintiva, richiamando l’anima giocosa e musicale del brand di maglieria. Il risultato è una sneaker contemporanea che ridefinisce il concetto di calzatura sostenibile, unendo recupero, espressività pop e lavorazione d’eccellenza.

Edizione limitata e preorder

La sneaker Springa x Gaia Segattini Knotwear sarà prodotta in unità limitate, confermando la vocazione dei due brand per le edizioni speciali e irripetibili. Sarà possibile acquistarla in preorder dal 25 febbraio sul sito ufficiale di Springa. Un’occasione per indossare un prodotto che racchiude artigianato italiano, innovazione responsabile e creatività contemporanea, simbolo di una nuova visione della sneaker Made in Italy.

Una sneaker contemporanea che ridefinisce il concetto di Made in Italy tra recupero, design pop e lavorazione d’eccellenza.

PHOTOCREDITS: DRIVECLOUD CS

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Nel panorama del lusso online è tutto animazioni fluide, minimalismo, perfezione, Hermès inserisce linee irregolari, mondi illustrati, animali immaginari che attraversano le categorie prodotto senza trasformarsi in didascalie decorative. Le immagini non spiegano cosa comprare. Costruiscono un’atmosfera.

Il lusso che sceglie l’autorialità

Moda e arte dialogano da sempre. Ma quasi sempre lo fanno in spazi “protetti”: una capsule, una mostra, una vetrina speciale. Qui no. Qui l’arte entra nell’infrastruttura quotidiana del brand. Nel luogo più funzionale di tutti: il sito. Affidare quell’ambiente a un’illustratrice significa accettare qualcosa che il digitale tende a eliminare: l’imprevedibilità. Il tratto non è standardizzato. Non è neutro. In un momento in cui molti siti luxury sembrano standardizzati, Hermès decide di sporcare l’interfaccia con personalità per essere riconoscibile.

Il sito come spazio curatoriale

Navigando, non si ha la sensazione di sfogliare un catalogo. Si attraversano sezioni come fossero stanze. Le illustrazioni introducono, suggeriscono, accompagnano. Prima dell’acquisto c’è l’immaginario. Il sito smette di essere una piattaforma neutra e diventa uno spazio curato, non urlato. Costruito con lo stesso ritmo lento che caratterizza le boutique fisiche del brand. Hermès non sta semplicemente rendendo il digitale più “bello”. Sta trasferendo online la propria idea di lusso. Tempo dilatato. Silenzio visivo. Centralità del racconto.

Il digitale come nuova boutique

In un’epoca dominata dallo scroll compulsivo e dall’estetica generata in serie, introdurre manualità è quasi un atto politico. Significa dire che anche online esiste spazio per il gesto, per l’autore, per una certa dose di imperfezione controllata. E forse è proprio questa la vera trasformazione: il digitale non come vetrina performativa, ma come estensione dell’esperienza fisica. Una boutique che non replica lo spazio reale, ma ne conserva l’intenzione.

Foto: Pinterest

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Nel panorama del lusso contemporaneo, la performance non è più soltanto una questione di funzione, ma di visione progettuale. È da questa consapevolezza che nasce la collaborazione tra Mizuno e 10 Corso Como, un incontro che porta il running fuori dalla dimensione puramente sportiva per inserirlo in un discorso più ampio, fatto di design, cultura e sperimentazione.

Con l’Aurora Reflective Running Capsule, presentata a Milano nel Febbraio 2026, il movimento diventa un atto consapevole, un gesto che dialoga con lo spazio urbano e con la luce, elemento centrale dell’intero progetto.

Tra competenza tecnica e visione curatoriale

Da un lato Mizuno, marchio giapponese con oltre un secolo di storia, sinonimo di rigore tecnico, ricerca sui materiali e attenzione al gesto atletico. Dall’altro 10 Corso Como, luogo simbolo della contaminazione tra moda, arte e lifestyle, capace di trasformare il retail in esperienza culturale.

