La Pasticceria

Situata su Corso Italia 3, si sono aperte le porte della nuova pastry shop milanese firmata Alberto Magrì.

Ambienti dal design minimalista ma estremamente curato e essenziale sono pronti ad accogliere i propri clienti. E’ stata posta particolare attenzione anche all’illuminazione del pastry shop, realizzata da TRJ per Tom Dixon Studio. La cura e la perfezione sono caratteristiche che pervadono il suo laboratorio come la sua pasticceria. 

Luogo contemporaneo dove le colazioni e ” La Pasticceria ” diventano un’esperienza da vivere, non solo con il gusto. 

Questo è il primo progetto imprenditoriale nel capoluogo lombardo che sicuramente avrà già altre nuove prospettive di espansione.

Il pasticcere più virale d’Italia

Alberto Magrì in un lasso di tempo considerevolmente breve ha raggiunto milioni di persone distribuite in tutto il mondo.

La semplicità di un lavoro manuale e artigianale tramandato da generazioni e esposto attraverso video sulle piattaforme social, che riesce a guadagnarsi un pubblico importante.

Da Instagram a TikTok ha generato un flusso di visualizzazioni e seguito da milioni di persone. 

A fine 2022 ha raggiunto sempre più un pubblico internazionale grazie ai video curati nei minimi dettagli dove l’estetica prende posto alle parole, difatti non c’è mai una comunicazione diretta nei suoi contenuti. Creazioni golose costruite con precisione maniacale, dalle forme ai colori ai sapori.

I video che diventano subito virali, dalla preparazione del croissant classico ai video più recenti della frutta realistica. 

Hanno colto l’attenzione dei media e in pieno hype in questo momento le creazioni di pasticceria della frutta realistica che uniscono precisione e innovazione. 

Mostrare le fasi di preparazione dei dolci iperrealistici a forma di frutta e della pasticceria proprio come si mostra la creazione di un’opera d’arte, è questa la capacità del pastry chef Alberto Magrì. 

Come un lavoro di famiglia può diventare l’arte della vita

Le tecniche e la capacità di Alberto Magrì sono formati da fondamenta importanti, quelle di una generazione di pasticceri.

Nato e cresciuto professionalmente all’interno della storica attività di famiglia nella Pasticceria Magrì di Livorno dove apprende i segreti del mestiere e le basi di ciò che sarà la sua strada.

Inizia proprio qui a costruire la sua community internazionale e virtuale.

“Dopo anni di ricerca e lavoro, sta per arrivare il mio primo spazio ufficiale. Un luogo dove condividere le mie creazioni, tra radici, estetica e visione personale” ha annunciato sui social Alberto Magrì stesso.

Quarta generazione la sua e erede di tradizione, italianità e capacità del mestiere, Alberto Magrì decide di dare e darsi uno spazio tutto suo distaccato dal laboratorio di famiglia. 

Luogo nuovo dove innovazione e intraprendenza possono dare sfogo all’immaginazione, per creare nuove opere d’arte da un gusto tangibile.

Crediti foto: albertomagrimilano instagram profile

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L’interpretazione che viene fatta dell’arte, dell’architettura e della materia da creativi rari come lo è Giovanni Raspini, permettono attraverso le loro creazioni di addentrarsi in un’altra dimensione.

Questa propensione si attualizza anche nei luoghi che sceglie di abitare e trasformare.

La Toscana detiene il cuore di Giovanni Raspini, dove recupera palazzi storici e spazi abbandonati per restituirgli nuova vita, creando luoghi dove creazione, artigianato e arte coesistono.

Uno sguardo rivolto al passato, al Rinascimento italiano che si può evincere dalle botteghe dove artigiani modellano la cera e scolpiscono figure con un sapere che ricorda le officine artistiche del passato. Luoghi dove nasce l’universo di Giovanni Raspini fatto di serpenti, cavalli, felini, camaleonti e coccodrillo, con l’interpretazione di un linguaggio simbolico e morale.

Tra infiniti mondi animalier, oggi Panthère Noire è l’interpretazione di Giovanni Raspini

I felini e il mondo selvaggio animale ha da sempre inspirato l’arte di Giovanni Raspini. Il risultato eccezionale è visibile alla mostra Panthère Noire. La creazione e progettazione avviene attraverso l’interpretazione di uno spettacolo ancestrale o di un’idea primordiale che poi diventa materia e oggetto. Il mondo animalier e in particolar modo quello che lo ha sempre inspirato dei felini, è stato rappresentato o raffigurato dai primi tempi dell’uomo. Le caratteristiche distintive di questi animali inspiravano l’uomo, il quale aspirava a potersi personificare alla forza e bellezza di ghepardi, tigre e leopardo.

