Poliform amplia il proprio universo e debutta ufficialmente nel mondo della ristorazione. Nel cuore di Milano, affacciato su Piazza della Scala, nasce Poliform Café, il nuovo bistrot sviluppato in collaborazione con Michele De Liguoro, tra i protagonisti più autorevoli della scena gastronomica milanese.

Il progetto rappresenta un nuovo capitolo per l’azienda italiana, che dopo l’apertura del flagship store di Piazza della Scala inaugura uno spazio pensato per vivere il design attraverso un’esperienza quotidiana fatta di convivialità, gusto e accoglienza.

Aperto tutti i giorni, Poliform Café accompagna gli ospiti lungo diversi momenti della giornata. Dalla colazione, con una selezione di pasticceria italiana, proposte salate e frutta fresca, fino al pranzo e all’aperitivo, da sempre uno dei rituali più rappresentativi della vita milanese. Il tutto accompagnato da una carta dei vini ricercata e da cocktail realizzati da barman professionisti.

“Crediamo che il lusso più autentico sia sedersi a tavola e trascorrere del tempo insieme”, ha dichiarato Marco Spinelli, CEO di Poliform. Una visione che trova espressione in un luogo dove il linguaggio del design incontra quello dell’ospitalità.

Un bistrot tra eleganza milanese e atmosfera internazionale

Situato all’interno dello storico edificio ottocentesco che ospita il nuovo flagship store Poliform, il bistrot è stato progettato dall’architetto Stefano Belingardi Clusoni. L’intervento dialoga con il contesto urbano attraverso linee essenziali, materiali pregiati e una presenza discreta ma riconoscibile.

Gli interni, sviluppati da Poliform Lab, raccontano un’estetica sofisticata fatta di travertino, mogano rossastro, olmo nero e acciaio spazzolato. Lo spazio si sviluppa su circa 90 metri quadrati e accoglie quaranta coperti in un ambiente pensato per offrire comfort e riservatezza, sia per un business lunch sia per un incontro informale.

La cucina di Michele De Liguoro celebra la tradizione italiana

Al centro del progetto gastronomico c’è la filosofia di Michele De Liguoro, chef di Rovello 18, storico indirizzo milanese. Una cucina che punta sulla qualità della materia prima, sulla stagionalità e su una lavorazione essenziale capace di valorizzare gli ingredienti.

Il menu rende omaggio ai grandi classici della tradizione milanese e italiana attraverso piatti iconici come il risotto allo zafferano, la cotoletta alla milanese, il vitello tonnato, la tagliata di fassona e le tagliatelle al ragù di salsiccia di Bra.

La scelta di aprire in Piazza della Scala non è casuale. Poliform punta infatti a inserirsi nel cuore della vita culturale milanese, creando un luogo di incontro che unisce design, gastronomia e socialità.

Nasce così Poliform Hospitality

Poliform Café è il primo progetto di Poliform Hospitality, la nuova società nata dalla collaborazione tra Poliform e Michele De Liguoro. Un’iniziativa che conferma la volontà del brand di ampliare il proprio raggio d’azione oltre il mondo dell’arredamento, sviluppando esperienze capaci di mettere in dialogo design, cultura e lifestyle contemporaneo.

Con questa apertura, Milano aggiunge un nuovo indirizzo alla propria mappa gastronomica e consolida ancora una volta il suo ruolo di laboratorio creativo dove moda, design e ospitalità continuano a incontrarsi.

Photocredits: press kit Poliform P-S.it

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In occasione della Milano Design Week 2026, Accademia del Lusso inaugura “Dall’Arte al Tessuto”. Un progetto espositivo che mette in relazione arte, moda e interior design. 

A presentare il progetto è la docente di Design del Tessuto di Accademia del Lusso Renata Pompas, che sottolinea in modo chiaro lo scopo della mostra: dare forma concreta all’ispirazione artistica, trasformandola in tessuti, abiti, installazioni e creazioni tridimensionali. 

