Un mosaico di oggetti e tessuti – o di loro frammenti – , volto a promuovere una nuova nozione di confezione. Libera dalle convezioni, svincolata da qualsiasi ordine prestabilito. Con “L’arte dell’assemblaggio nella sartoria”, la Fall Winter 2026 di Junya Watanabe viene consacrata sin da subito come una delle sfilate più dirompenti (e sensatamente centrate) della stagione.

Non soltanto per la straordinaria capacità del designer di magnetizzare lo sguardo sulle sue architettoniche costruzioni modulari. Sebbene infatti l’occhio sembri ancora una volta incapace di distogliersi o di saziarsi dell’arte di Watanabe, stavolta, ha un compito in più: costretto ad orientarsi in un percorso di oggettistica priva di un senso apparente, rimane incastrato tra patchwork di pelliccia, pezzi di ingranaggio automobilistici e cornici spezzate.

Non ci viene richiesto di trovarne il senso, né di stabilirne un equilibrio. Ci viene solo richiesto di osservare, ipnotizzati, il modo in cui la moda può creare dagli scarti. Scarti che, in ultima istanza, non devono fingere di essere altro da ciò che sono.

Il riutilizzo del già compiuto

La pelle dei guanti da motociclista non viene rilavorata né trasformata, bensì, applicata sugli abiti nella sua forma compiuta. Da prodotto finito, non da materiale di riutilizzo. Lo stesso accade ai peluche che, invece di esser svuotati o ridotti a semplici accessori fanciulleschi, si aggregano con il fine di dar vita a voluminose pellicce. La plastica dei ricambi d’auto non ritrova una funzione attraverso il riciclo, ma s’impone anch’essa come ornamento, così com’è.

Ancora, su un abito coesistono vecchi foulard e tende, una fascia cerimoniale e un bustier composto da telai, una cover tridimensionale per telefono e l’immagine di Marylin Monroe impressa su uno schermo. Su un altro, parti di caschi da moto e pagliette d’acciaio abrasive. Assemblaggi strategici per composizione, non per estetica.

Il tutto è tenuto insieme da una precisione quasi maniacale. Quello che a prima vista sembra presentarsi come un caos di contrasti in lotta, si ricompone grazie ad un controllo impeccabile del dettaglio. Uno studio che trasforma ogni elemento in un ingranaggio perfettamente calibrato. Il risultato è un sistema che funziona alla perfezione, con coerenza stilistica e di significato. Sculture indossabili: poliedriche, ibride, raffinatamente vistose.

Nessun passo indietro

Watanabe sceglie di non tornare indietro. Il prodotto viene presentato per ciò che è, per come è stato concepito dall’industria di provenienza. Carico di tutti i suoi significati, di tutte le sue funzioni, e dell’intero processo che lo ha generato. Non è chiamato a trasformarsi per servire un altro scopo, ma ad adempierlo rimanendo sé stesso. In questa fedeltà si apre a nuove possibilità d’utilizzo, senza subire alterazioni.

In questo senso, la sfilata Autunno Inverno 2026 di Junya Watanabe propone una visione del riutilizzo radicalmente innovativa. Gli oggetti non vengono scomposti e rielaborati, non si sciolgono a riprendere le sembianze della materia prima che li ha formati. Vengono accolti nella loro forma compiuta. E in quella forma, è lì che viene trovato il modo di dargli nuova vita. Un uso del rifiuto senza mediazioni. Il rifiuto rimane tale, e nella sua apparente inutilità, trova nuovo impiego.

Il messaggio è chiaro, e va oltre il semplice ed inascoltato grido al riciclo dei materiali in favore di un approccio più sostenibile da parte del sistema moda. È una invito alla ricerca di bellezza, in ogni cosa. Anche – soprattutto – in ciò che per definizione viene etichettato come rifiuto. L’alta moda può, e deve, imparare a ricalibrare il proprio sguardo. A partire dal basso.

Foto: Vogue, The Impression

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Probabile che i grandi stilisti guardino a lui con occhio di sospetto: un bambino, una passione e una mente geniale. Di certo Max Alexander è un genio, e non solo per modo di dire, ma nel vero senso della parola: il primo così giovane ad aver debuttato a Parigi.

Grounds for change

Il 3 marzo 2026 il piccolo stilista ha presentato la sua collezione presso l’inimitabile Palais Garnier, dove si svolge solitamente l’Opéra francese. La Fall-Winter 2026/2027 è composta da 15 look che fondono innocenza e infanzia verso la sostenibilità. Il tema: fiori e immaginazione, colori vibranti, silhouette fluide e dettagli floreali. Lo scopo della sfilata era quello di mostrare che l’alta moda può essere rispettosa dell’ambiente senza perdere il suo fascino.

Il punto di forza della collezione sta proprio nei materiali da lui usati, sostenibili al 90%: una collezione realizzata con tessuti deadstock (ovvero rimanenze destinate alla discarica), materiali biodegradabili o riciclabili. Abiti in seta da paracadute e creazioni nate dal riciclo di tessuti vintage. Tra i vari accessori della sfilata quelli che hanno dato più nell’occhio sono state le borse in tela e iuta, e i ciondoli a scatto diventati virali ed esauriti in poche ore.

Il cappotto Angel Latte

Uno dei capi di punta della collezione è il cappotto realizzato in iuta naturale recuperata dai sacchi di chicchi di caffè, con ali d’angelo sulla schiena. La stoffa è lasciata completamente non tinta, consentendo al tono latte caldo della fibra di rimanere esattamente come appare in natura. Il cappotto presenta una vita scolpita e con cintura ed un caratteristico svaso peplo, rifinito con una fodera in raso liscio per struttura e comfort.

Come avviene la magia

Max dichiara spesso di non aver bisogno di disegnare, poiché vede già l’abito finito nella sua mente. Modella i tessuti direttamente sui manichini, ma come ci riesce?

Il processo creativo:

• Fissaggio: Inizia fermando il tessuto sul manichino con degli spilli, per poi dare forma a volumi e pieghe.
• Studio della luce: Ruota costantemente attorno al manichino per osservare come la luce interagisce con il tessuto.
• Pattern making: Applica del nastro adesivo direttamente sul corpo del manichino, tracciando le linee guida per poi tagliare e ricavare il cartamodello.

Per la presentazione a Parigi, Max ha utilizzato dei manichini professionali di Royal Dress Forms, garantendo così proporzioni impeccabili. Descrive il suo lavoro come un vero e proprio “scolpire con il tessuto”, rendendo ogni creazione un pezzo unico, in profonda sintonia con la natura.

