In montagna non si va mai per caso.
Si va per sottrazione. Di rumore, di persone, di spiegazioni. E anche quando l’estetica si fa alpin chic, chalet perfetti, plaid calibrati, legno antico lucidato dal design , resta quell’idea primitiva di rifugio, di isolamento scelto, di silenzio che pesa più delle parole.

È lì che entra in scena il libro. Non come passatempo, ma come gesto coerente.

Chi sale in quota, soprattutto oggi, non improvvisa la lettura. La seleziona. La abbina all’ambiente come un cappotto su misura. In montagna si leggono storie che odorano di neve, di fatica, di uomini che parlano poco e resistono molto. Anche quando l’ambiente è sofisticato, quando il camino è di design e la baita ha il Wi-Fi, il libro resta fedele a un immaginario arcaico. Come se la montagna, pur concedendosi al lusso, pretendesse ancora rispetto.

È curioso osservare questo fenomeno: lettori diversissimi per età, gusto, provenienza, accomunati da una scelta narrativa quasi obbligata. Thriller nordici, memoir alpini, romanzi di solitudine, saggi naturalistici. Cambia il genere, non cambia lo scenario. Perché la montagna non è uno sfondo neutro: è una presenza che condiziona. E il libro, in questo contesto, diventa un’estensione dell’ambiente, un oggetto d’arredo mentale oltre che estetico.

Trovo qualcosa di profondamente editoriale in questa coerenza. Il libro appoggiato sul tavolino grezzo accanto a una tazza di tè nero, la copertina che dialoga con il legno, la storia che rispecchia ciò che si vede oltre la vetrata. Non è solo mood: è una forma di allineamento interiore. In montagna si cerca autenticità, anche quando è mediata dal comfort. E le storie devono essere all’altezza.

Ma c’è anche una verità più scomoda, che ricorda certi ragionamenti: la montagna ci mette di fronte alla nostra fragilità. E leggere storie ambientate lì è un modo elegante per affrontarla senza esporsi troppo. Restiamo al caldo, protetti, mentre qualcun altro, sulla pagina, lotta contro il freddo, l’isolamento, la natura che non fa sconti. È una sfida delegata, ma non per questo meno intensa.

E allora, se la lettura in montagna è un rituale. Estetico, emotivo, quasi morale, vale la pena scegliere testi che sappiano reggere il confronto con l’altitudine, con il silenzio, con quel lusso essenziale che la montagna impone.

Cinque libri di montagna, tra rigore e fascino

1. Le otto montagne – Paolo Cognetti: un romanzo che ha definito un immaginario contemporaneo. Non celebra la montagna: la interroga. È un libro di assenze, di ritorni, di amicizie maschili costruite più sui silenzi che sulle parole. Perfetto da leggere davanti a una finestra innevata, quando il paesaggio fa metà del lavoro emotivo.

1. Neve, cane, piede – Claudio Morandini: minimalista e disturbante, questo romanzo è la negazione dell’idea patinata di montagna. Qui non c’è comfort, non c’è stile, non c’è salvezza. Solo neve e solitudine. Proprio per questo funziona magnificamente in un contesto alpin chic: crea frizione, e la frizione è sempre elegante.

1. Il peso della farfalla – Erri De Luca: un racconto breve, quasi ascetico, che mette uomo e natura sullo stesso piano. Nessuna retorica, nessun abbellimento. È il libro ideale per chi ama l’idea di montagna come luogo di confronto etico, prima ancora che estetico.

1. Cattedrali della Terra. Sulle Alpi – John Ruskin: un classico che parla sorprendentemente al presente. Ruskin osserva la montagna con uno sguardo lento, colto, quasi contemplativo. È la lettura perfetta per chi considera il viaggio, e la lettura, un esercizio di attenzione e stile.

1. Una vacanza perfetta – Laure Van Rensburg: per chi ama il thriller gli ingredienti ci sono tutti: una coppia bloccata da una tempesta    di neve e qui diventa evidente che entrambi hanno oscuri e letali segreti, e -come sempre succede- solo uno di loro uscirà vivo da quella vacanza.

In montagna si può essere eleganti senza essere frivoli, raffinati senza perdere profondità. Anche nella lettura. Perché se è vero che l’estetica conta, è altrettanto vero che certi luoghi pretendono contenuti all’altezza. E la montagna, più di ogni altro, non perdona la superficialità. Nemmeno tra le pagine.

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Nel libro Tela bianca. Atto secondo: le Decisioni, pubblicato da SBS Edizioni nella collana Bíos, l’autrice paragona la vita ad una tela bianca. Qualsiasi nostro atto, perfino la scelta di non fare nulla, decora questa “tela”. Proprio per questo motivo, le decisioni che prendiamo sono molto importanti e determinanti per il nostro futuro.

Partendo da Tela Bianca. Atto Primo: L’Autostima si dà avvio alla propria crescita personale. Con consapevolezza e determinazione riusciremo a creare e personalizzare il sentiero che ci porterà al raggiungimento dei nostri desideri, ricordandoci che ogni tappa è essenziale per credere in noi.

Dalla Puglia al Piemonte, passando per Milano, il percorso di Antonella Torres è fatto di spostamenti, scelte e continua crescita. Una traiettoria che si riflette nella sua scrittura e che l’ha portata a essere selezionata per Casa Sanremo Writers 2026, riconoscimento che conferma come la sua voce sappia raccontare le decisioni di ogni giorno con autenticità e vicinanza al lettore.

In questo senso, Tela bianca. Atto secondo: le Decisioni non è solo un libro da leggere, ma uno spazio da abitare, dove ogni scelta diventa un segno consapevole sulla propria storia.

Nel suo lavoro Tela bianca. Atto secondo: le Decisioni il tema decisionale emerge come un nodo centrale della trasformazione personale. Quali momenti della sua esperienza l’hanno portata a riconoscere il valore di questo tema, e come crede che risuoni con il pubblico di Casa Sanremo Writers 2026?

Nel mio percorso, il tema “decisione” è nato per una necessità. Sono state le mie esperienze personali quotidiane, non eventi eclatanti, a portarmi a scriverne. Avere la consapevolezza che ogni trasformazione personale chiede un atto di responsabilità, può arricchire la vita.

La “tela bianca” non è mai vuota: è carica di ciò che scegliamo di rimandare o di affrontare. In questo senso, la decisione diventa il gesto creativo per eccellenza. Credo che questo tema risuoni in modo particolarmente forte con il pubblico di Casa Sanremo Writers 2026 perché parliamo di una comunità di autori, artisti e pensatori che vive costantemente in una zona di passaggio. Scrivere, oggi, è già una scelta controcorrente; esporsi, raccontarsi, prendere posizione lo è ancora di più. In un contesto come Casa Sanremo, dove le voci cercano ascolto e direzione, il tema delle decisioni tocca una dimensione condivisa: quella del coraggio di firmare la propria storia, anche quando non se ne conosce ancora l’esito. 

