Le passerelle delle settimane della moda non fungono solo da contenitori di future tendenze di stile: dettano anche le regole del beauty. I défilé dedicati alle collezioni Autunno Inverno 2026 presentate durante il fashion month di febbraio hanno messo il trucco al primo posto, confermando il recente ritorno del make-up massimalista già preannunciato dalle maggiori piattaforme social – addio, clean girl. Il make-up torna ad essere colorato, disordinato, rumoroso. Palpebre tinte di materiche ed intense sfumature, glitter a non finire, ciglia che sfidano i principi della gravità. Ecco i sei beauty look più memorabili della Fashion Week.

Le full face di Andreas Kronthaler per Vivienne Westwood

Visi ricoperti da glitter che come brina cristallizza la pelle, affondandola in una melma di mini paillettes iridescenti: il make-up che accompagna la collezione invernale di Andreas Kronthaler per Vivienne Westwood richiama l’attenzione su di sé. A confermarlo, i visi dipinti da vivaci pennellate di colori, à la Pat McGrath per John Galliano nei primi anni duemila, e le labbra viniliche color carta da zucchero. La morte definitiva del ‘no make-up make-up’.

Lo slicked back cromato di Chanel

Dimenticate il classico slicked back: per il prossimo inverno, Chanel porta l’acconciatura più in voga del momento su tutt’altro livello. I capelli vengono tirati all’indietro da un lucidissimo gel per ottenere un effetto bagnato e super piatto. Poi, quella stessa mousse gelatinata si tinge di un glitteratissimo argento. Il risultato è un’acconciatura che sembra definita da finissimi filamenti argentati e cangianti. Capelli iper ordinati ma d’impatto.

Palpebre techno da Balenciaga

Per la sua collezione Autunno Inverno 2026 per Balenciaga, “ClairObscur”, Pierpaolo Piccioli ha collaborato con Sam Levinson, creatore della celebre serie Euphoria, in vista della sempre più vicina terza stagione. La serie è diventata negli anni un vero cult dal punto di vista beauty: ha ridefinito l’estetica del make-up contemporaneo, rendendolo nuovamente sperimentale, e affermandosi come fonte imprescindibile di ispirazione. Non sorprende quindi che il trucco della collezione segua la stessa direzione. Sfumate o geometriche, palpebre dai colori intensi si accompagnano alle tonalità altrettanto vibranti delle labbra. Blu accesi, bordeaux, prugna, acquamarina. Contrasti in technicolor che dialogano con il quasi total black della collezione.

L’alien beauty di Rick Owens

Inquietante ed ipnotico, il lavoro di Daniel Sällström per il make-up dell’ultima collezione di Rick Owens è di sicuro il più spettacolare. Lenti colorate che ricoprono l’intera cornea, ombretto distribuito geometricamente dalla palpebra fino sotto gli occhi, ciglia neon altissime e curvate al massimo. Il tutto, in netto contrasto cromatico. Alien beauty all’ennesima potenza.

Le lacrime firmate Junya Watanabe

C’è qualcosa di profondamente affascinante nel trucco nero che cola sulle guance. Qualcosa di cinematografico, di esteticamente magnetico. Sensuale in un certo senso. Per questo le lacrime nere del make-up della sfilata di Junya Watanabe si guadagnano un posto nel podio dei migliori maquillage dell’intera stagione. Piangere mentre si indossa il mascara è un canon event. Junya Watanabe rende l’apparente disastro uno statement d’alta moda. Deciso, d’impatto, e… semplicissimo da replicare.

Le labbra blu di Tom Ford

La sensualità ritrovata di Tom Ford sotto la guida di Haider Ackermann continua a raccontarsi anche attraverso il make-up. Sul viso non vi è spazio per trucchi elaborati. L’attenzione converge su un solo, unico elemento: le labbra. Le modelle sfoggiano un rossetto blu profondo e saturo. Non serve più andare alla ricerca della perfetta lip combo nude. Il nuovo must è il blu.

Foto: Vogue, WWD, Instagram

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Parigi ha ufficialmente spento i riflettori sulla settimana della moda dedicata alle collezioni Autunno Inverno 2026, chiudendo, come da tradizione, il folle calendario del fashion month. Dopo centinaia di passerelle calcate in poco più di un mese, ecco gli accessori della Fashion Week FW 2026 che non dimenticheremo facilmente.

