Qualche tempo fa mi sono imbattuta in un video che faceva un paragone abbastanza assurdo: i meme della Gen Z potrebbero essere il corrispettivo contemporaneo delle opere dadaiste. Più ci penso, però, più la cosa mi sembra avere senso. Il brainrot, i cani che ballano generati dall’AI, i personaggi nonsense e tutti quei contenuti che sembrano non voler dire assolutamente niente potrebbero essere il nostro modo di reagire a un presente che, in fondo, di senso ne ha sempre meno.

La Gen Z viene spesso paragonata alla Lost Generation del primo dopoguerra: due generazioni diverse, certo, ma accomunate da instabilità, crisi, ansia collettiva e dalla sensazione di avere davanti un futuro parecchio incerto.

Il dadaismo e i brainrot

Il Dadaismo nacque proprio così: davanti a una realtà diventata assurda dopo la Prima guerra mondiale, gli artisti decisero di rispondere distruggendo le regole dell’arte. Collage, parole senza senso, provocazioni e performance nonsense: se il mondo non aveva più logica, perché avrebbe dovuto averla l’arte?

Noi facciamo qualcosa di molto simile, solo con strumenti diversi. Al posto dei collage abbiamo TikTok, al posto delle poesie dadaiste abbiamo il brainrot e al posto delle performance abbiamo video di dieci secondi con personaggi generati dall’AI. Il mezzo è cambiato, ma l’idea di fondo potrebbe essere la stessa: prendere una realtà difficile da elaborare e trasformarla in qualcosa di assurdo.

Non è “degrado culturale”

Ogni generazione ha qualcuno pronto a dirle che la cultura sta morendo. E sì, alcuni meme sono oggettivamente demenziali. Ma la cosa interessante è che facevano ridere davvero. Non dovevano avere un significato profondo: erano semplicemente assurdi, immediati e condivisi da milioni di persone. Forse il brainrot è proprio questo: un nuovo linguaggio nato dalle tecnologie che abbiamo a disposizione per elaborare un presente altrettanto assurdo. E la mostra RAGE BAIT di Eva & Franco Mattes, presentata a Venezia, ne è una prova interessante: gli artisti trasformano meme, AI e meccanismi del web in materiale artistico, mostrando quanto siano ormai intrecciati alla nostra cultura e al modo in cui consumiamo informazioni.

Alla fine, forse il nostro Dada non è appeso a una parete. È nel feed.

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La nuova campagna Autunno-Inverno 2026 di Ferragamo va oltre la classica presentazione di una collezione. Attraverso l’obiettivo del fotografo Johnny Dufort, il brand racconta il mondo delle scarpe con un linguaggio creativo e sorprendente, ispirato al surrealismo.

Tra gli elementi più affascinanti degli scatti c’è la scultura dell’artista Willie Cole, realizzata interamente con scarpe, che diventa il trono della modella Anok Yai. Un dettaglio che rende le immagini ancora più d’impatto e che riflette perfettamente la visione del Direttore Creativo Maximilian Davis: trasformare oggetti quotidiani in qualcosa di inaspettato e artistico.

Le scarpe restano le vere protagoniste

Il cuore della campagna è, naturalmente, la calzatura. Ferragamo riprende alcuni dei suoi modelli più iconici e li reinterpreta con linee essenziali e contemporanee. Lo stiletto rende omaggio a un modello storico del 1954, mentre l’Opanka evolve un’innovazione introdotta negli anni Cinquanta. Anche la celebre Varina si rinnova grazie a una nuova lavorazione trapuntata, mantenendo però tutto il suo fascino.

Per Maximilian Davis ogni dettaglio conta: dalla costruzione alla vestibilità, fino alla ricerca del perfetto equilibrio tra tradizione e innovazione. Una filosofia che si riflette anche nella collezione uomo, dove eleganza e qualità artigianale continuano a essere protagoniste.

Borse da tenere d’occhio

Oltre alle scarpe, anche gli accessori conquistano la scena. La nuova Ferragamo Cara Bag attira subito l’attenzione grazie alla morbida pelle di vitello, al design essenziale e alla pratica chiusura Gancini, simbolo della maison.

