Per l’Autunno Inverno 2025/26, Etro firma una campagna che va oltre la moda per trasformarsi in racconto visionario. Il titolo scelto, Magma – Futuro Primordiale, suggerisce un dialogo tra ciò che appartiene all’alba dei tempi e ciò che invece appartiene a un domani immaginato. Un contrasto che diventa linguaggio estetico e filosofia creativa.

Casa Dinosauro: architettura o paesaggio?

Il set è Casa Dinosauro a Baratti, un luogo che sembra appartenere alla natura ma che è frutto dell’architettura. Pareti curve, cavità sinuose, superfici che ricordano rocce modellate dall’erosione: uno scenario che inganna lo sguardo e che diventa cornice ideale per la collezione. Qui, il confine tra artificio e paesaggio si dissolve, restituendo un ambiente senza tempo.

Tessuti come impronte della natura

La collezione gioca con texture e materiali che evocano la forza primordiale. Le pellicce reinterpretate rimandano a un mondo arcaico, mentre le stampe si tingono di sfumature vulcaniche e terrose. I jacquard sembrano conservare le forme delle fronde circostanti, quasi calchi tessili della vegetazione. Le maglie sfrangiate richiamano il manto di creature selvatiche, mentre gli abiti fluidi seguono il ritmo dell’aria e dei pollini sospinti dal vento.

Moda come paesaggio sensoriale

In Magma, i capi non sono semplici abiti: diventano parte dell’ambiente che li accoglie. Ogni look si fonde con lo spazio circostante in un gioco di corrispondenze, annullando il confine tra corpo, natura e architettura. Etro costruisce così un paesaggio sensoriale dove materia e immaginazione si contaminano a vicenda, generando una visione di equilibrio possibile.

Un rituale estetico

La campagna non parla solo di stile, ma di esperienza. Gli abiti diventano strumenti narrativi che evocano un rituale collettivo, un ritorno alle radici per ripensare il futuro. È una moda che non si limita a vestire, ma che invita a riflettere sul rapporto tra uomo e natura, sul desiderio di fondere istinto e progetto.

Etro, tra poesia e modernità

Con Magma, Etro riafferma la sua identità: un marchio capace di intrecciare radici e innovazione, artigianalità e visione. La collezione Autunno Inverno 2025/26 non è soltanto un guardaroba, ma una dichiarazione poetica che celebra il potere primordiale come chiave di un domani possibile.

Foto: campagna pubblicitaria di Louise & Maria Thornfeldt per Etro, Pinterest

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Un ritorno che sussurra nuove storie 

Per la nuova stagione, Acne Studios debutta con una dichiarazione d’intenti chiara: funzionalità e carattere possono convivere, intrecciandosi in una danza fluida e avvolgente. A rappresentare questo spirito è la borsa Camero, che, dopo l’esordio nella SS25, ritorna per l’Autunno/Inverno 2025 ampliando il proprio vocabolario di forme e raccontando nuove storie di eleganza e praticità.

Camero: memoria e stile

Camero nasce come reminiscenza di un oggetto caro al Direttore Creativo Jonny Johansson — una borsa utilizzata agli esordi della sua carriera per custodire una grande fotocamera Polaroid. Quel gesto semplice, quell’atto quotidiano di trasporto, si trasforma oggi in un simbolo di autenticità sospeso tra memoria e modernità. Da strumento funzionale si eleva a icona, diventando portavoce di un’estetica emblematica per la maison svedese: essenziale ma mai prevedibile.

Nuove forme, stessa anima 

Per questa stagione, la famiglia Camero si allarga con due nuove silhouette: Hotel, un modello oversize che parla di viaggi e di chi si lascia attraversare dal cambiamento con naturalezza; e Gym, una rivisitazione dello zaino, che si fa ponte tra la frenesia metropolitana e la struttura rigorosa, offrendo un equilibrio perfetto tra libertà e controllo. Si affiancano così alle versioni già esistenti, Camera e Party, mantenendo un’identità stilistica coerente che non rinuncia alla funzionalità: design unisex, fluido e calibrato, capace di adattarsi senza sforzo al ritmo della vita quotidiana.

Dettagli che parlano di radici  

Il filo conduttore che unisce ogni borsa è un piccolo ma potentissimo dettaglio: un charm a forma di chiave in metallo, inciso con “Acne Studios Stockholm 1996”. È un simbolo che racchiude radici e origini, quasi a voler sigillare un legame intimo con la tradizione svedese, un’eco, lontana eppure vibrante. I dettagli ribadiscono l’attenzione meticolosa del brand per l’artigianalità e la praticità: rivetti in denim metallici applicati a mano, cerniere multiple e, per il modello Hotel, un tag a specchio con logo stampato a caldo in argento. 