Un eleganza sovrumana quella dei felini che sprona Giovanni Raspini a creare gioielli sempre più iconici, con un impronta forte e naturalistica che arriva attraverso la tecnica antica della fusione a cera persa, ad offrire forme plastiche e una texture unica. 

I felini sono stati protagonisti indiscussi della storia del gioiello. Da interpretazioni sacre che attraversano la storia delle religioni, trasformando le creature in simboli di divinità, virtù o messaggeri spirituali. Fino ad arrivare nel mondo del profano e successivamente nel lusso contemporaneo. Essi rappresentano un ponte tra la natura umana, quella divina e quella istintiva. 

Infiniti significati attribuitegli dalle diverse culture, popolazioni e artisti che li hanno raffigurati nel corso del tempo.

“La storia del gioiello felino è un viaggio affascinante che attraversa tutta la storia dell’uomo”

Giovanni Raspini

Gioielli da un bestiario felino

La collezione Panthère Noire ha due iconiche pantere nere, in bronzo a grandezza naturale che sono state progettate e disegnate da Giovanni Raspini. Esse sono le inspiratrici di questa grande lavorazione e progettazione artistica e inoltre indossano loro stesse i gioielli in mostra. 

La capo modellista del brand Erika Corsi, ha curato la realizzazione degli appositi gioielli che adornano i corpi delle due pantere nere. Indossano ognuna una grande collana e quattro bracciali posti sulle caviglie, gioielli che vengono realizzati sempre in bronzo fuso a cera persa. Poi rifiniti con doratura 18 kt e impreziositi da grandi gemme incastonate. 

Come espressione artistica e artigianale a livelli quasi ancestrali rappresentano in modo ideale tutte le opere della collezione.

“Artista è colui che cerca lo stupore per trasmetterlo agli altri con il suo linguaggio creativo “

Giovanni Raspini

La mostra tra animi indomiti e straordinaria eleganza

Panthère Noire inedito progetto creativo dedicato al mondo animalier di Giovanni Raspini, è in mostra ad ingresso gratuito. Toccherà tre diverse tappe da Milano a Roma, passando da Firenze, ed espone 28 pezzi unici. Dove pietre, gemme e perle, con colori vivaci formano gioielli diversi per ogni pezzo della mostra: cromie uniche e irripetibili, che si dispiegano in armonie preziose e raffinata poesia visiva. 

LE TAPPE

MILANO 21 – 31 Maggio Residenza Vignal

ROMA 11 – 14 Giugno Coffee House di Palazzo Colonna

FIRENZE 25 Settembre – 4 Ottobre Loggia Rucellai

Crediti foto: giovanniraspini.com

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Nel progetto contemporaneo dell’abitare, il gioco sta tornando a occupare una posizione inattesa. Non più relegato a margine, tempo libero, evasione e intrattenimento, ma riscoperto come struttura primaria della relazione sociale. La nuova collaborazione tra Rubinacci e 11 Ravens si inserisce in questo scenario, proponendo una collezione che, più che oggetti, costruisce condizioni spaziali per lo stare insieme.

Il tavolo da gioco come centro dell’interior design contemporaneo

I tavoli da gioco, dal ping pong al poker, dal mahjong alla roulette, non sono pensati come elementi accessori, ma come veri e propri centri gravitazionali dell’interno domestico attorno ai quali si organizza lo spazio, si definiscono posture, si costruiscono rituali. Il gioco, in questo senso, non è attività, ma architettura: una forma che ordina il tempo e il comportamento.

Non è una posizione nuova, ma oggi torna con particolare urgenza. Già Johan Huizinga, nel libro Homo Ludens, individuava nel gioco una delle matrici fondative della cultura: uno spazio separato ma decisivo, in cui si costruiscono regole, comunità e significati. Allo stesso modo, Roger Caillois descriveva il gioco come un sistema strutturato tra competizione, caso, simulazione e vertigine, capace di riflettere l’organizzazione stessa della società. È in questa cornice teorica che la collezione Rubinacci x 11 Ravens acquista profondità.

Design nautico, lusso domestico e ritualità condivisa

Il riferimento al mondo nautico, evidente nella rosa dei venti e nelle forme che richiamano vele e strumenti di navigazione, non è solo estetico, ma simbolico. Il gioco diventa orientamento: un modo per attraversare lo spazio e le relazioni attraverso regole condivise.

Questa lettura trova oggi una risonanza più ampia nel dibattito sul design contemporaneo. Durante la Milano Design Week 2026, la mostra 0-99. Design per gioco a Palazzo Arese Borromeo ha evidenziato come il gioco da tavolo sia sempre stato un dispositivo culturale capace di attraversare epoche e società, evolvendosi insieme ai loro modelli relazionali. Il gioco emerge così come forma di conoscenza e costruzione collettiva.

