Dalla storia della Maison nata a Valenza nel 1967 alla nuova collezione LINK-E: Recarlo reinterpreta il gioiello a catena attraverso geometrie Art Déco, forme ottagonali e diamanti naturali taglio cuore. Un racconto prezioso di legami, movimento e infinito.

La storia di Recarlo nasce a Valenza nel 1967, quando Carlo Re fonda la Maison insieme alla moglie Bruna. Il primo gioiello è un anello da uomo, una creazione che segna l’inizio di un percorso destinato a diventare espressione dell’eccellenza orafa italiana.

Fin dalle origini, la filosofia della Maison si fonda su un’idea precisa: creare gioielli capaci di rendere eterna la bellezza. Una visione che ancora oggi unisce savoir-faire artigianale, ricerca e sensibilità contemporanea.

La Maison Recarlo tra tradizione e futuro

A quasi sessant’anni dalla sua nascita, Recarlo mantiene un forte legame con le proprie radici. La Maison è ancora di proprietà della famiglia Re. I figli del fondatore, Giorgio e Paolo Re, CEO del brand, sono affiancati da un team di manager capitanati da Giorgio Pinto, General Manager dal febbraio 2024.

Il cuore produttivo e creativo rimane legato a Valenza, territorio simbolo dell’alta gioielleria italiana. Ed è proprio da questo patrimonio che Recarlo continua a guardare al futuro, trasformando la tradizione in un linguaggio sempre nuovo.

LINK-E è la nuova protagonista

È da questa storia che prende forma LINK-E, la nuova collezione Recarlo che porta il gioiello a catena in una dimensione nuova. Non più soltanto un elemento decorativo, ma una vera architettura da indossare, fatta di ritmo, proporzione e movimento.

LINK-E parla così di connessioni: tra una maglia e l’altra, tra passato e presente, tra la precisione della geometria e la naturalezza del gesto. Una metafora preziosa per una collezione che invita a indossare il gioiello non come semplice ornamento, ma come estensione della propria personalità.

Ottagono: geometrie e infinito

L’elemento distintivo di LINK-E è la forma ottagonale, scelta per il suo equilibrio e per il suo forte valore simbolico, reinterpretata attraverso maglie che si susseguono con un ritmo fluido. La geometria, rigorosa e sofisticata, viene ammorbidita dal movimento del gioiello sul corpo, creando quel contrasto tra struttura e leggerezza che definisce l’identità della collezione.

L’ottagono nasce dall’incontro ideale tra cerchio e quadrato: il primo legato allo spirito e al cielo, il secondo alla materia e alla terra. Due dimensioni opposte che si incontrano dando vita a una nuova forma.

Nelle maglie LINK-E questa geometria diventa metafora di connessione e continuità. Un richiamo all’infinito che trova la sua espressione più preziosa nei piccoli diamanti naturali taglio cuore, firma inconfondibile di Recarlo.

Sunset Gold e Arctic Gold: due modi di interpretare LINK-E

LINK-E gioca anche con il colore dell’oro, declinandosi nelle tonalità Sunset Gold e Arctic Gold. Due interpretazioni che ampliano la possibilità di vivere la collezione e ne sottolineano la vocazione contemporanea.

Il design rimane riconoscibile, ma cambia il modo di interpretarlo. La catena può diventare protagonista assoluta oppure essere indossata con maggiore discrezione; può seguire un look da sera o trasformarsi in un dettaglio quotidiano. È questa versatilità a rendere LINK-E particolarmente contemporanea: non impone un modo di indossare il gioiello, ma lascia spazio alla persona che lo sceglie.

Gli snodi, progettati per garantire morbidezza e flessibilità, seguono il movimento del corpo e trasformano una struttura apparentemente rigorosa in un gioiello fluido e confortevole.

Dalla sautoir all’Alta Gioielleria

Tra i pezzi più evocativi della collezione emerge la collana sautoir, che guarda agli anni Venti e all’eleganza geometrica dell’Art Déco. Una citazione del passato che non assume mai la forma della nostalgia: la memoria viene filtrata attraverso un linguaggio essenziale e contemporaneo.

Il progetto raggiunge la sua massima espressione nella selezione di Alta Gioielleria. Qui il design LINK-E acquista maggiore intensità attraverso creazioni dalla forte presenza scenografica.

Protagonisti sono un bracciale manchette e un choker a tre file, composti da moduli ottagonali interamente tempestati di diamanti naturali e impreziositi, ciascuno, da due diamanti taglio cuore.