Trame sensoriali, cromie che raccontano

Ma è nel lessico materico che Camero svela la sua metamorfosi più intensa. Al vitello morbido si affiancano suede vibranti — fucsia, sesamo, rosso — e una nuova finitura Corvara Foil Silver, pellame lucido, sostenibile e con una concia al vegetale che racconta rispetto e innovazione. La palette cromatica si snoda con grazia, attraversando il nero profondo, il cammello caldo, il cioccolato intenso, il bianco ottico, fino a un blu cobalto ricco di profondità e all’ironia sofisticata dello shearling teddy. I dettagli iconici — l’effetto coccodrillo, le stampe a pois, i loghi spruzzati — danno vita a un gioco di contrasti tra classicismo e audacia, una tensione equilibrata che definisce l’essenza del brand.

La donna Acne Studios: forza, fragilità, presenza

A interpretare questa rinascita, la campagna fotografica di Teresa Ciocia, che cattura l’atmosfera della sfilata FW25 e la donna della stagione. Non la idealizza: la osserva. Ne cattura forza, vulnerabilità, movimento. Ne fa un soggetto reale, mai simbolico.

Un oggetto che racconta, un’estetica che resta

Con il lancio globale del 3 settembre 2025, Camero non si limita a essere un accessorio: diventa compagna di viaggio, custode di storie personali, espressione di un’estetica che parla direttamente all’anima. Acne Studios conferma così la propria capacità di creare oggetti che vibrano di vita, emozioni e rigore, senza mai perdere la propria voce autentica.

Foto: Campagna fotografica di Teresa Ciocia per Acne Studios

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Il termine filler (“riempitivo”, in italiano) viene utilizzato per indicare un capitolo di un libro, una scena di un film o un episodio di una serie tv che non ha granché da dire, in cui non succede praticamente nulla. Uno stand-alone che non aggiunge, né toglie nulla alla storia, ma che esiste con il solo scopo di allungare la narrazione del prodotto. Ebbene, oggi Parigi, al suo secondo giorno di Haute Couture Week, ha messo in scena il proprio episodio filler, facendoci sedere in sala d’attesa nel tentativo di riempire un vuoto tra l’ipnotica apertura dei giochi da parte di Schiaparelli, e i saluti tanto aspettati di domani: il benvenuto di Glenn Martens in Maison Margiela, e l’addio di Demna a Balenciaga, con la sua ultima Couture. Tentativo riuscito o fallito?

L’ultima era di uno Chanel solitario

Orfano di direttore creativo, e in attesa dell’ufficiale presa in carico da parte di Matthieu Blazy del prossimo ottobre, Chanel ha dovuto rimboccarsi (di nuovo) le maniche da solo. La Haute Couture Autunno Inverno 2025 di oggi, è infatti l’ultima di una serie di collezioni portate avanti dal design team della maison. La linea si propone di mostrare uno spiraglio di luce, una veloce sbriciata, su quella che è l’esperienza dei clienti abituali del brand dietro le serrate porte dell’atelier di Rue Cambon, con un set ispirato proprio ad esso. Il risultato è un défilé all-white fatto di tweed e frange di ogni tipo. Nulla che non si sia mai visto. Una giacca indossata al contrario con dorati bottoni sulla schiena, però, funge da buon auspicio per una futura sovversione delle regole: forse proprio quella dell’imminente rivoluzione d’ottobre di Blazy.

L’essenzialità spaziale firmata Stéphane Rolland

L’idea che l’Haute Couture debba essere sinonimo di eccesso, stravaganza ed estremo luccichio è ormai datata: lo dimostra Stéphane Rolland. La sua Couture FW25 è caratterizzata da un minimalismo calibrato da ampi volumi e vertiginosi strutturalismi. La spazialità viene messa al primo posto, ogni orpello viene eliminato, rigide geometrie dominano le teste delle modelle, i gioielli vengono indossati a mo’ di talismani. E sembrano essere tutto ciò di cui abbiamo bisogno per cadere vittime dell’incantesimo di Rolland.

Il nuovo protagonista della Haute Couture: Ashi Studio

Da soli due anni Ashi Studio, di Mohammed Ashi, sfila come membro ospite durante la Haute Couture Week: e quel posto sul calendario non ha intenzione di mollarlo. Inserti floreali, drappeggi e fianchi imbottiti si uniscono in una fusione tra barocco e minimal, cifra specifica del brand. Se da un lato l’abito giallo pastello in stile pelle di serpente mette i brividi per l’accuratezza della texture, dall’altro, alcuni design non risultano totalmente nuovi all’occhio dei più attenti fashion addict. Il corsetto di legno e le ruches di pizzo color panna sembrano fare l’occhiolino (da molto lontano) all’epoca d’oro di Alexander McQueen. Ma si sa: nella moda, a volte, nulla si crea, tutto si ripete.

