Le maison guardano ai loro archivi

 Negli anni le maison di lusso hanno, a fasi alterne, riscoperto i propri archivi. I direttori creativi contemporanei non si limitano a creare da zero, ma spesso attingono dalle creazioni iconiche del passato per reinterpretarle in chiave attuale. Il vintage non è più soltanto una nicchia per collezionisti o appassionati di second hand, ma una vera corrente dominante che attraversa gli armadi di tutto il mondo.

Questo processo è diventato quasi una strategia estetica e commerciale: valorizzare il patrimonio storico del brand e allo stesso tempo intercettare la crescente passione per il vintage. Le borse, più di qualsiasi altro accessorio, rappresentano perfettamente questa dinamica perché hanno una forte identità visiva e una lunga memoria culturale.

Le IT Bag del 2026

Nel 2026 diversi direttori creativi hanno riportato in passerella alcune delle borse più iconiche degli ultimi decenni, aggiornandole con nuovi materiali, proporzioni o palette cromatiche.

 Si tratta spesso di un equilibrio delicato: mantenere il DNA del modello originale senza farlo sembrare una semplice replica. Alcune versioni sono quasi identiche alle originali, mentre altre introducono dettagli contemporanei come nuove texture, hardware rivisitato o versioni mini e maxi pensate per il mercato attuale. Sono tanti i ritorni dell’anno appena iniziato, ma vediamone alcuni più nel dettaglio

It Bag Louis Vuitton e Chloè

Tra i ritorni più evidenti c’è la Louis Vuitton Speedy, uno dei modelli più iconici della storia del brand. La prima versione della Speedy risale al 1930, quando fu creata come versione più compatta della Keepall. Nel 2026 la maison l’ha riportata al centro dell’attenzione, in occasione del 130º anniversario del monogram, grazie alla campagna che vede Zendaya come ambassador. Questo ha contribuito a rilanciare il fascino del modello tra le nuove generazioni.

Un altro ritorno significativo è quello della Chloé Paddington, una delle borse simbolo degli anni 2000. Fu lanciata nel2005 sotto la direzione creativa di Phoebe Philo, diventando rapidamente un oggetto del desiderio di pelletteria grazie al suo lucchetto in metallo oversize, alle proporzioni ampie, in un perfetto stile boho-chic.

Balenciaga e Gucci

Tra le borse più amate dagli appassionati di vintage rimane anche la Balenciaga City Bag, spesso chiamata Motorcycle Bag. Il primo modello apparve nei primi anni2000, ideato da Nicolas Ghesquière, diventando un simbolo dell’estetica rock e disinvolta della maison. Il design rivoluzionario si distingueva per la morbidezza della pelle con quelle borchie in metallo che la rendevano un’ eccezione rispetto alle borse strutturate dell’epoca.

Nel frattempo Gucci continua a puntare su una delle sue icone più riconoscibili, la Gucci Jackie 1961, una reinterpretazione del modello reso celebre negli anni Sessanta quando, un giorno qualunque, è la first lady americana Jacqueline Kennedy ad essere immortalata con la Jackie sottobraccio. La forma hobo inconfondibile e il manico gentile ne hanno fatto un accessorio riconosciuto internazionalmente.

Fendi e Celine

Come non citare l’intramontabile Fendi Baguette, creata nel 1997 da Silvia Venturini Fendi, che continua a essere reinterpretata stagione dopo stagione, assecondando i trend attuali, senza perdere il suo status di icona. L’idea originaria era semplice: creare una borsa piccola da portare sottobraccio, proprio come una baguette francese. Il modello diventò molto popolare anche grazie alla serie tv Sex and the City, dove il personaggio di Carrie pronunciò la celebre frase “It’s not a bag,it’s a Baguette.” Negli anni la maison ha creato oltre 1000 varianti della Baguette, con materiali come pailettes, ricami, visone, pelle o jeans.

Infine, tra le borse più riconoscibili degli anni 2010 torna anche la Celine Luggage Phantom della maison Celine, famosa per la sua silhouette strutturata e le linee quasi architettoniche.

Il modello originario fu introdotto come Luggage Tote ancora da lei, Phoebe Philo, che in quel periodo ridefiniva l’estetica del brand. La versione Phantom arriva poco dopo come evoluzione più ampia e morbida.