La collaborazione non si limita alla creazione di una capsule, ma si estende a un vero e proprio ecosistema narrativo: il pop-up store Mizuno e la Mizuno House, spazio immersivo pensato come hub di incontro, racconto e condivisione. Un approccio che riflette una tendenza sempre più evidente nel sistema del lusso: non vendere prodotti, ma costruire significati.

Il progetto come sistema

La Aurora Reflective Running Capsule si compone di tre capi – giacca, t-shirt e short 2-in-1 – concepiti come un sistema modulare, in cui ogni elemento dialoga con l’altro. Le silhouette oversize, il design essenziale e i dettagli riflettenti non rispondono a una logica decorativa, ma funzionale ed espressiva allo stesso tempo.

La luce diventa materiale progettuale: le stampe riflettenti ispirate all’aurora reagiscono all’ambiente, rendendo visibile il corpo in movimento senza alterarne la pulizia formale. È un equilibrio sottile, che avvicina il linguaggio della performance sportiva a quello del lusso funzionale, dove estetica e funzione non sono mai in conflitto.

Tra design, tecnologia e lifestyle athletics

Particolarmente significativo è il lavoro sui Multi Pocket Shorts 2-in-1, già riconosciuti nel panorama del design europeo. Il sistema di tasche a 360° integrato nella struttura del capo dimostra come l’innovazione tecnica possa diventare parte integrante del design, senza comprometterne la leggibilità estetica.

Questo approccio riflette il concetto di lifestyle athletics promosso da Mizuno: capi pensati per la prestazione, ma capaci di inserirsi con naturalezza nel quotidiano urbano. Un tema centrale anche nella formazione creativa contemporanea, dove la progettazione richiede una visione trasversale, capace di unire ergonomia, sostenibilità culturale e identità visiva.

Milano come piattaforma culturale

La scelta di Milano come palcoscenico del progetto non è casuale. Durante il mese di febbraio, la città si conferma piattaforma internazionale di dialogo tra moda, design e cultura. In questo contesto, la Mizuno House si propone come luogo di scambio e riflessione, dove il prodotto diventa pretesto per raccontare processi, valori e visioni.

Oltre la capsule

La collaborazione tra Mizuno e 10 Corso Como rappresenta un esempio concreto di come il lusso contemporaneo stia evolvendo verso una dimensione più progettuale e meno ostentativa, in cui la qualità del pensiero conta quanto quella del prodotto.

Per studenti, creativi e professionisti del settore, la Aurora Reflective Running Capsule offre uno spunto interessante: ripensare la performance non come limite, ma come territorio di sperimentazione, dove tecnica, cultura e identità si incontrano. Perché oggi, anche correre, può essere un atto di design.

Foto: Press Kit Ufficio Stampa Mizuno Italia

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 Beyond the Normcore: il corpo come progetto culturale

La moda contemporanea sta vivendo una mutazione profonda: il “corpo normale” non è più il punto di partenza, ma una costruzione culturale da smontare. L’Adaptive Fashion la moda pensata per corpi diversi, disabili, neurodivergenti, amputati, plus-size, queer sta ridefinendo l’idea stessa di vestibilità.Brand come Unhidden, fondato dalla designer britannica Victoria Jenkins, hanno portato per la prima volta l’adaptive wear alla London Fashion Week, introducendo capi con chiusure magnetiche, aperture strategiche e silhouette pensate per chi convive con disabilità o mobilità ridotta.
In Italia, la designer Giulia Bartoccioni ha presentato alla Milano Fashion Week la collezione Adaptive di Iulia Barton: no-gender, no-season, con zip regolabili e pattern progettati per dialogare con protesi e sedie a rotelle.
Non si tratta più di “rendere comodo un capo”: si tratta di democratizzare il concetto stesso di moda.