Armani Privè, eterna eleganza

Precisione, eleganza, tagli a dir poco perfetti, dettagli studiati al millimetro: Armani Privè chiude questa seconda giornata di Couture regalando tutto ciò di cui lo scarno calendario odierno ci ha privati. I lucenti velluti e le sete dall’aspetto semi-liquido si susseguono in una palette di neri che si differenziano solo per le diverse consistenze, e per qualche raro tocco di colore. Non c’è nulla da aggiungere: re Giorgio salva la giornata.

Foto: Vogue, Kendam

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Come vuole ormai la tradizione Parigina è Schiaparelli ad aprire il calendario dell’haute couture. La stagione più attesa del capoluogo francese profanata, questa volta, da due show fuori calendario. In città, infatti, i flash dei fotografi hanno cominciato a scattare già domenica in occasione del debutto di Michael Rider da Celine e dello show di Patou. E se del secondo non c’è gran che da dire, righe, fiori e pizzi per la collezione primaverile del 2026 non sono esattamente degni di nota, lo show di Celine ha fatto parlare.

Nell’headquarter di Celine, in Rue de Vivienne, dove Rider aveva lavorato affianco della mitica Phoebe Philo va in scena la SS del brand. “Volevo essere moderno e strong” spiega Rider quando racconta il suo show di debutto. Il nuovo direttore mette in piedi una collezione che parla ai consumatori, in un mondo della moda che pare esserseli dimenticati. Nulla di assurdo. Qualche tocco di styling puntuale, gli accessori giusto e un logo forse fin troppo presente. Rider non stupisce con effetti speciali, ma non si propone di farlo. Rimane con i piedi per terra, non ci fa sobbalzare dalle sedie, ma almeno sembra parlare un linguaggio concreto.

Il ritorno al futuro di Schiaparelli

Non ha nulla di concreto invece, e va benissimo così, l’alta moda di Schiaparelli. Anche questa stagione Rosberry incanta il pubblico con una parata di star in toilette eccentriche e uno show fatto di nostalgici richiami al mondo di Madame Schiap. Per l’occasione in passerella torna il mantello Apollo, disegnato dalla Schiaparelli negli anni ’30 per l’attrice Elsie de Wolfe. E poi ancora serrature, giacche da matador, ricami oro e abiti da gran sera. “Ritorno al futuro” è il titolo di una collezione che si pone l’obiettivo di assottigliare il confine tra passato e futuro. Di passato ce n’è moltissimo, e anche stupendo, rimangono però i dubbi sul futuro dal momento che le sfilate di Schiaparelli, negli ultimi anni, sembrano essere sempre stupendamente uguali a loro stesse.

L’ecologia fluttuante di Iris Van Herpen

Sempre incredibile è lo show di Iris Van Herpen che, anche questa stagione, non delude. Per l’haute couture dell’autunno/inverno 2025 il brand propone un viaggio negli abissi dell’oceano. Ispirandosi ai movimenti dell’acqua, e a quelli dei suoi abitanti, Iris Van Herpen porta in scena una sfilata teatrale e magnetica. Tra i look anche un abito realizzato con 125milioni di alche bioluminescenti incapsulate in una membrana protettiva. L’intera collezione pone una particolare attenzione al mondo della sostenibilità ispirandosi al concept Gaia dell’ecologista James Lovelock secondo cui “l’oceano, l’atmosfera e il clima sono tutti collegati. Sono intrecciati insieme come un tessuto auto-regolato”.

L’anima cosmopolita di Parigi

E mentre i francesi continuano a proporre completi in tweed ed abiti in tulle, vedi lo show di Julie de Libran, sono gli stranieri a portare avanti il buon nome dell’alta moda. Spicca per bellezza e visione lo show del designer indiano Raul Mishra. Abiti che sembrano opere d’arte ispirati proprio ai quadri di Klimt. Costruzioni architettoniche e tessuti leggeri, incrostati di gemme, rendono lo show una passeggiata in un museo. Una nuova onda della moda orientale arriva a Parigi. Chissà se come n egli anni ’80 la città ha accolto a braccia aperte gli stilisti nipponici oggi farà lo stesso con la nuova wave indiana?

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Arrivano dalle marche, ma parlano di Giappone le nuove sneakers couture firmate Enterprise Japan. Per la Fall Winter 2025/26 il brand interpreta la cultura pop anni ’70 e ’80 attraverso il filtro dello Shibui. Antica filosofia giapponese che plasma una bellezza semplice, elegante e non ostentata. Così le linee eighties delle scarpe di Enterprise abbracciano l’arte dell’imperfezione giapponese, si sposano con la bellezza dell’usura nel tempo rendendo i modelli punto d’incontro tra passato e futuro.