Nuovo vs vintage

Un aspetto interessante di questo ritorno delle It Bag riguarda il prezzo. In alcuni casi le nuove versioni prodotte dalle maison hanno costi più elevati rispetto agli esemplari vintage sul mercato second hand.

Questo dipende da diversi fattori: il posizionamento attuale del brand, l’aumento generale dei prezzi nel lusso, i materiali utilizzati nelle nuove produzioni e, naturalmente, le strategie di marketing contemporanee. Il mercato vintage, invece, segue logiche diverse, spesso legate alla rarità del modello, alle condizioni della borsa e alla domanda dei collezionisti.

Il fascino intramontabile dell’originale

Le reinterpretazioni contemporanee sono spesso fresche, moderne e pensate per dialogare con il gusto attuale. Tuttavia non sempre riescono a superare il fascino delle versioni originali. Le borse vintage conservano dettagli, proporzioni e materiali che raccontano l’epoca in cui sono state create, e proprio queste peculiarità le rendono particolarmente desiderabili. Inoltre, i prezzi delle nuove versioni possono essere oggi molto più alti rispetto al passato.

Per questo motivo, in alcuni casi può avere senso acquistare la reinterpretazione moderna se il prezzo è competitivo o se si preferiscono materiali e finiture attuali. Ma spesso la scelta più interessante resta cercare la versione vintage: autentica, ricca di storia e, non di rado, anche più accessibile.

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Il mese della Fashion Week Fall/Winter 26/27 ha raccontato una stagione ricca di contrasti affascinanti. Tra revival sofisticati e nuove proporzioni. Minimalismi chic che incontrano esplosioni cromatiche. Nuove strutture geometriche versus silhouette fluide e quasi eteree. In un mosaico di visioni la scelta di una maison significa avere una propria narrazione estetica. Nasce da tale idea uno dei giochi più affascinanti del fashion system: dimmi che maison ami e ti dirò chi sei.

Prada

— L’intellettuale contemporaneo

Chi ama Prada raramente segue la moda nel senso più semplice del termine. La osserva, la analizza, spesso la anticipa.

Minimalismo concettuale, ironia sottile e sperimentazione culturale definiscono una personalità curiosa e sofisticata. Miuccia Prada e Raf Simons celebrano la donna nella sua realtà sfaccettata ed impegnata. Con un processo di stratificazione degli abiti i designer ci mostrano come, con pochi capi, si possano creare svariati look.

L’esteta di Prada ama sorprendere nonostante il minimalismo.

Chanel

— Metamorfosi elegante e emancipazione

Chanel significa credere che lo stile possa essere immortale.

Il tweed iconico, il nero, le linee pulite e i dettagli preziosi dalla texture lucida si alternano ad altri opachi. Il ritorno alle gonne plissettate a vita bassa della maison anni ’20. Il blazer oversize fluente è al centro della scena e si contrappone a gonne corte. Il direttore creativo Matthieu Blazy attinge dagli armadi della Chanel più classica ma li rilegge in chiave contemporanea. Crede fortemente nella metamorfosi dal bruco, simbolo di un workwear basic quasi maschile, alla farfalla che si materializza attraverso gli abiti di seta scivolata, fiori tridimensionali e ricami a forma d’insetto. Si passa dal pragmatismo diurno alla stravaganza chic notturna.

Chi sceglie Chanel ha una sicurezza naturale, libera e un gusto raffinato. La sua eleganza esiste oltre il tempo.

Schiaparelli

— Il surrealista visionario

Schiaparelli non è semplicemente moda: è immaginazione.

I dettagli scultorei, le iconografie dorate e l’estetica surrealista attraggono personalità creative e audaci. Spalle strutturate, corsetti metallici, gonne lunghe e teatrali. Un ibrido tra moda e scultura.

Chi ama Schiaparelli vive la moda come un atto artistico. Non cerca discrezione. Cerca stupore.

Maison Margiela

— L’esteta radicale

Maison Margiela è il territorio di chi ama la moda concettuale e dell’identità nascosta.