Le scarpe-corsetto di Prada

Dopo esser tornato con furore in voga – stagioni or sono – il corsetto non ha mai davvero abbandonato le passerelle. Occhielli e lacci continuano a dominare le tendenze, estendendosi lungo tutto il corpo: prendendo le forme di stringati abiti bustier o insinuandosi sul retro di giacche e cappotti, disegnando quell’effetto vita a clessidra che tanto amiamo. Per il prossimo inverno, Prada sposta questi stessi codici un po’ più in basso, oltre il busto, trasferendoli sulle scarpe. Kitten heels con dettagli in rilievo e stivali sotto il ginocchio piumati sono accomunati da stringhe in stile corsetto, guadagnandosi così un posto sul podio delle calzature più desiderate dell’intera stagione.

Le ninfee firmate Dior

Alcuni definirono quasi ossessivo lo studio che Monet dedicò alle sue ninfee. Tuttavia, ciò che l’artista bramava era esplorare fino in fondo la possibilità di osservare i loro giochi di luce e colore. Cogliere l’attimo, fissare l’impressione. Jonathan Anderson forse non avrà un’oasi privata a Giverny in cui contemplare la natura, ma sembra avere un privilegiato – e ben meritato – posto in prima fila sul balcone d’osservazione del mercato moda e delle annesse richieste di clientela e industria.

Come le ninfee di Monet, quelle ai piedi (con tanto di tacco) firmate da Jonathan Anderson e Nina Christen per la sfilata Autunno Inverno 2026 di Dior catturano un’impressione precisa: restituiscono un’istantanea di ciò che il nostro tempo richiede. La moda vuole tornare a divertirsi, spezzare le catene del quiet luxury, tingersi di ottimismo. E poi, al di là del significato di cui si investono, facendosi testimoni di un’era che cambia direzione, c’è da dirlo: sono bellissime. La suola è sagomata ad immagine e somiglianza delle foglie di ninfea, e ne riproduce le venature. La tomaia, invece, si chiude sul piede con il fiore in rilievo. Un piccolo giardino in miniatura che preannuncia gli accessori tridimensionali come prossima amatissima tendenza.

Vitamina C(hanel)

Matthieu Blazy continua a portare avanti la sua missione: rendere la moda di nuovo euforica. I sorrisi degli ospiti in front row e l’ormai consolidato rituale di ballare sulle note della soundtrack della sfilata ne sono la prova più evidente. Ma più di tutto, sono le texture dei tessuti di stagione, i loro abbinamenti e gli accessori, a restituire l’immagine di uno Chanel finalmente liberato dal peso di una classicità polverosa imposta dalla storia. Storia che invece di esser reiterata con nostalgia austeramente doverosa, viene onorata nel modo più corretto possibile: rispettando il tempo in cui esiste. L’oggi.

Due dettagli che non dimenticheremo? La cinte a vita super bassa delle gonne e la borsetta a forma di melograno. La prima ci ricorda che non vi è limite oltre il quale la silhouette non possa estendersi; la seconda, invece, che è sempre bene fare scorta di vitamina C(hanel).

Schiaparelli e le kitten heels surrealiste

Non vi è nulla che un po’ di sano surrealismo schiaparelliano non sia in grado di portare in vita. Per l’Autunno Inverno 2026 di Schiaparelli, Daniel Roseberry decide di elevare il concetto di kitten heels (‘tacchi da gattina’). Non più soltanto un termine utilizzato per descrivere una scarpa a punta con tacco medio-basso: ora, il kitten heel diventa letterale. Prende forma, si materializza, e teste di gatto finiscono per dominare la punta delle scarpe disegnate da Roseberry. Una definizione che fugge dai vocabolari di moda per calcare le passerelle di Parigi.

Matières Fécales: denaro che acceca e guanti colpevoli

La moda è allo stesso tempo specchio e commento della società in cui vive e si manifesta. In questo, Matières Fécales è impeccabile. La collezione Autunno Inverno 2026 si presenta come una critica al capitalismo, e alla sua cecità di fronte al profitto. Gli occhi dei modelli sono coperti da mascherine che riproducono banconote da un dollaro: simbolo esplicito dell’abbaglio causato dall’avidità.

