Milan has something special waiting. Marking 100 years since Claude Monet’s death, on December 5th an immersive exhibition opened at Spazio Ventura.  Don’t worry, it runs until April 4th, so there’s still time!

Here Impressionism isn’t shown only through Monet’s works, you experience it throughout the entire visit.

Almost 2,000 square meters of masterpieces are brought to life with 4K technology. It’s a completely different experience from a traditional museum (which, of course, remains wonderful and irreplaceable). This one is more immersive, more personal, and perhaps more accessible to a younger audience.

Just imagine water lilies floating across walls taller than you while you lie on a large pillow on the floor. It’s dreamlike. You could almost fall asleep right there, surrounded by background sounds that recreate the atmosphere of the paintings. 

Although it may seem overwhelming—or at least that’s what I thought at first—you’ll feel transported into another world.

Before stepping into that world, let’s take a quick look at Monet’s life.

Born in Paris in 1840, he soon discovered his talent. As a teenager, he was already selling caricatures of teachers and locals. Everything changed when he met landscape painter Eugène Boudin, who encouraged him to paint outdoors. From that moment on, light became Monet’s lifelong obsession.

In the 1870s his painting “Impression, Sunrise” gave its name to a new art movement (Impressionism), even if the term was originally meant as an insult by critics.

In 1883, he settled in Giverny, which became his sanctuary. There, he created some of his most iconic works—think of the Japanese bridge or the water lily pond.

He continued traveling across Europe, drawing inspiration from nature and painting the same scenes over and over again to capture how light transformed them at different times of day.

The exhibition follows his journey closely.

One minute you’re under the smoky skies of London; the next, you’re in Venice, a city Monet once described as “too beautiful to be painted.” Suddenly, you’re back in Giverny, wandering through his colorful house and garden, which is probably every gardener’s dream.

You don’t just observe his travels through Europe and the different stages of his life: you feel them.

Why did impressionism actually matter?

When photography was invented, artists had to rethink their role. The camera was surely a better tool to capture reality, wasn’t it? Monet and the Impressionists found their answer: they didn’t simply paint what was happening, but how it felt.

They were deeply interested in color theory, making color alive and vibrating. They didn’t paint white lights, but reflections made of blues, yellows, pinks and greys. Shadows, weren’t even black anymore.

Instead, they placed small colored spots side by side and let the viewer’s eye blend them, capturing the landscape as what Monet said was “nothing but an impression, an instant one”.

How to conclude the experience in the best way possible.

By the end of the exhibition, you have the opportunity to set off on a 10-minute VR journey, starting from his studio in Giverny and moving through the most iconic landscapes that inspired him. It’s captivating ad surprisingly emotional. 

For those few minutes, you step into his world and, in a way, become Claude Monet yourself.

Amanti dell’arte, questo è per voi!

So che Monet è da tempo nella vostra bucket list, ma diciamoci la verità: la Francia non è proprio dietro l’angolo e non tutti possono prendere un treno per Giverny ogni volta che ne hanno voglia. E se vi dicessi che in realtà non ce n’è bisogno?

A Milano c’è qualcosa di speciale che vi aspetta. Per celebrare i 100 anni dalla morte di Monet, il 5 dicembre ha aperto una mostra immersiva allo Spazio Ventura. Niente paura: sarà visitabile fino al 4 aprile, quindi siete ancora in tempo!

Qui l’Impressionismo non viene mostrato solamente attraverso le opere di Monet, ma lo si vive lungo tutto il percorso della visita.

Quasi 2.000 metri quadrati di capolavori prendono vita grazie alla tecnologia 4k. È un’esperienza innovativa, completamente diversa da quella di un museo tradizionale (che, naturalmente, rimane unico e insostituibile). Questa è più coinvolgente, più personale e forse anche più adatta ad un pubblico giovane.

Immaginate ninfee che fluttuano su pareti più alte di voi, mentre siete sdraiati su un grande cuscino sul pavimento. È come un sogno. Potreste quasi addormentarvi lì, circondati dai suoni di sottofondo che ricreano l’atmosfera dei dipinti mostrati. Anche se all’inizio può sembrare un po’ “overwhelming”—o almeno questa è stata la mia prima impressione—vi sentirete presto trasportati in un altro mondo.

Però, prima di entrarci davvero, facciamo un breve passo indietro nella vita di Monet.

Nato a Parigi nel 1840, scoprì presto il suo talento. Da adolescente vendeva già caricature di insegnanti e abitanti del posto. Tutto cambiò quando incontrò il pittore paesaggista Eugène Boudin, che lo incoraggiò a dipingere all’aria aperta. Da quel momento, la luce divenne la sua ossessione.

Negli anni Settanta dell’Ottocento, il suo dipinto “Impression, Sunrise” diede il nome ad un nuovo movimento artistico, l’Impressionismo, anche se il termine nacque inizialmente come critica.

Nel 1883 si stabilì a Giverny, che divenne il suo rifugio. Qui realizzò alcune delle sue opere più iconiche, come il ponte giapponese o lo stagno delle ninfee.

Continuò a viaggiare in Europa, traendo ispirazione dalla natura e dipingendo più volte gli stessi soggetti per catturare le trasformazioni della luce durante le diverse ore del giorno.

La mostra segue da vicino il suo percorso.

In un primo momento vi troverete sotto i cieli nebbiosi di Londra; quello dopo invece sarete a Venezia, città che Monet definì “troppo bella per essere dipinta”. Poi tornerete a Giverny, passeggiando nella sua casa colorata e nel suo giardino, che probabilmente è il sogno di ogni appassionato di giardinaggio.