Momenti indimenticabili e ospiti speciali

Il momento più emozionante della sfilata è stato quando alcuni fiori sono caduti a terra da un abito. Tra gli invitati spiccava Liz Fox Roseberry, sorella del direttore creativo di Schiaparelli, mentre Donatella Versace ha manifestato pubblicamente il suo interesse per lo stilista sui social. Sebbene la sfilata non fosse inserita nel calendario ufficiale della Fédération de la Haute Couture, Vogue Francia l’ha definita come uno degli eventi più affascinanti e umanamente ricchi dell’intera settimana della moda.

Da come si intuisce dai suoi profili social, Max è già al lavoro per le sue prossime collezioni. Siamo tutti in attesa di scoprire cosa ha in serbo per noi.

Foto: Instagram

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Parigi è diventata ufficialmente la città che non dorme mai: no, non per merito di nightclub e cocktail. Al suo sesto giorno, la Parigi Fashion Week dedicata alle collezioni Primavera Estate 2026 continua ad infiammare la capitale francese con un’energia inesauribile.

Il calendario di oggi – il più ricco dell’intera settimana – ha previsto: in apertura, il virtuoso dinamismo di Alaïa, con silhouette iper minimal, cut-out inaspettati, plumage, e frange decorative. Nonostante l’ammaliante bellezza della collezione, ciò che ha mosso gli animi del pubblico è stato il finale, segnato da un caloroso abbraccio tra Pieter Mulier, attuale direttore creativo del brand, e Raf Simons, suo ex mentore. Nel pomeriggio, un nuovo (semi) debutto: sebbene Glenn Martens abbia già esordito alla guida di Maison Margiela lo scorso luglio con la sua prima collezione Haute Couture, non aveva ancora presentato un ready-to-wear. Sulle note di un’orchestra composta da bambini e adolescenti, i modelli hanno sfilato portando strumenti che impedivano loro di muovere la bocca – un dettaglio simbolico che i quattro punti di cucitura delle iconiche etichette della maison. Il vero tuffo nel passato, tuttavia, è stato l’utilizzo casuale dello scotch. Un apprezzato ritorno alle origini.

I ready made di Junya Watanabe

«Trattando oggetti ready-made – oggetti originariamente pensati per scopi specifici – come materiali, li ho ricontestualizzati ed esplorato forme che non avrebbero mai potuto essere ottenute con metodi convenzionali», queste le parole di Junya Watanabe per la sua collezione Primavera Estate 2026. Décolleté rosso fuoco diventano le spalline di un abito da sera, così come grucce di legno, cucchiai e cappelli di paglia, mentre ombrelli di pizzo bianco e stivali di plastica danno forma a voluminose gonne. Verso la fine, attillati abiti neri (fatti di collant) giocano con lo spazio, dando vita a dinamiche tridimensionalità.

Le armature floreali di Noir Kei Niyomiya

Lo stilista giapponese Noir Kei Niyomiya sa come trasformare i suoi abiti in vere e proprie architetture sartoriali: geometrie, strutture metalliche e forme sporgenti si fondono con tulle, tocchi di colori e fiori. La punta di diamante? Gli headpiece, strutture cristalline che si innalzano come formazioni naturali, dominando ogni look.

Vivienne Westwood: un magnetico caos

Tribale, caotico, colorato: lo stile di Vivienne Westwood, nelle mani di Andreas Kronthaler, continua a sfidare ogni logica. Kronthaler non cerca l’indossabile, né l’effetto virale: vuole solo che la sua moda sia viva. Pulsante, nei tessuti e nelle forme. Ogni look segue la propria rotta, ma quando sono tutti insieme, compongono un’unica, dissonante e irresistibile sinfonia. Il risultato? Un caos magnetico.

Il rock goth di Ann Demeulemeester

Nel grande salone gotico del Réfectoire des Cordeliers, Stefano Gallici presenta la sua nuova collezione per Ann Demeulemeester. E finalmente, un po’ di colore inizia a farsi strada. Tessuti scivolosi danno forma a eleganti vestaglie, ensemble di piume coronano le teste dei modelli, mentre non mancano riferimenti ai Velvet Underground, Led Zeppelin e Jim Morrison. Un rock-n-goth ben riuscito.

Le tue ultime parole? Balenciaga.

Così recita Myrtle Snow in American Horror Story, quando le viene chiesto quali siano le sue ultime parole. Oggi, se la stessa domanda venisse fatta all’intero fashion system, quasi tutti risponderebbero allo stesso modo. Pierpaolo Piccioli ha infatti debuttato alla guida di Balenciaga, con una collezione che fonde passato, presente, e (guarda al) futuro del brand. “Voglio essere rilevante nell’oggi”, queste le parole del designer. Le silhouette e i volumi di Cristobal sfilano in passerella insieme ad occhiali da sole a mascherina in pieno stile Demna. Eleganza e futurismo si incontrano, mentre il color-blocking tipico di Piccioli fa capolino qua e là. Per la prima volta dopo anni, non vi è traccia di tute in jersey o graphic tees: l’unica traccia di streetwear si può trovare nella City Bag, che debutta per la prima volta in passerella. Il nuovo intrigante capitolo di Balenciaga ha scritto oggi la sua prima pagina.

Foto: Vogue

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Siamo al quinto giorno di Parigi Fashion Week e c’è da dire che non ha nulla a che vedere con la calma piatta della scorsa settimana Santa meneghina. Tra simboli politici e designer che pensano che attaccare i vestiti ai capezzoli delle donne sia una buona idea, la Paris Fashion Week di quest’anno ha sicuramente qualcosa da dire, ma non sembra avere le idee chiare.

Ad aprire le danze è Leonard Paris e George Lux dà il via alla giornata con un eclettico revival degli anni ’70.

La collezione rappresenta un tributo alla California, mosso dai terribili avvenimenti di gennaio quando gli incendi hanno devastato la zona. Prendendo ispirazione dal lifestyle del posto, Lux ha portato alla luce una collezione satura di colori accesi, motivi definiti e silhouette decisamente vintage.