Ad accompagnarle, i “Guilt Gloves”, realizzati in collaborazione con Christian Louboutin. Lunghi guanti di pelle nera, con un dettaglio che porta avanti la stessa narrazione: i palmi sono di pelle rossa, una rifinitura che evoca l’immagine del sangue sulle mani delle classi dominanti, macchiatesi durante la loro incessante corsa al potere. Chic e provocatori, gli accessori del duo Rose-Raj vincono per eleganza e simbolismo iper attuale.

L’esuberanza cartoon delle borse Moschino

Sinonimo di esuberanza italiana, Moschino non può che essere menzionato tra i brand che portano in passerella gli accessori più memorabili. E anche questa stagione scegliere un solo pezzo degno di nota è quasi impossibile. Lo spirito cartoon della maison si rinnova proprio grazie agli accessori: cibo, piante e oggetti di casa si trasformano in borsette e piccoli compagni di viaggio per i look. Menzione speciale per la borsa di pelle che, imitando una busta di cartone, è colma di churros ricoperti di cioccolato – rigorosamente fittizi – e la pouch a forma di set di cornici.

Gli occhiali da sole tatuati e le maschere di Alexander McQueen

Ultimo, ma non di certo per ordine di rilevanza, l’Autunno Inverno 2026 firmato Sean McGirr per Alexander McQueen. Quasi tutti gli accessori della collezione (borse, specchietti portatili, portasigarette vintage) sono decorati da motivi floreali incisi al laser. Tra questi, a catturare maggiormente l’attenzione sono proprio gli occhiali da sole: le lenti semitrasparenti vengono incorniciate dallo stesso motivo floreale, che si estende come un tatuaggio proiettato sull’arcata sopraccigliare. Infine, inquietanti e magnetiche, delle maschere di plastica che riproducono visi di porcellana portate a mano come piccole borsette. Praticità? Voto zero. Iconicità? Non quantificabile.

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Moncler ci porta a 2400 metri di altitudine. Protagonista della collezione Fall/Winter 2026 è il vertiginoso incontro tra gli scenari aperti del Colorado e l’eleganza dell’America anni 50. Il risultato è un abbigliamento per la montagna, dove high performance e high style convivono, secondo quel linguaggio ibrido che da sempre appartiene a Moncler Grenoble.

Il punto di partenza è Aspen, e non solo come location per la passerella. Negli anni 50, La cittadina di montagna era molto più di una destinazione sciistica, era il punto di riferimento per gli amanti dello sport, del lifestyle e della creatività, per artisti, bohémien e icone di Hollywood.

Moncler Grenoble parte proprio da quel decennio, ma non si limita a citarlo, lo reinterpreta e riesce a renderlo attuale.

L’abbigliamento high performance da sci e snowboard, resta al centro della collezione, con capi impermeabili, antivento e traspiranti, pensati per affrontare la montagna. Ma rispetto al passato, abbandona i look monocromatici e punta sui dettagli decorativi e le microstampe floreali.

Nel womenswear, la silhouette con il punto vita segnato e i volumi morbidi dei piumini, riprendono chiaramente l’estetica anni 50. Mantelle, capelli retrò e foulard stretti al collo, danno quel tocco ricercato che va oltre la praticità.

Nel menswear, l’approccio è più pratico. I rinforzi nei punti stress e nelle zone più esposte come gomiti e ginocchia, evidenziano l’attenzione alla performance e alla durata dei capi, ma la componente tecnica non resta separata, entra a far parte dell’estetica “quiet luxury” del look. 

Dal performance denim al cotone cerato

Anche quest’anno, è evidente l’impegno del brand per la ricerca di nuovi materiali che siano performanti in montagna. Se nella stagione precedente Moncler aveva puntato sul performance denim, questa volta il focus si sposta sul cotone cerato, un materiale dal carattere idrorepellente. 

Il velluto, la maglieria accostata ai materiali tecnici, e il cotone cerato appunto, danno forma ad una collezione che esce dagli standard visivi dell’activewear contemporaneo, spesso dominato da superfici lisce e impersonali.

Con la collezione Fall/Winter 2026, Moncler rifiuta l’idea del capo tecnico come divisa neutra. I capi seppur altamente performanti, raccontano una storia, e hanno una forte identità. Il simbolo del Pioppo (emblema di Aspen), è il simbolo chiave di questa storia, che compare in rilievo, nelle trapuntature, nei tagli laser e nei jacquard. Sempre in omaggio alla cittadina del Colorado, la stampa della mappa di Aspen compare su giacche e mantelle, rendendo ancora più esplicito il legame tra la collezione e il suo paesaggio di riferimento.