Decostruzione, anonimato e sperimentazione definiscono una visione che rompe le regole tradizionali del lusso. La sfilata della linea MM6 della Maison è avvenuta in uno scenario urbano, dove i modelli attraversassero la città. Camicie a quadri, gonne ampie, blazer sartoriali si alternavano a trench coat, maglioni da sci e denim interpretati in modo creativo. Gli occhiali scuri che coprono lo sguardo sono il tocco della maison.

Chi sceglie Margiela ama l’intelligenza estetica più dell’approvazione immediata.

Hermès

— Il culto della perfezione

Hermès è la quintessenza del lusso senza tempo.

Artigianalità, tradizione e qualità assoluta definiscono una filosofia che valorizza la durata e la perfezione. La direttrice artistica Nadège Vanhée-Cybulsky si è ispirata al gioco di luce e ombra. Un’atmosfera misteriosa e poetica, che lascia immaginare un paesaggio al tramonto. I materiali: pelle lavorata con precisione, lane morbide e seta il tutto rappresentato dalla sartorialità maestra della maison.

Chi ama Hermès non va alla ricerca del lusso, lo incarna.

Louis Vuitton

—Il viaggiatore globale

Amare LV significa riconoscersi in un’estetica dove heritage e desiderio contemporaneo si incontrano. Alla sfilata il direttore creativo Nicolas Ghesquière ha messo in scena il concept di “Super Nature”: un paesaggio montano immaginario, quasi alpino, allestito nel cortile del Louvre. La natura seppur selvaggia, a tratti, è accostata ai tratti classici della couture. In passerella capes e mantelle strutturate, cappelli in shearling e pelliccia e altri riferimenti al folklore alpino. Tra i dettagli più commentati tacchi a forma di corna e il ritorno di borse iconiche.

Da simbolo del viaggio a icona del lusso contemporaneo, la maison rappresenta una personalità cosmopolita, dinamica e ambiziosa.

Gucci

— I belli e dannati

Quello che Demna ha messo in scena per il suo debutto con la maison Gucci è una passerella sexy. Dai completi anni ’90 al glamour anni 2000.

Colori, loghi, nostalgia vintage e glamour contemporaneo costruiscono un’estetica potente e magnetica. Mini abiti aderenti, tailleur corti e sexy, top stretti, pantaloni attillati e cappotti reinterpretati. Gli abiti sono sfrontati e provocatori.

Chi ama Gucci è pragmatico, sempre riconoscibile.

Giorgio Armani

— Il minimalista assoluto dell’eleganza

Giorgio Armani ha trasformato la semplicità in un linguaggio di potere. Silvana Armani, nipote del fondatore, ha fatto il suo debutto alla Milano FW 2026/2027, portando una visione personale pur restando fedele ai codici storici della maison.

Silhouette fluide, palette neutre e sartorialità impeccabile definiscono uno stile disciplinato e moderno. Cappotti e soprabiti ampi, destrutturati. Capi di velluto, cashmere, flanelle morbide e seta luminosa che avvolgono il corpo in modo naturale

Chi ama Armani vive il lusso discreto. Possiede un’eleganza composta di chi sa di essere, senza dover dimostrare.

Dior

— Il romanticismo strutturato

Dior parla a chi ama la moda nella sua forma più scenografica e raffinata.

La sfilata è avvenuta in una cornice poetica sotto la direzione creativa di Jonathan Anderson: le modelle hanno sfilato nei giardini di Tuileries, all’interno di una serra di vetro circondata da ninfee e piante d’acqua. Un giardino incantato come quegli abiti che sembravano dei fiori.

Il risultato è quello di una passeggiata parigina a stretto contatto con il paesaggio. Proprio la natura non è solo decorazione ma metafora di eleganza e movimento poetico.

Chi ama Dior possiede un’anima romantica ma disciplinata, percepisce la bellezza e vuole entrare in connessione con essa.

Balenciaga

—Il creativo ribelle e moderno

Balenciaga è tra le espressioni più alte di un linguaggio contemporaneo che ama uscire dagli schemi. Alla ricerca di un a forma di eleganza non tradizionale. Alla Paris FW 26/27 la maison, guidata artisticamente da Pierpaolo Piccioli,  ha dato vita a giochi di contrasti in una collezione intitolata d’altronde ClairObscur: una passerella scura, quasi cinematografica, e look che mescolavano couture e streetwear. Bomber oversize, abiti scultorei, minidress e stivali platform hanno creato una visione della moda intensa e quasi teatrale.

