Una delle tendenze che oggi sta acquistando sempre più forza nel panorama della moda è l’atmosfera dark, proposta da numerosi brand durante le Fashion Week, sia a Milano che a Parigi. Le sfilate, infatti, rappresentano i grandi show del sistema moda, palcoscenici privilegiati in cui vengono presentate e anticipate tutte le tendenze di ogni stagione.

Per questo Autunno/Inverno 2026, brand come Matières Fécales, Rick Owens, Dolce e Gabbana, Gucci, Saint Laurent e la iconica casa di moda Alexander McQueen, oggi guidata da Seán McGirr, ci hanno catapultati in un’atmosfera di nero teatrale ed elegante, trasformando questo colore in un elemento di forza, identità e tendenza sulle passerelle.

Questa estetica dark diventa il mezzo per costruire una narrativa cupa, notturna e intima, ma allo stesso tempo profondamente femminile, sensuale e provocatoria. Il make-up si afferma come strumento di narrazione, capace di aggiungere aggressività e performatività. Accessori come maschere amplificano il senso di mistero, rafforzando un immaginario radicale.

Ne emerge così un’estetica di lusso decadente, attraversata da uno spirito artistico e da una mistica ribellione.

I brand di oggi costruiscono sempre più le loro tendenze guidate da aspetti emotivi e teatrali. I capi non sono semplici oggetti, ma mezzi espressivi capaci di raccontare storie e, insieme a chi li indossa, di generare un immaginario coerente, guidato dalla visione dei direttori creativi. Non si tratta più soltanto di offrire una semplice dinamica d’acquisto, ma di offrire un’esperienza. Un coinvolgimento emotivo profondo, capace di catturare il nostro interesse e avvicinare il pubblico all’universo proposto dalla collezione.

Già dalla prima fila, osservando gli ospiti in attesa della sfilata, si percepisce questo legame tra la maison, i look presentati e le persone invitate a viverli e interpretarli. Si rafforza così un immaginario identitario condiviso. Questo fenomeno, noto come “cultura della prima fila”, contribuisce in modo significativo alla costruzione della narrativa della collezione e dell’atmosfera dello show, raccontando e consolidando il mondo estetico del brand. Che oggi, è più dark che mai.

Articolo a cura di Wale Albornoz

Foto: Instagram

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Le passerelle delle settimane della moda non fungono solo da contenitori di future tendenze di stile: dettano anche le regole del beauty. I défilé dedicati alle collezioni Autunno Inverno 2026 presentate durante il fashion month di febbraio hanno messo il trucco al primo posto, confermando il recente ritorno del make-up massimalista già preannunciato dalle maggiori piattaforme social – addio, clean girl. Il make-up torna ad essere colorato, disordinato, rumoroso. Palpebre tinte di materiche ed intense sfumature, glitter a non finire, ciglia che sfidano i principi della gravità. Ecco i sei beauty look più memorabili della Fashion Week.

Le full face di Andreas Kronthaler per Vivienne Westwood

Visi ricoperti da glitter che come brina cristallizza la pelle, affondandola in una melma di mini paillettes iridescenti: il make-up che accompagna la collezione invernale di Andreas Kronthaler per Vivienne Westwood richiama l’attenzione su di sé. A confermarlo, i visi dipinti da vivaci pennellate di colori, à la Pat McGrath per John Galliano nei primi anni duemila, e le labbra viniliche color carta da zucchero. La morte definitiva del ‘no make-up make-up’.

Lo slicked back cromato di Chanel

Dimenticate il classico slicked back: per il prossimo inverno, Chanel porta l’acconciatura più in voga del momento su tutt’altro livello. I capelli vengono tirati all’indietro da un lucidissimo gel per ottenere un effetto bagnato e super piatto. Poi, quella stessa mousse gelatinata si tinge di un glitteratissimo argento. Il risultato è un’acconciatura che sembra definita da finissimi filamenti argentati e cangianti. Capelli iper ordinati ma d’impatto.

Palpebre techno da Balenciaga

Per la sua collezione Autunno Inverno 2026 per Balenciaga, “ClairObscur”, Pierpaolo Piccioli ha collaborato con Sam Levinson, creatore della celebre serie Euphoria, in vista della sempre più vicina terza stagione. La serie è diventata negli anni un vero cult dal punto di vista beauty: ha ridefinito l’estetica del make-up contemporaneo, rendendolo nuovamente sperimentale, e affermandosi come fonte imprescindibile di ispirazione. Non sorprende quindi che il trucco della collezione segua la stessa direzione. Sfumate o geometriche, palpebre dai colori intensi si accompagnano alle tonalità altrettanto vibranti delle labbra. Blu accesi, bordeaux, prugna, acquamarina. Contrasti in technicolor che dialogano con il quasi total black della collezione.

L’alien beauty di Rick Owens

Inquietante ed ipnotico, il lavoro di Daniel Sällström per il make-up dell’ultima collezione di Rick Owens è di sicuro il più spettacolare. Lenti colorate che ricoprono l’intera cornea, ombretto distribuito geometricamente dalla palpebra fino sotto gli occhi, ciglia neon altissime e curvate al massimo. Il tutto, in netto contrasto cromatico. Alien beauty all’ennesima potenza.

Le lacrime firmate Junya Watanabe

C’è qualcosa di profondamente affascinante nel trucco nero che cola sulle guance. Qualcosa di cinematografico, di esteticamente magnetico. Sensuale in un certo senso. Per questo le lacrime nere del make-up della sfilata di Junya Watanabe si guadagnano un posto nel podio dei migliori maquillage dell’intera stagione. Piangere mentre si indossa il mascara è un canon event. Junya Watanabe rende l’apparente disastro uno statement d’alta moda. Deciso, d’impatto, e… semplicissimo da replicare.

