Rappresenta una delle figure più interessanti nel panorama internazionale della moda e non solo. È un creativo capace di trovare il giusto equilibrio tra cultura, artigianato ed innovazione, come si vede nelle sue creazioni. D’altro canto è il primo designer a ricoprire il ruolo di direzione creativa unificato nella Maison dai tempi di Christian Dior: si occuperà delle linee donna, uomo, e haute couture.

Con la sua visione illuminata, Jonathan Anderson porta un ventata d’aria fresca a Parigi, onorando l’eredità del brand e mantenendone i codici storici, ma dando loro un tocco giocoso e moderno. La filosofia è proprio questa: la moda è il teatro della vita. Le silhouette si alterano tra volumi scultorei a linee fluide, attingendo un’estetica futuristica e nostalgica.

Le prime borse Dior by Anderson

La visione di Anderson viene evocata da riferimenti del XVIII secolo: i motivi brandeburghesi, che non sono altro che i sei concerti composti da Jonathan Sebastian Bach, capolavori della musica barocca noti per la complessità, brillantezza e architettura musicale. Qui, vengono riflessi sui capi e sugli accessori della Maison. A questi si aggiungono copertine di libri classici, con riferimenti alla passione di Monsieur Dior per la letteratura, e scenari bucolici. Tutte queste frammentazioni, messe insieme, lasciano spazio alla personalità individuale: una danza tra arti visive e tattili che esaltano la maestria artigianale del brand.

Questa nuova rivoluzione parte da tre nuovi modelli di borsa: La Dior Bow Bag, La Lady Dior e La Dior Book Tote.

La Bow Bag

La Dior Bow Bag: il simbolo centrale di questa collezione é il fiocco, simbolo elegante e ricorrente del brand.

La borsa è caratterizzata da linee essenziali e pulite, abbinate a volumi e a un tocco scultoreo che rimandano agli origami. Viene realizzata in diverse tonalità di colore, materiale e dimensioni: la possiamo trovare sia in dimensioni piccole che medie, in pelle liscia, metallizzata o increspata, con nuance di colori che spaziano dai colori classici a quelli più stravaganti, come giallo vivace o tourmaline. Unisce funzionalità ed estetica chic, diventando un’accessorio versatile per diversi look.

La Lady Dior

La Lady Dior, emblema eterno dell’eleganza, è stata rivisitata in diverse varianti. 

La più notevole è quella decorata da ricami di quadrifogli sparsi, un omaggio all’amore per i talismani, simboli di fortuna di Monsieur Dior e alle radici irlandesi di Anderson, arricchita da una coccinella rossa che dona una visione surreale e minimalista. L’altra versione esibisce fiori tridimensionali gialli accesi, accompagnati da un’ape, che richiama il fluire morbido del miele. Questi due modelli trasformano l’iconica borsa in un’emblema di allegria e surrealismo, trasmettendo meraviglia, scaturita soprattutto dalla forte presenza fisica e sensoriale dei dettagli.

Queste borse diventano, difatti, dei veri e propri talismani personali.

La Dior Book Tote

Ultima, ma non per meno importante, è La Dior Book Tote.

Una delle creazioni più recenti di Dior, oltre che una delle più amate, è arricchita da Anderson da una serie di perspicaci riferimenti letterari. La classica Book Tote viene trasformata attraverso ricami che riproducono copertine di romanzi come Dracula, Le Liaisons Dangereuses, Madame Bovary e Bonjour Tristesse, grandi opere della letteratura, senza tralasciare una versione ispirata all’autobiografia di Christian Dior. Queste creazioni trovano un perfetto equilibrio tra storia e immaginazione: una borsa classica per una vita elegante, sognante ma allo stesso tempo perfettamente contemporanea.

Conferiscono un tocco di perspicacia, audacia e grinta per chi la indossa: più di tutte, quella dedicata a Madame Bovary. 

Madame Bovary dà origine al concetto di bovarismo, quel bisogno profondo di rifugiarsi nella fantasia per immaginare un’esistenza più intensa, lontana dalla banalità del quotidiano. Un desiderio silenzioso di altrove che Jonathan Anderson intercetta e trasforma in linguaggio estetico, traducendolo nella borsa come simbolo di sogno, identità e sottile ribellione.