Chi ama Balenciaga è audace e anticonformista. Sperimentazione di una propria identità.

Ferrari

— L’esteta della velocità

Ferrari è l’emblema italiano della passione.

Velocità, ingegneria e il rosso iconico raccontano una personalità ambiziosa e competitiva.

“Skins I Am In” è il titolo della sfilata italiana della FW 26/27. La collezione esplora l’idea di moda come seconda pelle, mettendo al centro la connessione tra vestito e corpo. In passerella silhouettes sinuose, abiti aderenti e tagli puliti e precisi. I toni neutri tra nude, beige, marrone cioccolato fino all’iconico rosso Ferrari che emerge nei pezzi chiave della collezione.

Chi si identifica con Ferrari vive la vita con intensità e desiderio di eccellenza.

Nessuno è davvero un solo brand.

La personalità più interessante nasce sempre dall’incontro tra universi diversi: l’intelligenza di Prada, il romanticismo di Dior, la disciplina di Armani, la fantasia di Schiaparelli.

Il vero lusso contemporaneo non è appartenere a una sola maison.

È costruire il proprio stile attraversandole tutte.

Photocredits: Fashion Network

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Fondazione Prada presenta The Island, il nuovo progetto site-specific di Hito Steyerl, artista, teorica e docente tra le più influenti della scena contemporanea. La mostra, allestita dal 4 dicembre 2025 al 31 agosto 2026 negli spazi di Osservatorio in Galleria Vittorio Emanuele II a Milano, trasforma l’idea di isola in una metafora fluida, sospesa tra scienza, memoria e immaginazione.

Osservatorio: il laboratorio dei linguaggi

Nato come luogo di ricerca sui linguaggi visivi e tecnologici, Osservatorio è una piattaforma per pensare l’arte come campo di sperimentazione in dialogo con il mondo digitale, politico e sociale. The Island si inserisce perfettamente in questa visione, con un progetto che attraversa media, discipline e tempi storici diversi.

In The Island Steyerl intreccia narrazioni che ruotano intorno al tema dell’inondazione , metafora di trasformazione e perdita di controllo, per affrontare questioni come le derive autoritarie legate all’intelligenza artificiale, la crisi climatica e le pressioni sulla ricerca scientifica.
L’artista adotta la logica della fisica quantistica e della fantascienza per costruire un universo in cui stati e tempi coesistono, generando un’esperienza immersiva tra video, sculture e installazioni.

L’origine: un ricordo di Darko Suvin

L’idea della mostra nasce da un racconto del critico e teorico della fantascienza Darko Suvin. Durante un bombardamento a Zagabria nel 1941, si immaginò dentro un episodio di Flash Gordon. Fu proprio questo che portò Steyerl ad elaborare una riflessione: anche nelle circostanze più estreme, la mente può generare mondi paralleli, proprio come fa la fantascienza.

La mostra si sviluppa in quattro narrazioni interconnesse. Lucciole, indaga la bioluminescenza e la scoperta della luciferina da parte del Nobel Osamu Shimomura. The Artificial Island, dedicata all’isola neolitica sommersa al largo di Curzola, in Croazia. The Birth of Science Fiction, che esplora l’eredità critica del pensiero di Suvin. Flash, che intreccia memoria storica e immaginario pop.

Ogni sezione è un viaggio tra realtà e finzione, archeologia e futuro, con proiezioni 3D, interviste a scienziati e teorici, e installazioni che evocano paesaggi sommersi e mondi alternativi.

Al secondo piano dell’Osservatorio, un ambiente ricrea il cinema in cui il giovane Suvin vide Flash Gordon. Su uno schermo circolare prende vita il film di Hito Steyerl, accompagnato dal canto tradizionale croato Klapa. Tre sculture in legno e resina completano l’esperienza con forme che emergono come reperti di un tempo perduto.

Un dialogo tra arti e scienze

The Island attraversa epoche e scale temporali. È un racconto poetico e politico, che invita a immaginare altri mondi possibili in un’epoca segnata dall’incertezza.