Inclusione radicale: quando lo stile è accesso, non concessione

L’inclusione non è un’estetica: è un atto politico.
Designer come Sky Cubacub, fondatore del brand queer Rebirth Garments, portano alla ribalta una moda che non vuole normalizzare, ma esaltare corpi e identità oltre il binarismo di genere e oltre l’idea di “funzionalità”. Nell’universo di Cubacub, tessuti elastici, colori accesi, cut-out e layering diventano strumenti per rompere i confini normativi su corpi trans, non-binary, disabled e fat.
Allo stesso modo, il lavoro pionieristico di IZ Adaptive dimostra come una giacca possa essere reinventata per chi vive la maggior parte del proprio tempo seduto, o come un pantalone possa essere progettato per evitare punti di pressione.
La moda inclusiva non è un sotto-settore: è un nuovo linguaggio. Un linguaggio che dice: il corpo non deve difendersi dai vestiti.

 Corpi aumentati: protesi estetiche, bio-design e nuove silhouette

Se l’adaptive fashion ha l’obiettivo di rispondere ai corpi, un’altra corrente li moltiplica: quella del corpo ampliato, che mette in dialogo moda, tecnologia, arti performative e biodesign.
Artisti come Amy Karle lavorano su un immaginario “post-umano”: abiti e sculture che imitano ossa, tessuti e strutture anatomiche, trasformando la biologia in moda concettuale.
Nei progetti di Open Style Lab (fondato da Grace Jun), designer, ingegneri ed esperti di accessibilità collaborano per creare abiti che integrano tecnologia, esoscheletri morbidi, sensoristica, materiali adattivi. Qui il wearable non serve solo a monitorare dati biometrici: serve a reinventare la postura, la silhouette, la libertà di movimento.
Iniziative recenti del CFDA/Vogue Fashion Fund, in partnership con Tilting the Lens, hanno spinto ancora più avanti questo confine: look ideati per gambe amputate come strutture estetiche, braccia protesiche trasformate in gioielli, outfit pensati per chi vive con paralisi, scoliosi o mobilità assistita. La protesi diventa dichiarazione, non correzione.

 Il futuro è un corpo espanso

Moda, disabilità, biotecnologia, identità queer, transumanesimo, body-hacking: ciò che un tempo erano mondi paralleli ora si contaminano.
Il risultato? Una moda che non solo veste, ma immagina nuovi modi di essere corpi.
Non più abiti pensati per “corpi adatti”. Ma corpi che si appropriano della moda per ampliare se stessi.
In questa prospettiva, il futuro non sarà dominato da un ideale universale, ma da molteplici forme di bellezza: aumentate, ibride, rivendicate, politiche, libere.

Foto: Pinterest,Google

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Parigi come cornice sospesa

La collezione Primavera-Estate 2026 prende vita in una dimora disabitata a pochi passi dagli Champs-Élysées, immersa in un giardino lasciato crescere libero. Lo shooting cattura l’essenziale: la materia, il corpo e la relazione tra uomo e natura. In questo spazio sospeso, la moda diventa rituale, respirando con il ritmo lento e imprevedibile del giardino. Non è solo estetica, è poetica dell’imperfezione. Parigi non è più solo capitale della moda, ma teatro di un’idea nuova: l’Eden contemporaneo, fragile e vivo.

Un giardino imperfetto

Il cuore della collezione è l’idea di un Eden umano, segnato, contaminato. I tessuti non tinti e la maglieria trasparente evocano la purezza del corpo e della materia nella sua forma più naturale, mentre gli abiti volutamente sgualciti e le linee morbide interrompono ogni ricerca di perfezione. L’eleganza diventa quindi consapevole: non ostenta, ma comunica la sincerità del gesto. La collezione accoglie l’imperfezione come linguaggio, trasformando il vestire in un atto poetico.

Paradise in rovina

La stampa “Paradise”, creata dall’artista Dominic Myatt, definisce il tono concettuale della stagione. Non un paradiso incontaminato, ma un giardino offuscato, disseminato di rifiuti e segnato dalla decadenza. Stampata su georgette, maglieria e felpa, racconta la fragilità dell’utopia e la bellezza che nasce dall’imperfezione. È un invito a osservare la realtà con occhi nuovi: la rovina diventa estetica e la perdita si trasforma in poesia. Il contrasto tra materiali preziosi e motivi decadenti amplifica il messaggio, mostrando che anche la disarmonia può avere eleganza. La collezione diventa così metafora della contemporaneità: un mondo dove la perfezione è illusione e il vero valore risiede nella capacità di reinventarsi.