Accanto a lei arriva anche la Hug Bag nella nuova versione East-West, con una silhouette orizzontale elegante e moderna, mentre la Messenger da uomo unisce funzionalità e raffinatezza. Tre proposte diverse, ma accomunate dalla stessa idea di lusso contemporaneo: essenziale, ricercato e pensato per durare nel tempo.

Courtesy of: Ferragamo

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Per anni Tesla è stata sinonimo di auto elettriche. Oggi, però, sembra che il futuro abbia un’altra forma.

Tesla sta infatti smantellando parte delle linee produttive dedicate a questi modelli nello stabilimento di Fremont per fare spazio alla prima linea industriale di Optimus, il robot umanoide presentato da Elon Musk. Un cambiamento che non è solo simbolico, ma racconta chiaramente dove l’azienda vuole investire nei prossimi anni.

I primi esemplari non saranno messi in vendita. Verranno utilizzati all’interno di Tesla per imparare nuove attività, raccogliere dati e migliorare attraverso l’esperienza. L’obiettivo, nel lungo periodo, è arrivare a produrne milioni. Un traguardo che lo stesso Musk ha definito una delle sfide industriali più difficili mai affrontate dall’azienda.

I robot sono già tra noi

Quando si pensa ai robot, viene spontaneo immaginare qualcosa di futuristico, quasi da film di fantascienza. In realtà conviviamo con loro già da diverso tempo, anche se spesso non ci facciamo caso.

Basta pensare ai robot aspirapolvere che puliscono casa in autonomia oppure ai bracci robotici utilizzati nelle fabbriche per assemblare automobili e componenti elettronici con una precisione impossibile per un essere umano. In molti ristoranti, soprattutto nelle grandi città, iniziano a comparire robot che portano i piatti ai tavoli, mentre negli ospedali vengono impiegati per trasportare farmaci e materiali.

Sono strumenti molto diversi da Optimus, certo, ma dimostrano che la robotica non appartiene più soltanto al futuro: è già una parte della nostra quotidianità.

Il Giappone ci mostra cosa potrebbe succedere

Se c’è un Paese che sembra vivere già qualche anno avanti rispetto a noi, quello è probabilmente il Giappone.

In aeroporti, centri commerciali, hotel e ristoranti è sempre più normale trovare robot che accolgono i clienti, danno informazioni, accompagnano le persone o servono ai tavoli. Non sostituiscono completamente il personale, ma lo affiancano nelle attività più ripetitive, rendendo alcuni servizi più rapidi ed efficienti.

È uno scenario che in Europa vediamo ancora solo in parte, ma che fa capire quanto la robotica possa entrare nella vita di tutti i giorni senza essere qualcosa di straordinario.

La sfida non è costruire un robot, ma renderlo utile

Per questo motivo il vero banco di prova di Optimus non saranno i video pubblicati sui social, dove il robot cammina, afferra oggetti o esegue movimenti sempre più fluidi.

La vera sfida sarà produrne migliaia, renderli affidabili, abbastanza economici e davvero utili nel lavoro di tutti i giorni. Per le automobili esiste ormai una filiera consolidata. Per milioni di robot umanoidi, invece, servono componenti e processi produttivi che oggi non esistono ancora su quella scala.

Tesla è già riuscita a cambiare il mercato delle auto elettriche. Adesso vuole fare qualcosa di ancora più ambizioso: trasformare il modo in cui immaginiamo il lavoro fisico. È difficile dire se ci riuscirà davvero. Ma una cosa è certa: il futuro dei robot non sembra più così lontano. E, forse, senza rendercene conto, abbiamo già iniziato a viverlo.

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Un pallone, oltre cento volti e un messaggio che va oltre la moda: così Louis Vuitton celebra i dieci anni della partnership con UNICEF. Il protagonista è un semplice pallone Monogram che passa di mano in mano, diventando il simbolo di unione, condivisione e speranza.

Pubblicato per la prima volta nel 1998, il libro torna oggi con una nuova edizione che riunisce oltre cento personaggi del mondo della moda, dello sport, del cinema, della musica e dell’arte, tutti uniti dallo stesso messaggio.