Dal calciobalilla al design relazionale

Anche la presenza di elementi come il calciobalilla, storicamente legato a contesti pubblici e informali, introduce una riflessione ulteriore. Ripreso negli ultimi anni da artisti e designer, diventa un dispositivo critico capace di tradurre dinamiche di conflitto e cooperazione. Inserito in un contesto domestico sofisticato, perde la sua dimensione spontanea per trasformarsi in oggetto consapevole, quasi teorico.

Dal punto di vista architettonico, ciò che emerge è una trasformazione significativa. L’interno non è più sequenza di funzioni, ma campo dinamico di interazioni. Il tavolo da gioco introduce una temporalità diversa: quella del turno, dell’attesa, della strategia. Una temporalità lenta e relazionale, che si oppone alla frammentazione accelerata della contemporaneità.

Rubinacci x 11 Ravens e il nuovo concetto di abitare

La matrice sartoriale di Rubinacci rafforza questa visione. Come l’abito costruisce il rapporto tra corpo e spazio, così questi oggetti costruiscono il rapporto tra individuo e collettività. Il dettaglio, la materia — noce canaletto e ottone brunito — radicano l’esperienza in una dimensione fisica, restituendo peso e consistenza al gesto.

In un’epoca in cui l’interior design è spesso ridotto a immagine, il ritorno del gioco suggerisce una direzione alternativa. Non più spazio da contemplare, ma spazio da attivare. Non rappresentazione, ma esperienza.

La collezione Rubinacci x 11 Ravens non si limita dunque a reinterpretare il lusso domestico. Intercetta una trasformazione più ampia: quella di un abitare che torna a fondarsi sulla relazione, sul tempo condiviso, sul gesto. È forse proprio qui il suo aspetto più interessante: nel ricordarci che lo spazio, prima ancora di essere forma, è — ça va sans dire — gioco sociale.

Articolo di: Massimiliano Zigoi

Crediti foto: AFF Comunicazione

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Il gruppo Piquadro con l’apertura di questa boutique The Bridge vuole permettere alla clientela italiana ma sopratutto internazionale di vivere un’esperienza d’acquisto tutta Italiana. Nel centro della città si può comprare un prodotto simbolo di artigianalità, eleganza e tradizione. 

La bottega di un’artigiano è l’estetica che lega le boutique del marchio, in modo da non comprare semplicemente il prodotto finito ma percepire il lavoro artigianale che c’è dietro un prodotto The Bridge.

Pelli e conciature al vegetale sono presenti tra raffigurazioni e materiali esposti in un ambiente luminoso e accogliente. Fiori bianchi e quel sapore della Tuscany countryside penetrano in equilibrio perfetto con l’esperienza di un acquisto The Bridge.

Un prodotto simbolo di artigianalità

Le creazioni del brand raccontano un percorso lungo fatto di conoscenza, capacità e manifattura.

Tradizione nella cura e ricerca dei materiali si unisce all’arte di lavorazioni sapienti. 

Rappresentazione del Tuscany way of life che s’incarna in borse e accessori caratterizzati dall’eleganza naturale e senza tempo del cuoio italiano pieno fiore, conciato al vegetale e lucidato fino a diventare morbido e incredibilmente luminoso. Dai classici ai modelli più contemporanei in boutique si trova il made in Italy che si tramanda da generazioni. 

Borse e pelli vissute raccontano storie di famiglie e generazioni proprio come i valori del brand.

The Bridge e la Toscana

Il legame con il territorio è un collante fondamentale per il brand. Non caratterizza semplicemente la posizione delle sedi di produzione delle pelli e le lavorazioni del prodotto bensì l’identità di The Bridge. 

Aperti al mondo con l’obiettivo di far conoscere il lusso dell’artigianalità e la cultura con un distintivo territorio che fa da sfondo, il territorio fiorentino.

La memoria del brand è collocata a Firenze, città che racchiude il viaggio che dura da cinquant’anni, e, durerà per tanti altri ancora nel futuro.

Articolo di Giuseppe Musso

Crediti foto: The Bridge instagram

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Cosa sono le calzature in TPU seamless

Le calzature seamless in TPU si basano sull’utilizzo del poliuretano termoplastico, un materiale flessibile e resistente che combina caratteristiche della plastica e della gomma. Questo materiale permette di creare componenti elastici, durevoli e altamente performanti, ideali per il settore sportivo e tecnico. (ChanHonTech) La vera innovazione risiede nell’assenza di cuciture. Le tomaie e le strutture della scarpa vengono realizzate come un unico elemento o tramite tecniche di fusione, eliminando i punti di giunzione tradizionali che spesso rappresentano zone di debolezza. 