Greta Ferro: il volto della Maison

A dare volto a LINK-E è Greta Ferro, attrice e interprete della nuova generazione del cinema italiano.

La sua eleganza spontanea e contemporanea si inserisce perfettamente nel linguaggio della collezione, raccontando un’idea di gioiello lontana dalla rigidità e vicina alla personalità di chi lo indossa.

La campagna digitale accompagna così il lancio di LINK-E attraverso un racconto visivo dedicato alla nuova collezione e alla sua idea di bellezza: sofisticata, dinamica, riconoscibile.

Il nuovo gioiello Recarlo fedele alla tradizione

Con LINK-E, Recarlo porta avanti la propria storia senza rimanere ancorata al passato. La tradizione valenzana, il diamante taglio cuore e la cultura del Made in Italy incontrano una nuova estetica fatta di geometrie, movimento e libertà.

La catena diventa così qualcosa di più di un gioiello: diventa un simbolo. Maglia dopo maglia, racconta l’incontro tra persone, esperienze e sentimenti.

Un legame che continua, senza interruzioni. Proprio come l’infinito.

Photocredit: Recarlo Ufficio Marketing, Recarlo IG

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Nel cuore di Brera, tra gallerie d’arte e vie storiche, Robertaebasta rappresenta un universo sofisticato dove il Novecento prende forma attraverso pezzi unici e una sensibilità estetica inconfondibile. Oggi, infatti, è considerata un punto di riferimento internazionale per collezionisti e appassionati di design.

Robertaebasta: dalle origini all’eccellenza

Fondata nel 1967 da Roberta Tagliavini, Robertaebasta nasce con una visione chiara: unire estetica, storia e ricerca. Fin dall’inizio, la galleria si distingue per una selezione raffinata di arti decorative del XX secolo e design d’autore.

In particolare, lo stile si muove tra Art Déco, Liberty ed eclettismo, creando ambienti scenografici e armoniosi. Inoltre, ogni oggetto è scelto con cura per dialogare con lo spazio, trasformandolo in un’esperienza visiva unica.

Roberta Tagliavini: visione e identità

Nata a Milano, Roberta Tagliavini sviluppa il proprio linguaggio estetico partendo da una boutique storica in zona San Babila. È proprio qui che nasce il nome “Robertaebasta”, simbolo di carattere e identità forte.

Successivamente, il trasferimento a Brera segna una svolta importante. Oggi il brand conta tre gallerie a Milano e una a Londra, tutte curate direttamente dalla fondatrice.

Dal 2021, inoltre, la sua popolarità cresce grazie alla partecipazione al programma televisivo Cash or Trash, che la consacra al grande pubblico come “La Mercante di Brera”.

Un’estetica tra vintage e contemporaneo

Entrare da Robertaebasta significa immergersi in un ambiente dove passato e presente convivono in perfetto equilibrio. Da un lato, troviamo il fascino del vintage e delle arti decorative del Novecento; dall’altro, una visione contemporanea capace di reinterpretare gli spazi.

Di conseguenza, ogni galleria diventa un luogo narrativo, in cui gli oggetti non sono semplici elementi d’arredo, ma veri protagonisti di una storia estetica.

I pezzi iconici in galleria

All’interno delle gallerie è possibile trovare una selezione esclusiva di oggetti, tra cui:

• Specchi Art Decò con cornici dorate o incise, ideali per amplificare luce e spazio
• Lampade francesi degli anni ’30, eleganti e senza tempo
• Lampadari in cristallo dalle geometrie raffinate
• Applique in ottone lavorato e dettagli ricercati
• Tavolini intarsiati e credenze dalle linee sinuose
• Sedute iconiche e oggetti in vetro artistico

Inoltre, non mancano ceramiche decorative, antiquariato e complementi vintage selezionati con grande rigore secondo il gusto esclusivo della Tagliavini.

Robertaebasta al Fuorisalone 2026

In occasione della Milano Design Week 2026, Robertaebasta si trasforma in un vero e proprio spazio esperienziale. Per l’evento, infatti, la galleria ospita tre installazioni speciali.

Tra queste spicca Still 1492 | Never Ending Story, progetto realizzato in collaborazione con Angelino Artworks e l’artista internazionale Fidia Falaschetti. L’opera, un totem monumentale, affronta tematiche profonde legate ai diritti dei popoli nativi americani.

Parallelamente, la galleria accoglie anche i progetti di Seguso Vetri d’Arte e Best of Belgium, arricchendo ulteriormente l’esperienza espositiva.