La mostra sarà accompagnata da un volume della serie Quaderni di Fondazione Prada. Al suo interno tre conversazioni tra Hito Steyerl, il curatore Niccolò Gravina, il fisico Tommaso Calarco e la storica Sachi Shimomura.

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Un tempo, arte e moda appartenevano a due mondi lontani, quasi inconciliabili. L’arte, profonda e concettuale, parlava agli intellettuali, immersa in un’aura di astrazione e lontana dalle logiche del mercato. La moda, invece, era percepita come effimera e concreta, legata ai ritmi del cambiamento e al desiderio di abbellire il corpo. Se l’arte mirava all’assoluto, alla trascendenza, la moda sembrava limitarsi a un linguaggio dell’apparenza e della società.

Ma nel corso del Novecento qualcosa cambia. Le avanguardie aprono un dialogo nuovo tra queste due sfere: artisti e couturier. Le loro visioni iniziano a contaminarsi, a superare i confini dei rispettivi territori creativi. L’abito smette di essere solo ornamento e diventa portatore di idee, simboli. L’arte, a sua volta, si lascia attraversare dalla moda, trovando in essa un nuovo modo di esprimersi e di raggiungere il pubblico. 

Le sfilate si trasformano così in veri e propri palcoscenici di sperimentazione estetica. Le boutique delle grandi maison assumono l’aspetto di gallerie d’arte contemporanea. In questo scenario, i brand del lusso danno vita a fondazioni d’arte, sancendo definitivamente un’unione ormai indissolubile tra creatività artistica e moda.

Le Fondazioni: nuovi templi della cultura contemporanea

Le Fondazioni di Moda rappresentano oggi autentiche piattaforme culturali. Nate con l’intento di valorizzare e custodire il patrimonio artistico e la storia di un marchio, stimolano anche il dialogo e la riflessione. In esse si intrecciano identità, memoria e visione. Raccontano tutto ciò che compone l’immaginario collettivo di una maison, capace di aprire nuovi orizzonti nella fruizione dell’arte.

Dal punto di vista architettonico e spaziale, ogni Fondazione si distingue per una progettazione curata nei minimi dettagli. Le location riflettono l’essenza estetica del marchio, diventando parte integrante del suo linguaggio visivo. L’obiettivo è quello di offrire al visitatore un’esperienza immersiva e coerente con l’identità del brand. Contrariamente a quanto si potrebbe pensare, questi luoghi non espongono soltanto abiti o accessori iconici. Accolgono anche opere d’arte che rispecchiano il gusto e la sensibilità del fondatore.

Oltretutto, le Fondazioni perseguono un fine più ampio: sostenere e promuovere nuovi talenti internazionali. Sempre più spesso, infatti, i grandi marchi assumono il ruolo di mecenati moderni, sostenendo le giovani generazioni creative e contribuendo alla tutela del patrimonio artistico e storico. Le loro iniziative si concretizzano in mostre, eventi e progetti dedicati all’arte, al design e alla moda. 

Eccellenze italiane

In Italia, alcuni esempi emblematici raccontano come la moda possa farsi custode di cultura e innovazione.

Tra queste spicca Fondazione Prada, nata nel 1993 tra Milano e Venezia. Da oltre trent’anni promuove mostre d’arte e architettura, progetti di cinema e danza, diventando un punto di riferimento internazionale per la sperimentazione culturale. I suoi spazi, sempre in dialogo con l’avanguardia, incarnano la visione di un marchio che ha saputo trasformare l’estetica in pensiero.

Un’altra realtà significativa è la Fondazione Zegna, istituita il 1° dicembre 2000 per dare continuità alla visione e ai valori di Ermenegildo Zegna. Essa rappresenta un vero e proprio polo di connessione tra cultura, natura, salute e ricerca scientifica. Il suo cuore pulsante è l’Oasi Zegna. Un “laboratorio a cielo aperto” di oltre 100 km² che celebra il legame profondo tra l’uomo, la montagna e l’ambiente.

Più recente, è la Fondazione Valentino Garavani e Giancarlo Giammetti (PM23), inaugurata a Roma nel febbraio 2025. Questa istituzione promuove l’arte e la cultura attraverso un ampio programma di mostre, eventi e iniziative dedicate alla moda e al design. PM23 conferma ancora una volta il ruolo delle maison italiane come protagoniste attive del panorama culturale contemporaneo.