Il percorso prende spunto dalla grande rassegna dedicata a Nikii de Saint Phalle ospitata al MUDEC. Al centro della ricerca visiva c’è infatti l’universo espressivo dell’artista francese, celebre per la forza cromatica delle sue opere. Nonché per la ricchezza concettuale della sua produzione artistica. 

Gli studenti dell’Accademia hanno analizzato questi codici, soffermandosi sul valore del colore, sul simbolismo delle figure e sulla ricchezza ornamentale, per poi tradurli in una serie di stampe tessili originali.

Determinante per la concreta realizzazione del progetto, è stato il contributo di tre sponsor. Pattern allover, composizioni decorative e stampe piazzate sono stati trasferiti su tessuto grazie a Nello Marelli, titolare di Nel Colore, che ne ha seguito la stampa. A Enrico Boselli, che ha fornito i materiali tessili, e a Edy Scambi, che ha curato la confezione dei guanti.

I tessuti stampati sono diventati poi protagonisti di una collezione di otto abiti, interamente ideati e confezionati da cinque studentesse dell’Accademia: Chiara De Bonis, Caterina Montinaro, Elisabetta Sanfilippo, Carola Gassirà e Aurora Longo.

La mostra si amplia ulteriormente grazie al contributo degli studenti del corso di Styling & Communication che hanno creato accessori come cappelli, borse, bandane, gioielli… che arricchiscono i look esposti sui manichini. 

Il percorso presenta anche una selezione di fotoquadri, pensati per valorizzare le stampe tessili e riempire le pareti neutre.

Abiti superfici e architettura entrano in relazione in modo armonico, grazie al contributo degli studenti del corso di architettura d’interni e Design dell’accademia di Belle Arti di Sanremo, che interpretando lo spazio come ambiente narrativo unitario hanno dato forma a un allestimento immersivo e a una serie di minisculture tridimensionali.

L’appuntamento con la mostra

L’inaugurazione sarà oggi, lunedì 20 aprile 2026 alle ore 18.00 nella sede di Accademia del Lusso, in Via Montenapoleone 5 a Milano. L’esposizione sarà visitabile dal 21 al 23 aprile 2026, ogni giorno dalle 10.00 alle 17.00. Sarà possibile prendere parte a visite guidate curate dagli studenti e dalla docente di Design del Tessuto Renata Pompas.

L’iniziativa si inserisce perfettamente nello spirito della Milano Design Week, raccontando in modo concreto come un abito possa diventare veicolo artistico. E come lo spazio possa amplificare il racconto creativo, mettendo in relazione moda, arte e design.

La docente Renata Pompas evidenzia come, oggi, in Italia siano ancora poche le università e le accademie che dispongono di insegnamenti dedicati al colore e al design del tessuto. Accademia del Lusso rappresenta una di queste realtà. Offre ai propri studenti l’opportunità di sviluppare collezioni personali, di lavorare in modo originale. Su concept, distribuzione degli elementi decorativi e definizione della palette cromatica.

L’invito rivolto al pubblico è quello di condividere l’impegno e l’entusiasmo che hanno accompagnato la progettazione dell’evento. Visitando un’esposizione che racconta, attraverso il tessuto, l’anima creativa della generazione Z. 

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Nel contesto di NOMAD CIRCLE a St. Moritz, Lavinia Fuksas sceglie di andare oltre la semplice esposizione di oggetti e costruisce un vero e proprio interno narrativo. Il progetto, concepito insieme a Niccolò Giraldi, si configura come uno spazio immersivo da attraversare, più simile a una soglia che a una stanza.

Non un allestimento neutro, ma un ambiente che trattiene, avvolge e rallenta. In un panorama fieristico spesso dominato dalla velocità e dalla frammentazione, Fuksas propone una pausa: uno spazio che invita a essere vissuto con il corpo prima ancora che osservato.