Le labbra blu di Tom Ford

La sensualità ritrovata di Tom Ford sotto la guida di Haider Ackermann continua a raccontarsi anche attraverso il make-up. Sul viso non vi è spazio per trucchi elaborati. L’attenzione converge su un solo, unico elemento: le labbra. Le modelle sfoggiano un rossetto blu profondo e saturo. Non serve più andare alla ricerca della perfetta lip combo nude. Il nuovo must è il blu.

Foto: Vogue, WWD, Instagram

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La Copenhagen Fashion Week Autunno/Inverno 2026 si è appena conclusa lasciando dietro di sé un’ondata di energia, innovazione e nuove prospettive sul panorama internazionale della moda. Ormai ampiamente riconosciuta come “la quinta settimana della moda”, accanto a Parigi, Milano, Londra e New York, CPHFW ha rafforzato il suo ruolo di protagonista globale, attirando editor, influencer e creativi da tutto il mondo, pronti a immergersi in un calendario di eventi e sfilate dal carattere unico.

In programma dal 27 al 30 gennaio, questa edizione ha celebrato il ventesimo anniversario dell’evento, riaffermando Copenhagen come un hub creativo imprescindibile, capace di fondere sostenibilità, artigianalità e l’inconfondibile flair scandinavo. Nonostante le temperature rigide e la neve che hanno fatto da cornice all’intera settimana, passerelle e street style hanno raccontato una moda vibrante e sfaccettata, dove funzionalità, estetica e audacia dialogano in perfetto equilibrio.

Sciarpe e drappeggi

Tra le tendenze più incisive emerse in passerella spicca la rilettura della sciarpa. Il suo ruolo tradizionale di accessorio viene abbandonato per diventare parte integrante della silhouette. Designer come OpéraSPORT, Herskind, The Garment e Aiayu hanno proposto sciarpe e tessuti drappeggiati capaci di trasformarsi in gonne, abiti e sovrapposizioni dalla forte valenza scultorea. Indossate basse sui fianchi, stratificate sopra i pantaloni o elevate a elemento centrale del look, queste interpretazioni aggiungono un tocco sensuale e giocoso agli outfit. Nel caso di Anne Sofie Madsen, le sciarpe si arricchiscono di dettagli ironici e inattesi (artigli di mostri, nastri, fiocchi e fibbie da cintura) che accentuano il lato sperimentale della collezione.

Gonne rivisitate

La gonna torna protagonista con un’energia rinnovata, grazie a silhouette contemporanee che reinterpretano la sartoria classica attraverso tagli asimmetrici, stratificazioni dinamiche e materiali dalla finitura lucida. Le versioni in pelle sontuosa firmate Gestuz, così come le proposte di Anne Sofie Madsen, abbinate a cappucci o sovrapposizioni di tessuti fluidi, mettono in scena un raffinato gioco di contrasti tra struttura e movimento, rigidità e leggerezza.

Pelle e morbidezza

Un’altra tendenza trasversale è l’uso della pelle declinata in giacche, gonne, pantaloni e accessori. Il più delle volte, accostata a tessuti morbidi e fluttuanti. Questo equilibrio tra superfici robuste e materiali delicati dà vita a look che uniscono forza e sensualità, definendo un’estetica urbana ma al tempo stesso raffinata, capace di esprimere una nuova idea di femminilità contemporanea.

Faux fur accents

La pelliccia ecologica emerge come uno degli elementi chiave della stagione. Protagonista non solo nei cappotti ma anche in colletti, sciarpe e inserti strategici capaci di aggiungere texture e profondità senza appesantire l’insieme. Questo “pop di pelliccia”, che si discosta dalla più familiare logica del pop of color, introduce un accento giocoso e fortemente in sintonia con l’estetica invernale. La tendenza si riflette anche nello street style, dove teddy e shearling dominano l’outerwear, confermando la faux fur come una scelta imprescindibile per la stagione.

Practical layering

La stratificazione si afferma come uno dei leitmotiv più forti della settimana. Un layering pratico ma femminile, che gioca con trasparenze, volumi e texture diverse dando vita a outfit complessi ma armoniosi. Questa attitudine, al tempo stesso funzionale e giocosa, ha portato in passerella look pensati per essere vissuti, capaci di unire protezione dal freddo ed espressione stilistica, senza compromessi.

Power dressing e silhouette forti

Tra le influenze più marcate spicca il ritorno deciso agli anni ’80, espresso attraverso spalle ampie e strutturate, leggings con dettagli tecnici da Gestuz, giacche di pelle cropped con volumi pronunciati, fiocchi oversize firmati Caro Editions e spalle affilate persino su salopette da Herskind. Questo rinnovato power dressing trasmette un senso di autorità e teatralità consapevole: un omaggio al glamour del passato reinterpretato in chiave contemporanea e sofisticata. Ne emerge una “dualità intenzionale”, in cui una mascolinità netta si intreccia con elementi morbidi e femminili, dando forma a un’estetica forte ma equilibrata. 

Street style e sostenibilità

Fuori dalle passerelle, lo street style ha rispecchiato con naturalezza l’energia delle collezioni, imponendo il concetto di statement coat. Capispalla iconici, capaci di definire l’intero look da soli. Combinazioni coordinate e audaci, come mini gonne in lana abbinate a trousers strutturati, raccontano una moda che bilancia praticità e forte espressione personale.