Materia, lusso e verità

Cotone organico, lana, acetato, viscosa e poliestere riciclato rendono concreta la filosofia della collezione. Non è solo sostenibilità, ma una scelta narrativa: rispettare la materia, valorizzarne l’autenticità. La moda diventa esperienza sensoriale e poetica, un invito a guardare la bellezza nel reale, anche quando non è più perfetta. La Primavera-Estate 2026 insegna che il paradiso contemporaneo non è luogo, ma sguardo consapevole: fragile, imperfetto e profondamente umano.

PHOTOCREDITS: Vivienne Westwood

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Il nuovo lusso: una serata tutta per sé

Stuart Weitzman New York presenta la sua Campagna Holiday 2026 “Life of the Party” con protagonista Keke Palmer, celebrando la donna moderna che non smette mai di evolversi. Dopo un anno di successi e traguardi, la donna Stuart Weitzman sceglie di vivere il lusso più autentico: una serata silenziosa, tutta per sé, in cui ritrovare equilibrio, ispirazione e spazio per i propri pensieri più audaci.È un concetto di lusso che va oltre l’apparenza: non si tratta solo di feste e luci scintillanti, ma di consapevolezza e autenticità. Una pausa di libertà e riflessione, dove il vero “party” è interiore e si celebra con stile, naturalmente firmato Stuart Weitzman.

La donna che incarna il brand

Stuart Weitzman conosce la sua donna: sono io.Sono sempre impegnata a destreggiarmi tra mille attività famiglia, vita privata, carriera. L’idea che il massimo del lusso sia una serata tutta per me mi ha davvero toccata,racconta Keke Palmer. “Scrivo un diario da tantissimo tempo, quindi questo messaggio mi risuona profondamente. E poi, indosso e amo questo brand da anni! Le scarpe e le borse scintillanti della collezione sono semplicemente meravigliose.”

Palmer, premiata con un Emmy Award, cantante, attrice, autrice e imprenditrice, rappresenta perfettamente la donna Stuart Weitzman: determinata, poliedrica e sicura di sé. Dalla conduzione del suo podcast “Baby, This is Keke Palmer”, alla fondazione di KeyTV Network, una piattaforma che amplifica voci diverse e sottorappresentate, fino alla co-fondazione dell’etichetta Big Bosses Entertainment, Palmer è una forza creativa in continua espansione una “boss” nel senso più autentico del termine.

Una visione in bianco e nero

Per “Life of the Party”, Keke Palmer indossa la nuova Collezione Holiday 2026: décolleté e plateau dalle linee sensuali, arricchiti da dettagli in cristallo e pellami neri dal finish brillante, perfetti per le feste e per ogni momento in cui si vuole brillare.Gli scatti firmati dal fotografo Philip-Daniel Ducasse catturano Palmer in un’atmosfera intima e sofisticata, in bianco e nero un richiamo al vocabolario visivo iconico e minimalista del brand. A firmare lo styling è Gabriella Karefa-Johnson, celebre per il suo approccio narrativo e per il suo impegno nella promozione della diversità nella moda. Il risultato è una serie di immagini che parlano di forza, femminilità e autenticità, senza bisogno di parole.

La filosofia Stuart Weitzman: forza ad ogni passo

Dal 1986, Stuart Weitzman New York celebra le donne che continuano a muoversi avanti, un passo dopo l’altro. Il brand unisce artigianalità, ingegneria di precisione e design raffinato per creare calzature che non solo esaltano la bellezza, ma ispirano forza e fiducia a ogni passo.Oggi, dopo oltre 35 anni di maestria nella creazione di scarpe, Stuart Weitzman ha ampliato il suo universo con borse, occhiali e, più recentemente, una linea maschile sempre fedele alla sua filosofia: ispirare sicurezza, eleganza e potere interiore.