A prendere il posto da protagonisti sono i fiori, giganti e utilizzati per impreziosire i motivi dei capi, destreggiandosi tra righe psichedeliche. Presenti ovviamente anche i pola dots, must attuale ma anche elemento tipico nella moda degli anni ’70. Gli abiti rimangono in tema e sulla passerella sfilano caftani lunghissimi ed ampi assieme a pantaloni dalla vita altissima e abiti in sequin dal taglio halter. La collezione si si inserisce come una boccata d’aria fresca tra le collezioni audaci e “arroganti” che hanno sfilato fino ad oggi. Leonard Paris rappresenta il partito pacifista di questa campagna politica che la moda ama fare.

Issey Miyake entra nella scena a gamba dritta con silhouette esagerate e per combattere il fashion si fa le spalle larghe, letteralmente.

Tra le file dei critici si parla di un’espressione anti-fashion avvenuta tramite la rivisitazione volontaria di capi iconici i quali diventano completamente sconosciuti alle tendenze di oggi. Ma come si sa a Issey Miyake piace molto decostruire e attraverso semplici, ma non troppo, dettagli i capi cambiano faccia. Presentata al Centre Pompidou, abbina con maestria l’architettura moderna degli spazi con i suoi capi i quali si esimono dalle classiche funzioni di coprire e proteggere. Come? Cambiando le proprie geometrie.

Sono diversi gli elementi modulari che si inseriscono in ogni capo e così i vestiti oltre all’anima recupera anche un cervello proprio dotato di libero arbitrio. In questo modo a comunicare sono il capo e chi lo indossa, è un rapporto più intimo, che va oltre al presentarsi al mondo. Presenti anche le stampe, gli inserti e i colori accesi. Miyake porta in passerella una moda in movimento, viva, con tanto di polmoni e branchie, perfino con una propria mente.

A riportare il romanticismo sulle strade francesi, dopo Giambattista Valli ci pensa Vaillant.

Sviluppato partendo dai dieci anni di esperienza presso il teatro Opera hanno trovato vita nel nuovo e classico design che si reinventa con la decostruzione, così da rompere con i codici classici e dare spazio al moderno. A siflare è una donna parigina molto romantica, vestita di abiti morbido che dapprima la fasciano e dopo la carezzano con i modelli in satin.

Fondamentale la linea di cappelli presentata, su ogni testa un modello diverso, ma perfetto per rendere l’idea di una francese innamorato o di una prigina alla moda. ImportantI il pizzo, il satin e le trasparenze. Poi alcuni look più audaci, quasi a ricordare alla di cosa è capace, rigorosamente romantica. Elegante in alcune combinazioni, in altre si permette di essere meno rigorosa.

A rimescolare le carte in tavola è Nina Ricci, che seguendo l’esempio di Leonard Paris porta in scena una collezione eclettica e decisamente estroversa.

Stampe, motivi, colori, geometrie, chi più ne ha più ne metta, letteralmente…Il risultato è un premeditato caos piacevole esteticamente. Ne esce una donna distaccata che rimane seria, perchè il look parla per lei.

Polka dots, pitonato e finitura lucida. Attenzione al color petrolio, possibile prossimo candidato per il colore dell’anno. Il risultato è un heroin chic molto pulito, rafforzato dalle shades scure e aranciate su alcune delle modelle. Il filo logico è dato proprio dal suo caos: audace ed elaborato.

Io non so voi, ma sento aria di anni ’70-’80 in arrivo nelle prossime tendenze e devo dire che non mi dispaice.

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Non c’è due senza tre: cala il sipario sul terzo atto della Parigi Fashion Week SS26. Oggi, la capitale francese non ha potuto che essere attraversata da un costante fermento, poiché – oltre al ricco calendario previsto – si è fatta testimone e palcoscenico di una delle giornate più attese dell’intero fashion month. Jonathan Anderson ha infatti debuttato alla guida di Dior, presentando la sua prima collezione di womenswear per la Maison. Prima dell’inizio della sfilata, un video introduttivo ha ripercorso le diverse ere del brand, preparando il pubblico allo show, che si è poi aperto con un candido abito bianco, e concluso con una fragorosa standing ovation per il designer nordirlandese. Forse per la reinterpretazione iper-contemporanea del New Look di Monsieur Dior del 1947, forse per i cappelli da gentil pirata e le scarpe a forma di rosa. O forse, per la straordinaria capacità di Anderson di analizzare i codici stilistici della Maison e renderli nuovi, attuali, inediti.

Grande apprezzamento generale anche per le ultime due passerelle della giornata: Tom Ford e Balmain. Il primo fa innamorare grazie a tagli netti e seducenti, vestitini da notte e tailleur simil-pigiama di seta. Il secondo ci porta in spiaggia, con conchiglie, colori terrosi, corde da marinaio e mini dress che ricordano asciugamani appena legati attorno al petto.

Il disordine di Alainpaul

Ma facciamo un passo indietro. Ad inaugurare le danze, questa mattina, è stato Alainpaul. La straordinaria varietà del cast di modelli sfila in abiti appositamente indossati nel modo sbagliato: vi sono strati di maglie una sopra l’altra, giacche e camicie con terze maniche, spalline calate, tessuti bucati e abiti in tulle portati sottobraccio – come si porta la giacca che a metà serata non serve più. La palette di colori è neutra, e il tutto sembra esser inglobato all’interno di un minimalismo che fatica a rimanere tale. Che tende verso altro. Non si poteva chiedere inizio migliore.

Marie Adam-Leenaerdt: spettacolo e quotidianità

Marie Adam-Leenaerdt ha basato la sua collezione Primavera Estate 2026 sull’esplorazione del confine tra sfilata e vita quotidiana. La designer belga sfoca il confine tra abbigliamento e accessori, giocando con essi in quanto elementi intercambiabili: i capi diventano ornamenti, gli accessori assumono invece un ruolo funzionale. Tra transenne che richiamano quelle di un aeroporto, le modelle avanzano con valigie, grandi borsoni, cappotti che imitano le sembianze di un insieme di giacca e gonna. Ancora: enormi bandane si trasformano in abiti, pantaloni si fingono gonne, e viceversa. Un incontro unico tra presentazione scenica e utilizzo quotidiano.

La collezione sincera di Cecilie Bahnsen

Heartfelt: un atto sincero, profondo, sentito. Che viene dal cuore. Questo il nome della collezione di Cecilie Bahnsen per la prossima Primavera. Sognanti abiti fatti di pizzo e trasparenze attraversano la passerella, esplorando un sentimento – heartfelt, appunto – in ognuna delle sue sfumature. Dal bianco si passa al rosa cipria, poi al verde spento, al nero, ed infine ad un’esplosione di rossi e fucsia. Un climax di tonalità, emozioni, e design.