Oltre cento volti, un unico obiettivo

Da Parigi a Milano, passando per Tokyo, Londra e Los Angeles, ogni ritratto racconta una storia diversa. Tra i protagonisti ci sono anche tanti nomi italiani come Alessandro Del Piero, Fabio Cannavaro, Pierfrancesco Favino, Giuseppe Penone e Stefano Domenicali.

Quello che incuriosisce molto di questo progetto è proprio la sua semplicità: un gesto piccolo, come passarsi un pallone, riesce a diventare un linguaggio universale capace di unire persone, culture e generazioni.

Quando la moda può fare la differenza

Oggi siamo abituati a vedere la moda come qualcosa di estetico, ma iniziative come questa ricordano che può avere anche un valore molto più profondo. REBONDS non è solo un libro da collezione, ma un progetto con uno scopo concreto: tutto il ricavato delle vendite sarà devoluto a UNICEF per sostenere i bambini più vulnerabili nel mondo.

Ed è forse questo il dettaglio più bello: dimostrare che anche un oggetto può trasformarsi in un messaggio di solidarietà.

Courtesy of: Louis Vuitton

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Un dialogo tra moda, natura e arte. Jonathan Anderson non voleva presentare solo una collezione Couture ma invitare il pubblico ad osservare lo straordinario e laborioso savoir-faire che si nasconde dietro ad ogni pezzo della collezione.

La sfilata si è svolta nei giardini del Musée Rodin, tra felci e vegetazione che richiamavano il tema naturale della collezione. E poi, la collaborazione con l’artista Lynda Benglis, a rafforzare questo legame tra moda e arte.

Lynda Benglis e gli abiti-scultura

Lynda Benglis è una famosa artista e scultrice americana, nota per le sue sculture fluide e materiche. La sua ispirazione è centrale nella collezione, e lo si vede in vari outfit, come l’abito plissettato color argento ispirato ad una delle sue opere intitolata Toyopet Crown (1989). Mentre la modella cammina, il tessuto riflette la luce e cambia continuamente forma, quasi come se fosse una scultura in movimento.

Lo stesso dialogo continua in un abito color bronzo ispirato a Siata (1987-88).

Anche il completo due pezzi con gonna e camicia è decorato da grandi fiori bianchi che riprendono uno schizzo realizzato a penna e inchiostro dalla Benglis, l’opera Untitled (2001). Qui i fiori non sono semplici decorazioni, ma sembrano pennellate tridimensionali applicate sul tessuto.

La natura come ispirazione

La natura è presente in tutta la collezione, non solo nella scenografia ma anche nei dettagli degli abiti. Uno dei look più delicati è quello con i fiori ricamati sull’orlo e sul fondo delle maniche, ispirato a Buckler Fern (1839) di William Henry Fox Talbot — inventore e fotografo inglese. Un richiamo botanico elegante che lega perfettamente lo sfondo della passerella agli abiti.

L’arte prende forma

Tornando alla nostra artista di oggi, tra i look che colpiscono sicuramente di più, c’è un abito il cui sottogonna richiama Georgia On My Mind (2018). L’opera, realizzata a mano con carta e rete, viene reinterpretata attraverso texture, sovrapposizioni e colori che ricordano la delicatezza e la matericità della scultura originale.

E infine, l’ultimo look degno di nota è l’abito azzurro con il grande ventaglio sul davanti, ispirato a Zanzidae: Peacock Series (1979). La forma ampia e strutturata del ventaglio richiama il movimento e la leggerezza dell’opera, trasformando l’abito in una vera scultura da indossare.

Ancora una volta, Anderson non copia l’opera ma ne cattura l’essenza, trasformandola in un elemento couture capace di muoversi e prendere vita sul corpo.

Fonte foto in copertina: Photo by Kenzo TRIBOUILLARD / AFP via Getty Images)

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Ci sono collezioni che nascono da una tendenza e altre che nascono da un ricordo. È proprio questo il caso di “Via al Castello”, la nuova collezione Spring Summer 2027 di CASCINELLI, presentata da Filippo Cascinelli Staudacher durante la Milano Fashion Week. Una proposta che colpisce per la sua capacità di raccontare una storia autentica, fatta di emozioni, famiglia e luoghi del cuore.