La Mercante di Brera: un simbolo di stile

Oggi Robertaebasta è sinonimo di eleganza, ricerca e autenticità. Grazie alla visione di Roberta Tagliavini e al contributo del figlio Mattia Martinelli, il brand continua a evolversi mantenendo una forte identità.

Inoltre, la presenza in fiere internazionali come BRAFA e Masterpiece London conferma il suo prestigio nel panorama globale.

In conclusione, “La Mercante di Brera” non è solo un titolo, ma una vera dichiarazione di stile: un modo unico di interpretare il design e trasformare l’antiquariato in emozione.

Photocredit: RobertaebastaArtgallery, AliceArdore, Pinterest, AngelinoatWorks

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Milano, 21 gennaio 2026. L’inverno entra in città senza neve ma con lo stesso magnetismo delle alte quote. Mentre l’attenzione si concentra sulle competizioni Milano-Cortina, il capoluogo lombardo traduce l’energia dello sport in un nuovo rituale urbano: nasce l’Après-Ski Social Club firmato Planetaria Hotels, un format che porta l’estetica e lo spirito delle baite alpine nel cuore metropolitano.

Non è nostalgia di montagna. È reinterpretazione contemporanea: un après-ski pensato per chi vive la città, ama lo sport e desidera trasformare la serata in esperienza sensoriale.

Dal 5 al 22 febbraio, tre hotel iconici diventano chalet urbani dove musica, gastronomia invernale e scenografie immersive costruiscono una nuova geografia emozionale dell’inverno milanese.

Après-ski milanese e lo sport diventa lifestyle

L’Après-Ski Social Club nasce come spazio di incontro e racconto collettivo. Le competizioni sportive diventano sfondo narrativo, mentre l’esperienza si sviluppa tra cocktail invernali, piatti della tradizione alpina e DJ set che amplificano l’atmosfera conviviale.

Il bombardino non è solo una bevanda: si fa gesto sociale. La polenta che diventa comfort estetico. Luci calde e il legno naturale evocano un altrove montano che non richiede un viaggio, basta solo la presenza.

È qui che Milano riscrive il concetto di après-ski: non è più un’ appendice della giornata sugli sci, ma diventa un rituale urbano autonomo, sofisticato, condivisibile.

Tre indirizzi simbolo per un’unica narrazione

l progetto si sviluppa in tre scenografie distinte ma coordinate:

• Château Monfort
• Hotel Indigo Milan
• Enterprise Hotel

Le serate inaugurali, su invito o prenotazione, introducono un calendario aperto al pubblico che trasforma gli hotel in hub stagionali. Dalle 16.30 alle 19.30, fino al termine delle competizioni invernali, gli spazi diventano luoghi di ritrovo per sportivi, creativi, professionisti e viaggiatori.

Ogni location interpreta la montagna con un linguaggio visivo proprio. Chi più fiabesco, chi invece più design oppure metropolitano. Il filo conduttore resta l’idea di ospitalità come esperienza culturale.

Milano porta la montagna dentro la sua estetica

L’Après-Ski Social Club non è una semplice attivazione stagionale. È una dichiarazione identitaria: Milano come città capace di assorbire immaginari e restituirli in forma lifestyle.

Planetaria Hotels consolida così un modello di ospitalità editoriale, dove gli hotel diventano piattaforme narrative. Spazi che non si limitano ad accogliere, ma producono contenuti, incontri, rituali urbani.

La montagna, quest’anno, non è una destinazione. È una scenografia emotiva a cui Milano ha deciso di dare indirizzo.

Photocredits: PNP COMMUNICATION press kit

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L’amatissima mercante d’arte RobertaeBasta incontra Simone Botte, fondatore e anima del brand Simon Cracker. Insieme danno vita a uno spazio che va oltre il concetto tradizionale di negozio. Il designer lo definisce «il mio monolocale aperto a tutti», un luogo ibrido dove moda, design e arte convivono senza gerarchie.

Tavaglini e Botte condividono una visione comune, fondata sul recupero e sulla trasformazione di oggetti carichi di storie, a cui viene restituito nuovo significato. Da questa affinità nasce lo store di via Solferino 3, pensato non come una semplice vetrina commerciale, ma come un ambiente accogliente, un “quartier generale” aperto, dove il pubblico può entrare in contatto diretto con l’universo del brand. Qui si azzera ogni distanza e ogni percezione di inavvicinabilità spesso associata ai marchi che sfilano alla Fashion Week.