Casablanca & Acne Studios: tra streetwear e country chic

Gospel e moda: Casablanca, per la sua SS26, trasforma l’American Cathedral di Parigi in uno show corale. Cut-out, guizzi di neon, streetwear pop, paillettes, e sfumature che richiamano quelle di un tramonto sul mare. Iper GenZ è stata anche la sfilata di Acne Studios, con il suo stile business-party-casual. E all’equazione sarebbe bene aggiungere country, vista l’ambientazione, le stampe, e gli accessori.

La terza giornata di Parigi Fashion Week giunge così al suo termine. Au revoir! Almeno, fino al prossimo défilé.

Foto: Vogue

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Mame Kurogouchi

Il brand nato dalle mani della stilista Maiko Kurogouchi si trova in Giappone e fa la sua presentazione alla Paris Fashion Week. Il brand trasporta la femminilità in capi senza tempo con il savoir-faire tradizionale. Dal 2018 sono presenti nella fashion week francese con capi di linee semplici e talvolta sensuali. Questa collezione intitolata “Riflessi” trasforma i momenti dell’infanzia della stilista che ha trascorso dietro finestre guardando montagne e fiumi a Nagano. La trasparenza del vetro e la luce che si riflette hanno ispirato la palette di questa collezione.

La loro collezione di primavera/estate 2026 propone colori sobri, una scelta scontata per un brand che vuole creare capi atemporali e di larga durabilità, e si vedono fin dal primo look le influenze giapponesi. La chiusura delle giacche come Soshiotsuki, il collo tipico del qipao, l’assenza di volumi e la forma in cui le vesti cadono sul corpo modellandolo senza strutture addizionali. Tailleur e vestiti delicati che in ogni passo hanno denotato la femminilità che il brand voleva e trasporta da anni.

Louis Vuitton

Niente sembra andare nella direzione giusta per il gruppo LVMH e la sfilata di Louis Vuitton di questo pomeriggio non aiuterà neanche. Un primo look che apre la sfilata e dopo non viene ripreso, neanche quello dopo e neanche quello dopo… Motivi floreali barocchi, turbanti, il peplum (silhouette dell’antico Egitto) e colli ampi come quelli indossati dal Duca Hamilton nel 1600. In poche parole, una gran confusione. Non è nuovo dire che gli stilisti si ispirano a riferimenti storici ma non in una forma così disordinata.

Niente tornava a un riferimento unico ma continuavano a parlarsi tra di sé solo alcuni vestiti anziché la collezione come un tutto. Diversi momenti storici che in nessun momento hanno presentato un filo in comune oltre che il brand per cui si stava sfilando e le borse della Maison, tra l’altro, molto belle. Mi sarei aspettata questa collezione da Pharrell Williams che è un produttore musicale e non fa lo stilista ma Nicolas Ghesquière ha lasciato un sapore amaro in bocca e solo aggiunto alla confusione delle Fashion Week.

Lanvin

Stampe, un’ampia palette di colori estivi, vite basse, spalle imbottite e silhouette grandi hanno aperto il Lanvin di Peter Copping. Questa stagione marca la terza collezione dello stilista per il marchio francese e la seconda collezione di womenswear. Ha presentato pochi volumi e la raffinatezza che la donna Lanvin porterebbe. La vita bassa e la silhouette degli anni ’20 sono una delle caratteristiche che riportano agli origini del brand quando era alla guida di Jeanne Lanvin. I turbanti riferiti al balletto russo hanno tenuto insieme la collezione come filo conduttore portando coesione sia nei look di donna che quelli di uomo. Ha portato sartoria ed eccellenza.

Courrèges

Dopo alcuni minuti di ritardo (ma cosa sarebbe la fashion week senza i suoi ritardi) spiccò un vestito trasparente azzurro cielo che diede inizio alla sfilata di Courrèges. Tra trasparenze, pantaloncini asimmetrici e colori freddi la tematica della sfilata sembra essere quella della temperatura. Una voce che durante tutta la sfilata ha contato i “degrees” (gradi) alzando i numeri accompagnata dalla musica. Vita bassa, poche stampe e linee dritte che verso la fine, quando la luce si è alzata al punto di “accecare” le modelle, hanno iniziato ad apparire delle strutture che facevano di parasole.

Un fattore chiave e coerente della sfilata sono state le vite basse, l’aggiunta di cinture sottili quasi impercettibili e la incessante voglia di coprire le facce delle modelle. Su vestiti, gonne, sopra le giacche o i trench appariva una cintura o addirittura tutto il vestito conformato di esse. Dalla prima modella all’ultima, sono state poche quelle che non avevano degli occhiali da sole o una elongazione del vestito che non coprisse la loro faccia. La palette di colori era prevalentemente terra tranne per gli azzurri e qualche pesca verso la fine. I vestiti con le cinture riporterebbero un po il bandage che torna ma è una proposta non molto innovativa che rientra nei canoni del Courreges di Nicolas di Felice. 

Stella McCartney

“Come Together” era il titolo di questa sfilata ed effettivamente era un messaggio alle donne. Subito iniziò con un tailleur grigio e la modella a marcare il passo forte e deciso di tutta la collezione. Una donna che trasmette sicurezza e potenza in qualsiasi vestito che indossi. Le spalle imbottite in completi tipicamente da uomo portano al power dressing portando a pensare che quanto più si è grandi, più si è forti. Invece, quando sono apparsi i vestiti eleganti e delicati di piume, l’energia era ugualmente sicura e forte. 

Tanti look mi hanno riportato ad altre collezioni… borse intrecciate, look già presentati similmente da Yves Saint Laurent, plissettature come quelle di Alaïa di quest’anno, delle giacche e pantaloncini messi insieme come nella sfilata precedente di Chloé, vestiti mini con una circonferenza all’altezza delle cosce come Duran Lantink e riportare Stella McCartney però il Pre-Fall 25.

Mi porta a pensare che nella moda è tutto già fatto e invece di trovare forme innovative, si accetta. Chi porta cose nuove in passerella oggi sono i nuovi designer che hanno da rischiare ma non tanto come una maison di 50 anni o 24 nel caso di Stella McCartney. Le vendite calano e la pressione aumenta quindi vanno tutti a ricreare quello che ha già funzionato ed è già stato applaudito. Non è nuovo dire che la moda si copia e si ripete tra passato e presente ma aggiungere qualcosa o non farlo molto ovvio porterebbe sicuramente più riconoscimento.