L’unione dell’arte manifatturiera italiana con lo stile nipponico avviene tra i confini del distretto calzaturiero marchigiano. Le sneakers di Enterprise Japan sono, infatti, garanzia di qualità. Il brand fa capo ad EliGroup: eccellente polo produttivo italiano che garantisce la trasparenza di una filiera al 100% made in Italy. Le sneakers sono la quinta essenza di un lusso non urlato. Si parla di una nuova idea di luxury legata al quotidiano e alla qualità più che alla chiassosità degli eventi mondani. In perfetta simbiosi con la filosofia Shibui, che guida l’intero stile, i prodotti Enterprise sono semplici e timeless senza rischiare di diventare noiosi.

Sono 3 i modelli presentati dal brand dedicati alla FW 2025/26. Come di consueto il marchio ripropone la EJ Egg Rocket, modello zero di Enterprise Japan. Dettagli materici in suede, linee pulite e dettagli crafted sono i punti cardine della scarpa. Realizzata, per l’occasione, in nappa laminata dall’effetto dirty. Risultato prodotto applicando uno strato di pigmento poi asportato con un lavaggio a mano, per donare profondità al materiale. La collezione si arricchisce di altri due modelli. Le EJ Run Rocket, ispirate al mondo running, sono il modello più sportivo del brand. Innovazione tecnologica ed ergonomicità si fondono con lo stile carismatico della sneakers con dettagli animalier (realizzati in Limited Edition in cavallino) oppure in pelle metallzata.

Completano la collezione, costituendone il focus, le EJ Jupiter Rocket. Dall’allure old school e vintage le sneakers rappresentano, infatti, la passione del brand verso il passato. Realizzate in pelle di alta qualità e identificate da una maxi toppa colorata sul retro sono il modello di punta della collezione. Un vero gioiello per gli appassionati dell’athleisure di alta gamma.

E se il lusso sta nei dettagli è la suola lo scrigno che custodisce l’essenza luxury del prodotto. Ogni scarpa è, infatti, rifinita da una grafica embossed sulla suola che riproduce l’iconico razzo EJ, simbolo del brand. Un esempio virtuoso di vero made in Italy che unisce così Italia e Giappone in una sneakers couture capace di rendere unico ogni look.

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Eccoci giunti alla fine dell’affollato calendario previsto per questa domenica parigina all’insegna della moda. A scendere in campo durante la terzultima giornata di Parigi Fashion Week, vi è il ritrovato massimalismo di Valentino sotto la guida di Alessandro Michele, i contrasti sportivo-eleganti di Balenciaga e le borse Tamagotchi di Coperni. Ma soprattutto, risuona tenace la voce della nuova generazione di designer.

Niccolò Pasquarelli mette in scena le silhouette dell’ombra

Dopo aver debuttato a Parigi sei mesi fa con la sua Primavera/Estate 2025, lo stilista italiano Niccolò Pasqualetti ha presentato oggi presso il Palais de Tokio, la perfetta continuazione del suo esordio primaverile. Le leggeri texture della precedente collezione, si fanno più pesanti, ma rimangono fedeli alle asimmetriche forme tipiche del designer. Ispirato dalle sculture di Alberto Giacometti, e dal concetto di ombre, Pasqualetti mette in primo piano l’attenzione per la linea delle silhouette. Viene inoltre sfidata la sottile linea fra design di vestiti, e design di gioielli, con un collier di perle nere che farebbe impallidire le gorgiere di qualsiasi reale d’età elisabettiana.

Duran Lantink: tra geometria e surrealismo

Il designer olandese Duran Lantink non ha alcuna paura di osare, alzando un’asticella che di stagione in stagione sembra non incontrare limiti. Il look che apre la sua collezione Autunno/Inverno 2025, è fortemente rappresentativo del suo spirito creativo, che sembra non conoscere regole: la modella Mica Argañaraz apre il défilé indossando un top in latex disegnato per riprodurre le sembianze di un busto nudo maschile, la cui controparte femminile, già iper commentata sul web che condanna il giovane designer, scende in passerella per la chiusura.

Il suo modo avanguardistico di estremizzare le silhouette, dotandole di imbottiture che esaltano la naturale anatomia del corpo, è l’elemento immancabile di ogni collezione. La novità della stagione, è il voluto accenno al cattivo gusto, di cui il vivace (e visivamente rumoroso) mix-and-matching di stampe animalier è l’emblema. Altro salto di livello, le volumetriche geometrie che sempre più sfidano le leggi della gravità, e l’equilibrio delle modelle.