Sanremo, con la sua storia di contaminazione tra parola, musica e spettacolo, offre uno scenario unico per mettere in dialogo l’esperienza della scrittura con il vissuto dei partecipanti. In che modo pensa che questo ambiente possa arricchire la lettura e la ricezione della sua opera?  

Sanremo è un posto magico pieno di musica, ma soprattutto di parole. È un luogo dove si viene esposti al mondo intero, dove si condivide, dove si creano dialoghi attraverso la musica e le parole. Per Tela bianca atto secondo: le Decisioni, questo è un elemento decisivo. Il libro nasce da una riflessione interiore, ma Sanremo gli offre una cassa di risonanza emotiva enorme, le scelte di cui parlo non restano astratte, perché intorno c’è un pubblico che vive, spesso nello stesso momento, decisioni artistiche, professionali e personali. La contaminazione tra parola e musica amplifica il senso del testo, perché la musica lavora là dove il linguaggio si ferma, mentre la parola dà forma a emozioni che altrimenti resterebbero indistinte.

Il libro utilizza esercizi, domande riflessive e narrazioni per accompagnare il lettore nella comprensione delle proprie scelte. Quale esercizio o riflessione contenuta nel libro ritiene più efficace per favorire una presa di coscienza autentica?

L’esercizio che reputo più efficace per favorire una presa di coscienza autentica consiste in chiederci se tutto quello che stiamo facendo rispecchia i nostri valori, se abbiamo considerato bene i pro e i contro, se questa è la strada che davvero vogliamo percorrere. In sostanza, continuare a farsi sempre delle domande. Anche visualizzare dove si vuole arrivare è un ottimo esercizio. Infine, è importantissimo anche tenere un diario di quello che ci accade quotidianamente, perché ci fa vedere il nostro progetto nel suo insieme, così da poter correggere immediatamente gli errori, qualora ce ne fossero.

Guardando al percorso compiuto tra Tela bianca. Atto primo e Atto secondo, come descriverebbe l’evoluzione della sua visione sull’atto del decidere, e cosa spera che il lettore porti con sé dopo aver letto il suo libro?

L’evoluzione è netta perché nel primo parlavo di autostima e della percezione di sé. Sappiamo benissimo che senza autostima non siamo in grado di prendere delle decisioni concrete. Le decisioni non arrivano mai dopo, sono sempre in atto. Ogni volta che rimandiamo qualcosa è una scelta che abbiamo preso. Decidere non significa controllare l’esito, ma assumersi la responsabilità della direzione, anche quando è parziale, imperfetta, reversibile. È un gesto di presenza più che di forza.

Questa evoluzione ha cambiato anche il mio modo di scrivere e di pensare alle decisioni come atti meno eroici ma più umani, legati alla nostra quotidianità. Quello che spero che il lettore porti con sé, dopo la lettura, non è il coraggio di fare grandi scelte, ma una relazione più onesta con le scelte che sta già prendendo. La consapevolezza che non esiste una decisione perfetta, ma esiste una decisione dell’oggi. Se il libro riesce a lasciare questa traccia, l’idea che scegliere significa esserci, anche con il dubbio, allora la tela non resta bianca, ma diventa finalmente propria e ognuno può disegnare come meglio desidera la propria vita.

Per approfondire:

– SBS Edizioni;

– Chiara Domeniconi.

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Una proposta affascinante, un contatto ambiguo e una libertà messa in discussione. La scelta è della protagonista, Sofia, una ballerina di talento che, senza rifletterci fino in fondo, accetta la misteriosa offerta di un sultano. Giunta nella Città Dorata, si ritrova catapultata in una realtà sospesa tra bellezza e sfarzo, dove l’arte diventa strumento di potere e l’identità personale viene messa alla prova.

Affrontando i temi della libertà, dell’identità e della manipolazione, il romanzo è ricco di tensione e intreccia elementi di suspense psicologica e introspezione emotiva.

Un percorso coinvolgente e provocatorio sulla dignità femminile e la complessa costruzione della propria identità, che porta Chiara Domeniconi, originaria di Sassuolo, a Sanremo. Infatti, l’autrice è stata selezionata per partecipare a Casa Sanremo Writers 2026, un progetto che offre una vetrina prestigiosa per il suo lavoro e le sue riflessioni.

Il tuo percorso di scrittura è attraversato da una forte attenzione ai temi dell’identità e della libertà personale. Quando hai sentito l’urgenza di trasformare queste riflessioni in una storia come Il contratto. La danza del potere?

Quando ho capito che scriverne, leggerne e ascoltarne da altre persone era stato per me terapeutico, di crescita, ma anche istruttivo, sia culturalmente che editorialmente. Non potevo quindi esimermi dal provare a ridare al mondo e a un pubblico ciò che io avevo ricevuto da quel mondo e da quel “pubblico”: amici, parenti, compagni, ma anche nemici e perdite nel mio percorso.

Essere selezionata per Casa Sanremo Writers 2026 significa portare la narrativa in uno spazio fortemente esposto e simbolico. Che valore attribuisci a Sanremo come luogo di confronto tra arte, racconto e sguardo pubblico?

Sanremo è prova, catarsi, fatica, occasione ma anche divertimento. Sanremo è un appuntamento da non perdere, durante il quale, pur essendoci stata tante volte come me, talvolta ci si può perdere ancora per un attimo. Un turbinio di emozioni, eventi, parole, persone, comunicazione, passaggio di informazioni. Sanremo ha quindi un valore enorme, che non si può quantificare in nessuna delle sue sfaccettature e non vale l’energia nemmeno di provarci. Meglio usarla per viverlo, Sanremo, a trecentosessanta gradi. Poi magari nemmeno tirare le somme alla fine, perché gli effetti sono a lungo termine e vanno al di là della data di chiusura. Un po’, del resto, come tutte le cose.

Nel romanzo, la proposta che viene fatta alla protagonista appare inizialmente come un’occasione di riscatto. In che modo hai lavorato sulla progressiva ambiguità tra scelta consapevole e perdita di libertà?

Soprattutto immedesimandomi nel personaggio: cosa avrei fatto e detto io al suo posto? Poi, ovviamente, tenendo ben presente la meta e lo scopo della trama, ho cercato di lavorare sulle parole e sul linguaggio prima, adattando poi i movimenti, le movenze e gli spostamenti del corpo di Sofia. Una catena di ingranaggi lessicali e pratici che andavano a incastrarsi di conseguenza.

Se dovessi sintetizzare il nucleo più profondo del libro per chi lo incontrerà per la prima volta a Sanremo, quale interrogativo vorresti che restasse aperto nel lettore dopo l’ultima pagina?