I ricami floreali e gli intarsi geometrici, richiamano il lato piu classico di Moncler. Tartan, cowboy hat, frange, flanelle a quadri e riferimenti al workwear invece, portano nel racconto un immaginario western e più tipicamente americano.

A questi codici si alternano i look high-performance che definiscono l’identità contemporanea di Grenoble, quali il completo da sci rosso acceso con snowboard e maschera, il total white con piumino, e i look monocromatici nei toni del verde e del marrone.

Per finire, la collezione vira verso un registro più “cocooning”, con maglioni pesanti, accessori tricot e cappotti in tweed rifiniti in pelliccia.

Aspen è speciale, perché è sempre stato il luogo in cui la wilderness incontra il suo apparente nemico, il lusso. Moncler intercetta questa contraddizione, e costruisce l’abbigliamento adatto a sintetizzare l’aura dell’iconica cittadina di montagna nel cuore delle Rocky Mountains del Colorado.

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Sono giunte al loro termine le sei giornate di passerelle della New York Fashion Week per la stagione Autunno Inverno 2026. Un calendario più fitto che mai, nella città dove il tour de force del mese della moda inizia in maniera quasi sussurrata. Le recenti discussioni sulla sua rilevanza non trovano più voce, sopraffatte dal brusio di una metropoli che sembra aver finalmente ritrovato il modo di farsi ascoltare. Una delle chiavi del suo successo è da rintracciare nell’eccellente intreccio di grandi nomi e nuovi volti.

Ad alzare il sipario è stato Ralph Lauren, con la sua ode alla donna moderna, tra elementi di romanticismo e spolverate di estetica equestre – è l’anno del cavallo, dopotutto. Tra i nomi emergenti, spicca l’anti-imperialismo sartoriale di Diotima e la fuga dal lavoro reinterpretata da Jane Wade, mentre i cappotti dai colori vivaci di Sergio Hudson hanno illuminato un brand fino a ora rimasto nell’ombra. A chiudere, il dialogo tra moda e arte contemporanea di Carolina Herrera. È questo continuo alternarsi tra passato e futuro, tra affermati ed emergenti, a rendere unica la scena di New York: un melting pot creativo dove ogni sfilata racconta un frammento della città stessa. Ecco tutti gli highlights della settimana.

L’esercizio di memoria di Marc Jacobs

Non c’è New York Fashion Week senza Marc Jacobs. Fuori calendario, apre come sempre le danze dell’appuntamento americano con la moda, dando il via ai giochi come solo lui sa (e può) fare. Per l’Autunno-Inverno 2026, Jacobs dice addio agli esagerati volumi à la Kawakubo delle stagioni precedenti, tornando a linee indossabili, proporzioni calibrate, e un minimalismo profondamente stratificato.

La collezione, intitolata “Memory. Loss”, viene dichiarata dallo stilista come libera da ogni forma di nostalgia malinconica: eppure è proprio il passato della moda a costituirne l’ossatura. È lo stesso Jacobs, infatti, a consegnare agli ospiti un elenco di collezioni passate dalle quali l’immaginario dello show ha mosso i suoi primi passi. Il leitmotiv è la Primavera 1993 di Perry Ellis – il suo “trionfale fallimento” – , quell’estetica grunge che gli costò il licenziamento ma lo consacrò come ribelle autore. Ad essa si mescolano poi le silhouette anni ’60 della Couture di Yves Saint Laurent, e gli spiazzanti accostamenti cromatici dell’ugly chic di Prada. Tutte reference dichiarate. Rivendicate. Non è citazionismo sterile o giustificante. Non è retromania, ma un esercizio di consapevolezza. Un promemoria su “chi siamo, cosa creiamo, cosa lasciamo indietro e cosa portiamo avanti” – dalle sue note per lo show.

Il rifiuto della perfezione: Rachel Scott per Proenza Schouler e Nicola Brignano per 7 For All Mankind

Due prime volte, due tipi di femminilità, uno stesso motore: il rifiuto della perfezione. Rachel Scott ha debuttato alla direzione di Proenza Schouler, offrendo un primo significativo sguardo sulla nuova traiettoria creativa del marchio. La collezione racconta una donna che non insegue la perfezione come costrizione, ma la riscrive secondo i propri ritmi: un femminile che va di fretta, che cura ogni suo minimo dettaglio ma che non sfugge alla presa dell’imperfezione – occhio alle stoffe stropicciate – e all’estetica del vissuto. Una linea di abiti per la donna contemporanea, cosmopolita, in costante movimento.