Cracker = Destructor 

Crack significa distruzione, rompere qualcosa che non serve più e ridargli vita. Un gesto di distruzione creativa che si traduce in un upcycling radicale, nell’uso di capi dimenticati, deadstock e materiali scartati, trasformati in pezzi unici o in serie limitate. Per Cracker, l’upcycling non è una scelta di tendenza, ma una scelta etica, che vuole restituire valore agli abiti attraverso le storie che portano con sé, un concetto che Tavaglini condivide pienamente e che costituisce il cuore del nuovo progetto milanese.

In vendita non solo le collezioni d’abbigliamento, ma anche pezzi unici, accessori, oggetti per la casa e creazioni artistiche che raccontano il mondo Cracker. L’aura “punk gentile” del brand, si fonde perfettamente con l’allestimento. Un mix di metalli, dettagli vintage, relle avvolte da nastro adesivo fluorescente, manichini pop e vasetti in terracotta realizzati a mano. Al centro dello spazio, un bar da salotto anni 70 diventa punto di incontro e simbolo di convivialità.

È un linguaggio che gioca costantemente sul contrasto tra alto e basso, lusso e recupero, distruzione e sartorialità, gli elementi che negli anni hanno reso Simon Cracker una voce riconoscibile nel panorama contemporaneo.

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CIFF e 10 Corso Como sono lieti di annunciare una collaborazione speciale in occasione della Copenhagen Fashion Week di gennaio 2026. Per la prima volta, il celebre concept store milanese porterà il suo inconfondibile universo creativo nella capitale danese.

CIFF (Copenhagen International Fashion Fair) è oggi la principale piattaforma del Nord Europa dedicata alla moda e al lifestyle. Un punto d’incontro privilegiato per marchi internazionali, buyer e comunità creative. Con il suo forte focus su innovazione, cultura e collaborazione tra settori, CIFF si conferma una realtà dinamica capace di anticipare tendenze e favorire connessioni significative all’interno dell’industria.

Il progetto condiviso di CIFF e 10 Corso Como

La partnership darà vita a uno spazio d’ingresso completamente dedicato all’incontro tra moda, design, beauty, editoria e lifestyle. Una composizione pensata come un’esperienza culturale immersiva, capace di riflettere l’inconfondibile visione artistica di 10 Corso Como.

All’interno, i visitatori troveranno una selezione di marchi scandinavi curata da 10 Corso Como, affiancata dalla collezione 10 Corso Como Signature. Non mancherà una parentesi sorprendente dedicata alla Caffetteria, reinterpretata per l’occasione in chiave nordica.

Per 10 Corso Como, questo progetto rappresenta una naturale estensione della sua missione di diffusione e contaminazione culturale. “Inaugurare CIFF 66 con la loro presenza è al tempo stesso una dichiarazione e una celebrazione dello scambio creativo”, afferma Sofie Dolva, direttrice di CIFF.

Un ponte creativo tra Milano e Copenhagen

La collaborazione tra CIFF e 10 Corso Como apre la strada a una partnership culturale destinata a crescere nel tempo. Questa prima edizione getta le basi per una programmazione interdisciplinare che potrà estendersi ben oltre gennaio. La presenza di 10 Corso Como a CIFF diventa così un ponte simbolico tra Milano e Copenhagen. Un incontro armonioso tra tradizione e innovazione. 

Foto: Ig Account 10corsocomo

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Tra carole, luci soffuse e profumi d’abete, l’Hotel trasforma i suoi scenari in un palcoscenico incantato. “The Carols of Christmas” diventa la fiaba che accompagna un percorso gastronomico d’autore, un incontro di sapori e tradizioni reinterpretate con gusto e passione.

Dalle creazioni dello Chef Guido Paternollo al Pellico 3 Milano, ai menu delle festività serviti sotto La Cupola. Ogni esperienza è curata in dettaglio per celebrare la tradizione con un perfetto equilibrio tra innovazione e raffinatezza.

Immancabili l’Afternoon Tea in veste festiva: ricco di dolci e piccole delizie, che, viene proposto ogni giorno con live performance selezionate. Inoltre, ci sarà il Cenone di San Silvestro Gourmet, con caviale, ostriche e champagne, accompagnati da musica e dal tradizionale cotechino allo scoccare della mezzanotte.

Un’esperienza sensoriale che rende l’hotel la destinazione ideale per immergersi nella magia del Natale nel cuore diMilano.

Park Hyatt Milano

Situato nel cuore della città, a pochi passi dal Duomo e dalla Galleria Vittorio Emanuele II.

 Park Hyatt Milano è un’icona dell’ospitalità di lusso. Con ambienti eleganti, un servizio d’eccellenza e un’offerta gastronomica pluripremiata, l’hotel rappresenta una destinazione privilegiata per viaggiatori internazionali e ospiti locali.