Tra velluti rossi e riflessi bronzati

Velluti rossi attraversati da riflessi bronzati definiscono una sequenza percettiva che conduce da un ingresso raccolto a un salotto intimo, evocando l’atmosfera sospesa di un club di inizio Novecento. Il riferimento non è citazionista, ma profondamente sensoriale.

Qui il colore diventa materia e la luce una struttura invisibile che modella lo spazio. L’interno non è pensato come contenitore, ma come campo esperienziale in cui ogni elemento contribuisce a costruire continuità percettiva.

Kalyka

Tra le opere presentate, il coffee table Kalyka incarna la tensione tra design e scultura. La base geometrica in ottone spazzolato, le superfici intarsiate in smalto e madreperla e il movimento che svela un compartimento segreto trasformano la funzione in rito.

Il gesto dell’apertura diventa esperienza teatrale e temporale: l’oggetto non si limita a servire, ma invita alla scoperta. In questo modo, Fuksas ridefinisce il tavolino come elemento architettonico in miniatura, sospeso tra preziosità e struttura.

PHNX e rimandi Decò

Con PHNX, la verticalità in ferro rosso laccato, interrotta da un blocco di onice retroilluminato, introduce un dialogo netto tra opacità e trasparenza, con evidenti rimandi Déco.

La luce non è accessoria ma generativa: attraversa la materia, ne modifica la percezione e trasforma la scultura in elemento atmosferico. L’interno diventa così un campo di rifrazione, dove materia e luminosità si ridefiniscono reciprocamente.

TNX

La serie TNX insiste sulla relazione tra massa e luminosità. Il tavolino in marmo verde Guatemala e acciaio spazzolato, attraversato da onice retroilluminato, produce una sospensione visiva che mette in discussione la solidità della pietra.

Le sue stereometrie evocano Carlo Scarpa, mentre il rigore formale richiama la lampada Fato di Gio Ponti. Anche il vaso in bronzo, con la sua verticalità sfaccettata, cattura e moltiplica la luce, confermando la volontà di trasformare il complemento d’arredo in un oggetto liminare tra design e scultura.

La cifra stilistica di Lavinia Fuksas

La cifra distintiva del linguaggio di Lavinia Fuksas è la geometria archetipica, non come esercizio astratto ma come struttura emotiva. Metallo, marmo, onice e bronzo non vengono esibiti come semplice lusso, bensì utilizzati per costruire un dialogo continuo tra:

• peso e leggerezza
• permanenza e bagliore
• funzione e poesia

A St. Moritz, Fuksas non mette in scena una collezione, ma un’atmosfera. L’interno si fa soglia: tra luce e materia, tra gesto e memoria. In questo spazio, il design torna a essere racconto e tempo, non solo immagine.

Articolo di Massimiliano Zigoi

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Nell’interior design contemporaneo, la luce non è più un semplice accessorio, ma una vera e propria struttura invisibile che definisce e trasforma gli spazi.  La collezione Mojave di Roberto Cavalli Home Interiors ne è un esempio perfetto, offrendo un’esperienza di illuminazione teatrale e coinvolgente, ideale per creare atmosfere uniche e personalizzate.

Un equilibrio tra massa e irradiazione

Le lampade da tavolo e da terra Mojave si distinguono per l’equilibrio tra massa e irradiazione. La base in marmo Black & Gold, con la sua forza primordiale, conferisce stabilità e gravità all’oggetto, mentre il vetro satinato in tonalità bronzo crea un’atmosfera calda e avvolgente. La luce che ne scaturisce è morbida e diffusa, non tecnica né neutra, ma capace di definire zone d’ombra e intimità, invitando a rallentare e a percepire la profondità dello spazio.