Mosso dallo stesso spirito di disobbedienza, Nicola Brognano debutta in 7 For All Mankind. Ad incarnarne lo spirito, la morte dell’era della clean girl: “può uscire la mattina e tornare il giorno dopo indossando lo stesso outfit, con un bicchiere di Starbucks in mano e un braccialetto del club della sera prima”, racconta Brognano nel backstage. Dalle falcate delle modelle allo styling, tutto urla contraddizione, disordine, confusione – ma nella maniera più chic possibile. Un caos fatto di capelli incastrati nelle sciarpe, giacche infilate per metà in enormi borse, e bigiotteria volutamente scomposta.

Mondo-vampiro, Collina Strada

Per l’Autunno-Inverno 2026, Collina Strada presenta “The World is a Vampire”: una collezione che trasforma la metafora del vampiro in una lente critica sul nostro presente. In un mondo sempre più drenante, che succhia via il nostro senso di meraviglia lasciandoci sperare invano in un domani migliore, la risposta è il rifugio. La costruzione di uno spazio protetto dove poter immaginare altro: dopotutto, un vampiro non può varcare alcuna soglia se non viene invitato ad entrare. Trasparenze che fungono da armature, organze che si innalzano abbracciando il collo in difesa, e un impegno sostenibile più che notevole: a dar vita alla collezione, tessuti di deadstock, pellicce e pelli plant-based e costanti elementi di riutilizzo.

I 45 anni di Michael Kors: “New York Chic”

Michael Kors celebra i 45 anni della sua Michael Kors Collection con una sfilata all’insegna del “New York Chic”, andata in scena al Metropolitan Opera House. Un anniversario che è una dichiarazione d’identità, con la Grande Mela come sfondo di un eterno gioco di contrasti tra anima gritty e temperamento glamour. In passerella sfilano un’essenzialità drammatica e un guardaroba femminile al completo, reinventato, che prende vita con una palette di sfumature urbane e l’aggiunta di accessori architettonici celebrativi dell’energia in movimento della vita newyorkese. Quale modo migliore per poter dire: tanti auguri, Kors collection!

Il culto del corpo: Calvin Klein Collection

A un anno dal debutto in Calvin Klein, Veronica Leoni sceglie di concentrare la sua attenzione sull’ossessione contemporanea per il corpo, celebrandone il culto. Ispirata alla fine degli anni ’70, Leoni reinterpreta il minimalismo tipico di Klein senza rinunciare a picchi di sorpresa: alla perfezione delle linee – iper levigate – si accompagnano animati tocchi cromatici e inattesi patchwork di pelliccia arruffata. La collezione gioca costantemente con il corpo. Lo cela con un tailoring impeccabile e doppi cappotti lunghi, lo avvolge in capi attillati in lana finissima, infine, lo svela parzialmente grazie al sinuoso movimento di abiti che lo circondano come vortici, rivelando solo occasionalmente sensuali scorci di pelle scoperta.

Il Rinascimento femminile di Sergio Soldano

In una città che ritrova finalmente il suo posto nell’universo moda, si inserisce perfettamente la celebrazione di Sergio Soldano: un grido alla rinascita. La collezione ready-to-wear Autunno-Inverno 2026 segna l’ufficiale ritorno del brand al womenswear dopo decenni. Sotto la direzione creativa di Giovanni Premoli e Dario Di Bella, il brand inaugura un nuovo corso che evita la nostalgia, rileggendo l’eredità del fondatore in chiave contemporanea. I 77 look e 27 accessori si articolano in quattro temi – dall’ “Architettura del Nero” a “Il Tempo della Sinopia”- un intreccio di arte, memoria e fervida sperimentazione. La storia della maison riprende vita tra stampe (vero focus della collezione) e geometrie, traducendo il suo heritage in linguaggio attuale.

Ritorno al romanticismo: Anna Sui e Sandy Liang

Ce lo avevano già anticipato i look di Margot Robbie per il press tour di Cime Tempestose, ma il primo round del mese della moda lo conferma ufficialmente: il romanticismo è tornato prepotentemente in passerella. A New York ha trovato la sua voce in Anna Sui, ispirata ai New Romantics londinesi degli anni ’80: un mix audace di tessuti e stampe, acconciature alla Amy Winehouse e sovrapposizioni eccentriche. Più intima la visione di Sandy Liang, che trasforma il romanticismo in una favola domestica. Il suo Autunno-Inverno 2026 sembra essere un pigiama party ambientato in una casa delle bambole, dove pantofole a coniglietto, fiocchi, ruches e raso convivono con silhouette morbide, ridando al comfort un fascino sognante.