 Tecnologie produttive: dalla termosaldatura alla stampa 3D

La costruzione seamless si sviluppa attraverso diverse tecnologie avanzate. Una delle più diffuse è la saldatura ad alta frequenza, che consente di unire materiali come TPU, tessuti tecnici e microfibre senza cuciture visibili, creando superfici continue e funzionali. (Pezzol) Un’altra tecnica è l’incollaggio termico, utilizzato per fondere strati sintetici e strutture in TPU, aumentando la resistenza e la durata della scarpa. (Sportega) Parallelamente, la stampa 3D sta aprendo nuove possibilità progettuali. Il TPU, grazie alla sua elevata elasticità e resistenza all’abrasione, può essere stampato per creare intere parti della scarpa, adattandosi a forme complesse e personalizzate. (ChanHonTech) In alcuni casi, queste tecnologie si combinano con lavorazioni laser e ultrasuoni, consentendo la realizzazione di tomaie monoblocco leggere e altamente performanti. 

Chi produce questa tecnologia 

Diversi attori industriali stanno investendo nello sviluppo delle calzature seamless in TPU. Aziende chimiche come BASF sviluppano materiali avanzati come TPU ed E-TPU, utilizzati per migliorare comfort, leggerezza e resilienza delle scarpe. (basf.com) Brand tecnici e sportivi integrano queste tecnologie nei propri prodotti, mentre aziende specializzate nella sicurezza e nel workwear sperimentano soluzioni seamless per aumentare protezione e durata. Parallelamente, studi di design e startup stanno esplorando la stampa 3D per creare calzature personalizzate e sostenibili.

 Vantaggi e Svantaggi 

L’eliminazione delle cuciture porta numerosi benefici. In primo luogo, migliora il comfort, riducendo attriti e punti di pressione sul piede. La struttura continua rende la scarpa più ergonomica e adatta a movimenti dinamici. Dal punto di vista tecnico, il TPU garantisce elevata resistenza all’abrasione, elasticità e capacità di assorbire gli urti, mantenendo la forma nel tempo. (ChanHonTech) Inoltre, la tecnologia seamless offre grande libertà progettuale. I designer possono integrare diverse zone funzionali in un unico elemento, variando densità, traspirabilità e supporto senza ricorrere a componenti separati. Nonostante i vantaggi, esistono alcune criticità. I processi produttivi possono essere complessi e richiedere macchinari avanzati, aumentando i costi rispetto alle tecniche tradizionali. La riparabilità è un altro limite: l’assenza di cuciture rende più difficile intervenire su singole parti della scarpa. Inoltre, alcune tecnologie come la stampa 3D in TPU presentano ancora sfide legate alla precisione e alla qualità superficiale. Infine, la gestione del fine vita del prodotto può essere complessa, soprattutto quando materiali diversi vengono fusi insieme, rendendo il riciclo più articolato. 

 il futuro delle calzature è senza cuciture Le calzature in TPU seamless rappresentano un’evoluzione significativa nel design e nella produzione footwear. Integrando materiali avanzati e tecnologie innovative, offrono nuove possibilità in termini di performance, estetica e sostenibilità. Pur presentando alcune limitazioni, questa tecnologia sta ridefinendo il modo in cui le scarpe vengono progettate e realizzate, segnando il passaggio verso un design sempre più integrato, leggero e orientato al futuro.

PHOTOCREDITS: TACCHIFICIOPALATO, PINTEREST, THE RUNNING CLUB, PU.RO, AIMBOO

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Ci sono momenti in cui anche la moda (che vive di immagine, di racconto, di costruzione) smette per un attimo di raccontarsi e lascia intravedere la sua struttura.

Succede raramente. Ma quando succede, è sempre per una ragione precisa. La notizia dell’uscita di Stefano Gabbana dalla presidenza, ma non dal brand va specificato, di Dolce & Gabbana è uno di quei momenti. Non tanto per il gesto in sé, quanto per quello che implica. Perché Dolce & Gabbana non è solo un marchio. È uno degli ultimi simboli di un’idea di moda italiana ancora indipendente, ancora costruita su un equilibrio quasi personale tra visione creativa e controllo diretto. E quell’equilibrio, oggi, sembra incrinarsi.

Cosa sta davvero succedendo

Formalmente, la transizione è ordinata. La presidenza passa ad Alfonso Dolce, figura già centrale nella gestione del gruppo. Nulla, apparentemente, cambia. Eppure, è proprio qui che il racconto si fa più interessante. Secondo quanto riportato in esclusiva da Bloomberg, Stefano Gabbana avrebbe lasciato la presidenza già nei mesi scorsi e starebbe valutando il futuro della sua quota, circa il 40%, aprendo una fase che non è solo di transizione, ma di ridefinizione strategica per l’intera maison.