Stratificazione emotiva e finiture dorate

A differenza dell’illuminazione minimalista, Mojave lavora per stratificazione emotiva. La finitura dorata dell’ottone riflette e moltiplica il bagliore, creando un gioco di rimandi che amplifica la percezione dello spazio. La luce, mediata dalla materia, diventa diffusa e non più puntuale, contribuendo a costruire un’atmosfera accogliente e sofisticata.

La sospensione Mojave: un filtro luminoso ispirato al motivo zebrato

La sospensione Mojave accentua ulteriormente questa dimensione scenografica. La struttura in ottone sostiene un paralume la cui texture, ispirata al motivo zebrato, funge da filtro luminoso, interrompendo la linearità del fascio di luce e generando vibrazioni visive.  Qui la luce non si limita a illuminare un tavolo o un’area, ma produce atmosfera, imprime carattere e orienta lo sguardo.

La luce come dispositivo scenico e elemento narrativo

Nel panorama attuale, la luce viene sempre più utilizzata per costruire identità spaziali.  Mojave si colloca in questa traiettoria, trasformando l’oggetto luminoso in un dispositivo scenico, quasi un elemento narrativo. La luce, colorata, filtrata e calda, si avvicina alla dimensione del tramonto, rendendosi particolarmente efficace negli interni domestici, dove l’obiettivo è creare un ambiente emotivamente riconoscibile.

Illuminare significa scegliere un’atmosfera

In un’epoca in cui lo spazio domestico è sempre più fotografato e condiviso, la luce torna a essere esperienza prima che immagine. Mojave suggerisce che illuminare significhi scegliere un’atmosfera, definire un tono e decidere che tipo di relazione vogliamo instaurare con lo spazio che abitiamo. La luce, in fondo, è il primo gesto dell’interior design, mentre i materiali, gli arredi e le superfici prendono senso solo attraverso di essa.

Scopri la collezione Mojave di Roberto Cavalli Home Interiors e trasforma il tuo spazio in un palcoscenico di luce e atmosfera.

Articolo di Massimiliano Zigoi

Crediti foto: SHARE_Barbara Fazzi, press kit

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Nuova estetica glow, vetro opalino e tecnologia smart per uno dei best-seller di illuminazione firmati IKEA

Lanciata nel 2023, la collezione VARMBLIXT nasce dalla collaborazione tra IKEA e l’artista-designer Sabine Marcelis. Concepite inizialmente come edizione limitata, le creazioni VARMBLIXT hanno riscosso un successo tale da convincere il colosso svedese a mantenere stabilmente in assortimento quattro corpi illuminanti, trasformandoli in veri e propri oggetti di culto del design contemporaneo.

VARMBLIXT: quando la luce diventa esperienza emotiva

Fin dall’inizio, la filosofia della collezione VARMBLIXT è stata chiara: non limitarsi a “fare luce”, ma illuminare. La luce viene concepita come elemento capace di influenzare l’emotività, trasformare gli spazi e modellare le atmosfere domestiche.

Sabine Marcelis ha disegnato lampade dalle forme scultoree, capaci di evocare emozioni anche da spente. Volumi morbidi, superfici levigate, curve continue e transizioni fluide definiscono un’estetica profondamente contemporanea, in cui la luce calda avvolge l’ambiente creando un senso di armonia e positività.

La lampada-donut VARMBLIXT: un’icona del design IKEA

Il pezzo più emblematico della collezione è senza dubbio la lampada-donut VARMBLIXT, diventata in pochi anni un best-seller assoluto. Inizialmente sold-out e rapidamente elevata a must-have, questa lampada ha conquistato pubblico e critica.

La forma della “ciambella” è un motivo ricorrente nel lavoro di Marcelis, che la considera una geometria perfetta, completa e conclusa. Posizionabile sia a parete sia su tavolo, la versione originale in vetro arancione traslucido diffonde una luce calda che si propaga dal foro centrale, evocando un’aurora mattutina. Un effetto che, come afferma la designer, crea “uno spettacolo magico che cattura l’attenzione”.