Chi è Filippo Cascinelli

Prima di parlare della collezione, vale la pena conoscere meglio il suo autore. Filippo Cascinelli Staudacher è un giovane designer milanese che ha lanciato il suo progetto dedicato all’outerwear, CASCINELLI, costruendo negli anni un’identità ben riconoscibile nel panorama della moda contemporanea. Il suo percorso parte dall’Istituto Marangoni di Milano e prosegue negli uffici stile di Prada Uomo. Un’esperienza che ha contribuito a definire la sua estetica fatta di linee essenziali, rigore progettuale e dettagli capaci di dare carattere ai capi.

La collezione “Via al Castello”

L’ispirazione arriva da Castel Ivano, la storica tenuta di famiglia dello stilista, dove le estati dell’infanzia prendono forma attraverso immagini di picnic sull’erba, giornate all’aria aperta e momenti di convivialità.

Quello che rende speciale questa collezione è il dialogo continuo tra tecnica e memoria. CASCINELLI amplia il proprio universo creativo andando oltre il capospalla, da sempre protagonista del brand, e costruisce un vero total look sia per l’uomo che, per la prima volta, anche per la donna.

I materiali tecnici come il nylon convivono con la gabardina di cotone e con dettagli che richiamano il mondo dell’outdoor e della montagna.

Ma dietro ogni elemento si nasconde una storia personale. I bottoni in perla ricordano l’eleganza della nonna dello stilista, mentre i colletti con fiocco e le bordature in pizzo riportano alla memoria capi custoditi nel guardaroba di famiglia.

I nuovi protagonisti della collezione

Tra le novità più interessanti troviamo l’introduzione di nuove categorie di prodotto. Gli shorts maschili spaziano da silhouette più asciutte e ispirate agli anni 50′ a modelli più ampi dal gusto quasi sartoriale. Le fodere a quadri richiamano le tovaglie da picnic delle riunioni di famiglia, aggiungendo un dettaglio narrativo che rende ogni capo ancora più speciale.

Anche i boxer assumono una nuova identità, trasformandosi da semplice underwear a vero elemento del guardaroba quotidiano. Non mancano poi gli accessori: foulard realizzati attraverso processi di upcycling, cappellini logati e la prima travel bag firmata CASCINELLI, un accessorio pensato per accompagnare chi viaggia senza rinunciare allo stile.

La proposta femminile

Particolarmente significativa è anche l’introduzione di una proposta femminile. La minigonna da tennis e la camicia smanicata segnano l’inizio di un nuovo capitolo per il marchio, mantenendo intatta quella sensibilità raffinata che caratterizza l’intera collezione.

Courtesy of Cacinelli

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Ci sono trend che tornano perché sono belli. Altri perché raccontano una storia. La newspaper print appartiene senza dubbio alla seconda categoria. Negli ultimi mesi l’abbiamo vista riapparire sulle passerelle delle collezioni Cruise di Dior e Chanel, confermando il ritorno di una delle stampe più iconiche della moda contemporanea. Eppure, osservandola oggi, sembra avere un significato completamente diverso rispetto al passato.

Le origini: da Elsa Schiaparelli a John Galliano

Tra le prime a sperimentarla fu Elsa Schiaparelli nel 1935, quando introdusse motivi ispirati alla carta stampata nei suoi capi. Negli anni successivi molti designer ripresero l’idea, ma il vero momento di svolta arrivò con John Galliano da Dior.

Per la collezione Haute Couture Spring 2000, Galliano presentò abiti interamente ricoperti da pagine di giornale, trasformando un oggetto quotidiano in un elemento di lusso. L’ispirazione, però, era tutt’altro che glamour: lo stilista dichiarò di essersi ispirato ai clochard che utilizzavano i giornali per ripararsi dal freddo. Una scelta che generò molte polemiche.

La collezione venne criticata da parte della stampa e Galliano fu accusato di romanticizzare la povertà e la condizione delle persone senza fissa dimora. Nonostante le controversie, quella sfilata è entrata nella storia della moda.