Foto: account X di Linda e Kea

L'articolo Parigi Fashion Week SS26: day 2 proviene da AdL Mag.

Si accendono le luci sulla capitale francese della moda: il primo giorno di Parigi Fashion Week per la stagione Primavera Estate 2026 è giunto ora al suo termine, inaugurando l’ultima (e forse più attesa) settimana del mese della moda. Uno sfavillante Saint Laurent chiude i défilé della giornata sotto il cielo parigino, con trench oversized in tutte le salse, tonalità terrose, e imponenti – nonché iper teatrali – abiti con ruches.

Ma al di là dei grandi nomi: chi ha davvero calamitato l’attenzione del pubblico internazionale durante questa prima journée di moda parigina?

Il diavolo sta nei dettagli: Julie Kegels

Julie Kegels, designer belga, conquista grazie ad imprevedibili tocchi e accessori fuori dal comune. Sulla passerella Primavera Estate 2026 presenta adesivi che imitano collane e orecchini, zip apparentemente rotte, pantaloni calati sorretti da reggicalze, e copriabiti di pelle trasformati in borse. Geniale, contemporanea, femminile, con Kegels, nulla è ciò che sembra. Ogni dettaglio cattura l’attenzione e magnetizza la curiosità di chi guarda, lasciando il dubbio del: ho visto davvero ciò che ho visto?

Un caos firmato Vaquera

Vicino alla stazione di Montparnasse ha sfilato oggi il (buon) cattivo gusto di Vaquera. Il caos modaiolo del brand, per questa stagione, prende le forme di abiti voluminosi, miscugli di tessuti, copricapi a metà e tagli asimmetrici: se la camera di una ragazza nel pieno dei preparativi prima di uscire si trasformasse in collezione, sarebbe firmata Vaquera.

Sfumature e color blocking: le passerelle di Mossi e Burc Akyol

Il colore nella moda è molto più di una scelta estetica: è un linguaggio. E non solo per le sue tonalità, ma anche per il modo in cui esse vengono usate e fatte dialogare tra loro. Oggi, a Parigi, ne abbiamo avuto l’esempio. Mossi decide di sfumare il più possibile le sue tinte, rendendole fluide e leggiadre. Burc Akyol, invece, le accosta in rigidi contrasti, giocando con il color blocking – ormai, tendenza di stagione. Due approcci opposti, ma entrambi efficaci, dimostrativi di quanto il colore resti protagonista assoluto di qualsiasi défilé.

Gli abiti-opera di Hodakova

Trasformare oggetti d’uso quotidiano (o frammenti di essi) in capi d’abbigliamento è la cifra stilistica di Hodakova. La stilista svedese emergente e vincitrice del premio LVMH per l’anno 2024, appare ormai inarrestabile, tanto quanto la sua convulsa creatività. Interi libri fungono da colletti e balze a fine gonna, mentre i martelletti argentati di una macchina da scrivere costituiscono un intero top. Ancora: un mini abito fatto di guanti di lana – apparentemente usati – e un midi dress composto da cinture di pelle, che riproducono l’effetto ipnotico delle frange in movimento. Il resto, se non avete visto la sfilata, non verrà spoilerato. Le opere – perché di questo si tratta, opere – di Ellen Hodakova Larsson vanno viste con i propri occhi.

Un promettente inizio per la Parigi Fashion Week SS26: esplosivo, dinamico, ed emergente. Ora, non ci resta che aspettare il resto.

Foto: Vogue, The Impression

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Ebbene sì, tra presentazioni, critiche e apprezzamenti siamo arrivati all’ultima giornata di Parigi Fashion Week. Se posso dire, un giro di applausi a tutti quanti per essere arrivati alla fine di questa settimana della moda senza grossi drammi. Sarà forse l’allure chic della città che impone un galateo rigido e preciso?

L’ultima giornata di moda francese la apre uno dei mostri sacri della città: Chanel.

Se uno dovesse analizzare i look in quanto look Chanel, se ne potrebbe dire davvero poco. I look sono in pieno, pienissimo, stile con la casa di moda. Gli elementi ci sono tutti: il fiocco nero, il tweed, la camelia e le silhouette lunghe e ampie. Proprio per questo motivo mi viene da dire, ancora? Mi spiego meglio: i look sono obbiettivamente belli, eleganti e funzionano tantissimo, ma ogni anno vediamo sempre le stesse cose con un qualcosa di lievemente diverso. Ora, se uno volesse attaccarsi all’heritage le ultime collezioni sono da considerarsi impeccabili. Ed effettivamente Chanel è uno di quei brand che segue fedelmente la sua fetta di mercato e la sua storia. Però che noia…

Alcuni dei look riescono comunque a spiccare più di altri. Una menzione speciale sicuramente va ai colletti che risultano un elemento molto interessante che viene reinterpretato con dimensioni e tessuti diversi a seconda del look. Apprezzo molto anche le tute intere che sembrano riuscire a “svecchiare” la collezione, se non fosse che vengono completate con cinture per nulla al passo con i tempi e molto più pesanti. Gli accessori, parlando di borse e gioielli, sono elementi iconici, come sempre spiccano più del resto e ci restano nel cuore molto più facilmente. Altra menzione speciale: il denim, questo effettivamente inaspettato e apprezzatissimo, ora però datecene di più!

Chanel si riconferma Chanel, ma noi preferiremmo venire stupiti con un qualcosa di più sovversivo, magari.

Lasciamo la classica eleganza di Chanel per entrare nella realtà alternativa di Peter Do. Per questa collezione il designer porta la sua elegante geometria con una vibe più quiet. I look sono sì eleganti e particolari, ma non sfociano in un’eccessivo di nessun tipo. Non si possono definire propriamente minimalisti, ma nemmeno troppo estroversi, si collocano nel giusto equilibrio per essere “semplicemente” una collezione interessante. La potremmo definire il safe place di questa settimana della moda.

Anche con Peter Do i trend della stagione sono presenti: trasparenze e fiori. Notiamo anche una scritta su uno dei look: “Vietnam 24-25”, luogo natio del designer. I colori che sfilano sono i big 4 della moda minimalista: bianco, nero, marrone (con tutte le sue tonalità più tenui) e grigio. I capi riportano delle colorazioni ombré create con processi diy di diversi tipi. Presenti anche delle stampe astratte e linee geometriche dritte e pulite.