Più che un interrogativo, mi piacerebbe restasse nel lettore una forza e una voglia: innanzitutto di leggere ancora, non solo me, ma altro, di tutto. Altri generi, non necessariamente legati al mio libro. Insomma, che rimanesse una specie di apertura alla crescita, al cambiamento, al non conosciuto che può anche fare un pò paura. Più che un interrogativo, mi piacerebbe rimanesse la certezza che, se non si introducono novità e incertezze, non ci sarà mai più sicurezza e coraggio.

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Sheyla Bobba, editore di SBS Edizioni & Promozioni, direttrice di SenzaBarcode.it e autrice, ci racconta la sua visione per come l’ha costruita sul campo, unendo presente, futuro ed esperienza concreta. 

Ripercorrendo un episodio della sua adolescenza ci rivela che il giornalismo nasce da un sogno dell’infanzia. Da sempre consapevole delle regole e della loro importanza – anche se troppo spesso vengono disattese – questo principio è come un filo rosso che unisce l’inizio della sua carriera alle criticità del giornalismo contemporaneo.

La passione per la comunicazione online la porta, già nei primi anni Duemila – quando il cartaceo aveva un ruolo ancora centrale – a sperimentare con il web, creando un magazine digitale per raccontare quei temi che fin troppe testate rifiutavano perché ritenuti politicamente sensibili per i lettori. Così nasce SenzaBarcode.it, un progetto non omologabile che vuole far convivere nello stesso spazio contenuti leggeri e argomenti scomodi solitamente trascurati. Perché, per come la pensa Sheyla Bobba, l’informazione, se vuole davvero circolare, deve arrivare a chiunque.

Da questo percorso emerge soprattutto la consapevolezza che non sono cambiati solo i magazine o i lettori, ma il modo in cui ci si approccia all’informazione. Magazine come SenzaBarcode.it offrono una pluralità di argomenti che mirano ad essere stimoli per il dibattito e per l’approfondimento.

Si dice che ormai la Generazione Z non legga: ma è proprio così?

Secondo Sheyla, tutte le generazioni hanno un limite in comune: ci si annoia perfino nell’informarsi. L’informazione stessa risulta poco appetibile e, in un mondo in cui produrre contenuti è facilissimo, capire cosa è vero e cosa non lo è diventa sempre più complicato. Perciò, non è esattamente vero dire che la GenZ non legge più, ma legge in modo diverso, veloce e frammentato. Questo diventa un problema solo nel momento in cui uno di questi frammenti viene preso per verità assoluta.

SBS Edizioni era un’idea che la accompagnava da tempo, ma che a lungo le era sembrata fuori portata. A frenarla erano le rigide regole della vecchia editoria e investimenti economici fin troppo elevati. Due elementi chiave l’hanno spinta a realizzare questo progetto: da un lato, il dissenso verso il modo in cui, come promotore editoriale per alcune case editrici, era costretta a gestire il rapporto con gli autori; dall’altro, la scoperta del print on demand.

Una realtà in Italia ancora acerba e considerata poco seria, il print on demand è invece una modalità molto più green per evitare gli sprechi delle copie stampate e rimaste invendute.

Tuttavia, far comprendere e accettare questo modello mi dice essere stata una delle sfide più delicate. A questo si aggiunge un suo tratto personale: un approccio critico verso se stessa, che spesso rende il percorso più faticoso del necessario. Eppure, riguardando a questi primi tre anni di vita di SBS Edizioni, non si può non notare che alle difficoltà si sono affiancate molte soddisfazioni.

Quest’anno, come conferma del risultato importante di questo percorso, nove autori di SBS sono stati selezionati per partecipare a Casa Sanremo Writers, una vetrina letteraria inserita all’interno del Festival di Sanremo.

Un’opportunità concreta capace di offrire agli autori emergenti qualcosa che va ben oltre la visibilità occasionale.

Con SBS, il lavoro inizia mesi prima del Festival: la campagna promozionale parte indicativamente a settembre e li accompagna fino al momento culminante a febbraio, in cui gli scrittori verranno intervistati da una giornalista di grande esperienza. In tutto ciò, Sheyla non si occupa solo della loro promozione, ma gli offre anche un supporto costante durante quei giorni, a pochi passi dall’Ariston. 

Ogni anno vengono proposti alcuni testi, la selezione è poi affidata a Casa Sanremo Writers. È cruciale accettare anche i “no”, quando un’opera non viene ritenuta adatta a quel contesto. Ma ciò che fa davvero la differenza è la capacità degli autori di mettersi in gioco. Di esporsi e la loro disponibilità a raccontarsi, adattandosi ad un mondo che potrebbe sembrare lontano dalla letteratura, ma che in realtà ci dialoga perfettamente. Musica, moda e scrittura hanno più cose in comune di quanto si possa pensare. Sono tutte forme d’arte che richiedono una certa disciplina e consapevolezza di sé. Se per lei la letteratura è il suo territorio naturale, la moda è stata una breve parentesi. Con la musica ha un rapporto più complicato e con ironia ammette di essere “terribilmente stonata”. Questo però non nega che le il legame tra queste discipline sia fondamentale. A Casa Sanremo Writers, infatti, si lavora molto anche sull’immagine, considerata il primo linguaggio, che colpisce ancor prima delle parole.

Quello che accomuna i nove autori selezionati è il cosiddetto #EffettoSBS. Si tratta di un lavoro continuo di accompagnamento e supporto in ogni fase. Quindi dalla preparazione del progetto alla cura dell’identità editoriale e comunicativa, nel rispetto del percorso individuale di ogni scrittore.

È importante dare spazio a nuove voci: è dalla diversità dei punti di vista che nasce il vero dialogo.

Se tutti abbiamo il diritto di esprimerci, ne consegue che tutti abbiamo anche il dovere di confrontarci con le idee altrui. Per informazione, Sheyla non si riferisce ad articoli giornalistici ma proprio ai libri, i quali possono offrire uno spazio di confronto, di scoperta e di crescita.

Per gli autori emergenti però, il percorso può essere complesso. Devono combattere diverse difficoltà, come l’incontro con editori più interessati al profitto e la paura del confronto con persone o realtà che purtroppo rischiano di scoraggiarli e spegnere delle voci estremamente interessanti.

Quando, per concludere, le chiedo un consiglio – anche scomodo – per chi sogna di iniziare a scrivere, la sua risposta immediata è “studiate”. Se scrivere è un modo per far emergere quello che abbiamo dentro, non basta studiare l’italiano e la grammatica. Diventa invece necessario studiare noi stessi e capire cosa vogliamo veramente raccontare. Ci tiene infine a sottolineare di non avere fretta, perché scrivere richiede consapevolezza e introspezione.