Non vi limiterete ad osservare i suoi viaggi e le diverse fasi della sua vita: li vivrete.

Perché l’Impressionismo è stato davvero importante?

Con l’invenzione della fotografia, gli artisti dovettero ripensare al proprio ruolo. La macchina fotografica era uno strumento migliore per catturare la realtà, no? Monet e gli Impressionisti trovarono la loro risposta: non dipingevano semplicemente ciò che accadeva, ma ciò che si provava.

Erano profondamente interessati alla teoria del colore, rendendolo vivo e vibrante. Non rappresentavano una luce bianca, ma un riflesso composto da tonalità di blu, giallo, rosa e grigio. Le ombre non erano nemmeno più nere.

Accostavano piccoli tocchi di colore e lasciavano che fosse l’occhio dello spettatore a fonderli, catturando il paesaggio come quello che Monet definì “nient’altro che un’impressione, un istante”.

Come concludere al meglio l’esperienza?

Alla fine della mostra avrete la possibilità di intraprendere un viaggio di circa 10 minuti con la realtà virtuale, partendo dal suo studio di Giverny e attraversando i paesaggi più iconici che lo hanno ispirato. È coinvolgente e sorprendentemente emozionante.

Per quei pochi minuti entrerete nel suo mondo e, in un certo senso, diventerete anche voi Claude Monet.

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“Dipingo quello che vedo, dipingo quello che ricordo e dipingo quello che sento.” Claude Monet.

L’artista impressionista di fine Ottocento riassume in una frase l’intero significato dell’arte. Il suo modo di dipingere ci porta a identificarlo come il pioniere di Instagram.

In effetti l’impressionismo, che riunisce artisti quali Monet, Renoir, Degas e molti altri, partiva dalle sensazioni e visioni della vita quotidiana, proprio come il social network più famoso. Alla vista di un tramonto, di un bar affollato, durante momenti di festa della bohème parigina, gli artisti riuscivano ad infondere i propri sentimenti istantaneamente sulla tela, con l’intento di cogliere l’attimo fuggente come in una fotografia, per imprimerli nella storia e lasciarne un ricordo.

Non a caso, la prima mostra impressionista avviene nello studio del fotografo Nadar, 35 di Boulevard des Cappucines, nel 1874.

Appassionato di ritrattistica, Nadar crede e supporta questa corrente, di cui ne è mecenate. Sostiene l’arte e viene paragonato, lui stesso, ad un pittore. Riusciva, tramite il dialogo, ad entrare nell’interiorità e nell’anima del soggetto, riportandola nei suoi scatti. 

Il legame tra fotografia e arte ha radici profonde. Nel corso della storia sono stati molti i momenti di unione fra le due arti. Basti pensare a Pablo Picasso, che si serviva della fotografia per dividere lo spazio in molteplici parti, per poi ricomporlo attraverso sfaccettature e forme diverse. Il Dadaismo, avanguardia di inizio Novecento, che usava le immagini prese da riviste di attualità e le scomponeva per creare qualcosa di nuovo e diverso.

Già gli uomini primitivi, attraverso la pittura rupestre, esprimevano la volontà di ricreare la mimesi di una realtà che apparteneva loro. Così come, anni dopo, gli artisti del Rinascimento, inventarono una tecnica in grado di portare l’architettura e la profondità sulla tela, per creare ambienti più realistici, nei quali far vivere i loro personaggi: la prospettiva. 

Solo nel 1827, un ex combattente appassionato di chimica, Joseph Nicéphore Niepce, sperimentò un nuovo apparecchio con cui scattò “Vista dalla finestra a Le Gras”, la prima eliografia della storia.

Niepce apre le porte ad un nuovo modo di vedere il mondo.

Perciò la domanda è: la fotografia può essere considerata una forma d’arte? Oggi la fotografia non è più uno strumento per pochi, usato in particolari occasioni. Grazie ai telefoni cellulari, facciamo foto a tutto quello con cui entriamo in contatto ogni giorno, per conservare il ricordo del momento che stiamo vivendo. Da una vacanza ad Ibiza, al capodanno in montagna, ad un aperitivo sulla barca, fino ad una semplice cena tra amici, attraverso i social network, Instagram, Facebook e il neo BeReal mostriamo a tutta la nostra rete di contatti cosa facciamo 24h al giorno. Le immagini sono diventate espressione di status, perché, con queste, possiamo far vedere solo la parte più interessante e che preferiamo di noi stessi, nascondendo chi siamo veramente dietro uno schermo e dietro quei numeri, che possono sembrare insignificanti, ma che determinano una condizione di visibilità e popolarità: i “like”. 

Questa mania di fotografare e postare ogni cosa, ha dato il via ad un nuovo mestiere. Da molti considerata come una perdita di tempo e un impiego da nullafacenti, la figura dell’Influencer può, però, essere considerata una nuova forma d’arte grazie alla fotografia, in grado di sfruttare il potere dei social e delle immagini per istruire e comunicare in modo più veloce, diretto e comprensibile. Come ci insegna Chiara Ferragni “Non mi è mai piaciuta l’idea di scattare una foto solo per se stessi. Penso che tutto sia migliore quando è condiviso”.

In questa pagina trovate un ritratto del fotografo Thierry Mugler.

Foto 1: «Vista dalla finestra a Le Gras» Joseph Nicéphore Niépce da Frammentirivista.it , Foto 2: «Impression soleil levant» Claude Monet da Pinterest.com, Foto 3: Pixabay.com

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