Andiamo avanti con le sfilate e troviamo Kiko Kostadinov con la sua moda in movimento. I look si presentano, infatti, con accessori, come alcuni scialli, che simulano il movimento del vento, dell’aria, della velocità…chissà cosa sarà. Ecco la spiegazione: “stavamo pensando all’identità in momenti di transito e transitorietà”. Nella sfilata sono nascosti diversi personaggi, uno di questi si porta con sé dettagli legati al mondo dell’aviazione. Un altro personaggio è il raccoglitore di ricordi, rappresentato con le stampe postali presenti su vestiti, giacche da moto e jeans sviluppati in collaborazione con Levi’s. Un terzo personaggio è stato rinominato “il guerriero”: vestiva dei capi in mesh che rassomigliavano vagamente il metallo delle armature.

Alcuni dei capi sembrano decostruiti partendo da uno stile legato alle moto, ci si sposta di capo in capo verso vestiti dal taglio in sbieco in satin. “Abbiamo pensato al movimento e a come a volte possa essere molto difficile occupare spazio e o sentirsi come se non dovessi occuparlo”, ci racconta la designer. Notando i capi double-face e i cappotti bi-colore ci sembra di trovarci in un mondo governato da un futurismo nostalgico.

“La sfilata era una precisa e pilotata esplorazione di un liminalismo massimalista intriso di nostalgia”, ecco come la descrive Luke Leitch su Vogue.

E dal futurismo passiamo allo sportswear e al retrò con Miu Miu. Brand più amato dell’anno, di nuovo, la sfilata era un altro degli eventi più attesi di questa settimana. Focolaio vivo di trend ne sfrutta uno come concept per la propria sfilata: l’endcore. Miuccia racconta che ultimante poco riesce a stupirla, ma l’endcore l’ha fatto. Il termine descrive la sensazione estesa che una volta consideravamo immutabili stanno ora cambiando. Sentiamo che la fine sta per arrivare, ma in qualche strano modo non arriva mai e quindi continuiamo ad aspettare.

I look iniziano con capi di intimo vestiti in modo diverso, come capi da mettere per ultimi e sopra tutto. I cappotti sportivi dividono e fanno scorgere dei costumi da bagno che si inseriscono nella danza dei capi. Troviamo anche delle uniformi scolastiche di scuole privare e delle stampe geometriche del 1970 riprese da una collezione Miu Miu del 2005. Era un mix-and-match di cose che non dovrebbero stare insieme, ma che invece funzionano alla grande. Il sentimento riguardo ai capi da esterno e sportivi è molto simile a quello della scorsa sfilata. Il layering è ancora la parola chiave e in questa stagione vale anche per gli accessori.

Cinture, costumi, layering e giacche sportive, non ha senso, ma poi ha senso e funziona: ecco lo styling Miu Miu.

Nel pomeriggio poi tocca a Lacoste. Il brand sta seguendo un rebranding interessante presentando capi e look molto più eleganti e particolareggiati. Si sta andando a rafforzare il focus-core del brand che dagli inizi è sempre stato chiaro e deciso. I colori tenui e il bianco si uniscono al giallo e al verde dai sottotoni fluo. Poi le nuove stampe e i nuovi loghi, più grandi e più definiti. Il coccodrillo si fa sempre più dettagliato e interessante.

L’abbigliamento è decisamente sportivo, giustamente, ma i look proposti presentano anche qualche eccezione adatta alla strada senza mai mancare di “sportività”. Anche gli accessori si fanno interessanti, soprattutto le borse e le scarpe. Presenti e sull’attenti le polo che in alcuni casi diventano vestiti interi. La nuova stagione Lacoste si fa sempre più dettagliata ed eleganti. Se il minimalismo e il tennis hanno avuto un grande impatto sui trend dell’anno, Lacoste ha saputo farli diventare elementi chiave della collezione e del suo design.

Il coccodrillo Lacoste affila i denti con i suoi look, e azzanna con forza i trend attuali riposizionandosi nei primi posti per il cuore degli amanti della moda.

La giornata viene chiusa da un altro colosso della moda francese: Louis Vuitton. Anche per la grande maison francese lo stile bohèmien si inserisce tra i look. Si dà il benvenuto a un massimalismo più esplicito con spalle larghe e particolari lucenti e sfavillanti. Presenti delle stampe a righe dai colori accesi e dalle linee definite. Poi troviamo del tweed, del satin e dello chiffon. I look si compongono di divertenti sovrapposizioni.

I capi trasudano eleganza, ma rifiutano quella più minimalista e pulita per concedersi dei ninnoli e delle stampe esose che non passano affatto inosservate. Molto presente l’uso della geometria. I capi sono ben lontani da quello che ci aspettavamo da Louis Vuitton che stava prendendo una coerente linea di design. Alcuni dei capi ci ricordano un qualcosa di passato, di “vecchio”, di vintage.

L’eleganza dei look di Vuitton incontra una mescolanza di colori e di stampe che rendono la collezione decisamente particolare.

Sembra impossibile, ma anche questa settimana della moda è giunta al termine. Una Parigi vissutissima, da dopo le olimpiadi a oggi con la Fashion Week, si può dire quasi pronta a riprendere respiro, fino alla prossima catwalk. I trend di queste sfilate sono chiari, evidenti ed espliciti, oserei dire. Ma la vera domanda è un’altra: riusciranno a sopravvivere?

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Nella terzultima giornata di Parigi Fashion Week si parte con un futurismo eclettico per chiudere poi con l’extravaganza bohémien di Valentino e Isabel Marant.

Salut Paris! Ci stiamo sempre più avvicinando alla fine di questa Parigi Fashion Week. Le catwalk seguono il loro ritmo con l’allure chic francese che le caratterizza da sempre, assieme alla maestria e alle estetiche dei più grandi designer. Inoltre, la giornata del 29 settembre porta con sé un fashion evento non da poco.

Nella terzultima giornata di moda francese Alessandro Michele debutta con la sua prima passerella Valentino.

Ma andiamo per gradi e cominciamo dall’inizio.

La mattina si apre con la sfilata di Niccolò Pasqualetti. Il finalista del LVMH Prize 2024, il suo stile è eclettico e ambiguo, ma una cosa, nella sua ambiguità, la capiamo benissimo ed è la sua maestria. In passerella sfila un guardaroba decisamente adatto a tutti i giorni. Jeans, trench, blazer, tutti capi che potremmo vedere per la strada, ma ecco che arriva l’arte di Pasqualetti. I tagli sono particolari, sembrano classici, ma non lo sono.