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C’è una nebbia che non si dirada mai tra le pagine di A Christmas Carol, una coltre giallastra e spessa che sembra penetrare fin dentro le ossa, molto più insidiosa del clima londinese del 1843. È una nebbia morale, un isolamento sensoriale che Charles Dickens descrive con una precisione quasi chirurgica, presentandoci non tanto un uomo, quanto una diagnosi clinica. Quando incontriamo per la prima volta il personaggio Ebenezer Scrooge, l’autore non si limita a dirci che è avaro. Ci dice che «il freddo che aveva dentro gli gelava il vecchio viso, gli intirizziva il naso appuntito, gli accrespava le guance, gli irrigidiva il passo». È un passaggio fondamentale: Scrooge non subisce l’inverno, lo incarna. Vive in una perenne glaciazione emotiva che ha scelto deliberatamente come scudo contro il mondo.

Per decenni abbiamo commesso l’errore di archiviare questo personaggio come una macchietta, il “villain” da fischiare prima del lieto fine. Ma riprendere in mano il testo oggi, con la consapevolezza delle nevrosi del XXI secolo, restituisce un’immagine ben più inquietante e tragicamente familiare. Scrooge non è un cattivo da fiaba gotica; è il paziente zero della modernità, l’archetipo di un individuo che ha sacrificato l’umanità sull’altare dell’efficienza.

Se ci addentriamo nella psicologia del personaggio, aiutati dalle lenti della psicanalisi moderna, scopriamo che la sua aridità non è un vizio capitale fine a se stesso. Ma una difesa. Scrooge è, prima di tutto, un sopravvissuto. Attraverso il viaggio con lo Spirito del Natale Passato, Dickens ci mostra un bambino dimenticato in una scuola vuota. Abbandonato dal padre durante le feste, solo con i suoi libri. Donald Winnicott parlerebbe qui della costruzione di un “Falso Sé”.

Una corazza rigida e impenetrabile eretta per proteggere un nucleo infantile ferito e vulnerabile. Scrooge ha imparato nel modo più duro che le relazioni umane sono inaffidabili, dolorose e transitorie, mentre il denaro è fedele. Il conto in banca non ti abbandona, l’oro non ti tradisce. La sua avidità è il tentativo disperato di accumulare non ricchezza. Ma sicurezza, costruendo un muro così alto che niente – né il dolore, ma nemmeno la vita – possa più toccarlo.

È proprio qui che il racconto del 1843 smette di essere un classico polveroso e diventa una critica feroce al nostro presente. Se togliamo a Scrooge la tuba vittoriana e la redingote logora, cosa rimane? Rimane l’individuo contemporaneo ossessionato dalla performance. Rimane l’uomo che misura il valore dell’esistenza esclusivamente attraverso la produttività, colui che risponde alle email di lavoro alla vigilia di Natale non per dovere, ma perché l’ozio lo terrorizza.

Scrooge anticipa con spaventosa lucidità quella che il filosofo sudcoreano Byung-Chul Han ha definito la “Società della stanchezza”. Come il soggetto moderno che auto-sfrutta se stesso credendo di realizzarsi. Scrooge odia il Natale perché è un’interruzione improduttiva del flusso economico. La sua celebre frase «Ogni idiota che se ne va attorno con codesto “buon Natale” in bocca, dovrebbe essere bollito nel suo stesso pudding» non è solo livore. È il rifiuto calvinista e iper-capitalista della gratuità. Per Scrooge, come per troppi manager o hustler di oggi, il tempo che non produce profitto è tempo morto. E le relazioni che non portano vantaggio sono, per usare le sue parole, un “cattivo affare”.

Questa visione utilitaristica si spinge fino alle estreme conseguenze nelle relazioni umane, trasformandole in merce di scambio o, peggio, in ostacoli. Zygmunt Bauman, teorizzando la modernità liquida, ci ha messo in guardia sulla fragilità dei legami in un mondo consumistico, e Scrooge ne è l’esempio ante-litteram. Ha allontanato l’amore della sua vita, Belle, perché lei non portava dote. Ha ridotto il suo impiegato Bob Cratchit a un ingranaggio da sfruttare al minimo costo possibile. La sua agghiacciante risposta a chi chiedeva offerte per i poveri – «Se preferiscono morire, facciano pure, così diminuiscono la popolazione in eccesso» – risuona oggi con una violenza inaudita. In un’epoca dominata dai Big Data e dalle statistiche, dove spesso le tragedie umane vengono ridotte a numeri e curve grafiche. Il cinismo di Scrooge è lo stesso di chi guarda il mondo attraverso un foglio di calcolo, incapace di vedere il volto dietro la cifra.

Ecco perché l’intervento dei tre Spiriti assume i contorni di una vera e propria terapia d’urto, necessaria per rompere l’anestesia emotiva. Dickens non usa la magia per “buonismo”, ma per costringere il protagonista a fare l’unica cosa che la nostra società evita con cura: fermarsi e guardare. Lo Spirito del Natale Presente non gli mostra tesori. Ma la famiglia Cratchit che, pur nella miseria e con la malattia del piccolo Tim che incombe, possiede una vitalità e un calore che Scrooge ha barattato per la solitudine. Ma è lo Spirito del Futuro, muto e terrificante, a sferrare il colpo di grazia mostrandogli l’oblio. La morte di Scrooge nel futuro non suscita dolore, ma indifferenza o addirittura sollievo tra i colleghi di borsa. È il terrore supremo dell’uomo narcisista moderno: scoprire di essere stato irrilevante sul piano umano.

La grandezza letteraria di Canto di Natale, e il motivo per cui continua a parlarci, risiede però nella sua reversibilità. La redenzione di Scrooge non è un atto religioso, ma una riappropriazione sensoriale. Il cambiamento avviene nel corpo prima che nello spirito. Quando si sveglia la mattina di Natale, il gelo descritto nell’incipit è sparito. «Sono leggero come una piuma, felice come un angelo, allegro come uno scolaro», esclama. Torna a ridere, e Dickens annota che «per un uomo che non rideva da tanti anni, fu una risata splendida».

Questo disgelo è la vera rivoluzione. La lezione che Scrooge ci consegna nel 2025 non riguarda la beneficenza, ma la capacità di tornare a sentire. Di abbattere la corazza del “Falso Sé” e accettare la vulnerabilità come parte integrante dell’esperienza umana. In un mondo che ci spinge a essere performanti, distaccati e invulnerabili, la scelta di Scrooge di scendere in strada, di comprare il tacchino più grande per qualcuno che non può ricambiare, e di diventare un “secondo padre” per il piccolo Tim, è un atto di ribellione radicale. Ci ricorda che l’aridità non è un destino ineluttabile, ma una scelta che possiamo revocare. Possiamo scegliere di smettere di essere monadi isolate ossessionate dal profitto e tornare a essere parte di una comunità.

Chiudendo il libro, resta la sensazione che Dickens non abbia scritto solo una favola per il 25 dicembre, ma un manuale di sopravvivenza emotiva. Il vero successo, sembra dirci tra le righe, non sta nel non aver bisogno di nessuno. Ma nel coraggio di dipendere dagli altri e di lasciare che gli altri dipendano da noi. E forse, l’augurio più sovversivo che possiamo farci non è quello di trovare regali sotto l’albero. Ma di riuscire a dire, con la stessa ritrovata leggerezza di Ebenezer, che sappiamo come festeggiare la vita, «se mai uomo vivo possedette questa nozione».