L’Autunno/Inverno 2026 di Copenhagen, però, non si è limitato a una ricerca puramente estetica. La CPHFW ha riaffermato con decisione il proprio impegno verso pratiche sostenibili e artigianali, ponendo al centro la comunità e la valorizzazione dei brand emergenti. Sei designer nordici sono stati messi in luce durante la settimana, incarnando una visione di moda consapevole e profondamente radicata nel territorio. L’upcycling è emerso come linguaggio progettuale chiave: i tessuti riutilizzati non sono più un dettaglio nascosto, ma diventano protagonisti visibili. Materiali innovativi, collezioni orientate alla performance e collaborazioni attente all’impatto sociale e ambientale delineano così un approccio responsabile. 

Una visione che guarda oltre la passerella

La CPHFW AW 2026 si conferma come molto più di un semplice osservatorio sulle tendenze. È uno spazio di sperimentazione continua, in cui estetica e funzione convivono con una visione etica chiara e condivisa. Tra sciarpe drappeggiate, pellicce sintetiche, layering intelligente questa edizione lascia intravedere una direzione precisa per il futuro. Una moda che nasce dal dialogo tra creatività e comunità, capace di rispondere alle esigenze del presente senza perdere il desiderio di innovare. Copenhagen consolida così il suo ruolo di capitale creativa, non per imitazione, ma per visione.

Foto: James Cochrane – Cphfw website

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È giunta al suo termine poche ore fa – stando all’orologio della Grande Mela – la New York Fashion Week per la stagione Spring Summer 2026, la prima delle quattro settimane della moda che costituiscono il fashion month indiscutibilmente più atteso. Si sa, settembre è il gennaio del calendario della moda, e in quanto tale, non manca di sorprendere. E talvolta, di annoiare.

Spesso sottovalutata, la New York Fashion Week viene considerata da molti come un mero preludio agli appuntamenti di Milano e Parigi, quasi un vuoto passatempo per i fashion lovers in attesa delle passerelle europee. Eppure, anche essa ha imparato a tenere incollati su di sé occhi e riflettori. Quando debutti clamorosi e cambi di poltrone tra direttori creativi scarseggiano, diventa necessario trovare qualcos’altro per mantenere attiva l’attenzione. Per la prossima Primavera, a tenere alto il nome della NYFW vi è l’eleganza senza tempo del sogno americano di Ralph Lauren, il rinnovato minimalismo controllato – ma iper-chic – del Calvin Klein di Veronica Leoni, e, per contro, lo streetwear in technicolor di Off-White.

Ancora, il debutto di Nicholas Aburn alla guida di Area, con un nuovo spirito che celebra le infinite possibilità degli abiti da nightclub, tra lo stile casual di chi indossa un semplice paio di jeans, e l’eccesso sfrenato di frange e lustrini. Degna di nota anche la lettera d’amore di Prabal Gurung alla bellezza. È proprio la bellezza, per lo stilista, l’unica vera forma di resistenza che possediamo in tempi così bui come quelli di cui il mondo contemporaneo è costretto a farsi testimone.

Il soffio vitale degli emergenti

Il vero motore della fashion week di New York, tuttavia, risiede altrove. Ciò che i grandi nomi non riescono a dare, spesso intrappolati in una danza di colori e forme alquanto prevedibile, viene colmato dall’energia di tutti quei marchi solitamente poco considerati, o del tutto emergenti.

 Kim Shui provoca con il layering, associando i suoi capi ai dipinti realizzati con tecnica a strappo, in cui ogni strato rivela quello sottostante: un gioco alla ricerca del corpo al di sotto degli abiti. La stessa attenzione ai tessuti la ritroviamo in Who Decides War, che per questa stagione ha provato ad immaginare un guardaroba d’alta moda ricavato dai materiali di una vecchia casa caduta in degrado. Il risultato è un tripudio di stoffe damascate, strappate, pelle opaca e volumi da far invidia al più sontuoso dei candelabri. Che tra l’altro ritroviamo in passerella, impolverato, sottoforma di abito.

E poi: Wiederhoeft stupisce con corsetti e brillanti che sembrano aver sbagliato stagione (potrebbero sostituire senza sforzo alcuni dei nomi della settimana della Haute Couture), Sandy Liang porta lo spettatore all’interno di una casa delle bambole, con mini abiti dall’aspetto sognante e colori pastello, mentre Luar diverte con il suo massimalismo che sfiora il nonsense e l’illusionismo ottico.

Chiudono la rassegna Diotima e Campillo: il primo conquista con accostamenti di texture ingegnosi, il secondo, invece, viene promosso a pieni voti per un menswear di un’originalità sorprendente, ancora troppo raro sulle passerelle.

Insomma, il sogno americano della moda, per come lo conosciamo, sembra oggi piuttosto intorpidito. A ridestarlo possono essere soltanto i nuovi talenti.

Foto: Vogue

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Una sfilata non è mai solo una sfilata: è attesa, esclusività, tendenza, riflettori, creatività. Ma soprattutto, è l’espressione ultima della visione del designer che porta finalmente in passerella, e quindi rivela al pubblico, il risultato di duri mesi di lavoro. In virtù di ciò, una semplice lettera d’invito non basta più. Nel mondo della moda infatti, gli inviti a tema sono diventati una consolidata tradizione. Biglietti ed email risultano ormai obsoleti di fronte all’invio di veri e propri oggetti – o souvenir pre-evento – che raccontano qualcosa della sfilata senza svelare troppo, amplificandone l’attesa e alimentandone desiderio e viralità.