2026: VARMBLIXT diventa smart, multicolor e glow

Nel 2026 la collaborazione tra IKEA e Marcelis evolve ulteriormente con il debutto di una nuova versione smart delle lampade VARMBLIXT. La forma iconica resta invariata, ma cambiano materiali, percezione e tecnologia.

Il vetro della lampada-donut passa dal traslucido arancione al bianco opalino, enfatizzando l’effetto glow. La luce diventa uniforme, diffusa e avvolgente: la fonte luminosa scompare, lasciando spazio a un solido luminoso che sembra fluttuare nello spazio come una scultura di pura luce.

Come spiega Marcelis: “la vera essenza di VARMBLIXT è sempre stata la percezione della luce. Nella nuova versione, la finitura opaca lascia filtrare una luce soffusa verso l’esterno. È la naturale evoluzione tecnica del modo in cui viene percepita la luce”.

Illuminazione smart: 40 colori e scenari luminosi personalizzati

La nuova lampada VARMBLIXT smart consente di regolare intensità e colore della luce tramite l’app IKEA Home smart. Lo spettro cromatico comprende 40 tonalità, mentre il telecomando BILRESA incluso permette di selezionare una sequenza preimpostata di 12 colori curati direttamente da Sabine Marcelis.

La transizione cromatica è fluida e continua: dalla luce bianca all’ambra incandescente, dal rosso caldo al rosa tenue, passando per lavanda, turchese freddo e giallo delicato. Il risultato è un’atmosfera che cambia gradualmente, senza cesure, accompagnando chi vive lo spazio in un’esperienza sensoriale armonica e rilassante.

Anche la sospensione VARMBLIXT si rinnova

Oltre alla donut, viene reinterpretata anche la lampada a sospensione LED VARMBLIXT, composta da tubolari in vetro smerigliato. Anche qui la linearità viene ammorbidita da incurvamenti fluidi, con elementi che si compenetrano come una trama a maglia larga.

La versione smart della sospensione lavora sulle sfumature della luce bianca, con passaggi graduali dalla luce fredda del giorno al giallo caldo, evocando la luminosità intima delle candele.

Compatibilità Matter e disponibilità

Entrambe le lampade sono compatibili con lo standard Matter, rendendole facilmente integrabili con i principali ecosistemi di smart home. Le nuove versioni VARMBLIXT saranno disponibili nei negozi IKEA e online a partire da aprile 2026.

Articolo di Valentina Albertini

Photocredits: MSL press kit

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La vita contemporanea corre sempre più veloce: notifiche, meeting, feed e aggiornamenti saturano i nostri spazi mentali e fisici. Lo slow life digitale nasce com antidoto: un movimento che trasforma la sospensione tecnologica in scelta consapevole. Non si tratta di rinunciare, ma di selezionare, di recuperare tempo e spazio per sé stessi, per gli altri e per il mondo reale. Spegnere lo smartphone, rallentare i ritmi, immergersi in esperienze offline diventa un gesto di lusso quotidiano, un atto estetico oltre che funzionale.

Il lusso del silenzio

Rimuovere il rumore digitale significa riscoprire il piacere del tempo. Le notifiche non interrompono più la concentrazione, le conversazioni si fanno più profonde e i pensieri più chiari. Lo slow life digitale trasforma la sospensione in valore: ogni momento non è più colonizzato da stimoli incessanti, ma diventa spazio di presenza e consapevolezza.

Esperienze che non si postano

Il vero piacere non ha bisogno di essere condiviso. Weekend immersivi in natura, cene con pochi amici, passeggiate senza foto, workshop artigianali: esperienze autentiche che non chiedono validazione social, ma gratificazione reale. Il lusso contemporaneo diventa invisibile e intimo, percepito solo da chi lo vive.