Giovani, ricchi, depressi. Ma vestiti bene.

Per il prossimo autunno, il brand francese Enfants Riches Déprimés, di Henri Alexander, combatte una battaglia che sembra non saper, o voler, vincere: quella tra l’istinto e la disciplina. La collezione, chiamata Dictatorship, vede sfilare cappotti di pelle, look che rispondono all’estetica del nerdy-chic, scaldamuscoli e rischiose trasparenze. Non manca l’elemento del macabro: attorno al collo, alcuni dei modelli sfilano con quelle che sembrano essere semplici sciarpe di pelliccia, ma che in realtà, se si guarda meglio (a proprio rischio e pericolo), prendono le sembianze di furetti accasciati senza vita. A chiudere, il punto più alto della sfilata: bambini che camminano fianco a fianco con un carro armato fatto di cartone.

L’ora blu di Akris

Dimenticate la calda luce della golden hour durante i pomeriggi soleggiati che si avvicinano al tramonto: la luce perfetta per i selfie in pieno stile Pinterest, non è più di un dorato arancione. È tempo di Blue Hour, come proclama Akris nella sua collezione Autunno/Inverno 2025. Che sia navy, cobalto, denim, indaco, o il famigerato ceruleo alla Diavolo veste Prada non importa. L’importante è che sia perdutamente blu. Albert Kriemler, direttore creativo del brand, sembra condurre uno studio sul colore, proponendo il blu in varie sfumature, ma soprattutto modulandone le diverse intensità grazie all’impiego di diverse stoffe. Così, il blu del velluto è un blu denso, quello dei trench coat in vinyl è lucido, quasi metallizzato, mentre quello degli inserti in pelliccia non riflette alcuna luce, risultando talmente scuro da sembrare nero. In fondo, cos’è il blu se non l’ultimo accenno di luce prima del buio?

Foto: Vogue

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La frenesia della settimana della moda continua senza sosta, e all’alba delle ultime due giornate di show nel weekend, grandi e piccoli brand si susseguono in un calendario che non conosce riposo. Un fil rouge ha però unito quasi tutte le sfilate di questa giornata di Milano Fashion Week: lo sguardo verso la tradizione. Iniziamo con Institution e i suoi interrogativi sull’identità culturale, per finire con Versace che guarda al suo heritage per puntare al futuro.

La tradi(innova)zione di Institution

Ad aprire le danze della quarta giornata della settimana della moda milanese, un patto d’unione fra Italia e Georgia: Galib Gassanoff, originario di Tblisi, fa fiorire la sua moda con Institution. Chiamata El, la collezione esplora il concetto di identità e appartenenza, intrecciando lo studio delle tradizioni azere con le tradizioni pastorali della transumanza del bisnonno del designer, in un trionfo di materiali naturali come lana, cotone e pelle. Ciò che rende attuale la collezione, aggrovigliando sapientemente passato e presente, è l’utilizzo di materiali innovativi per ricreare le texture: lacci e bottoni diventano così il centro dell’attenzione. Il tutto viene accompagnato da una palette di colori neutri, che lascia spazio all’esaltazione della forma.

Essere o non essere minimal? Questo il dilemma

Una tendenza che sembra non riuscire a rimaner lontana dalle passerelle è quella del minimalismo, è innegabile. Ciò che però si fa sempre più strada, è la sua riformulazione. Sportmax ad esempio, pur optando per tonalità perlopiù neutre e silhouettes fluide, eleva la sua inclinazione al design minimal con pesanti frange, mix and match di pattern e volumetriche pellicce, in favore di una “iper-reinvenzione”, come citato nelle note ad accompagnamento della collezione. Lo stesso vale per Tod’s: proponendo una collezione che sembra essere un perfetto guardaroba di outfit giornalieri, non rinuncia alla sperimentazione con attraverso un attento lavoro di layering.

Ogni trend però, vive anche in funzione del proprio opposto: non c’è alcun minimalismo senza un po’ di sano massimalismo. A correre in soccorso degli amanti dell’eclettismo, arrivano infatti Missoni, Moschino e Versace. Il primo con le iconiche combinazioni di pattern, il secondo tramite abiti tridimensionali che sfidano la gravità e l’illusionismo, con stole tenute ferme da meta-spille: non spille reali, ma foto di esse che fungono da tali. Ultimo ma non meno importante, il ritorno allo sfarzo messo in atto da Versace, le cui famosissime stampe dorate tornano a sfilare.