L’appetito vien sfilando: Fendi e Jacquemus

Se molti optano per l’invio di oggetti da collezione, altri, preferiscono percorrere la strada opposta: quella del binomio moda-cibo. Uno degli esempi è Fendi, che per la sua sfilata Primavera Estate 2021 ha inviato ai suoi ospiti un pacco di pasta Rummo. Rigorosamente a forma di doppia F, chiaramente.

L’approccio che unisce tradizione ed innovazione tipico del DNA di Jacquemus influenza anche i suoi inviti: l’invito alla sfilata Autunno Inverno 2019 ad esempio, conteneva una pagnotta avvolta in un canovaccio, accompagnata da una lettera che invitava l’ospite ad un “pranzo”. Similarmente, nel 2023, ai futuri ospiti arrivò una confezione contenente una fetta di toast brandizzata, assieme ad un coltello e del burro. Indimenticabile anche l’invito all’inaugurazione del temporary store di Portofino: un pacco di pasta con le iniziali del brand, insieme ad un sugo di pomodori.

L’oggettistica firmata Balenciaga

Sotto la guida di Demna Gvasalia, Balenciaga ha saputo attirare l’attenzione su di sé costantemente, a volte, anche più del dovuto. E non sono per le sue sfilate, ma anche per i suoi inviti. Alcuni degli esempi comprendono: un iPhone rotto, un portafoglio “smarrito” in pelle nera pieno di effetti personali e banconote, un blocco di banconote finte, il cartamodello di una giacca, uno scontrino lunghissimo e una chiave d’hotel in stile retrò.

La protezione prima di tutto

Gli inviti di Diesel e Vetements, più che alla visione della nuova collezione, sono stati un invito al divertimento. Protetto. Il primo, grazie ad una collaborazione con Durex, il secondo, tramite l’invio di preservativi rigorosamente brandizzati.

Gli enigmi degli inviti del Gucci di Alessandro Michele

L’era di Alessandro Michele al timone di Gucci ha visto susseguirsi alcuni degli inviti più intriganti della moda. Per la sfilata Autunno Inverno 2020, Michele invitò i suoi ospiti nel modo più semplice, e comune, possibile: con un audio. Lasciando un messaggio familiare ma diretto, quello che potremmo ricevere da un qualsiasi amico, ovviando così ai soliti, noiosi biglietti. Altri esempi sono il Gucci Quiz per la collezione Aria dell’Aprile 2021, e l’invio di un timer impostato alla scadenza del tempo mancante per la presentazione.

I giochi da tavolo firmati Louis Vuitton

Per la Primavera Estate 2022 di Louis Vuitton, Virgil Abloh fece un tuffo nella sua adolescenza, offrendo ai suoi ospiti qualche gioco da tavola per ingannare il tempo in attesa dell’evento: set da beer pong, dadi, mazzi di carte e puzzle firmati Louis Vuitton.

Nota di merito, poi, per un oggetto che pur non avendo nulla a che fare con l’intrattenimento, deve necessariamente esser menzionato. In occasione dello show Autunno Inverno 2020 del brand, Abloh inviò ai suoi ospiti un particolare orologio: le lancette scorrevano al contrario, e al posto dei numeri vi erano mini loghi Louis Vuitton. Al tempo non si poteva – forse – prevedere, ma, prodotto solo in 1200 pezzi, l’orologio è ad oggi uno degli oggetti da collezione brandizzati più richiesti di sempre.

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In occasione della sfilata debutto di Jonathan Anderson alla guida di Dior, durante la recente settimana della moda dedicata al menswear, l’influencer e critico Elias Medini (@ly.as), trovandosi a corto d’invito, ha deciso di procurarselo – e procuralo – in una maniera a dir poco anticonvenzionale. Munitosi della sua stessa TV, portata da casa insieme a qualche seduta, ha dato appuntamento al suo vasto pubblico di follower in un bar di Parigi, Le Saint Denis, al fine di guardare insieme a loro il défilé. Centinaia di fashion addicts si sono presentati all’incontro, dando vita ad un vero e proprio watch party dell’evento.

Nessuna lista d’invitati, nessun posto assegnato: solo un gruppo di persone unite per amore, curiosità, e fame di moda. Un po’ come i tifosi quando è tempo di derby. Solo che al posto di maglie da calcio e birre in un pub, vi erano borsette vintage di seconda mano e caffè in un bar francese. Più moda di così non si può. Che sia questo un punto d’inizio per una futura tradizione? O meglio, un nuovo luogo d’incontro per l’inarrivabile mondo della moda?

Aperitivo e sfilata?

Un’idea semplice, dell’ultimo minuto, ma sorprendentemente efficace: quasi viene da chiedersi come mai nessuno ci avesse pensato prima. Dopotutto, i watch party non sono nulla di nuovo. Le esperienze di visione condivisa esistono da sempre, si pensi a chi si riunisce per guardare una partita di calcio, o a quei gruppi di amici che, condividendo la passione per una stessa serie TV, si radunano per godersi insieme il tanto atteso finale. Ogni evento di sport che abbia una qualche rilevanza vede dall’altra parte dello schermo comitive unite sul divano. Lo stesso vale per eventi musicali come Sanremo, o premiazioni importanti come gli Oscar. La moda, no. È da sempre rinchiusa nelle sue stesse stanze, sulle cui porte nessuno osa bussare.