Non è un passaggio simbolico. È un passaggio strutturale.

Cosa cambia davvero (e cosa no)

A chiarire ulteriormente la posizione, è intervenuta anche una comunicazione circolata sui social nelle ultime ore, che sintetizza in modo diretto il punto centrale della vicenda: Stefano Gabbana non ha lasciato Dolce & Gabbana, ma ha semplicemente abbandonato il ruolo di presidente. Resta co-fondatore. Al momento resta, ancora, azionista con circa il 40%.
Resta, soprattutto, parte attiva del brand.

Un chiarimento necessario, perché il rischio, in una notizia di questo tipo, è sempre lo stesso: confondere un cambio di ruolo con un’uscita di scena. E invece, qui, la scena resta la stessa. È la regia che cambia.

I numeri

La moda ama raccontarsi attraverso le collezioni. Ma è nei momenti come questo che si capisce che, sotto, è sempre stata un’industria. Dolce & Gabbana si prepara infatti, sempre secondo Bloomberg, a negoziare con le banche una ristrutturazione di circa 450 milioni di euro di debito, in un contesto in cui il rallentamento del lusso globale sta imponendo nuove priorità anche ai brand più solidi. Non solo. Sul tavolo ci sarebbe anche la richiesta di nuovi fondi fino a 150 milioni di euro, insieme a una serie di operazioni mirate a rafforzare la liquidità:

• la possibile cessione di asset immobiliari
• il rinnovo di licenze strategiche
• una revisione più ampia della struttura finanziaria

Non si tratta di segnali isolati. Si tratta di un riassetto.

Un caso isolato? Non proprio

Quello che sta accadendo a Dolce & Gabbana non è un’eccezione. È parte di un movimento più ampio. Negli ultimi anni:

• Versace è entrata nell’orbita di Capri Holdings
• Gucci, all’interno di Kering, ha registrato un rallentamento significativo
• Ferragamo sta attraversando una fase complessa di rilancio
• Valentino ha aperto il capitale a investitori esterni

Il filo rosso è evidente: anche i brand più forti non sono più immuni, e l’indipendenza ha un costo sempre più alto.

Il vero nodo: indipendenza o sistema?

Per anni Dolce & Gabbana ha rappresentato un’anomalia virtuosa. Mentre altri entravano nei grandi conglomerati, il brand ha scelto di restare indipendente. Controllo totale, visione coerente, identità forte. Ma oggi il mercato chiede altro.

Scala.
Capitale.
Struttura.

E a un certo punto, la domanda diventa inevitabile: quanto è sostenibile, oggi, restare soli?

Gli scenari possibili

Se Stefano Gabbana decidesse davvero di cedere la sua quota, si aprirebbero tre strade. La prima è quella della continuità: nuovi capitali, ma controllo interno preservato. Seconda strada, sarebbe l’ingresso di un partner strategico, capace di rafforzare la struttura senza snaturare il brand. La terza è la più radicale: la cessione, totale o progressiva, a un grande gruppo internazionale. Non è uno scenario certo. Ma è, per la prima volta, uno scenario possibile.

E forse, il punto è proprio questo

Per anni abbiamo pensato che il lusso fosse intoccabile. Che bastasse il desiderio a sostenerlo, invece, oggi scopriamo che non è così. Anche il lusso deve fare i conti. Con i numeri, con il mercato, con il tempo. E forse, la vera notizia non è che Stefano Gabbana cambia ruolo. Ma che, per la prima volta, il sistema moda italiano non può più permettersi di non cambiare.

Photocredits: Pinterest

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La verità è che non sappiamo più vedere.

Guardiamo ovunque, continuamente, ossessivamente, ma non vediamo più niente.
Non vediamo da dove vengono le cose. Non vediamo chi le fa. Non vediamo il tempo che serve perché esistano. Vediamo solo il risultato. E anche quello, sempre meno. Poi arriva INSIEME.
“Prima degli oggetti, ci sono sempre le persone.” È una frase semplice. Quasi disarmante.
Ma è anche, oggi, una presa di posizione. Perché nel sistema in cui viviamo (moda compresa) le persone sono diventate un dettaglio. Il processo, un passaggio intermedio e il tempo, un ostacolo.

Sabato De Sarno fa esattamente il contrario. E lo fa nel momento più esposto possibile: la Milano Design Week.