Un’eredità di stile firmata Caleres

Stuart Weitzman fa parte del portafoglio Caleres, gruppo leader mondiale nel settore footwear, che riunisce marchi iconici come Famous Footwear, Sam Edelman, Allen Edmonds, Naturalizer e Vionic. Con quasi 150 anni di storia, Caleres continua a ispirare le persone a sentirsi bene a partire dai piedi.

Scopri “Life of the Party”

La campagna e la Collezione Holiday 2026 sono disponibili su stuartweitzman.com, nelle boutique Stuart Weitzman New York e presso selezionati rivenditori in tutto il mondo.Perché, come dimostra Keke Palmer, il vero lusso è sentirsi la protagonista della propria vita un passo scintillante alla volta.

Credits:

Campagna fotografica di Philip-Daniel Ducasse

Styling di Gabriella Karefa-Johnson

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Oltre la moda: il racconto come urgenza creativa  

C’è qualcosa in Antonio Marras che va oltre la moda. Non è solo uno stilista, ma un narratore di mondi. Fin dagli esordi, nel 1987, la sua visione ha valicato i confini del tessuto per intrecciarsi con l’arte, la danza, il teatro, il cinema. Ogni collezione è una storia cucita con la cura dell’artigiano e l’anima del poeta. E come ogni vero racconto, anche quello che Marras porta in passerella nasce da un’urgenza intima, da un sentire profondo.

Sardegna: radice viva e fucina inesauribile  

Sardo d’origine e di scelta, Marras ha fatto della sua terra un motore creativo inesauribile. «Abito in una regione che è un continente», racconta. Nella sua grande casa-laboratorio la famiglia diventa tribù e parte integrante di un processo che non è solo produttivo, ma affettivo, culturale. La Sardegna non è solo ispirazione, è radice, materia viva, fonte di artigianato che si rinnova e si sperimenta, sempre. Per Marras, «l’artigianalità non è mai statica, è un terreno di continua evoluzione» — un concetto che si riflette nelle sue creazioni ibride, sempre pronte a sovrapporre, unire, stravolgere e ricominciare da capo.

Marras e il gesto prima dell’idea: una creazione istintiva  

Quando gli si chiede cosa lo ispiri, lui risponde quasi con pudore: «Non so cos’è l’ispirazione». Marras non si siede, non si ferma. Lavora. Impasta, assembla, pasticcia. Crea. La sua è una forma di creazione febbrile, fisica, istintiva. Un processo in cui la mente e le mani si inseguono, si sovrappongono. È da qui che nasce anche l’ultima collezione, presentata nello store di Roma: da un fare incessante, quasi primordiale, che non ha bisogno di spiegazioni ma che chiede solo di essere abitato.

Il filo rosso che cuce legami e memorie  

Ed è proprio abitando l’atto creativo che si comprende la natura più profonda del suo lavoro. Marras non costruisce abiti: costruisce legami. Con il passato, con la sua terra, con chi lo osserva. Il suo celebre “ligazzio rubio” — il filo rosso — non è solo cifra stilistica, ma simbolo tangibile di connessione. È il filo che cuce le emozioni ai corpi, le storie agli abiti, la memoria alla materia.

Dentro la mente di Marras: una moda che parla  

Parlare con Marras significa immergersi in un pensiero fluido e autentico. Le sue parole scorrono come un fiume, senza costruzioni, senza filtri, ma dense di verità. Ogni frase è un frammento di una visione più grande, quella in cui la moda diventa linguaggio, gesto politico, atto d’amore. E forse anche un luogo in cui il dolore può trasformarsi.

Fragilità che si fa forma: la bellezza della trasformazione

Perché in fondo, il cuore del suo lavoro risiede proprio lì: nella capacità di trasformare la fragilità in forza, la ferita in bellezza. Marras non crea solo abiti. Crea passaggi. Tra emozioni e materia, tra dentro e fuori. Tra chi guarda e chi indossa.

E chi lo ascolta, ne esce cambiato.

Foto di redazione: Giulia Minniti

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