Il Met Gala ha un certo rilievo, è innegabile, ma chi si riunisce per assistere allo sfilare dei look? Il giorno dopo i social ne saranno invasi, non ce n’è bisogno. Di nuovo, porte chiuse e sguardo dall’alto al basso. Nessuno bussa, e lei non apre. Ma lei non apre, in realtà, proprio in virtù del fatto che nessuno bussa. Più che una causa, la chiusura della moda nei confronti della sua audience, è un effetto. È effetto della condivisa convinzione secondo cui la moda è per pochi. Per pochi selezionati, per una fetta d’élite, per chi può permettersela, per chi ama sfavillii e apparenze. Uno snobismo di sottofondo la perimetra, includendo entro i suoi limiti, ed escludendo al di fuori di essi.

Ma la moda è di tutti, arriva a tutti, è un linguaggio universale. Anche quando non viene veicolato attivamente. È popolare, è di strada, è di chi la vuole e di chi la ripudia. Portarla in un café qualunque, a fruizione di tutti, e soprattutto condividerla apertamente piuttosto che tenersela ognuno per sé, rilegata ai pochi pollici del proprio smartphone, è un modo per contribuire alla sua liberazione, per farla gocciolare giù dove di solito non arriva, e per gettarvi su una luce nuova. Non è un hobby di serie B, né elitario. È quello in cui ti puoi imbattere camminando per strada, gettando lo sguardo in un bar e rimanendo per un minuto o due a fissare lo schermo, non sapendo che quello che stai guardando è ciò che decide quello che sceglierai, oppure no, di indossare fra qualche mese.

Allora, che dite: aperitivo e sfilata?

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Giungono oggi al termine le due settimane – una milanese, l’altra parigina – dedicate alla moda uomo per la stagione Primavera/Estate 2026. Se la notizia vi sorprende, tranquilli, non siete di certo i soli. Della moda uomo, a parte i fashion addict, di solito non se ne accorge nessuno. Silenziosa, a volte piatta: è la sorella introversa della settimana della moda femminile. Passa di soppiatto tra i feed di Instagram, con qualche momento di spicco che se riesce ad andar virale, non calca l’onda della visibilità per molto. Insomma, il menswear non gode della stessa copertura della tradizionale fashion week, ma ne ha pari diritti ed egual doveri. Come il diritto all’elogio in caso di meritato successo. O il dovere di sottoporsi ad un’apparentemente indolore ghigliottina mediatica in caso di flop.

Ad ogni modo, un ripasso è doveroso. Voilà tutto ciò che vale la pena vedere della moda uomo P/E 2026. Nel bene, o nel male.

Combo vincente: tonalità neutre, linee morbide, strati su strati

I colori terrosi dominano la stagione: caldi, ma neutrali, si accompagnano ad un’andatura complessivamente rilassata. Lo dimostrano le linee morbide di Mordecai, in particolar modo i piumini imbottiti quasi anatomicamente ad imitazione di un dorso di addominali scolpiti (senza alcuno sforzo). La combinazione colori caldi – linee morbide continua a tenersi per mano anche sulla passerella di Pronounce, con un twist in più: un saggio gioco di layering, anch’esso grande protagonista. Lo ritroviamo infatti da 3. Paradis, con cinture poste l’una sopra l’altra in una stilosa illusione ottica, o con cappotti e borse ricoperti di orologi; e poi da Prada, dove la sovrapposizione di più strati, secondo Tagwalk, costituisce il 38% dell’intera collezione.

A proposito di Prada, Raf Simons ha dichiarato che questa è stata la collezione “più facile che abbia mai fatto”. Lo spirito nonchalant, quasi disteso, della stagione, sembra proprio aver contagiato tutti. Viene infatti confermato anche da Dolce e Gabbana, con una linea… notte? A sfilare in passerella, un’infinità di pigiami. Accessoriati, tempestati di pietre, e sicuramente costosi. Abbinati con ciabatte a fascia e cappotti, sono il giusto mezzo tra l’essersi appena alzati dal letto, e il mettere la prima cosa utile per coprirsi quando la cena in consegna suona al campanello.

Moda uomo tra debutti e teatralità

Se la moda uomo quest’anno ha avuto i riflettori puntati su di sé più del solito, è merito del debutto di Jonathan Anderson da Dior. Con gentile dirompenza, Anderson, per la sua prima collezione al timone del brand, mette da subito in dialogo la sua irriverente giocosità con i codici formali della Maison, in una collezione che risulta essere contemporanea e atemporale allo stesso tempo.

Il look d’apertura dice già tutto: una moderna reinterpretazione dell’iconico bar jacket viene abbinata ad un paio di cargo shorts, i cui drappeggi laterali sono un chiaro riferimento alla Couture anni ’50 di Monsieur Dior. A completare il tutto, calzini, sandali da scolaretto, e un voluminoso (ma rigido) colletto bianco. I diversi riferimenti al passato legittimano le provocazioni stilistiche che collocano Dior in una modernità fluida, attuale, e finalmente giovane.

Mentre inaugura la sua mostra retrospettiva al Palais Galliera di Parigi, Rick Owens presenta la sua collezione uomo per la prossima Primavera. I modelli camminano attraverso la fontana del cortile del Palais de Tokyo, con pantaloni di pelle, frange e cinghie nere. Prima passando per l’impalcatura, poi calandosi giù, cadendo in avanti e immergendosi nell’acqua, solo per continuare indisturbati, e decisamente inzuppati.

Alla teatralità di Owens si affianca Willy Chavarria, anche se in modo completamente diverso. Sebbene la collezione si propone di essere un grido di speranza, si apre con un grido disperato. Trentacinque uomini vestiti di bianco inaugurano il défilé, inginocchiandosi uno ad uno con le mani dietro la schiena: una manifestazione simbolo di denuncia verso le persecuzioni di El Salvador, e gli orrori compiuti dall’ICE in California. A seguire, colori accesissimi, simbolo di ribellione secondo Chavarria.