Esperienze di alta cucina, benessere e lifestyle si fondono in un’interpretazione contemporanea del lusso, rendendo Park Hyatt Milano un punto di riferimento assoluto nel panorama dell’hôtellerie italiana.

A cura di: Alessandra Bommarito

Crediti foto: Park Hyatt Press kit

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Da Parigi a Milano: la nascita di un nuovo indirizzo cult

Nel 1959, nel cuore di Parigi, nasce il primo Relais de l’Entrecôte. Un’idea semplice e rivoluzionaria: niente menu, niente indecisioni, solo entrecôte con salsa segreta e patatine fritte illimitate. Quella che sembrava una scommessa gastronomica diventa in poco tempo una vera icona culinaria francese, amata da generazioni di parigini e viaggiatori. Oggi, questa filosofia approda finalmente anche a Milano con La Rue, un nuovo ristorante situato in zona Garibaldi. L’obiettivo è chiaro: portare nel capoluogo lombardo l’eleganza senza tempo e il fascino autentico dei bistrot parigini, reinterpretandoli con lo spirito internazionale che contraddistingue la città.

Il rituale dell’insalatina e dell’entrecôte: una tradizione che conquista

Da La Rue Milano, l’esperienza gastronomica segue un rituale preciso: Si inizia con un’insalatina verde, fresca e croccante, arricchita da noci e vinaigrette dal gusto deciso. Arriva poi l’entrecôte, servita con la leggendaria salsa segreta che ha reso celebre il Relais de l’Entrecôte. A completare il piatto, patatine fritte dorate e illimitate, sempre rinnovate al tavolo. Questa liturgia culinaria è ciò che distingue La Rue: il cliente non deve scegliere, ma si lascia accompagnare in un’esperienza che si ripete da oltre sessant’anni, trasformando la semplicità in un ricordo indelebile.

Tra storia, spiritualità e charme urbano

La Rue non è solo cibo. Il ristorante trova la sua cornice ideale in una delle zone più affascinanti di Milano, nell’area della Chiesa di Santa Febronia. Questo piccolo gioiello architettonico nascosto, attraverso un accordo rent to buy verrà usato per ospitare eventi per privati durante momenti importanti e non sarà utilizzato come dehors. Il dialogo tra memoria sacra e ritualità laica è silenzioso ma potente: da un lato la spiritualità della chiesa, dall’altro la convivialità parigina del bistrot. Un contrasto armonioso che rende l’esperienza ancora più suggestiva.

Un nuovo ristorante francese da provare a Milano

Con La Rue, Milano si arricchisce di un nuovo punto di riferimento gastronomico. Non è solo un ristorante francese, ma un vero e proprio luogo di incontro per gourmet, curiosi e viaggiatori. Qui si incontrano due mondi: L’eredità culinaria e il fascino romantico della Parigi del Relais de l’Entrecôte con l’energia cosmopolita e sofisticata di Milano Garibaldi. La Rue rappresenta un ponte ideale tra la Senna e la città meneghina, portando con sé la promessa di trasformare un semplice piatto in un’esperienza sensoriale completa.

La Rue non è solo un’apertura, ma una promessa: portare a Milano il gusto autentico di Parigi. Un invito a vivere un rituale gastronomico che unisce tradizione, semplicità e charme internazionale — e che promette di diventare uno dei luoghi più amati della scena culinaria milanese.

Photocredits: cibotoday

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C’è un luogo nel cuore di Milano dove per due giorni l’editoria indipendente diventa protagonista assoluta. Si chiama Mag To Mag, un evento organizzato da Frab’s Magazine. Ma è molto più di un festival: è un viaggio dentro il mondo dell’editoria e delle riviste di nicchia. Quelle che spesso sfuggono al grande pubblico ma che custodiscono storie uniche, di ribellione, visioni artistiche e contenuti fuori dagli schemi.

Mag to Mag 2025

L’edizione 2025 (la terza in questo caso) si svolgerà il 13 e 14 settembre, all’interno degli spazi di BASE Milano, un ex edificio industriale oggi diventato punto di riferimento per la cultura e la creatività. Dalle 10:30 del mattino fino alle 19:30 si potrà esplorare un vero e proprio universo: un’area market con più di 80 espositori provenienti da tutto il mondo – Italia, Francia, Germania, Stati Uniti, Corea del Sud, Giappone, Grecia e molti altri paesi – pronti a far conoscere le loro riviste, fanzine e progetti editoriali alternativi.