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È proprio questo contrasto — la festa più accogliente trasformata in qualcosa di inquietante — a rendere così affascinante la letteratura horror natalizia.

E se quest’anno vuoi accompagnare la tua cioccolata calda con un brivido non propriamente festivo, sei capitato nel posto giusto. Ecco una guida alle forme più sorprendenti (e più disturbanti) che l’incubo può assumere quando indossa un maglione natalizio.

I Krampus

Molto prima delle vetrine scintillanti, il solstizio d’inverno era un territorio di superstizioni, riti pagani e paure primordiali. Da questo terreno gelido nasce una parte dell’horror natalizio che guarda alle radici, alle creature più antiche della festa.

Difficile mantenere l’innocenza quando a portare giudizi è un mostro cornuto armato di fruste e catene. Il Krampus, figura centrale del folklore, incarna la punizione pura, quella che non lascia spazio a redenzioni. A differenza del carbone nella calza, qui non c’è avvertimento: c’è solo la caccia.

Libro consigliato: Krampus: The Yule Lord di Brom, una versione moderna e visionaria che rilegge il mostro come un dio in lotta contro il Natale.

Il Babbo Natale cattivo

Se pensi che la famosa “lista dei cattivi” sia solo un innocuo espediente educativo, Bloody Christmas di Elisabetta Giacalone ti farà rapidamente cambiare idea. Nel romanzo , Babbo Natale non è il benevolo guardiano delle feste, ma un giudice spietato che invita un gruppo di bambini al Polo Nord per un’esperienza che si trasforma presto in incubo. Qui il rosso non è quello del costume, ma quello del sangue.

Il libro porta alle estreme conseguenze l’iconografia natalizia, trasformando la lotta per la sopravvivenza in un rituale crudele che si conclude solo eleggendo un nuovo, unico sopravvissuto. È un horror senza compromessi, feroce e quasi fiabesco, perfetto per chi ama quando la tradizione viene ribaltata con decisione.

Neve, isolamento, e un nemico già dentro casa

Cosa c’è di più apparentemente confortevole di una bufera che ti costringe a restare al caldo? In realtà, il genere del “terrore da clausura” usa proprio l’impossibilità di andarsene per far emergere ciò che la famiglia ha sempre nascosto. Non è la neve a uccidere: è la convivenza.

Assolutamente da non perdere: The Shining di Stephen King

Fantasmi

Per chi ama l’atmosfera vittoriana, le luci soffuse e il sottile timore che qualcosa stia scricchiolando proprio oltre la porta, Natale con i fantasmi è una piccola collezione di delizie gotiche.

Le sue otto storie attraversano case infestate, paludi e mercatini londinesi illuminati appena quanto basta per far emergere ciò che dovrebbe restare nell’ombra. Un libro perfetto per trasformare una notte d’inverno in un appuntamento col soprannaturale.

Quando l’orrore è il consumismo

La festa della generosità si trasforma facilmente in una maratona di spese, ansia e sovraffollamento. Ed è proprio qui che la narrativa horror affonda i denti.

C’è chi trova confortante la folla pre-natalizia. E poi c’è chi, dopo certi libri, non riuscirà più a vedere le decorazioni allo stesso modo. L’ambientazione del centro commerciale diventa un labirinto artificiale: neon accecanti, musica ripetitiva, persone schiacciate dalla fretta. È un luogo dove il panico non ha bisogno di mostri: basta la realtà.

Per non voler uscire più a fare compere: The Store di Bentley Little

Perché il Natale è il palcoscenico perfetto per la paura?

Forse perché è una festa che conosciamo a memoria. Le sue icone — il camino, l’albero, la neve, la famiglia — sono profondamente radicate in noi. E quando qualcosa di familiare si incrina, anche solo un poco, l’effetto è potentissimo.

La letteratura horror natalizia vive proprio di questo scarto: prende ciò che amiamo e lo torce appena, abbastanza da farci vedere l’altra faccia della festa. Quindi…

…abbassate le luci. Chiudete bene le porte.
E sì… forse è il caso di dare un’ultima occhiata al camino.

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Dal 3 ottobre 2025 sarà in libreria “Francesco Vezzoli: Diva?”, edito da Skira e curato da Shai Baitel, direttore artistico del Modern Art Museum di Shanghai. Un catalogo, si, ma anche un vero e proprio saggio visivo sull’arte contemporanea e sul nostro rapporto con il mito.

Al suo interno troviamo una conversazione tra Francesco Vezzoli e Sophia Loren, un’intervista di Hans Ulrich Obrist e i contributi critici di Nancy Spector e Donatien Grau.

Il libro – presentato in anteprima il 23 settembre alla Boutique Skira di Milano – raccoglie immagini, saggi e riflessioni che attraversano il cuore della poetica di Vezzoli: il ricamo come ferita, la nostalgia come motore creativo, la bellezza come illusione fragile.

Francesco Vezzoli e l’arte delle lacrime ricamate

Vezzoli, tra gli artisti italiani più riconosciuti a livello internazionale, ha reso celebre un gesto tanto semplice quanto dirompente: ricamare lacrime sui volti delle dive del cinema, dell’opera e della moda.
Da Anna Magnani a Maria Callas, da Judy Garland a Jane Fonda, fino a Grace Jones, quelle gocce di filo spezzano la patina di perfezione e rivelano la vulnerabilità nascosta dietro l’immagine pubblica.

Il ricamo, tradizionalmente legato alla femminilità, diventa nelle sue mani un atto sovversivo: abbellire e destabilizzare, ornare e al tempo stesso ferire. È un linguaggio che intreccia arte classica, performance e memoria popolare, creando un ponte tra passato e presente.

“Diva?”: mito, fragilità e catarsi

Il volume non celebra soltanto le icone, ma le interroga. Che cos’è davvero una diva? Un’apparizione divina? Una maschera di dolore? O piuttosto lo specchio delle nostre ossessioni collettive?

Come scrive Nancy Spector, «l’adozione del ricamo ha fornito a Vezzoli la forma unica con cui trasmettere il pathos scoperto sullo schermo». Le sue opere non si limitano a decorare, ma scavano, trasformando il glamour in una riflessione universale su fragilità, desiderio e idolatria culturale.

Perché leggere “Francesco Vezzoli: Diva?”

In un’epoca in cui le immagini scorrono rapide sui nostri schermi, Vezzoli ci costringe a rallentare. Ogni lacrima cucita è una ferita che ci obbliga a guardare due volte, a interrogarci su cosa significhi oggi il culto della celebrità.