Se non puoi convincerli, confondili

A volte, per catturare lo sguardo altrui, non si può far altro che destare confusione. Tecnica azzardata, ma sicuramente collaudata da Andreas Kronthaler per Vivienne Westwood. In passerella a Milano, sfila un po’ di tutto: eccentrici dandy, asciugamani da spiaggia, abiti “da nonna”. Se la rottura di ogni barriera di genere è certamente apprezzata, con i vertiginosi tacchi che richiamano gli anni ’90 del brand, indumenti come le tutine iper-attillate, catalizzano l’attenzione verso un cattivo gusto che pur dominando minima parte della collezione, lascia perplessi. Ma in fondo, purché se ne parli.

Note di merito

Il futuro della moda si cela tra gli emergenti: da tenere sott’occhio Egonlab e Masu. Il primo, con i suoi merletti, cappucci e colletti che sfidano ogni forza di gravità omaggia la cultura bretone. Il secondo, che fatto sfilare i suoi modelli su un tronco adibito a passerella tra una folla di fan del brand, sta riscrivendo pian piano le regole del fai-da-te nella moda. Alcuni dei suoi capi (tra cui jeans, giacche e felpe), le cui parti sono tenute insieme da fascette per cavi, verranno venduti decostruiti e affiancati da un manuale d’istruzioni, così da poter essere assemblati dal compratore stesso. Insomma, Ikea but make it fashion.

Foto: Vogue

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Si sa, non c’è fashion week senza un po’ di sana teatralità. Se è vero che sono sempre di più i brand che sulle passerelle ricorrono ad astute trovate per creare momenti virali da ricondividere a più non posso, è anche vero che nel corso degli anni c’è chi se ne è occupato per loro. Ad accendere le passerelle con invasioni di campo improvvise, ci pensano i runway crashers.

L’invasione Lùnapop da Iceberg

Durante la sfilata Primavera/Estate 2001 di Iceberg, due ragazzi si alzano dal pubblico e invadono la passerella con una camminata spavalda, una posa coordinata a fine défilé, e due visi che a vederli bene sembrano non essere del tutto sconosciuti: sono Cesare Cremonini e Ballo – allora membri dei Lùnapop – a lanciarsi sotto i riflettori, facendo irruzione e imitando goffamente le modelle in scena.

Gisele, Fur Scum!

Chi non ha visto quel video almeno una volta? Corre l’anno 2002, la supermodella Gisele Bündchen sfila per Victoria’s Secret ed è all’apice della sua carriera quando diventa oggetto di contestazione. La passerella viene invasa dai manifestanti della PETA che tengono in mano cartelli con la scritta “Gisele: Fur Scum” protestando la sua precedente collaborazione con un produttore di pellicce. Lo show viene invaso, ma non interrotto. Tra i manifestanti che vengono portati via in un batter d’occhio, e la modella che imperterrita continua la sua falcata verso il pubblico, l’invasione produce l’effetto contrario a quello sperato: tutto ciò che ricordiamo, è l’immagine di Gisele che sovrasta la moltitudine di cartelloni. Ciò che sarebbe bello invece ricordare, è che dopo quell’episodio, fu lei stessa a contattare la PETA per essere coinvolta in cause umanitarie per la salvaguardia degli animali.

PETA in passerella

L’episodio avvenuto durante la sfilata di Victoria’s Secret del 2002 spiana la strada ad una lunga serie di incursioni da parte della PETA durante gli show più importanti delle settimane della moda. L’attivista Natasha Garnier viene spinta giù dalla passerella dalla modella Nadine Strittmatter, per aver tentato di oscurarla durante la sfilata Autunno/Inverno 2003 di Dior. Nella stessa stagione, la PETA ci riprova alla sfilata di Celine, e dopo qualche anno di pausa, torna all’attacco. Prima durante la Primavera/Estate 2007 di Just Cavalli, e poi nell’Autunno dello stesso anno di Prada. Gli episodi più recenti risalgono al 2023, durante la presentazione delle collezioni di Coach e Gucci, entrambi accusati dell’utilizzo di pelle vera. Mentre il pubblico si divide tra chi ritiene le invasioni giuste, e chi le considera controproducenti, tutti continuano a chiedersi: ma come fanno a riuscire ad entrare?

Quando Gigi Hadid salvò Chanel

Nel 2019, durante la sfilata Primavera/Estate 2020 di Chanel, una donna si inserisce tra le modelle che sfilano sui tetti di Parigi, al Grand Palais. Vestita in pied de poule dalla testa ai piedi, cerca di confondersi tra il cast, e senza alcuna guardia del corpo in vista, sembra riuscirci. Ma per poco: la modella Gigi Hadid prende prontamente in mano la situazione. Raggiunge la donna, meglio nota come la comica Marie S’Infiltre, e mettendole una mano sulla spalla la indirizza (più di una volta) verso il backstage. Eroina in tweed? Più che altro, lavoratrice comprensibilmente infastidita.

Liam Gallagher interrompe Versace

Facendo un tuffo indietro nel tempo, torniamo nel 1996, per una delle invasioni di passerella più famose, quella di Liam Gallagher alla sfilata di Versace. Seduto in prima fila, salta all’improvviso sulla piattaforma improvvisando una camminata che somiglia ad un ballo. Non si confonde tra i modelli che chiudono la sfilata, ma anzi, uno di loro lo abbraccia e cammina con lui. D’altra parte, quando sarebbe mai ricapitato di sfilare per Versace portando sottobraccio il frontman degli Oasis?