L’abito che è diventato cultura pop

Pochi mesi dopo, la newspaper print conquistò definitivamente l’immaginario collettivo.

Nella collezione Ready-to-Wear Fall 2000 di Dior, Galliano ripropose il motivo in una versione destinata a diventare iconica. Il momento decisivo arrivò quando Sarah Jessica Parker, nei panni di Carrie Bradshaw, indossò il celebre newspaper dress in Sex and the City.

Da allora quell’abito è diventato uno dei look più riconoscibili della televisione e della moda dei primi anni Duemila. Ancora oggi continua a essere citato, reinterpretato e condiviso sui social, dimostrando quanto forte sia rimasto il suo impatto culturale.

Da simbolo del presente a simbolo della nostalgia

Per molto tempo il fascino di questa stampa è stato legato al contrasto tra un oggetto ordinario come il giornale e l’esclusività dell’alta moda. Oggi, però, il suo significato è cambiato. Se negli anni Duemila il quotidiano era ancora parte della vita di tutti i giorni, oggi la carta stampata è sempre meno presente nelle nostre abitudini. È proprio per questo che il ritorno della newspaper print appare così interessante.

Da Dior diventa un recupero nostalgico, quasi il ricordo di un’epoca in cui le notizie si sfogliavano e non si scorrevano con un dito. Da Chanel, invece, il riferimento nasce dall’abitudine di Gabrielle Chanel di leggere il giornale ogni giorno, trasformandosi così in un vero e proprio omaggio alla fondatrice del brand.

Più che raccontare l’attualità, oggi la newspaper print racconta la nostalgia. E forse è proprio questo il motivo per cui continua a tornare sulle passerelle.

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Chiamatele infradito, ciabatte, flip flops o come volete. Prima però avevano una sola identità: il mare, le vacanze, la sabbia ovunque e zero ambizioni fashion.  Erano la scarpa “facile”, quella che mettevi senza pensarci troppo e che, diciamolo, non rientrava proprio nella categoria cool. Poi, piano piano, qualcosa si è rotto — o forse si è evoluto — e oggi le ritroviamo ovunque: nei feed, nello street style, ai piedi delle it-girl e dentro outfit che non hanno più niente di “solo mare”. 

È uno di quei ritorni anni 2000 che la Gen Z ha preso e reso super attuale, ma con una vibe molto più rilassata e consapevole. Adesso sono parte del look vero e proprio.

Comode, semplici e un po’ geniali

Le infradito oggi vivono in città, non più solo in vacanza, e si indossano creando contrasti inaspettati: con pantaloni sartoriali, jeans oversize, mini essenziali o completi streetwear che giocano sul contrasto tra elegante e super casual. È un mix che a prima vista sembra “sbagliato”, ma che invece racconta benissimo il modo in cui oggi si vive la moda: meno regole, più attitudine. 

Puntare su cose comode ma che fanno comunque effetto. E le infradito, in questo, sono perfette. 

Il twist che non ti aspetti: quelle col tacco o addirittura personalizzate

E poi c’è la versione che non ci aspettavamo di vedere tornare: le infradito col tacco, indossate già da tantissime celebs. Stesso spirito minimal, ma con un’aria più “da serata”, più curata, anche se restano comunque super essenziali. Sono un po’ strane, è vero, ma proprio per questo funzionano. Alla fine crediamo che il punto sia questo: non si tratta più solo di una scarpa da spiaggia, ma di un modo di vestirsi più libero, leggero, senza troppe regole. E a volte basta davvero una infradito per farlo capire.

E siccome al giorno d’oggi, ormai, tutto va accessoriato…non potevano mancare le infradito personalizzate! Charms, stelline, spille e perfino conchiglie. Se prima questo trend lo avevamo visto con le Crocs, adesso è il loro turno.

La morale? Mai sottovalutare un ritorno anni 2000.

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Dal 3 al 7 agosto 2026 torna la Copenhagen Fashion Week e, per celebrare il suo ventesimo anniversario, promette un calendario ricco di appuntamenti. Saranno 36 le sfilate e le presentazioni in programma, tra brand già affermati e nuovi nomi pronti a farsi notare.