“Diva?” è dunque più di un libro d’arte: si definisce un viaggio nella memoria culturale, un’indagine sul potere delle immagini e un tributo alla bellezza imperfetta. Per gli appassionati di arte contemporanea, cinema e cultura visiva, rappresenta un’occasione unica per entrare nel laboratorio creativo di uno degli artisti più originali e provocatori della scena internazionale.

Photocredits: press kit ddl |arts|

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Uketsu: creare per fama o per urgenza?

Oggi la maggior parte delle persone si mette in gioco e compie “qualcosa” per gli altri soltanto puntando alla popolarità ed esclusivamente per il gusto di farsi conoscere; raramente viene fatto per urgenza, per necessità di esprimersi, senza mettere in prima linea se stessi, ma solo il proprio lavoro. Un tempo, nell’era pre-social, la fama era dettata da circostanze differenti dal presente; per diventare qualcuno bisognava meritarselo, guadagnarselo con il sangue e con il sudore, oggi basta più o meno essere fortunati, conquistare gli algoritmi e il gioco è fatto (Non sempre, ma spesso funziona così). È per questo motivo che, quando tra la massa emerge la diversità non si può far altro che notarla ed accoglierla. Uketsu è l’esempio.

Di chi si tratta?

Uketsu. Oltre un milione di copie vendute, video con visualizzazioni che superano le migliaia, un manga, un film, un libro tradotto in trenta lingue. L’artista e performer giapponese si presenta come il fenomeno letterario del momento: i suoi libri sono tra i più venduti di tutto il Giappone e sta velocemente scalando le classifiche. Ha già battuto Haruki Murakami con il suo “Strange Houses 2”. Non ha un nome all’anagrafe, né età: è solo Uketsu.

Indossa sempre guanti neri, dolcevita e una maschera bianca di cartapesta. Il costume tipico degli kuroko, gli “invisibili” del teatro kabuki, ossia gli assistenti di scena che si muovono sul palcoscenico per cambiare scenografie, spostare oggetti e assistere gli attori, il loro obiettivo è lavorare senza farsi notare dal pubblico. Uketsu potrebbe essere tutti, come nessuno, uno dei tanti. Le uniche cose che sappiamo di Ləui è che ama i conigli, ha paura di tutto e proviene dalla Prefettura di Kanagawa.

Come spiega Roberto Saviano sul suo canale YouTube, è chiaro che il suo personaggio si ispira al teatro nazionale giapponese ed è particolare come, da noi, in Occidente, un uomo senza volto venga associato al concetto di anonimo, insignificante, mentre invece, nelle tradizione giapponese, diventa uno spazio di spiritualità, purezza, una sospensione che anticipa un atto di gentilezza o di violenza: bene o male. 

Tante personalità, una sola identità 

Uketsu ha esordito con un video-story nel 2020 su YouTube, per poi passare alla scrittura. Il libro d’esordio è “Strani disegni”, tradotto in 30 lingue diverse, ha guadagnato un successo globale. Ad oggi continua il suo percorso narrando storia combinate ad illustrazioni, diagrammi incentrati sui traumi infantili e i misteri dell’uomo. 

Di primo acchito potrebbe ricordare la nostra Elena Ferrante, autrice del bestseller mondiale “Un Amica Geniale” la cui identità è ignota. Entrambi confermano la teoria secondo la quale la scrittura non ha bisogno di essere associata ad un volto. Sono le parole che ci fanno innamorare, il modo di scrivere, il modo di raccontare e di descrivere. D’altro canto, potrebbe venire in mente la nota cantante italiana dall’identità sconosciuta, Miss Keta, in conseguenza alla voce alterata da un apparecchio elettronico che utilizza anche Uketsu, adottando una voce da bambinæ per non farsi riconoscere mentre urla i suoi incubi. Per quanto riguarda il lato artistico è senz’altro paragonabile a Banksy. Una mente brillante, e dei capolavori sociali che stanno affascinando il mondo intero.

Un tripudio di eccellenti personalità che richiamano in qualche maniera un personaggio stilizzato, che potrebbe essere giovane, ma sicuramente con una testa d’altri tempi

Un genere inquietante

Uketsu esegue spesso performance apparentemente no-sense, il cui obiettivo non è intrattenere, ma inquietare i fruitori, suscitare in loro interrogativi, come fa e ha sempre fatto la nota performer Marina Abramovich, Per esempio, il video “The Strange House” consiste in un film di 21 minuti in cui vengono mostrate planimetrie inquietanti. Disturbante. 

Nelle sue opere ci sono continui colpi di scena e sventure.

Anche il genere dei suoi libri è a sé stante: un misto tra horror, romanzo e giallo. Lo stile è un ibrido tra parole, immagini, descrizioni e indizi visivi. Il fil-rouge è sempre la mancata risoluzione di enigmi ed intrighi; rimane tutto sospeso quasi come in una dimensione surrealista.

Il segreto del suo successo? La riposta è semplice: “I miei lettori sono giovani. Spesso, sono i miei libri le prime cose che leggono in assoluto”.

Riesce a coinvolgere le nuove generazioni, che spesso ignorate dalla società si sentono a loro agio in questa dimensione alternativa.

Quell’alone di mistero che lo circonda non fa che aumentare la diffusione dei propri lavori. 

Perché si sa, quando qualcosa è sconosciuto, non può far altro che attirare l’attenzione e suscitare curiosità…

Immagini: Pinterest, The Guardian 

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Anche a voi capita di dover affrontare frequentemente discussioni di lavoro o semplici battibecchi con amici e parenti? Spesso non sapete come reagire e ve la prendete se mai nessuno vi dà ragione?

«L’arte di ottenere ragione – Trentotto stratagemmi » è il libro che fa al caso vostro. Trentotto metodi, leciti (E altri un po’ meno), per “ottenere” ragione ad ogni costo. 

Avere l’ultima parola. Si dice così, no?

Quando qualcuno vuole avere ragione a prescindere da tutto il resto. Fateci caso, quante persone intorno a voi hanno questa smania del controllo (Perché è così che possiamo identificare questo atteggiamento). In realtà, avere paura di sbagliare e cercare di evitare di farlo è un tratto caratteristico dell’essere umano, tutti noi quando conversiamo e argomentiamo su qualcosa in particolare, sosteniamo il nostro pensiero e le nostre idee, è naturale; eccetto in una situazione di apprendimento.

Una divisione, invece, avviene in un secondo momento, quando alcuni di noi capiscono di star sbagliando, mettono da parte l’orgoglio e ammettono di aver torto, mentre altrettanti rimangono impuntati sulle proprie opinioni e non c’è verso di smuoverli. 

Facciamo un passo indietro, cos’è la ragione?

Si parla spesso di ragione, ma se vi chiedessero di darne una definizione, lo sapreste spiegare?