Sacha Baron Cohen e l’invasione di “Bruno”

L’attore Sacha Baron Cohen si è fatto notare in due sfilate nel lontano 2008, nei panni del personaggio del suo film “Bruno”, che stava girando in quel periodo. Si intrufola prima da Ágatha Ruiz de la Prada, poi da Stella McCartney: nella prima sfilando con diversi indumenti incollati addosso, nella seconda confondendosi tra il pubblico. Più che un’invasione, un’ottima trovata pubblicitaria.

E voi, a quale sfilata vi intrufolereste?

Foto: Getty Images, Pinterest.

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Il caschetto biondo, gli occhiali da sole, le stampe floreali: tutto ciò che descrive Anna Wintour rientra nella sfera del mito. Giornalista, redattrice capo di Vogue, direttrice artistica di Condé Nast e presidente dell’annuale Met Gala. Il termine iconica sembra essere nato con e per lei, che ormai già da un po’ è anche diventata una delle personalità più di spicco della pop culture. E si, anche un meme.

Gli occhi attenti della fashion community sono puntati su di lei ad ogni sfilata, lei che siede rigorosamente in prima fila, accanto agli ospiti più importanti per ogni evento. Ovviamente, sono loro ad avere l’onore di poter sedere accanto a lei, non viceversa. Alla fine del défilé, arriva però il momento più atteso: ai tanti ospiti in piedi che riempiono la sala di applausi, si unirà anche lei? Le standing ovation da parte di Anna Wintour sono un evento raro, dall’inizio della sua carriera se ne contano solamente otto. Due di esse, hanno avuto luogo durante la recentissima Parigi Fashion Week: un vero record. Ma qual è la formula per un’ovazione assicurata?

Gli addii

Ciò che più di ogni altra cosa sembra essere l’elemento chiave per ottenere il plateale applauso di Anna Wintour, è un buon vecchio addio. È stato proprio un addio il motivo della prima ovazione da parte della direttrice di Vogue America. Dopo otto anni alla guida della maison francese, Stefano Pilati lascia Yves Saint Laurent, salutando il pubblico con la sua collezione Autunno/Inverno 2012. La collezione è il disegno di una donna decisa, erotica, di potere, ma sofisticata. Il fascino notturno dello show, accompagnato dalla perfezione delle linee e da un feeling anni ’80, fa centro: per la primissima volta, si vede la Wintour unirsi alla folla che si alza per battere le mani in onore del lavoro del designer italiano.

Poco più di un anno dopo, succede di nuovo, e ancora, la motivazione è un difficile addio: l’ultima sfilata di Marc Jacobs per Louis Vuitton, la Primavera/Estate 2014. Uno show a tutti gli effetti prende vita in passerella, con una scenografia senza eguali, composta da una giostra, una fontana, scale mobili, ascensori, e un orologio ferroviario. Il tutto perfettamente laccato di nero. L’applauso, anche qui, non tarda ad arrivare.

Passano cinque anni, e nel 2019, accade un’altra volta, ma in questo caso per un addio diverso: succede infatti al chiudersi della collezione Autunno/Inverno 2019 di Chanel, disegnata da Karl Lagerfeld e Virginie Viard. La sfilata infatti fu la prima a seguito della triste scomparsa di Lagerfeld, e quindi, a tutti gli effetti un tributo alla sua carriera. Ad applaudire le modelle che camminando sulla passerella innevata chiudono la sfilata con occhi lucidi, c’è anche Anna Wintour. Infine, uno degli applausi più cliccati e ricondivisi degli ultimi anni: quello per la collezione finale di Sarah Burton per Alexander McQueen, la Primavera/Estate 2024, accompagnato da un caloroso e sorridente abbraccio.

Insomma, un commovente addio è direttamente proporzionale ad un’alta probabilità di ovazione.

L’effetto Piccioli

Ben due delle otto standing ovation portano il nome di un solo stilista: Pierpaolo Piccioli. Anna Wintour si alza entusiasta per l’Alta Moda del Valentino di Piccioli, al termine delle sfilate per le collezioni Autunno/Inverno 2022 e 2023. Nessun addio strappalacrime, nessun saluto, nessun cambio di guardia in vista (all’epoca). Solo tanto apprezzamento per una Couture senza tempo, fatta di voluminose stoffe, scultorei copricapi in piume, e ambientata in location mozzafiato: rispettivamente, la scalinata di Trinità dei Monti in Piazza di Spagna a Roma, e lo Château de Chantilly, vicino Parigi.

Un perfetto benvenuto

L’apparentemente gelido cuore dell’editor più temuta del fashion system, non si scioglie solo in occasione della dipartita dei designer dalle loro posizioni di direzione creativa. Anche un buon debutto merita un lungo applauso. È questo il caso delle ultime standing ovation, che oltre a sommarsi alle altre e quindi contribuire al numero totale, che sale sempre più, segnano anche un nuovo record: due nella stessa stagione. A distanza di pochi giorni l’un l’altra, si sono susseguite la standing ovation per il debutto di Haider Ackermann per Tom Ford, e di Sarah Burton per Givenchy. Non c’è miglior benvenuto.

Quindi, se l’obiettivo è ricevere pubblico apprezzamento da parte di Anna Wintour, serve un amareggiato addio, un atteso debutto… o Pierpaolo Piccioli.