L’idea su cui basa la collezione è quella dell’acqua e della luce, nello specifico del riflesso della luce sull’acqua e il senso di “quiet confidence”. Pasqualetti disegna gioielli e accessori e per questo la possibilità di indossare i capi in diversi modi è importante. Alcuni degli abiti presentano più di una texture e si particolareggiano per tagli diagonali e accessori che entrano ed escono dal tessuto da appositi fori. Altri invece ne disegnano i confini. La sensazione di riflesso sull’acqua la percepiamo grazie all’uso di materiali trasparenti e leggeri che rivestono i capi o ne costituiscono di nuovi.

Niccolò sfila un guardaroba “normale”, un’estetica elegante da tutti i giorni, che quando incontra il nostro sguardo si scopre più particolare e dettagliato che mai.

Passiamo al surrealismo più esplicito con Duran Lantink. Il designer è da tempo noto per le sue silhouette avant-guarde. La collezione si fa forte della tendenza delle ultime passerelle nell’esagerare le forme, nel concedersi dell’assurdo nelle proprie collezioni. Per questa spring summer, Duran ha fatto un giro in spiaggia e ci ha proposto delle camere d’aria imbottite inserito in costumi ad un pezzo.

Su alcuni dei costumi vengono aggiunte delle taglie in più, super evidenti, sulle coppe dei bikini. Altri costumi interi vengono imbottiti in alcuni punti che fanno rassomigliare le modelle ad insetti, addirittura alieni. Altri look si accessoriano invece con gioielli esagerati, accessori particolari, in alcuni la borsa diventa un copricapo, decisamente assurdo. C’è molto da dire, ma possiamo sicuramente riassumer tutto con una parola: assurdo.

Verso il pomeriggio incontriamo un’eleganza chic e riportiamo i piedi per terra con Akris. Strati e strati di trasparenza che a forza di sovrapporsi perde la sua caratteristica peculiare e copre il corpo nella sua totalità. Troviamo poi cascate di tulle e una grande presenza di organza. I colori sono tonalità pastello, colori morbidi, pacati. Sarà forse che arriviamo da passerelle molto particolari…

Lo styling si particolareggi con l’utilizzo di giacche inserite in modi diversi e sicuramente non come lo faremmo noi. I look sono eleganti, quasi sempre adatti a tutti i giorni, ogni tanto si dettagliano con organza e tagli di tessuto che scendono giù o strutturano alcuni dei look.

Se nella passerella precedente avevamo un futurismo assurdo ed esplicito, quella di Akris è un futurismo chic ed elegantissimo.

Eccoci ora finalmente arrivati all’evento più aspettato di questa giornata: Valentino (by Alessandro Michele). Allora, cercherò di trovare le parole giuste perchè un momento come questo le merita. Lo spirito di Alessandro Michele si muove con piedi di piombo sulla passerella di Valentino. Il sentimento del boho, del gipsy, dell’estroversione, del massimalismo, ci sono tutti: la sua estetica è cruciale. Si unisce tutto con l’eleganza tradizionale di Valentino.

Pizzi, pellicce, cappelli, trasparenze, luccichii, c’è tutto. La collezione sembra una passeggiata dei due colossi della moda, una passeggiata che li vede camminare allo stesso passo e con lo stesso piede. Tutto ha senso, tutto ha il duo perchè ed è riconducibile a uno o all’altro. La passerella è un momento di incontro che funziona, fila liscio, ci lascia a bocca aperta e di nuovo innamorati della moda.

L’extravaganza di Valentino è stata ri-tirata fuori dall’heritage di un brand dalla lunghissima storia, grazie alla maestria di uno dei designer più iconici e coerenti dell’ultimo periodo.

Cercando di buttare giù lo spessore di questa passerella, passiamo alla prossima, ridandoci un tono e sistemandoci a modo.

Eccoci con Ottolinger che porta sulla passerella il suo stile street aggiungendole i dettagli giusti per diventare elegante e approdare a Parigi. I look sembrano uscire da un guardaroba anni ‘90, con l’uso di capi che si sovrappongono e si strutturano di tessuti strappati? O magari solo tagliati. E se la chiccheria di Parigi si inserisce con la scelta dei tessuti, dei colori e delle linee dritte e pulite, l’estetica futuristica e street del brand si esprime con l’aggiunta di accessori giganti e intrecciati.

La passerella inizia con look più sportivi e man mano che si va avanti si fanno più seri. Onnipresente una fascia di tessuto che può fungere da top, ma anche da gonna. Sfilano anche completi rigorosamente destrutturati che vestono però le modelle nel modo giusto, esagerando nella composizione, ma non nelle misure. Finalmente!

Ebbene sì: con Ottolinger la cultura e l’estetica rave arriva fino a Parigi.

La giornata si conclude con l’iconica Isabel Marant. Il suo stile in continuo cambiamento è da sempre legato al mondo bohémien e a quella western, con un po’ di punk qua e là. L’idea è quella del comfort e anche con questa passerella Isabel riconferma il suo concetto di moda, la sua estetica, alla base di tutto. Ispirandosi alla vibe dei primi anni ‘80, nello specifico ad Annabella Lwin e la sua band Bow Wow Wow.

La collezione sfila con un intricata ed ipnotica mescolanza di tessuti e ricami. Abbiamo le frange e lo scamosciato. Abbiamo le stampe, ancora le frange e i capi si fanno morbidi ma sensuali, scivolando nei giusti punti per renderlo bello, ma anche comodo. Ma non temete: c’è anche la pelle! E anche in questo caso è morbida, fluida.

L’estetica è boho, la collezione stupenda e la passerella si conclude con due capi paillettati ed eleganti senza mai perdere la sua allure bohemiene.

Insomma, iniziata come una giornata di silhouette futuristiche, si conclude con un sentimento bohemiene che ci porta verso un altro sentimento, più romantico, più giocoso e divertito. Ci torna un po’ la voglia di sperimentare con i capi, così come sono, con “semplice e chiara” eleganza bohémien.

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Bonjour à tout le monde! Miei cari fashionisti, ci troviamo sotto la pioggia di Parigi e anche nel terzo giorno di Parigi Fashion Week. La terza giornata ha dei nomi non da poco nella sua lista, ma forse dobbiamo ancora riprenderci dal Saint Laurent di ieri…mondieu!

ll terzo giorno di Paris Fashion Week lo apre Courrèges.