Il design come Oasi

Gli spazi domestici e di lavoro si adattano alla filosofia slow: arredi minimal, luci calde, superfici naturali. Ogni oggetto è scelto per favorire calma e concentrazione. Il design diventa alleato, non distrazione: una poltrona ergonomica, un tappeto morbido, una scrivania sgombra sono strumenti di digital detox e benessere.

Tempo libero come Valore

Ogni ora libera diventa risorsa preziosa. Letture lente, meditazione, cucina lenta, passeggiate in città o campana: gesti quotidiani che recuperano il ritmo naturale dell’uomo. Lo slow life digitale insegna a considerare il tempo non come scadenza, ma come esperienza, trasformando la pausa in status symbol.

Futuro analogico, Ora

Spegnere, rallentare, ritrovare sé stessi non è nostalgia, ma scelta strategica. Il futuro del lifestyle si misura nella capacità di bilanciare digitale e reale, connessione e silenzio. Lo slow life digitale non è rinuncia: è sovranità, controllo, estetica di presenza. Chi lo abbraccia vive meglio, più pienamente, con leggerezza e consapevolezza.

Fonte: Pinterest

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Una villa da sogno firmata Christian Louboutin

Christian Louboutin, celebre per le iconiche suole rosse che hanno fatto la storia della moda, possiede una villa esclusiva nell’Alentejo, una delle regioni più suggestive e autentiche del Portogallo. Situata nel sud del Paese, questa dimora rappresenta un vero rifugio creativo, lontano dal caos delle metropoli e dal clamore delle passerelle.

Dove si trova? Alentejo, Portugal

La villa si trova nell’entroterra dell’Alentejo, tra paesaggi collinari, uliveti secolari e un’atmosfera di totale quiete. Questa regione portoghese è apprezzata per il suo turismo slow, la cucina tradizionale e la bellezza incontaminata. Non è un caso che sempre più celebrità scelgano l’Alentejo per le loro residenze private.

Progetto architettonico: Tarek Shamma e il design minimalista

Louboutin ha collaborato con l’architetto Tarek Shamma per dare vita a una residenza su misura: minimalista, geometrica, immersa nella natura. Il cuore della casa è un ampio patio circolare, pensato per accogliere ospiti, riflettere e creare. L’architettura si ispira alla semplicità mediterranea, combinando estetica e funzionalità.

Non solo casa! Anche laboratorio creativo

Più che una casa di lusso, la villa di Christian Louboutin in Portogallo è un vero e proprio laboratorio creativo. Qui lo stilista disegna le sue collezioni in totale tranquillità, circondato da collaboratori fidati. Lontano dai riflettori, trova ispirazione nel silenzio, nella luce naturale e nella libertà di uno spazio su misura.

Perché l’Alentejo è la nuova meta del lusso riservato?

Negli ultimi anni, l’Alentejo è diventato un punto di riferimento per chi cerca lusso e privacy. A differenza delle mete turistiche più inflazionate, questa zona del Portogallo offre autenticità, discrezione e contatto con la natura. Louboutin è solo uno dei tanti nomi noti ad aver scelto questa terra per costruire il proprio buen retiro.

Lusso è potersi isolare

In un’epoca dominata dalla sovraesposizione digitale, Christian Louboutin sceglie il silenzio, la luce e la natura. La sua villa nell’Alentejo è l’esempio perfetto di un lusso più consapevole, fatto di spazi autentici, creatività e libertà.

Photocredits: Living Corriere

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Il risultato? Una tenera ma potente collaborazione, che fonde artigianato indiano, heritage kawaii e romanticismo globale. Si chiama HELLO péro ed è la capsule che celebra i 50 anni dell’icona più dolce del Giappone – Hello Kitty – con lo stile poetico e sognante del brand fondato a Nuova Delhi.