In filosofia, la ragione è la facoltà dell’intelletto attraverso cui si esercita il pensiero razionale, ossia il modo con cui gli uomini (Ma anche gli animali) pensano in maniera razionale. Che si oppone al pensiero irrazionale. 

Ad essa, è legato inevitabilmente il concetto di giudizio, in quanto, durante il processo del pensare, uniamo il concetto e il suo significato al nostro personale giudizio di bene e di male, di giusto o di sbagliato. 

Digitando su internet “sinonimo di: avere ragione”, compare “essere padrone”, “essere fornito”. 

Quindi la ragione potrebbe forse essere una specie di ansia di dover primeggiare sempre sugli altri, di dimostrare di essere i migliori?

Perché l’avere ragione effettivamente è sinonimo di potere, il potere di aver detto la cosa giusta, di sapere, di affermarsi sugli altri.

La domanda è: dobbiamo fargliene una colpa a coloro che non smettono mai di volere aver ragione?

Secondo Schopenhauer no. Il desiderio di avere ragione deriva dalla cattiveria dell’essere umano. È una nostra caratteristica, insita in noi da sempre. L’essere umano è sleale per natura. 

Non per caso, una delle cose più difficili che l’uomo riesce a fare è dare ragione agli altri, ammettendo il proprio errore. Fin da piccoli, alle scuole elementari per esempio, litighiamo con gli altri bambini per le cose più banali, lo scopo non è tanto giungere ad una conclusione e soluzione, ma soltanto prevalere sull’altro e fargli ammettere il suo sbaglio. E per queste cose non ci si parla addirittura per giorni. Poi, in età adolescenziale le cose non migliorano. A quanti capita di perdere amicizie da un giorno all’altro soltanto a causa della vanità che non ci permette di abbassare la guardia e riconoscere gli sbagli commessi?! E da adulti, anche se, come il vino invecchiando si dovrebbe migliorare, spesso si continua a seguire questa strada. È più forte di noi.

“L’arte di ottenere ragione” può migliorare i conflitti?

A questo punto vi starete chiedendo, se già l’uomo è per natura sleale, allora, come può essere utile un manuale, per di più scritto due secoli fa, che consiglia come sconfiggere l’avversario e come avere ragione, indipendentemente dalla verità o meno dei fatti?

Non c’è una risposta giusta o sbagliata. Potete ritenerlo utile come inutile, ma dal mio punto di vista funge da guida, in un certo senso ricorda il libro più famoso in tutto il mondo L’arte della Guerra . Dopo la lettura avrete assimilato nozioni e comportamenti che sarebbe bene adottare (Sottolineo sarebbe, in quanto non esistono verità assolute) in situazioni scomode, che fino a qual momento affrontavate con impulsività. Mentre, dopo queste letture, avete i giusti strumenti per utilizzare la vostra ragione e decidere come comportarvi. Lo scopo, a mio parere, è, non seguire passo per passo i consigli, ma farli propri e agire di conseguenza. Perciò, la sua utilità o inutilità dipende sempre da che uso ne viene fatto e in che modo viene impiegato, come in tutte le cose. 

Le basi della dialettica per Schopenhauer

Il filosofo dà un nuovo senso all’arte della dialettica, definendola come il fine ultimo per sconfiggere l’avversario ad ogni costo, a prescindere da qualsiasi sia la verità e la ragione.

Il manoscritto “L’arte di ottenere ragione” insegna quindi le tecniche per avere ragione, nonostante si abbia anche oggettivamente torto. 

In questi fogli (Il titolo «L’arte di ottenere ragione» è stata data da postumi, in quanto Schopenhauer, non ha mai pubblicato i fogli in cui racchiudeva gli stratagemmi) il filosofo sostiene l’importanza di pensare prima di parlare. Molti non lo fanno; ma non per ignoranza. L’ignoranza è la non conoscenza in merito a qualcosa; quest’ultima non impedisce il ragionamento, né la riflessione. 

Perciò usando la dialettica non si lotta per la verità, ma per sostenere la propria tesi e argomentazione. È in questo che consiste l’arte. La dialettica insegna a difendersi e a sopraffare gli altri, rovesciando le loro tesi.

Ognuno di noi ha una dialettica naturale, ossia la capacità di rapportarsi parlando con gli altri; essa deriva dall’esperienza e dal vissuto di ognuno.

Il nome più appropriato per definire questa dialettica secondo Schopenhauer è Dialettica Eristica.

Vi enuncio qualche stratagemma

Lo stratagemma n. 8 (Che troviamo anche nell’Arte della Guerra) consiglia di suscitare ira nell’avversario così che esso non riesca più a ragionare razionalmente. È una strategia utilizzata molto anche in ambito militare, un esempio ne è la Guerra Civile Romana del 49 – 45 a.C., quella tra Cesare e Pompeo. Il primo riuscì, nonostante avesse un esercito meno numeroso, a vincere la battaglia di Farsalo, in Tessaglia, perché giocò d’astuzia: attese l’avanzata nemica, non mosse un passo per giorni, provocando l’irritazione delle truppe nemiche, che stanche attaccarono poco preparate e persero. 

Lo stratagemma n. 12, invece, è molto utilizzato da tutti noi, spesso istintivamente. Consiste nel dare già un’intenzione alle parole, scegliendo il giusto nome con cui chiamarle. Ad esempio, se vogliamo comunicare un’argomentazione positiva riferita al custodire amorevolmente qualcuno o qualcosa, ci esprimeremo usando parole come “assicurasi del bene di quella cosa/persona”, al contrario useremo la parola “imprigionare”, se lo intendiamo negativamente. 

Lo stratagemma n. 13 propone di direzionare l’avversario a scegliere la nostra tesi, esponendone due opposte, ma rafforzando il modo in cui comunichiamo quella che sosteniamo; lui tenderà ad andare nella direzione in cui noi lo conduciamo sempre attraverso il dialogo.

Lo stratagemma n. 17 riporta una situazione in cui, se l’avversario vuole metterci alle strette con una controprova, possiamo uscirne trovando un sottile distinzione rispetto alla tesi appena esposta; mentre, nello stratagemma n. 18, se l’avversario è in vantaggio, dobbiamo sviarlo e interrompere il suo percorso verso il trionfo. 

Lo stratagemma n. 23 insegna ad indurre l’avversario ad esagerare la propria tesi, in modo che essa diventi assurda, così da poterla confutare. Al contrario noi non dobbiamo mai esagerare quando esponiamo la nostra, di tesi. 

L’ultimo stratagemma, il 38 consiglia di abbandonare l’argomentazione, non soffermarsi più su di essa, ma di attaccare sul personale il nemico .

“Per l’uomo niente è peggio di essere sconfitti sul pieno della ragione”.

Come vedete gli stratagemmi si dividono in due categorie principali: consigli da adottare per affrontare e battere l’avversario e altri per difenderci dai suoi attacchi

Immagini: Pinterest

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Nonostante la digitalizzazione, la gen z ha un certo fascino per tutto ciò che si può toccare con mano e per ciò che è esistito e che, sebbene esista ancora, ha però ha assunto nuove forme ed evoluzioni che non appassionano granché.