L’arte della moda, la moda dell’arte

Le Fondazioni delle grandi maison incarnano il punto d’incontro più alto tra arte e moda. Un dialogo costante fatto di visione, ricerca e contaminazione. Sono luoghi in cui la bellezza si trasforma in pensiero e il pensiero diventa esperienza, restituendo al pubblico la forma più autentica della creatività contemporanea.

Foto: Pinterest

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La linea kitchen and dining Quai Voltaire: un viaggio nel mondo di Karl, dove i sogni diventano realtà. 

Premessa: senza l’amore, la passione e la creatività di Karl la collezione di Interior design Karl Lagerfeld Maison sarebbe rimasta solo uno schizzo su foglio bianco.

Ogni collezione prende il nome dai quartieri della Ville Lumière – Parigi – più amati da Karl Lagerfeld, come la linea kitchen and dining Quai Voltaire nata dalla sua passione irrefrenabile per l’arte e progettata dall’architetto Matteo Nunziati “Nella fase di progettazione creativa ho immaginato spesso Karl passeggiare lungo i canali di Amburgo o mentre visitava gli eleganti palazzi di Saint-Germain-des-Prés a Parigi. Entrambe le città sono state importanti per la storia di Karl e mi hanno guidato nel trovare un equilibrio tra il rigore del Bauhaus e la sofisticata eleganza parigina“

Con la linea kitchen and dining Quai Voltaire tradizione e modernità danzano a ritmo di valzer, “il ballo più armonioso di tutti”: linee razionali e volumi rigidi incontrano una tavolozza di colori tenui, lussuose superfici in marmo e metalli satinati. “La collezione Quai Voltaire non offre solo uno spazio all’avanguardia dove cucinare, ma anche un design innovativo dove l’arte della gastronomia può esprimersi in un ambiente minimalista ed elegante. Le forme evocano un bar, creando uno spazio intrinsecamente sociale e confortevole“.

Gli artigiani italiani aprono le danze, e creano prodotti dai materiali preziosi e accuratamente selezionati: marmo nero antico, acciaio laccato nero lucido, ante laccate in alluminio, e marmo nero dello Zimbabwe.

Salla à manger in stile Quai Voltaire 

“La cucina è cornice della vita quotidiana, dove ci si riunisce con gli amici e la famiglia per momenti di conviviali e condivisione” – Caroline Lebar, SVP Image and Communications di Karl Lagerfeld.

Le sedie dining in metallo lucido e dalle imbottiture rivestite in bouclé avorio completano il tavolo in stile Quai Voltaire, dalla struttura cromata lucida, con un piano in vetro laccato e gambe in stile Bauhaus.

Un paragrafo lo dedico a te, Karl Lagerfeld…

Codino bianco, occhiali da sole e guanti a mezzo dito, lo hanno soprannominato Kaiser, ma si chiamava Karl. Nato in Germania e cresciuto in Francia, passa in l’Italia per studiare Arte. Gli anni Duemila vedono il suo successo, il 2019 la sua morte. Scattava, disegnava e osservava « Preferisco vedere, non essere osservato». Parlava, di moda, di lusso, di arte e leggeva per combattere la noia «Mi annoio facilmente e libri sono una droga pesante con la quale non si rischia l’overdose». All’altare non arriva, ma dell’amore non si priva: Choupette, una gattina, una musa e una figlia «è una presenza meravigliosa, morbida, sfuggente, soprattutto silenziosa». Amava l’arte e Parigi tanto quanto Dante amava Beatrice. Signori e signore, sua maestà Karl Lagerfeld.

Le idee gli frullavano nella testa, il cuore gli indicava quali seguire e le mani come farle fiorire. «Uno stilista deve immaginarsi come un edificio con le antenne di una televisione, pronto a catturare le immagini di tutto ciò che accade attorno, registrarle per poi dimenticarle»

Caro Karl, forse non lo sai, ma il libro più bello lo ha scritto tu: “Il libro della tua vita”, una vita con destinazione Paradiso. Grazie Karl Lagerfeld.

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