Ma Mag To Mag non è solo un posto dove sfogliare e acquistare riviste introvabili: è anche uno spazio dove imparare, confrontarsi e lasciarsi ispirare. Durante il weekend si terranno talk, workshop e masterclass con esperti del settore, pensati per chi lavora nel mondo dell’editoria ma anche per chi è semplicemente curioso o appassionato. L’occasione perfetta per scoprire come nasce una rivista indipendente.

Perché partecipare?

È importante partecipare a questo evento sia per gli appassionati di riviste e sia per coloro che lavorano nel settore. Editori, autori e retailer possono incontrare la propria community, scoprire nuovi trend di mercato e aprire nuove strade professionali. Il bello? L’ingresso è gratuito. Basta registrarsi online – anche se si può accedere anche senza prenotazione – e godersi l’atmosfera vibrante di questo evento unico nel suo genere.

Mag To Mag è l’appuntamento ideale per chi ama la carta stampata, per chi colleziona riviste come fossero piccoli tesori, ma anche per chi cerca ispirazione, connessioni e nuove idee. È un inno all’indipendenza, alla creatività e alla libertà editoriale. Due giorni intensi in cui le parole si intrecciano con le immagini, le storie si incontrano, e ogni rivista diventa una porta aperta su mondi inattesi.

Foto: Pinterest

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Plastic: da club a culto

Fondato nel 1980 da Lucio Nisi, Nicola Guiducci, Rosangela “Pinky” Rossi e Sergio Tavelli, il Plastic non è mai stato soltanto un locale di tendenza. Era un esperimento sociale, un laboratorio estetico, una palestra di libertà. La selezione all’ingresso, rigidissima, non era un capriccio ma una chiara dichiarazione di intenti: dietro quel nastro si decideva non solo chi varcava la soglia, ma quale realtà avrebbe preso forma quella notte.

Oltrepassato l’ingresso, le gerarchie cadevano. La pista diventava un altare profano, la notte un linguaggio liturgico condiviso. Milano, capitale della finanza di giorno, sotto la fioca luce della luna, si trasformava nel suo esatto contrario. Nel ventre del Plastic si poteva finalmente essere altro — e soprattutto, essere liberi. Dalla storica sede di Viale Umbria al successivo trasferimento in via Gargano, il Plastic ha attraversato decenni di trasformazioni urbane, riuscendo sempre a preservare la sua aura di esclusività e trasgressione.

Gli ospiti che hanno scritto la leggenda

Sotto le luci del Plastic hanno passato le loro serate Andy Warhol, Keith Haring, Grace Jones, Freddie Mercury, Madonna, Prince, Elton John, Bruce Springsteen e Paul Young. Ma non esistevano zone vip, né gerarchie da rispettare: chiunque varcasse la soglia diventava parte dello stesso rito collettivo.

Celebre è il ricordo di Freddie Mercury, che trascorse un’intera serata al flipper vicino ai bagni, indistinguibile tra i ragazzi di provincia e i club kids milanesi. Keith Haring era di casa, tanto da dipingere e ballare tra i presenti come fosse uno qualunque. Grace Jones arrivava dall’America apposta per respirare quell’atmosfera irripetibile, fatta di corpi liberi, provocazioni e glamour.

Al Plastic non contava chi eri fuori: contava la disponibilità a farti travolgere dal rito. Lì si costruiva una comunità eterogenea di outsider, drag queen, stilisti, performer, creativi e nottambuli, che condividevano un codice segreto fatto di eccesso, ironia, desiderio, provocazione.

Non era solo puro intrattenimento, ma un linguaggio culturale che ha influenzato moda, arte e musica, contribuendo a posizionare Milano accanto a New York, Berlino e Londra sulla mappa delle capitali globali della nightlife.

L’ultima notte al Plastic

Era il 28 giugno 2025, nel cuore della Pride Week. Fu una serata come tante: la fila davanti all’ingresso, la selezione ferrea, il basso che pulsava. Nessuno sapeva che sarebbe stato l’ultimo ballo.

Solo a settembre è arrivata la conferma, con un comunicato ufficiale che suonava come un epitaffio:
«Il 28 giugno è stata l’ultima serata del Plastic… Grazie per aver partecipato a una festa che per noi è stata unica e sorprendente. Che la festa continui!»

Nessuna spiegazione, solo ringraziamenti. Ma il contesto parla da sé: affitti insostenibili, gentrificazione dello Scalo Romana, logistica sempre più difficile per un club indipendente. Non era la prima volta: già nel 2012 la sede di Viale Umbria era stata sacrificata alla riqualificazione urbana. Tredici anni dopo, la storia si ripete.