Foto: Pinterest, Vogue

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Durante la fashion week non ci sono solo le sfilate da tenere d’occhio, le vere gemme si trovano in altri tipi di eventi, eventi che celebrano la moda e chi la fa. Uno di questi è stata la presentazione proposta da KUUN IN TOUCH, un progetto innovativo che ha debuttato proprio durante questa Milano Fashion Week. Co-fondato da Orkun Sevim e Fabio Munis, presso Touch Studio, KUUN IN TOUCH ha celebrato una presentazione esclusiva.

La presentazione, intitolata “Shaping The Future”, ha riunito designer e brand provenienti da ben 10 diversi paesi.

Vi spiego qualcosa in più, perchè merita. KUUN IN TOUCH è una realtà legata all’agenzia PR Kuun Agency, che da sempre supporta brand indipendenti e talenti creativi davvero interessanti e particolari, ma sopratutto originali.

“Shaping The Future” perchè l’evento ha voluto ribadire l’impegno che l’agenzia e il progetto KUUN IN TOUCH portano avanti nel ridefinire il futuro della moda con innovazione ed espressione artistica. Infatti, la presentazione era molto di più di quello che il termine descriverebbe, ma si trattava di un’esperienza immersiva dove “chi la moda la fa” può scoprire, connettersi e collaborare in un ambiente dinamico e stimolante. Un opening esclusivo che ha rappresentato anche un hub strategico per l’incontro di buyer e designer.

Proprio per questo KUUN IN TOUCH è stato più di un evento: una dichiarazione di innovazione, collaborazione e il futuro della fashion communication.

E nell’effettivo è stato davvero così! Non era solo un momento di business, accordi e strette di mano, ma anzi. Durante la serata evento tutti si sono divertiti. Stylist, editor e professionisti del settore riuniti per festeggiare la moda in un’atmosfera accattivante, un posto intimo in cui l’arte ha incontrato la moda. Il giorno dopo, eravamo tutti pronti a scoprire le accattivanti collezioni dei brand.

I designer partecipanti erano diversi: ABSE-EL, brand dalla eccellente qualità Made In Italy. AKINNA, un marchio di borse che dà vita a modelli dall’eleganza unica e senza tempo. AEMONA, un brand indipendente che arriva dalla Slovenia, in grado di combinare la moda digitale con quella fisica, utilizzando prototipazione e sartoria digitale. ATELIER ADAMIAN che con le sue creazioni made-to-order crea capi dalle silhouette femminili e potenti. Una vera dichiarazione di sensualità, di un romanticismo forte e deciso. CUITU, fondato in Finlandia, che crea accessori utilizzando materiali provenienti da rimanenze di compagnie selezionate.

GALATEA, con i suoi capi accattivanti. PROJECT HOPE, amatissimo dalle star italiane per le sue silhouette aderenti e decise. JELENA DJUKANOVIC, che con i suoi capi porta avanti una missione ben precisa: dare la giusta confidence per esprimere la propria identità. VENUS & APHRODITE, brand di borse dall’allure luxury e decisamente interattive e trasformiste. RQ CACTUS, accessori che rappresentano l’armonia che esiste tra natura e arte. OZ OBJECT che crea gioielli ispirati dal corpo, dalle forme culturali e dal sinuoso e naturale movimento delle pieghe. WILDCHILD, based in New York City, che presenta sempre collezioni bold, daring and unapolegetically confident, impossibile non bramare i capi. E infine EDWIN ON MARS, un progetto che si occupa di organizzazione eventi e arredamento spazi solo con l’utilizzo di prodotti sostenibili recuperati dal passato o realizzati eticamente ed ecologicamente.

Tutti questi progetti hanno in comune il loro essere intensamente impegnati verso un futuro della moda più sostenibile a livello ecologico ed etico, senza perdere nulla in quanto a stile e qualità, ma anzi, guadagnandoci in innovazione.

Un momento come quello creato da KUUN IN TOUCH è importante anche per questo, ossia sottolineare l’importanza di creare, con cognizione di causa, dando una sicurezza al futuro della moda che verrà. Una moda che ha la necessità di essere etica e responsabile, così da ridefinire il futuro, un capo alla volta.

L’utilizzo del Made In Italy o della produzione locale di provenienza dei brand presenti nelle giornate di presentazione, sottolineano anche quanto sia fondamentale il fatto a mano e di qualità, sfruttando le risorse e le potenzialità locali dando vita a progetti e capi che avranno sempre l’odore di casa per chi si trova nel mondo e decide di acquistare un qualcosa che sa gli darà molto di più di un semplice acquisto.

L’impegno di Kuun Agency con KUUN IN TOUCH è quello che serve alla moda di ora, una moda che si focalizza sul tutto e subito, dimenticandosi il vero sapore di un prodotto di qualità con una vera storia da raccontare.

Ho adorato avere la possibilità di ascoltare la storia che si cela dietro ognuno dei prodotti presentati. Poter toccare con mano i capi e sentire davvero la loro qualità, sapendo l’impegno che i brand hanno investito per renderli sostenibili e unici, ha avuto tutto un altro sapore. La presenza di brand indipendenti, con una vera forza e voglia di creare capi unici e indimenticabili, ha dato un altro significato a questa settimana della moda.

KUUN IN TOUCH ha coraggiosamente portato in scena un momento di celebrazione della moda rigorosamente sostenibile ed indipendente, un momento di ritrovo per i designer e per gli addetti ai lavori, che ha dato la possibilità di creare connessioni uniche. Ora che abbiamo assaggiato il potenziale di questo progetto, non vediamo l’ora di scoprire cos’altro ha in serbo per noi. Let’s Kuun in touch!

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