Presentata in occasione della Milano Design Week 2025, all’interno della boutique Banner di Milano, HELLO péro è un’ode visiva all’infanzia, alla femminilità e all’amore per l’handmade. Tra fragole ricamate, righe da marinaio, cartoni del latte e fiocchi rosa, la collezione fonde cultura giapponese, cottagecore europeo e artigianato tessile indiano, in un mash-up stilistico che riesce a essere insieme sofisticato e giocoso, delicato e scenografico.

Cottagecore meets Harajuku

L’estetica della collezione è un invito a tornare bambini. Ma con lo sguardo di chi sa cogliere i dettagli più sofisicati. Dai tessuti Chanderi del Madhya Pradesh ai Jamdani del Bengala Occidentale, dalle stampe floreali giapponesi agli appliqué di origami e bottoni in legno personalizzati: ogni pezzo racconta una storia di amore per l’artigianato, la bellezza imperfetta e la manualità. La palette è quella del sogno: rosa Hello Kitty, rosso ciliegia, blu cartone del latte e giallo sole.

A completare la collezione ci sono accessori irresistibili – charms, cappellini, borse e calze – che elevano ogni outfit in una favola tutta da indossare. Tutto, in pieno stile péro: una moda che non conosce età, stagione, né confini.

Un mondo da vivere (e gustare)

Per accompagnare la capsule, péro e Hello Kitty hanno creato un’esperienza immersiva all’interno della boutique Banner, nel cuore del Quadrilatero milanese. Tra installazioni tattili, profumi d’infanzia e sound design sognante, il concept space diventa un piccolo universo multisensoriale. Ad arricchire il viaggio – e renderlo ancora più dolce – c’è anche un menù curato da Vicook, realtà di catering della famiglia Cerea, che ha pensato a piatti ispirati a Hello Kitty per trasformare la moda in una party multisensoriale.

HELLO péro è più di una collezione. È un reminder della nostra infanzia, qui per ricordarci che, crescere non significa dimenticare come si sogna.

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In occasione della Milano Design Week 2025, il marchio svela Cupra Design House, un progetto che va ben oltre l’automotive e che si muove con disinvoltura tra moda, tecnologia, lifestyle e architettura.

Il design, per Cupra, non è solo una firma. È un linguaggio, una visione. Una vera e propria filosofia estetica e concettuale che oggi si traduce in capsule, prototipi e collaborazioni capaci di raccontare un nuovo modo di immaginare il futuro.

Dalla strada alla passerella (e ritorno)

Con tre pilastri – Cupra Collection, Cupra Collabs e Cupra Beyond – la Cupra Design House si afferma come uno spazio fluido e creativo, in cui il design si contamina e si moltiplica, superando i confini del settore automobilistico.

Tra le novità più interessanti c’è la collaborazione con Zellerfeld per la realizzazione di una sneaker stampata in 3D: un pezzo monomateriale, iper parametrico, pensato come un’estensione naturale del corpo. Non un accessorio, ma un organismo in movimento.

Poi ci sono i capi in Adaptive Knitting – maglieria 3D tecnica – veri e propri prototipi sartoriali che si adattano al corpo come una seconda pelle. Texture a coste, strutture parametriche e tecnologie tattili si fondono per trasformare l’abbigliamento in esperienza sensoriale.

Il progetto MAM x Cupra, invece, parla a chi vive la città con coraggio e stile: un gilet multifunzionale che è anche zaino, anche scultura, anche dichiarazione d’intenti. Un pezzo concettuale che anticipa la prossima capsule collection condivisa.

E la valigeria? Cupra la reimmagina insieme ad Harper Collective, in una collezione sostenibile che combina estetica d’avanguardia, materiali riciclati e interni high-tech in maglia 3D. Design, innovazione e responsabilità ambientale: tutto in un solo oggetto.

La forma dell’esperienza

A fare da cornice al lancio c’è la Capsula Cupra, un’installazione immersiva pensata per coinvolgere corpo e sensi. Suoni, luci, movimento: tutto dialoga con lo spazio e con chi lo attraversa. La Capsula è un dispositivo emozionale, una macchina sensoriale che mette al centro il design come esperienza totale.