Tra i ritorni più attesi troviamo By Malene Birger, Stine Goya, Mfpen e Marimekko, mentre tra le novità debutteranno Almada Label e Yours Truly by Peter Jensen. Ancora una volta, Copenhagen si conferma una delle piattaforme più interessanti per scoprire il meglio della moda internazionale.

Collina Strada protagonista della stagione

La novità più importante della SS27 è l’introduzione dell’International Guest Slot, un progetto realizzato insieme a The Climate Pledge – un’iniziativa internazionale fondata nel 2019 con l’obiettivo di accelerare la lotta contro il cambiamento climatico – la quale ospiterà ogni stagione un brand internazionale all’interno del calendario ufficiale.

Ad inaugurarlo sarà Collina Strada, il marchio fondato dalla designer newyorkese Hillary Taymour. Conosciuto per il suo approccio creativo e per l’attenzione alla sostenibilità, il brand presenterà una sfilata speciale durante la settimana della moda di Copenhagen, rafforzando il dialogo tra creatività e responsabilità ambientale che da anni caratterizza l’evento.

Spazio ai nuovi talenti

Oltre ai grandi nomi, Copenhagen Fashion Week continua a investire sulle nuove generazioni.

Studio Constance entra ufficialmente nel programma NEWTALENT, dedicato ai designer emergenti, mentre Institution, vincitore dello Zalando Visionary Award 2026 e finalista del LVMH Prize, porterà la sua collezione in passerella.

È proprio questo mix tra brand affermati, giovani creativi e attenzione alla sostenibilità a rendere Copenhagen Fashion Week uno degli appuntamenti più seguiti del calendario moda. E l’edizione SS27 sembra avere tutte le carte in regola per confermarlo.

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C’è una cosa che ho notato ultimamente: le case più belle non sono quelle perfette. Anzi, spesso sono quelle più particolari.

Negli ultimi anni, infatti, il modo di arredare e decorare casa è cambiato tantissimo. Si è passati dall’ossessione per gli interni impeccabili, coordinati e quasi da catalogo, alla voglia di creare spazi che raccontino qualcosa di personale.

Quando una casa inizia a raccontare chi sei

Oggi conta molto di più l’atmosfera: luci soffuse, mobili recuperati nei mercatini, progetti DIY fatti in un pomeriggio noioso, collage appesi alle pareti, ceramiche imperfette e pile di vinili che diventano parte dell’arredamento. Forse perché una casa inizia davvero ad avere identità quando smette di sembrare costruita per essere mostrata agli altri e comincia invece ad assomigliare a chi la vive. Ed è qui che entrano in gioco gli oggetti normali.

Da oggetti comuni a dettagli di stile

Le bottiglie di vetro diventano portabracciali o vasi minimalisti. Le freccette si trasformano in appendi-collane da parete. Le scatole di latta trovano una seconda vita come portaoggetti e persino una pila di libri può diventare un comodino improvvisato. L’idea non è comprare sempre qualcosa di nuovo, ma guardare ciò che abbiamo già con occhi diversi.

E ancora, cornici spaiate, specchi trovati nei mercatini, piatti decorativi usati come quadri e utensili da cucina come porta orecchini. Oggetti che non nascono per essere “di design”, ma che lo diventano proprio grazie al modo in cui vengono reinterpretati e riutilizzati.

Come può un oggetto rappresentare la nostra società?

Potrebbe sembrare banale, ma in realtà è una tendenza che racconta molto del nostro tempo: la voglia di personalizzare gli spazi, di riutilizzare invece di sostituire e di creare ambienti che abbiano una storia da raccontare.

Non solo per risparmiare o per una questione di sostenibilità, ma perché il risultato finale è molto più interessante.

E poi, nessuno avrà mai una casa identica alla tua se gli oggetti che la riempiono hanno una storia personale. E forse è proprio questa la vera rivincita degli oggetti normali: smettere di essere semplici oggetti e diventare espressione della personalità di chi li sceglie. E a volte basta solo un chiodo, o un pizzico di creatività.

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