La fine di un paradigma

Con il Plastic non chiude soltanto un locale: tramonta un paradigma culturale. Milano perde uno dei suoi sotterranei più vitali, un teatro notturno in cui l’imprevisto prendeva forma e continuava a vivere nella memoria collettiva.

Il rischio ora è quello di incappare una città sempre più “addomesticata”. Milano scintilla di giorno e si specchia di notte, ma senza luoghi come il Plastic rischia di restare luccicante in superficie ma senza più nulla da dire. La coincidenza con lo sgombero del Leoncavallo poche settimane prima non è casuale: la Milano alternativa si restringe, lasciando spazio a una nightlife omologata, scintillante all’esterno ma povera dentro.

L’eredità immateriale

Eppure, il Plastic non svanisce. Non sopravvive nei muri di una location, ma nell’immaginario che ha saputo generare. Vive nei corpi che lì hanno trovato forma, negli sguardi che si sono riconosciuti, negli stili che hanno preso slancio fino a contaminare la cultura mainstream. È stato al tempo stesso luogo di passaggio e di fondazione: ha offerto alle marginalità la possibilità di farsi centro, e all’eccesso autorevolezza e dignità di linguaggio.

Il Plastic ha insegnato che ballare può essere un atto politico, che vestirsi può diventare un manifesto universale, che la notte può produrre anche cultura e non solo effimero divertimento. Ha educato intere generazioni alla bellezza della differenza, consegnando a Milano un’eredità che non appartiene a un singolo club, ma al suo vocabolario urbano.

Il Plastic non è stato un locale: è stata una liturgia metropolitana. Un rito collettivo che, settimana dopo settimana, ha tenuto insieme corpi, desideri e identità. Con la sua chiusura si chiude un capitolo, ma resta un interrogativo al quale Milano non può sfuggire:

Quanti e quali capitoli notturni restano da scrivere?

Perché si possono spegnere le luci di un club, ma non si può spegnere la memoria di una città che, almeno per un istante, sotto quelle luci strobo, era davvero libera.

Ciao Plastic, è stato un onore aver calpestato il tuo “dance floor”.

Foto: Editoriale Marika Vinci e Elisa Fossati.

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A seconda di chi interpelli “Milano d’estate è terribile”, poi ti basta spostarti qualche via più su e il primo che fermi ti dirà che “un’estate come quella che passo a Milano non la trovo da nessuna parte”. Sono diversi i punti di vista e non è chiaro quale sia la verità.

Di solito rimangono queste due le percezioni che si accompagnano alla narrazione del caldo infernale e della città deserta. In contrapposizione con la Milano Estiva e la Summer Experience. Entrambi messi uno di fronte all’altro inorridirebbero davanti alle loro affermazioni.

La questione classica è quella di “chi rimane a Milano in estate”, un tema ricorrente che ahimè non ha con sé dati ufficiali. La città ha una popolazione residente di circa 1.350.000 persone (come segnalato nel 2024), per cui come si può immaginare vederla svuotarsi completamente è un po’ al limite dell’impossibile. Inoltre le statistiche sul turismo mostrano che Milano ha un flusso di visitatori in crescita costante, anche durante i mesi estivi.

Il mito della città vuota è quindi da sfatare: ci sono meno persone, ma svuotata del tutto non sembrerebbe riuscire ad esserlo.

Ci sono dei resistenti, dei tenaci che rimangono a sostentare la città. Da ricerche e osservazioni emerge che ci sono delle categorie di residenti che devono restare in città, nonostante il caldo afoso. (Questo del caldo è un mito che purtroppo si è dimostrato più che reale, “insfatabile”).

A rimanere sono i lavoratori essenziali, legati a servizi pubblici, sanità, trasporto e commercio al dettaglio, assieme a lavoratori autonomi e i professionisti che, ahimè, si ritrovano con le scadenze in agosto. Ci sono poi gli studenti universitari che non sempre riescono a ritornare nelle proprie città d’origine e che spesso rimangono nella afosa Milano per studiare, lavorare o addirittura godersi la città con un ritmo più lento (possibile?).

I dati demografici mostrano poi che la popolazione straniera a Milano rappresenta una parte significativa, con un ben 14%. Molti non hanno piacere o possibilità di ritornare al proprio paese d’origine e così diventano una componente stabile della popolazione estiva.

Resta in città anche chi non può permettersi le ferie, un’altra fascia della popolazione decisamente significativa.