Il fascino genderless di Sunnei

Le shopping bags sono l’unico accessorio di cui i modelli di Sunnei hanno bisogno: con le braccia lungo i fianchi e le mani piene di sacchetti con stampato il logo del brand, sfilano in abiti che celebrano l’estetica sporty-chic. Ponendo il focus sui colori primari, lo stile urban della collezione sfida la nuova frontiera dello streetwear, quella genderless. Il brand, fondato nel 2014 da Loris Messina e Simone Rizzo, nasce infatti proprio dalla necessità di raccontare i giovani milanesi, le loro similarità e differenze accomunate dallo stesso stile di vita. La freschezza del brand è resa nella collezione grazie ad un misurato gioco di texture, che trova sfogo nelle scarpe a frange o nei berretti dai quali scendono lunghi capelli di lana arricciata.

Foto: Vogue

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Il primo giorno di sfilate nella capitale italiana della moda è giunto al suo termine, e pur essendo forse il meno impegnativo della settimana visto il fittissimo calendario, è riuscito a scendere in passerella con la carica giusta. Vediamo il recap del primo capitolo della Milano Fashion Week.

Gli attesissimi: Gucci e Alberta Ferretti

Gucci ha aperto la settimana, presentando la prima collezione dopo l’addio di Sabato De Sarno. Abbandonando il rosso Ancora, marchio di fabbrica dell’ex-direttore creativo, il brand abbraccia un intenso verde foresta. La collezione, che ha visto sfilare menswear e womenswear insieme in passerella, prevede velluto, trasparenze, e il ripetuto motivo horsebit, emblema della maison.

Altra grande attesa è stata Alberta Ferretti. Dopo l’uscita di scena della stilista lo scorso ottobre, Lorenzo Serafini ha preso le redini del brand, debuttando proprio oggi con la sua prima collezione. Progressive Romantics è la perfetta continuazione del lavoro di Alberta: sottovesti di chiffon, colori neutri e silhouette leggere e femminili.

La maglieria (non) tradizionale di Iceberg

James Long, direttore creative di Iceberg, si concentra sulla storia del marchio presentando una collezione il cui fulcro è la maglieria. Giocando con la stratificazione, e grazie all’aggiunta di dettagli che fanno la differenza, come occhielli metallici e inserti in pelliccia, la collezione rivisita la tradizione della maglieria, proponendone diverse versioni. Le silhouette sono fluide: basta anche un solo sguardo ai lunghi abiti di maglia, e osservare come cadono sul corpo, per percepirne la morbidezza. Nella moltitudine di maglia spiccano anche maglie a righe, borse in pelle verniciata e la fantasia a quadri, grande protagonista della stagione.

K-Way festeggia il compleanno alla Milano Fashion Week

Un omaggio alla giacca impermeabile più iconica della moda: K-Way festeggia sessant’anni di stile ed innovazione. Per il suo compleanno, presenta una sfilata co-ed, per lei e per lui, al Museo della Permanente a Milano, in un ambiente immersivo curato dall’artista Agostino Iacurci. L’outerwear è il protagonista della collezione, proposto in diverse forme e texture in una palette di colori che spazia dal grigio antracite al più acceso degli arancioni. Portare in passerella una collezione perlopiù sportiva non vuol dire però rinunciare allo stile: l’iconica giacca antipioggia sfila infatti in lungo, trasformandosi in un voluminoso abito stratificato dai colori sgargianti.

Trent’anni di audacia: DSquared2

Sembra incredibile ma è vero: quello di K-Way non è stato l’unico anniversario importante a venir celebrato in passerella oggi. A compiere la metà degli anni, c’è DSquared2, il brand fondato dai gemelli Dean e Dan Caten, canadesi ma di origini italiane. Lo show, pensato per festeggiare i primi trent’anni di vita del brand, diventa virale già dai primissimi minuti. Ad aprirlo c’è infatti la cantante Doechii che in pieno stile DSquared2, salta fuori da un fuoristrada, correndo e poi liberando la lunga coda della sua maglia grigia, sfilando tra i flash della folla che riprende il momento.

Pelle nera super aderente, borchie, pellicce e frange imponenti. Ancora, corsetti strettissimi e graphic t-shirts in pieno stile Y2K, estetica di cui i fratelli sono pionieri. Anticonvenzionali, sfrontati, propositivamente scorretti: l’unico modo per concludere al meglio la prima giornata della Milano Fashion Week F/W 25, è farlo come DSquared2. Con la vita dei pantaloni sotto i fianchi e un numero spropositato di frange. Perdutamente Icon-ique.

Foto: Amica, Vogue.

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È giunta al suo termine ieri la seconda settimana di cui si compone il mese della moda dedicato alla presentazione delle collezioni Autunno-Inverno 2025: la London Fashion Week. Da sempre palcoscenico per eccellenza per i designer indipendenti, Londra continua a spiccare per l’attenzione alla creatività, la presenza di nuovi brand, e la capacità di andare oltre gli schemi.