Completa il quadro la Cupra Lounge Chair, simbolo della nuova visione del brand: una sedia che non è solo oggetto, ma gesto. Una struttura parametrica, fluida e viva, pensata per far vibrare le superfici sotto i punti di contatto, trasformando l’atto del sedersi in un momento di connessione.

Oltre l’automotive, verso il futuro

Con Cupra Design House, il brand ribadisce la propria ambizione: superare i confini, portare il proprio DNA fuori dalla strada e dentro la vita delle persone, attraverso oggetti che parlano la lingua dell’avanguardia e della funzionalità.

A Milano, durante la settimana più creativa dell’anno, Cupra non ha solo presentato prototipi. Ha raccontato un modo di essere, di vedere, di immaginare.

Un’estetica non convenzionale, che fonde emozione, artigianalità e tecnologia.

Un design che non si limita a decorare, ma interpreta.

E se il futuro ha una forma, forse oggi somiglia proprio a quella tracciata da Cupra.

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Singapore, la città-stato sospesa come un diamante sulla punta meridionale della Penisola Malese, nota per il suo innovativo concetto di “città giardino”.

Innovazione e la sostenibilità si fondono armoniosamente. La città non solo abbraccia il progresso, ma lo fa in modo da preservare e valorizzare l’ambiente, creando uno spazio in cui modernità e natura convivono in perfetta sinergia.

Approccio innovativo

Singapore è una città dove la natura si fonde armoniosamente con l’ambiente urbano. Grazie ai suoi numerosi parchi e giardini, offre a residenti e visitatori la possibilità di immergersi in spazi verdi nel cuore della metropoli, rendendola una delle destinazioni più affascinanti al mondo.

Si distingue non solo per le sue politiche ambientali avanzate, ma anche per le sue infrastrutture all’avanguardia, diventando un vero e proprio laboratorio vivente. In questa città, le tecnologie, gli edifici ecologici e i trasporti sostenibili non sono più concetti futuristici, ma realtà tangibili che plasmano la vita quotidiana dei suoi abitanti.

Ogni aspetto della metropoli è progettato per integrarsi con la natura e promuovere la sostenibilità, creando un ambiente dove l’innovazione tecnologica e l’attenzione all’ambiente vanno di pari passo.

Singapore è un esempio concreto di come la modernità possa andare di pari passo con il rispetto per il pianeta, dimostrando che la crescita e il progresso non devono necessariamente compromettere il nostro futuro. L’equilibrio tra natura e architettata rappresenta una visione in continua evoluzione.

Strategie d’avanguardia

Oggi la città sta puntando a diventare un’oasi verde, grazie a un impegno crescente verso la sostenibilità, con l’obiettivo di affermarsi come modello di città ecologia e in armonia con la natura. In questa ottica è in programma la realizzazione di una “green connection” di 6 chilometri, che collegherà i Singapore Botanic Gardens, Istana Park e Fort Canning Park, situati all’estremità opposta di Orchard Road.

Questo progetto consentirà di spostarsi facilmente tra le diverse aree verdi, offrendo un ambiente piacevole e rifrescante anche durante le giornate più calde.

Nel 2019 è stato inaugurato il Jewel, Changi Airport, complesso futuristico che unisce natura e intrattenimento. Presenta la cascata al coperto più alta del mondo, il Rain Vortex, circondato dalla Forest Valley.

Un altro aspetto che caratterizza la città di Singapore sono le sue unità abitative, che si sviluppano in torri a spirale ospitanti appartamenti di lusso, armonizzandosi con il paesaggio delle dorme sinuose e sperimentali. L’architettura elegante e particolare è circondata dal verde. Le terrazze panoramiche offrono ponti verdi, piscine e strutture ricreative, creando un perfetto equilibrio tra natura e design.

Foto: pinterest

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