Non è una mostra. È uno spostamento di sguardo

Negli spazi della Piscina Cozzi, INSIEME riunisce dodici eccellenze artigiane italiane.  Ma chiamarla “mostra” è riduttivo, perché qui non si espongono oggetti. Si espone ciò che li precede. Il gesto. L’errore. La ripetizione. La conoscenza che non si può spiegare, ma solo trasmettere.

È una sottrazione, prima ancora che un progetto, e,  in un’epoca che aggiunge continuamente, togliere diventa un atto radicale.

Il lusso, spogliato

INSIEME non è nostalgico. Non guarda al passato per rifugiarsi, lo guarda per fare una domanda scomoda: quando abbiamo deciso che il valore fosse solo nel risultato?

Dal vetro di Venini ai tessuti di Rubelli, passando per il metallo, la ceramica, la pietra…tutto sembra dirci la stessa cosa: il lusso non è l’oggetto. È il tempo che contiene. E il tempo, oggi, è ciò che manca di più.

Il tempo 

INSIEME rallenta. Non per estetica, ma per necessità.

Il percorso espositivo è costruito per far emergere ciò che normalmente resta invisibile: l’attesa, la concentrazione, la fatica. Non è spettacolare, potrebbe non essere immediato.
E proprio per questo funziona. Perché ci costringe a fare qualcosa che non facciamo più: restare. Restiamo all’interno di qualcosa a cui non si riesce a dare un nome, ma, si può dare un colore. 

Giallo come luce che rivela, come attenzione e come qualcosa che interrompe lo sguardo automatico. Perché il giallo, qui, non decora, indica.  E in un progetto che parla di visibilità, è tutto tranne che un dettaglio.

I volti, finalmente al centro

Poi succede qualcosa. Fuori, sulla facciata della Piscina Cozzi, i volti degli artigiani diventano enormi.
Occupano lo spazio urbano. Si impongono. Non sono modelli e non sono campagne, ma sono persone. Grazie al progetto Inside Out di JR, ciò che normalmente resta nascosto diventa impossibile da ignorare. 

E in quel momento, tutto si ribalta. Non guardiamo più l’oggetto per immaginare chi lo ha fatto.
Guardiamo chi lo ha fatto, e capiamo tutto il resto.

Quello che resta

INSIEME non dà risposte. E forse è proprio questo il punto: il fatto che non consola. Non semplifica e non vende. Nulla di tutto ciò, ma, sposta. E lascia addosso una sensazione precisa: che abbiamo guardato troppo avanti, troppo in fretta, troppo a lungo. Perciò è lecito pensare che, il gesto più contemporaneo, oggi, non è inventare qualcosa di nuovo, ma tornare a riconoscere ciò che c’è sempre stato.

Le mani. Il tempo. Le persone.

Photocredits: press kit Wunderplace Studio

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Il segno distintivo di Ferragamo nasce quasi per caso nel 1978, da quello che si può definire un vero e proprio “incidente creativo”. L’idea è di Fiamma Ferragamo, che, dopo la scomparsa del padre Salvatore Ferragamo, ne interpreta e prosegue l’eredità stilistica.

Il prototipo prevedeva inizialmente un fiocco in pelle. Tuttavia, a causa di un’incomprensione in laboratorio, venne utilizzato un nastro di gros-grain recuperato tra gli scarti dell’atelier. 

Quello che poteva sembrare un errore si trasformò in intuizione. Fiamma apprezzò così tanto quel dettaglio da decidere di mantenerlo, completandolo con una placca metallica dorata incisa con il logo.

Nasce così il Fiocco Vara, oggi uno dei simboli più riconoscibili della maison Ferragamo. Un elemento che, nel tempo, ha continuato a evolversi attraverso nuovi modelli, capaci di unire design, comfort e artigianalità Made in Italy, raccontando l’incontro tra heritage e modernità.

Proprio il Made in Italy resta centrale: ogni modello è realizzato in Italia attraverso lavorazioni artigianali che riflettono la lunga tradizione calzaturiera del brand.

Oggi, sotto la direzione creativa di Maximilian Davis, Ferragamo continua a rinnovarsi senza perdere la propria identità. Mantenendo viva l’attenzione per materiali, dettagli e coerenza stilistica, in linea con lo spirito del fondatore.

Tacco basso, punta arrotondata, fiocco in gros-grain: la Vara resta un’icona di eleganza, comfort e versatilità, attraversando generazioni di donne.

Con la collezione Primavera-Estate 2026, questo codice estetico si declina in nuove interpretazioni:

Un sandalo con tacco alto e cinturino alla caviglia, impreziosito dal fiocco Vara, che aggiunge una nota elegante e sensuale, esaltata dall’uso di materiali raffinati.