Foto: WWD, Vogue

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Nel suo libro Etica Nicomachea, Aristotele dice che “la virtù sta nel mezzo”. Per il filosofo greco, il giusto mezzo non era una precisa media aritmetica, né una tiepida posizione di non-scelta, ma un dinamico equilibrio tra due estremi viziosi, di cui uno pecca per eccesso, l’altro per difetto. Evitare l’iperbole quanto la sottrazione. In altre parole, la virtù per Aristotele nasce dalla capacità di calibrare i gesti, di saper moderare le proprie azioni senza abbandonarle frettolosamente ad opposte dismisure. Adeguandole alla nostra natura, e al contesto che le ospita. Adottare una scala di grigi che fugge sia dalla sua più luminosa chiarezza, che dal suo buio più nero.

È all’interno di questa idea di misura che sembra muoversi la collezione Fall 2026 di Balenciaga firmata Pierpaolo Piccioli, “The Body and the Human”. Un gioco di opposti che invece di urlare al contrasto, giace dolcemente nella tensione tra i due poli. Nel loro mezzo, visto non come tramite, ma come spazio a sé stante.

Priorità al corpo

Pierpaolo Piccioli continua a tenere in mano la penna che scrive il futuro di Balenciaga. La sua grafia procede con fare ottimistico, fluido, innovativo. Partendo dall’eredità di Cristóbal Balenciaga, Piccioli reinventa i codici storici della maison, guardando con umanità – e non con nostalgia – al lavoro del fondatore del brand. Lusso e comfort, da sempre in acerrima antitesi, depongono l’ascia di guerra in favore di un incontro nel quale nessuno dei due rinuncia alla sua identità, ma fonde la propria con quella dell’altro. Dove? Nel giusto mezzo. Il vero lusso oggi è il comfort: non esiste l’uno senza l’altro. Non si annullano più a vicenda. Il risultato è un dialogo tra tech-wear e couture, un insieme di tailoring sportivo, streetwear ed eleganza, dove il lusso si misura nella leggerezza dei tessuti e nella libertà dei movimenti.

L’obiettivo di Piccioli è infatti, dalle sue stesse parole, quello di tornare al concetto di couture in quanto cura, piuttosto che performance. Il vero fasto non sta nel grido all’eccesso, ma nell’avere la possibilità – il lusso – di intrattenere una conversazione con il proprio corpo. Onorare il suo movimento, e vestirlo liberamente.

Gli scatti di Robin Galiegue per la campagna esaltano perfettamente il suo messaggio, così come le collaborazioni con Manolo Blahnik e la National Basketball Association (NBA). Gli abiti della collezione fungono da intermediari tra le due contrapposte estetiche dei brand: cappotti dai tagli precisi e morbidi, giacche e guanti di pelle lucidissima, gioielli massimalisti, lunghi strascichi e accecanti paillettes. Ancora, occhiali da sole a visiera, jersey t-shirts, sinuosi drappeggi, e la giusta dose di city bags.

Nulla di peggio del rinunciare ad essere sé stessi

Ogni silhouette, ogni abbinamento, è frutto di una visione che sa rimanere sospesa. Sospesa fra due aspetti visivi che non devono più, per definizione, rimanere separati. Le felpe con cappuccio e le tute trainano il corpo verso la sua accezione più casual, i grandi orecchini tempestati di pietre controbilanciano tenendolo a metà strada. È questa la libertà a cui sembra far riferimento il designer: quella di non dover per forza scegliere tra l’essere l’uno, o l’altro. Restare fedeli al proprio sé, accogliendo tutte le contraddizioni che lo abitano. “Non c’è nulla di peggio del provare ad essere cool, rinunciando all’essere sé stessi”, dice Piccioli.

L’Autunno 2026 di Balenciaga è un’intenzionale eliminazione di gerarchie. Un consapevole depennamento di definizioni ed etichette. Un’ode alla cultura del presente: abiti che vivono, sentono, agiscono. Con elegante – ed aristotelica – moderazione.

Foto: Balenciaga

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