Conosciuto per il suo futurismo dal lontano 1961, anche la SS25 di Courrèges si permea dell’heritage del brand. Geometrie dai tagli netti (ovviamente) e rigore clinico. La severità si fa sexy. Linee dritte rinforzate e posizionate dove non si dovrebbe, o forse proprio dove dovrebbero andare. Serietà, austerità, bianco e nero. Courrèges sa come funziona la matematica e le formule geometriche, per questo delle micro-fasce diventano i top più minimal ( e desiderati) che mai.

Gli abiti che poi scendono dritti avanti, si liberano di qualsiasi tessuto sul retro, lasciando una schiena nuda. Satin, pelle e sandali prisma super chic. E come ogni formula matematica vuole, tutto ha un senso. I capi non sfilano in conseguenza senza rigore: ogni look è il punto di partenza di quello successivo. Nicolas Di Felice ci spiega che quello che si vuole ricreare è un circolo di ripetizioni che vogliono indurre familiarità. Assolutamente sì!

A mezzogiorno suonano le campane e tutti gli spettatori allo show di The Row, e sono stati pochissimi, se ne sono accorti. Un pubblico selezionatissimo racchiuso in una villa in pietra tagliata in rue des Capucines. E nonostante le persone fossero solo poche e fidate, vige, ancora, la regola no-phone-no-photo, fino alla pubblicazione ufficiale dalla casa di moda.

Lo stile The Row è dettagliato nella sua semplicità: sfila una t-shit grigia e oversize monotasca, ma in cashmere. E che cashmere…E poi ancora: canotte tagliate con scollature smerlate, gonne a doppio strato in garza e dalle tasche profonde. Tutti dettagli che sono sicura saranno stati annotati sul taccuino lasciato a ogni ospite nel proprio posto. Tutto era così semplice, senza però esserlo davvero.

E se questa stagione è stata prettamente monocolore, The Row ha sfilato con decisione pochi, ma buoni, colori: nero, blu, grigio ed écru.

Nel primo pomeriggio sfila Lui: Dries Van Noten. La casa di moda, con la sua collezione, porta finalmente il colore in una grigia e monotematica Parigi. Nonostante il ritiro dell’omonimo stilista dal marchio e un team diverso alla guida, la sfilata era più familiare che mai. I tipici colori languidi, le stampe intelligenti e il lavoro sartoriale: il dna di Van Noten era presente.

Tornando indietro con il tempo possiamo facilmente renderci conto che la runway FW del 1997 è stata un importante punto di riferimento. Fiori, gioielli e un mix di codici stilistici. La novità l’abbiamo trovata nei riferimenti alla lingerie, presenti in alcuni capi. Ma poi i colori, le stampe! I fiori sono presenti, a volte molto espliciti, altre volte meno. I capispalla sono, scusatemi il gioco di parole, il fiore all’occhiello della collezione.

La creatività non ha mai lasciato la stanza e un po’ avremmo voluto non lo facesse neanche Dries Van Noten, ma se l’andazzo è questo potremmo anche trovare il modo di consolarci.

E’ il turno di Rabanne. In passerella sfila uno stile preppy e chic, sarà l’aria di Parigi. I colori sono tenui, ma comunque vari. Troviamo righe e fiori (una forte e persistente tendenza). Ovviamente non poteva essere una sfilata Rabanne senza oro e senza argento. Sfilano quindi dei look totalmente cromati e altri che portano il colore solo in alcuni dettagli, che non passano comunque inosservati.

Non mancano anche le maglie Rabanne, elemento chiave che la casa di moda si porta dietro dagli anni ’90 e che fa schizzare i prezzi dei capi ogni volta che le intrecciano. Lo stesso concetto viene portato sugli accessori e così in passerella sfila una borsa dal valore di 250,000euro. Perchè? Beh prima di tutto è Rabanne, poi è in oro 18k ed è anche impreziosita da diamanti.

Il futurismo in questa Fashion Week parigina con Rabanne, e anche con Courrèges, permea le passerelle e diventa chic.

Verso sera ci troviamo in hangar asettico per Acne Studios. Il set design è curato dall’artista Jonathan Lyndon Chase il cui focus è il concetto tra pubblico e privato, che ha poi inserito con le sue opere nell’enorme spazio. Acne Studios ha fatto il suo con i capi e la collezione diventa lo stemma del “lasciarsi andare”. Quindi le forme sono morbide, fluide, esasperate a volte.

I completi della collezione non strizzano l’occhio alla formalità, ma più al gioco, al comodo, al morbido, al tornare a casa, più che all’uscirci. Forse un po’ di ispirazione la vediamo presa dai giochi di Bottega Veneta e dalle forme e dallo styling Balenciaga. I massici, ma semplici, gioielli spiccano su capi che vengono ripensati e ricostruiti partendo dalla loro forma comune e andando poi oltre, senza sbilanciarsi troppo.

I capi sono bellissimi, ma i look a volte sembrano già visti, un po’ troppo familiari. Che si possa giocare a trovare le differenze in questa Paris Fashion Week?

Concludiamo la terza giornata di moda parigina con Balmain che, anche per questa stagione, è a un passo dalla bocca. La SS25 della casa di moda è un inno al corpo femminile e al suo empowerment. Con forme coniche proprio dove ve le immaginereste, le spalle si appuntiscono e si fanno più grosse. Come per il menswear della FW24 si ripresentano gli Swarovski che ricreano i visi di donna sui capi, per intero.

Poi il nero e la pelle e le catene. Dalle file dietro sento dei bisbigli che parlano di una vibe molto Rick Owens e una catena un po’ troppo N°5. Alcuni dei look risultano eccessivamente retrò, va bene la nostalgia, ma così anche troppa. Appesantiti di perle troppo ravvicinate alcuni degli ultimi capi fanno molto “opulenza”. Viene portato in passerella anche il rosa antico e il rosso accesso. Poi le forme si particolareggiano e i look diventano più Met Gala che Champs Elysees. Alcune delle misse impeccabili, altre già viste, forse addirittura dai boomers della moda.

Sempre apprezzato il revival, attenzione però a non scivolare su un decennio un po’ troppo in là.

La terza giornata di Parigi Fashion Week si conclude qui. Molto chic, ovviamente, ma anche piena di…plagi? Mi sembra il termine più elegante per dire “scopiazzature”, siamo pur sempre nella città dell’eleganza. Manteniamo quindi un certo contegno, anche quando ci mettiamo più comodi.

Bonne nuit Paris, à demain!

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