Che sia per motivi economici o personali non possono permettersi una vacanza fuori porta. Ecco che l’Estate a Milano diventa quindi un periodo di difficoltà, anche perché molti dei servizi chiudono e diciamo che la permanenza passa alla modalità survival.

C’è da dire che il turismo è diventato un’elemento sempre più rilevante dell’estate milanese tanto che alcuni settori decidono perfino di rimanere aperti, contribuendo a rendere la città meno spenta. Eccoli allora, arriva la sfilza di articoli e contenuti social che ci invitano a vivere l’estate a Milano. Si spinge per un cambiamento nella percezione: l’estate milanese non è solo una cosa da sopportare, ma un’opportunità da cogliere. O almeno questa è l’intenzione.

Si spinge per attività alternative rispetto alla movida classica di milano, ma neanche troppo: si parla di visitare mostre, fare aperitivi sui rooftop, andare al cinema all’aperto o semplicemente godersi la città meno affollata.

Ma è possibile?

Milano in estate si riconferma sempre come un posto volubile, un trend stagionale.

Alla fine, deve davvero arrivare l’estate per vedere Milano come una città normale? Per visitare musei, per andare al cinema all’aperto? Come se durante gli altri mesi Milano fosse tutta un’altra cosa, un’altra realtà, come se ci fossero cose più importanti di godersi la città e quello che offre, cose che tra l’altro rimangono fisse anche durante tutto il resto dell’anno, giusto per informarvi.

Appena Milano non è più cool e perde il suo fascino, chi può non perde l’occasione di lasciarla, andare via, partire. E chi non ha la possibilità rimane, anche perchè altro non può fare. È cosi che Milano prende un altro gusto, per chi non lascia la città. Chi parte, d’altronde, rimane con l’idea della città frenetica, à la mode. Chi è costretto a rimanere deve subire le strade vuote, deserte, con il sole che picchia alto a qualsiasi ora del pomeriggio. Pochi eventi, a volte nessuno. Negozi aperti sì, ma deserti. Senza poter rubare il pezzo forte sotto al naso di qualche modaiola, anche lo shopping perde il suo fascino.

La realtà è che Milano, dopotutto, sembra quasi essere un parco giochi per ricchi, che quando interrompe il giro delle giostre, non dà nessun motivo per rimanere.

Si percepisce una specie di effetto “isola”, un accentuazione di un senso di isolamento. Negozi, uffici e servizi chiusi creano un vuoto per alcune di quelle persone che non possono partire. Sopratutto per le fasce più anziane e chi vive solo, l’estate può diventare solo solitudine. C’è da dire poi che il caldo è reale e non tutti possono permettersi di installare l’aria condizionata nella propria casa, in affitto o di proprietà che sia e nel gigante di cemento che è la città è ancora più difficile riuscire a resistere.

C’è chi però riesce a trovare un lato positivo nel ritmo più lento, forse reduce dal grande boom dell’idealizzazione della “vita lenta”. Alcuni riescono a trovare un compromesso. Si lavora, si studia, ma si cerca anche di ritagliarsi del tempo libero per un aperitivo serale, una cena fuori o un’attività culturale, per non cedere alla routine e al caldo.

La percezione dell’estate a Milano è quindi sfaccetta, eterogenea. Su una cosa però siamo tutti d’accordo: il caldo afoso di Milano è insopportabile, fuori-sede, resistente o vacanziero che sia.

Milano d’estate è uno spazio sospeso, che si ferma, si mette in pausa. Aspetta il ritorno di chi la può rimettere in moto. La cosa simpatica è che accade da un giorno all’altro. Tutti partono nello stesso momento e così tutti ritornano allo stesso modo. La città da vuota, in sole 12 ore ritorna il caos familiare che chi vive o lavora nella città meneghina conosce bene, a volte ancora più semplice da gestire. Con le strade vuote di Milano io non so come comportarmi, ma alle 19 di un 22 settembre saprei cosa fare, dove andare, chi chiamare.

Milano in estate diventa una realtà che conoscono in pochi, basta rimanere incastrati nel suo ritmo lento forzato per entrare in crisi. Che sia il caldo, il basso quantitativo di persone o la lentissimissima vita sociale, Milano d’estate è uno spazio liminale, un luogo in cui la realtà quotidiana sembra sbiadire, lasciando spazio a un senso di isolamento. A volte perfino di inquietudine. Chi rimane (costretto) a Milano si trova in una zona “grigia” dove le regole della movida non valgono più e il ritmo sociale non è ancora chiaro. Una condizione di non-appartenenza che solo chi non può liberarsi dalla città “sempre attiva” vive ogni estate.

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