I libri fanno parte di questi feticci – Per chi non lo sapesse il feticcio è un oggetto materiale di venerazione religiosa o di fanatico culto -. Gli e-book appena usciti sul mercato erano qualcosa di affascinante, faceva anche un po’ figo averne uno, eppure, passati alcuni anni è tornata l’attrazione verso la carta. 

Gen Z e lettura: che rapporto c’è?

Si sa che le ultime generazioni hanno una soglia più bassa dell’attenzione rispetto alle precedenti, ma malgrado questo, sono probabilmente una delle gen che legge di più e si informa riguardo svariati argomenti. 

Benché non ci siano studi a sostegno, io e i miei coetanei, in seguito ad alcune discussioni, siamo arrivati alla conclusione secondo cui ci piace leggere perché è un modo per distrarci da ciò che accade intorno a noi. 

Chiaramente, i libri sono sempre stati un mezzo per viaggiare con la fantasia, in luoghi lontani e felici, con personaggi che mai conosceremo, un modo per staccare dalla nostra vita e svagare la mente, ma mai quanto oggi c’è ne così tanto bisogno. 

Non sono qui per fare una lezione di storia, sappiamo tutti cosa sta accadendo e che direzione sta prendendo il mondo e la società con esso, perciò è inutile ricalcare quello che troverete se sfogliate le pagine di un quotidiano qualsiasi. 

Libri per bambini 

Ad ogni modo, quando eravamo bambini i libri non avevano esattamente lo stesso scopo. Durante l’infanzia, oltre allo sviluppo dell’immaginazione, le storie sono utili per apprendere e imparare nuove parole, per capire come funzionano le emozioni e come si muove il mondo. Non abbiamo ancora bisogno di evadere da nulla quando abbiamo cinque, sette o dieci anni, non conosciamo ancora le brutture le mondo. Le narrazioni diventano un accompagnamento felice alla vita che stiamo vivendo. 

E se siamo diventati così, come ci descrivete – creativi, responsabili, ambientalisti, inclusivi, ambiziosi, semplici, pragmatici, ecc. – forse un po’ di responsabilità risiede nei libri che ci hanno fatto da ciceroni durante la fanciullezza e l’adolescenza. I generi che leggevamo maggiormente mescolavano romance e fantasy. Ahhh, ecco perché siamo fissate con la ricerca del principe azzurro, e con la speranza che tutto finisca con “E vissero tutti per sempre felici e contenti”. Su questo ci sarebbe tanto da dire… ma mi limiterei ad un Ok bello tutto, ma tornerei con i piedi per terra… 

Comunque, a seguito di un sondaggio dalla redazione di Adlmag, c’è stato un libro che è prevalso su tutti gli altri. 

Geronimo Stilton: un mito d’altri tempi

Se parliamo di infanzia non possiamo non citare il nostro avventuroso compagno di viaggio. 

Come si suol dire, la nostra generazione “è cresciuta a pane e Geronimo Stilton”. 

Chiunque abbia oggi tra i 20 e i 27 anni d’età non può dire di non aver mai anche solo sfogliato “I profumi e le puzze di Geronimo”. Si, lo sappiamo che non è quello il nome, ma tutti noi, li chiamavamo così. Oltre alla narrazione, c’erano pagine da sfregare che emanavano odori gradevoli e non in base ai luoghi delle avventure del protagonista.

Creato da Elisabetta Dami, Geronimo ha compiuto quest’anno anche lui 25 anni, più o meno come noi fedeli lettori. Nonostante adesso siamo cresciuti e non leggiamo più i suoi racconti, tutti i valori che ci ha tramandato sono ancora dentro di noi e ne custodiamo gelosamente il ricordo. Dall’importanza della famiglia, all’affrontare le proprie paure, dall’accettazione dei difetti degli altri, all’apertura verso ciò che è diverso da noi e verso le altre culture. La curiosità per quello che ci è estraneo, il gioco di squadra, la pace nel mondo, oltre all’amicizia e l’amore.

Nella classifica dei libri più letti, dopo Geronimo, si posizione Diario di una Schiappa

Anche questo è stato un cult. Chi almeno una volta non è mai stato bullizzato o preso in giro anche per una piccola cosa, banale?! Greg Heffley ci ha insegnato che l’adolescenza può essere brutta se vissuta con lo spirito sbagliato, ma meravigliosa con i giusti complici. L’amicizia è il focus del racconto. Il protagonista si trova spesso davanti a situazioni all’apparenza complicate, ma che se viste da una prospettiva differente e affrontate con grande spirito possono cambiare totalmente. La forza di Greg è riuscire a vedere del positivo, vivere con semplicità ed ironia. 

Questo è ciò che abbiamo imparato da lui e Rowley, il suo migliore amico. 

Alla gen z, piacevano parecchio le saghe: da Harry Potter, a Narnia e Percy Jackson

Le saghe erano particolarmente amate, non da tutti, ma da molti. Permettevano di immergerci totalmente in un racconto, ci affezionavamo alle ambientazioni, ai personaggi e alle loro avventure. Ciò che ci hanno trasmesso è stato soprattutto il senso delle community: tante persone riunite e accomunate dalle stesse passioni e dagli stessi interessi. Molti si organizzano per incontri online o offline al fine di discutere e condividere i propri pensieri, ed era un modo per connettersi con gli altri e appendere cose anche distanti dai nostri interessi. L’amicizia è sempre alla base. 

Tra gli altri libri menzionati all’interno del sondaggio sono apparsi: Il Piccolo principe, Alice nel paese delle meraviglie e Pinocchio. 

Tutti e tre sono accomunati da una caratteristica speciale: riflessione riguardo l’andare oltre le apparenze. Un punto fondamentale per la crescita e la maturità di un bambino, che diventa adolescente e un adulto del futuro. 

C’erano poi quelle enormi enciclopedie che si acquistavano in edicola, chissà quante copie abbiamo ancora nell’armadio (Alcune mai sfogliate…)

E infine, per chiudere, inevitabile non menzionare After

Criticato da tanti, ma letto da altrettanti. Ci sono sempre stati pareri discordati in merito, eppure, chi a quattordici e chi a diciotto abbiamo tutte letto questi romanzi, con curiosità e interesse. 

Vengono trattate tematiche fondamentali, da scovare tra le righe: amore adolescenziale, ma anche stalking, ossessione, bipolarismo… per questo una lettura precoce potrebbe aver condotto alla non comprensione, ma se affrontata con qualcuno di più grande utile e preventiva.

Forse sono stati proprio questi racconti un misto tra il fantastico e il romantico a dare una speranza a questa generazione che di speranza non ne ha molta. 

Immagini: Pinteres

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