Strizzare l’occhio alla Couture

Inaugurando la settimana, Harris Reed presenta una collezione di soli quattordici abiti, che più che ready-to-wear sembrano strizzare l’occhio alla Couture. Stoffe imponenti, crinoline e spalle spigolose tinte di nero, con dettagli oro e blu, sono simbolo dell’incontro di due degli elementi più caratteristici della cultura inglese: l’età Vittoriana e il punk. “Ogni look reclama il suo spazio”, proclama Reed. In senso letterale, visti i volumi.

Lo stesso approccio viene adottato da Richard Quinn, le cui modelle sfilano sotto la neve. Quinn immagina i suoi abiti come quelli degli invitati ad una cerimonia d’inverno, e l’ispirazione fonda le sue radici nella Haute Couture anni Cinquanta, come si evince dalle silhouettes, che spiccano grazie a decorazioni quali micro perline, camelie e fiocchi.

Le donne vengono da Venere, e Venere viene dal caos

Attraversare la distruzione per arrivare alla bellezza: questo il tema della collezione Autunno-Inverno 2025 di Dilara Findikoglu, chiamata Venus from Chaos. I corsetti di conchiglie, gli spilli, le trasparenze e le vite dei pantaloni estremamente basse esaltano quella che è l’iper-femminilità di cui Dilara si fa portavoce, eterea e ribelle allo stesso tempo. I capelli fungono da abiti, dando vita ad una moderna Venere di Botticelli. La sfilata è un climax che dall’oscurità arriva alla luce, culminando nell’ultimo abito, la punta di diamante della collezione: un tubino di pelle nude, che imita quella del corpo, le cui decorazioni sono state tatuate a mano dal tattoo artist Jonah Slater, compagno della designer.

La lepre e la tartaruga vestono Rocha

Simone Rocha ricorda ancora una delle sue conversazioni con la preside della sua scuola, Miss Ruddock, che le raccontò la favola della lepre e la tartaruga, spiegandole che nella vita si può essere solo una o l’altra. Rocha dichiara fieramente: “Sono così pronta ad essere una tartaruga!”. Insomma, un po’ come dire che chi va piano va sano e va lontano. E mai affermazione fu più vera per Rocha, il cui marchio esiste da quindici anni, ma conosce il successo solo in tempi relativamente recenti. Così, la tartaruga e la lepre sfilano tra le mani delle modelle, o appoggiate sulle spalle come stole. Gli elementi immancabili? Pellicce, fiocchi, e l’inconfondibile rosa cipria tipico del brand.

I nuovi talenti

Come ogni stagione, ciò per cui di più spicca la città è lo spazio dedicato ai nuovi talenti. Jawara Alleyne si concentra sulla decostruzione degli abiti, per lui l’unica via percorribile per arrivare alla loro realizzazione; Pauline Dujancourt trae ispirazione dal ricordo della nonna, che le insegnò a lavorare a maglia, e al suo vaso di fiori rossi che fioriva solo una volta l’anno, a febbraio: proprio come la Fashion Week. Conner Ives invece, con la sua collezione dal nome All That Jazz, richiama il massimalismo anni Ottanta, con lo scopo di offrire una via di fuga dall’ordinario.

Due sono le texture che più di tutte richiamano l’attenzione: le ormai iconiche spikes di Chet Lo, che continuano a conquistare Londra in colori e dimensioni diverse, e le plissettature di Petra Fagerstorm, che ha presentato la sua capsule durante la sfilata del Central Saint Martins, il prestigioso e famosissimo istituto di moda inglese.

Non c’è Londra senza Burberry

Un misterioso cavaliere in armatura d’acciaio, aggirandosi tra i corridoi della venue dello show, attira l’attenzione (e posa per i selfie) di tutti. Ma non per molto. Appena le luci si affievoliscono, lasciando spazio agli abiti, si assiste allo sfilare del puro spirito londinese. Facendo un salto indietro nel tempo, la collezione si concentra su ciò che in passato ha segnato il successo di Burberry: l’outerwear. Giacche di pelle, trench coats, ombrelli, velluto lavorato ed improvvisi picchi di colore sono gli elementi che Daniel Lee ha scelto per segnare la rinascita del brand, da troppo tempo messo da parte. Una conclusione in perfetto stile british per questa London Fashion Week.

Foto: Vogue

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Si è conclusa ieri pomeriggio la New York Fashion Week, la prima delle quattro settimane della moda di cui si compone il famigerato e attesissimo fashion month. Tra grandi assenti, debutti, e attesi ritorni in passerella, la componente americana del mese della moda punta tutto su linee moderate, trame grezze e una palette che sembra non conoscere tonalità al di fuori di quelle neutrali. Vediamo i punti salienti della settimana.