Un tacco ideale per un’uscita serale, che unisce eleganza e comfort grazie alla struttura aperta e al cinturino che assicura stabilità alla caviglia e alla camminata.

Una ciabattina color argento, essenziale e contemporanea, pensata come must-have capace di elevare anche il look più semplice, senza alcuno sforzo.

Una sling-back in camoscio marrone con tacco alto e sottile, caratterizzata da proporzioni armoniose e punta arrotondata, in cui il fiocco Vara diventa protagonista discreto ma riconoscibile.

La collezione si completa con un dialogo tra colori e materiali: dalla classica pump in camoscio cammello alla pump a mezzo tacco in pelle marrone o in camoscio, fino a modelli più dinamici.

Tra questi, la sling-back in camoscio chiaro, il sandalo con laccio alla caviglia in un arancione intenso e la sling-back a mezzo tacco, che rafforzano la varietà e la coerenza della proposta.

In sintesi, il Fiocco Vara non è soltanto un dettaglio decorativo.

Ma un’espressione di identità e originalità: il racconto dell’unicità di ogni donna, dei suoi passi, della sua storia e della sua femminilità.

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UNA MODA CHE PARLA COME CASA

C’è una moda che non rincorre le stagioni, che non si piega ai trend e non cerca approvazione. È una moda che parla piano, come si parla tra amici, fatta di ricordi, affetti e dettagli quotidiani. È il linguaggio di Lessico Familiare, un progetto creativo italiano che trasforma la nostalgia e i materiali di recupero in una forma espressiva intima e contemporanea.

IL SIGNIFICATO DEL NOME: UNA GRAMMATICA PERSONALE

Il nome prende ispirazione dall’omonimo romanzo di Natalia Ginzburg — con una piccola variazione, una “g” in meno — ma ne conserva tutta la forza evocativa.
Se nel libro il linguaggio familiare racconta le relazioni e la vita domestica, qui diventa una metafora del vestire: ogni capo è una parola, ogni collezione un discorso fatto di memorie personali e collettive.
Non esistono regole rigide, ma una grammatica libera, costruita pezzo dopo pezzo.

DALL’APPARTAMENTO MILANESE A UN PROGETTO CREATIVO

La storia del brand nasce nel 2020, tra le mura di un appartamento milanese durante il primo lockdown.
Riccardo Scaburri e Alberto Petillo, amici e coinquilini, iniziano quasi per gioco a creare abiti con ciò che hanno a disposizione: tende, lenzuola, tovaglie, tessuti dimenticati.
Quello che nasce come un esperimento spontaneo, “per noia e per allegria”, si trasforma presto in qualcosa di più profondo.

UN TRIO CREATIVO SENZA GERARCHIE

A loro si unisce Alice Curti, inizialmente cliente e poi parte integrante del progetto come designer. I tre si erano conosciuti alla NABA di Milano e, unendo competenze diverse e una visione comune, danno vita a un collettivo creativo fluido, senza gerarchie rigide.
Ognuno contribuisce con la propria sensibilità, tra comunicazione, sartoria, knitwear e design.

COLLEZIONI COME RACCONTI, NON STAGIONI

Lessico Familiare non segue il calendario della moda.
Le sue collezioni non sono stagioni, ma capitoli: racconti visivi che si nutrono di cultura pop, memoria e immaginario condiviso. Ogni capo nasce da materiali esistenti — scarti, deadstock, tessuti dimenticati — e prende nuova vita attraverso un processo che è insieme estetico ed etico.

UNA SOSTENIBILITA’ CONCRETA E QUOTIDIANA

La sostenibilità, infatti, non è una dichiarazione, ma una pratica reale. È nella scelta dei materiali, nel tempo dedicato alla lavorazione, nell’idea stessa di creare meno ma meglio.
In un sistema spesso dominato dalla velocità e dalla produzione di massa, Lessico Familiare sceglie la lentezza, l’artigianalità e il valore delle storie.

TRA MODA, ARTE E SPERIMENTAZIONE

Oggi il brand si muove tra moda e arte, collaborando con artisti e creativi e presentando le proprie collezioni in contesti non convenzionali: musei, gallerie, spazi culturali.
Un approccio che riflette perfettamente la sua natura ibrida, a metà tra progetto artistico e realtà fashion.

RICONOSCIMENTI E CRESCITA INTERNAZIONALE

Il riconoscimento non tarda ad arrivare: dalla partecipazione alle Fashion Week di Milano e Parigi fino a collaborazioni con altri brand italiani, il percorso di Lessico Familiare si consolida rapidamente.
Tra i traguardi più significativi, anche un importante premio della Camera Nazionale della Moda Italiana, che ne sostiene la crescita e la visione indipendente.