Il trionfo del minimalismo

Ad aprire la settimana, Brandon Maxwell, che muove i primi passi nella direzione poi seguita da moltissimi altri brand, quella verso il minimalismo. Il designer dichiara infatti di aver abbandonato le vecchie abitudini: non vuole più essere quel vestito che, immobile nell’armadio, viene scelto solo per occasioni speciali. L’obiettivo per questa stagione è diventare quel “maglione che si sceglie alla mattina”, in maniera quasi automatica, sovrappensiero. Aiutato dal designer Ryan Roche, esperto di maglieria, Maxwell propone una collezione che ne sperimenta diverse forme e combinazioni. La combo vincente? Quella con la pelle.

Ed è proprio la pelle la protagonista delle sfilate di Altuzarra e Khaite. La prima, un grido all’individualità, che si fa portavoce di un minimalismo che sa osare, con bulloni, frange e patchwork in pelliccia. Il secondo, un velato tributo a David Lynch: giacche di pelle e calzature in snakeskin sfilano come chiari riferimenti agli outfit indossati dai protagonisti del film Wild at Heart.

Il debutto-ritorno di Calvin Klein

La sfilata più attesa, nonché la più chiacchierata, è stata quella di Calvin Klein. Sotto gli occhi attenti del designer stesso, seduto in prima fila accanto ad Anna Wintour, Veronica Leone ha presentato la sua prima collezione per il brand. La sfilata si presenta come un vero e proprio tuffo negli anni ’90, con il minimalismo essenziale ma d’impatto tipico di Klein, che si accompagna però a particolari accessori come la borsetta che prende le forme dell’iconico CK One, fragranza emblematica del brand, la prima apertamente unisex. Non sono mancati i riferimenti a collezioni passate, tra layering, giacche senza colletto, e tailleur di color bianco candido. La ciliegina sulla torta? Kate Moss e Christy Turlington, volti delle più iconiche campagne del brand, sedute in prima fila, con abiti custom made per l’occasione.

Floreale? Per l’autunno?

Tremila ranuncoli rossi piantati a terra su un giardino artificiale abbelliscono la scenografia della sfilata di Carolina Herrera, già impreziosita dalla vista mozzafiato su New York. Quei fiori in realtà, oltre ad essere un marchio di fabbrica per il brand, sono anche un tributo al film dal quale Wes Gordon, direttore creativo, ha preso ispirazione: la commedia Being There, con Peter Sellers nei panni di un giardiniere. Ecco che i fiori, diventando protagonisti, si presentano in mille forme diverse. Sottoforma di spille, di stampe floreali, sontuosi drappeggi o scintillanti ricami.

La provocazione di Luar

Raul Lopez, direttore di Luar, chiama la sua collezione Pato. La parola, ha un doppio significato. Se in spagnolo si traduce con “anatra”, in alcune parti dell’America Latina, è uno slur omofobo. Lopez annuncia a gran voce: voglio riabilitare questa parola, e non nascondermi più. Come viene reso questo in passerella? Massimalismo anni ’80, colletti imponenti, e spille che catturano l’attenzione con grandi piume, richiamando appunto quelle di un’anatra.

Non ne parla nessuno, ma teniamoli d’occhio!

Tra le tante case di moda a sfilare durante la New York Fashion Week, si fanno strada sempre di più tantissimi piccoli designer. Tra questi, Jane Wade e la sua collezione in stile corporate, con un tocco femminile accentuato (un po’ office siren); Ashlyn e le sue dicotomie, con silhouette morbide spezzate da capi strutturati; e 5000 di Taylor Thompson, che sfida i limiti del termine bootsy, che in slang vuol dire strano, o senza stile, presentando una collezione che di stile, ne ha da vendere, tra lunghe gonne e tailleur oversize.

La (non) classicità libera di Thom Browne

A chiudere la settimana in grande stile, è la sfilata di Thom Browne. L’idea di partenza nasce dal birdwatching, ma poi si trasforma in una proclamazione di libertà e un grido all’importanza dell’espressione del sé. Con un’attenzione particolare alla classicità, che Browne proclama essere presente nelle idee che hanno portato alla creazione della collezione, ma non nell’esecuzione, la sfilata si presenta come un tripudio di tweed diversi, colori sgargianti accostati all’iconico grigio, e volumi che creano silhouette inverosimili. Nessun’altra conclusione sarebbe potuta essere migliore del designer che, a fine sfilata, regala un mazzo di fiori bianchi al suo compagno, seduto in prima fila.

Foto: Vogue

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