LA MODA COME LINGUAGGIO E MEMORIA

Ma al di là dei riconoscimenti, ciò che rende unico questo progetto è la sua capacità di raccontare.
Perché Lessico Familiare non è solo moda: è un modo di dare forma ai ricordi, di trasformare il passato in qualcosa di vivo, da indossare ogni giorno.

In fondo, ogni capo è una frase. E ogni frase è un pezzo di storia che continua a evolversi, tra memoria e immaginazione.

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Amelie è un brand Made in Italy che ridefinisce i concetti di vestibilità e inclusitività, mettendo al centro la libertà del corpo. Dalla filosofia “No Size” alla nuova collezione ispirata al corsetto, il marchio propone una moda adattabile, consapevole e senza tempi.

UNA NUOVA IDEA DI MODA

Ridefinire i codici della vestibilità e superare gli stereotipi legati al corpo è il cuore della visione di Amelie, brand di abbigliamento femminile 100% Made in Italy.

In un panorama moda ancora spesso ancorato a standard rigidi, il marchio propone un’alternativa concreta: sono i vestiti ad adattarsi alle persone, non il contrario.

LE ORIGINI DEL BRAND E LA VISIONE DI MARINA ACCONCI

Fondato da Marina Acconci, direttrice creativa del brand, Amelie nasce da un’esigenza precisa: creare un guardaroba capace di rappresentare le “donne vere”, valorizzandone differenze e unicità.

L’obiettivo è andare oltre i limiti delle taglie tradizionali, offrendo capi che accompagnano il corpo senza costringerlo e che celebrano una bellezza autentica, libera da stereotipi.

NO SIZE,MADE IN ITALY E STILE SENZA TEMPO

Uno dei pilastri del brand è l’approccio “No Size”.
Molti capi sono pensati per adattarsi a diverse fisicità grazie a linee fluide e soluzioni progettuali orientate al comfort.

A questo si affianca una produzione interamente italiana, che garantisce qualità artigianale e grande attenzione ai dettagli.
Le collezioni si distinguono per uno stile senza tempo, non legato alla stagionalità, con capi versatili pensati per essere reinterpretati nel tempo.

DA MILANO ALL’ESTERO: CRESCITA E RACCONTO DI IDENTITA’

Con una presenza consolidata a Milano, dove si trova lo storico punto vendita in Corso Buenos Aires 58, Amelie si è progressivamente affermato anche oltre i confini nazionali, avviando un percorso di espansione verso mercati come la Polonia e i paesi arabi.
Accanto allo sviluppo commerciale, la comunicazione riveste un ruolo centrale nella visione del brand: attraverso i social, in particolare Instagram, Amelie racconta le “Storie di donne”, una serie di interviste e testimonianze che mettono in luce percorsi di resilienza, cambiamento e libertà d’espressione.
Un racconto autentico che rafforza il legame tra abito e identità personale, contribuendo a costruire una community consapevole e in continua evoluzione.

IL CORSETTO: DA SIMBOLO DI COSTRIZIONE A PUNTO DIPARTENZA CREATIVO

In questa direzione si inserisce la nuova collezione, ispirata al corpetto femminile.
Storicamente, il corsetto nasce come strumento per modellare il corpo secondo ideali estetici rigidi, spesso imponendo costrizioni e limitazioni. Amelie riparte proprio da questo simbolo, trasformandolo in uno spunto per una riflessione contemporanea sul rapporto tra corpo e abito.

DESTRUTTURAZIONE, ADATTABILITA’ E LIBERTA’ DI SCELTA

La collezione reinterpreta il corsetto: ne rimane il richiamo estetico, ma il significato cambia radicalmente.
Maglie, pantaloni e altri capi presentano cordini, nastrini e dettagli regolabili che permettono a chi li indossa di scegliere come adattare l’abito al proprio corpo. La vestibilità diventa fluida e trasformabile: si può stringere o lasciare morbido, modellare o liberare.
Non è più il corpo a doversi adattare all’abito, ma l’abito a seguire il corpo, accompagnandone forme e cambiamenti.

Attraverso l’uso di materiali e tessuti diversi, la collezione racconta un percorso di trasformazione fatto di sfumature, in cui il concetto di scelta diventa centrale.
Il corsetto, da simbolo di costrizione, si trasforma così in emblema di libertà.

UNA MODA CHE RESTITUISCE IL POTERE DI DEFINIRSI

Amelie costruisce una narrazione contemporanea della moda, in cui libertà, adattabilità e consapevolezza si intrecciano.

Un invito a riscrivere il rapporto tra corpo e abito, restituendo alle donne il potere di scegliere, ogni giorno, come sentirsi e come mostrarsi.

CREDITI FOTO: Redazione

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