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Se siete stati attenti camminando per strada, vi sarete sicuramente accorti che la stampa animalier è ritornata, di nuovo, in voga. A dirla tutta, definirla solo ritornata di moda è poco. Il motivo animalier è davvero stato ripreso ovunque. Non si tratta di qualche influencer o di qualche marchio che le fa riprendere popolarità per qualche mese e poi nulla.

L’animalier sta prendendo sempre più spazio nei look e nei capi d’abbigliamento di qualsiasi marchio, di basso, medio o alto livello che sia.

Ma facciamo qualche passo indietro, da dove arriva l’animalier?

Se vogliamo proprio iniziare dall’inizio-inizio possiamo addirittura arrivare alla preistoria, quando le pellicce di animali venivano usate come indumenti. Lì, l’animalier, vuoi o non vuoi, ce lo avevi incorporato. Saltando il periodo dei romani, in cui le stampe maculate vengono bannate e condannate come simbolo di lussuria, si può far risalire il punto di partenza dei look animalier tra il Seicento e il Settecento.

La stampa animalier, soprattuto quella leopardata, entra nelle corti europee simboleggiando una riscoperta passione per l’esotico.

La vediamo spesso nei ritratti di uomini potenti come comandanti o combattenti in armatura, l’animalier, sottoforma di caposcala, in quel caso simboleggiava il coraggio e la fierezza dell’uomo. Facciamo poi un salto in avanti e arriviamo all’era d’oro del maculato: il Novecento.

Dive di Hollywood iniziano a indossarlo e proprio il mondo del cinema porta in auge la combo animalier e stile di vita eccentrico.

Un esempio sono i costumi di scena del film “Tarzan l’uomo scimmia“, negli anni ’30. Pensiamo anche a Bettie Page, pin-up per eccellenza, che negli anni Quaranta, in diversi servizi fotografici, indossa bikini leopardati e tigrati, dando vita all’ideale della donna predatrice.

Nel 1947 assistiamo al battesimo dell’animalier in passerella con Christian Dior, che con il motivo stampato crea una collezione primavera estate di abiti “imprimé jungle” leopardati.

Ecco che quindi la percezione dell’animalier cambia: da eccentrico e Too Much diventa chic ed elegante. La moda accetta l’animalier anche grazie a Bianchini-Férier, produttore di seta e stilista francese, che sviluppa in esclusiva un tessuto a stampa “jungle“. La sfilata è amata da tutti e l’animalier entra ufficialmente nel mondo dell’alta moda. Si fa ancora più spazio approdando nell’haute couture quando Marlene Dietrich, attrice e cantante tedesca, decide di indossarlo.

Comunque, non solo le modelle e le dive si associano a questa stampa, ma anche Jackie Kennedy, first lady americana del tempo e simbolo di eleganza per il tempo, sfoggia il cappottino creato per lei da le Oleg Cassini coordinato di cappellino in stampa leopardata, ufficializzando il rapporto di eleganza con il motivo.

Arrivano poi gli anni Settanta: il leopardo è a rischio estinzione, ma l’animalier no. Questa volta sono le rockstar a farsi paladine della stampa.

Con l’estetica Glam Rock compaiono abiti stravaganti maculati, zebrati e tigrati, donne e uomini indossano le stampe in qualsiasi occasioni.

Parrebbe poi che l’animalier sia diventato trasgressivo dagli anni ’60, moda parlando. Ken Scott e Valentino iniziano a utilizzarlo per capi dal taglio maschile destinati a donne che, rivoluzionalmente agendo, li indossavano molto volentieri.

Haute couture maschile per simboleggiare concetti di fluidità di genere.

Parte tutto nella Londra degli anni ’60 con la “Peacocks revolution“: gli uomini abbandonano i classici completi dai toni scuri e preferiscono uno stile colorato e extra.

Facciamo ancora un passo avanti: anni ’90, wow! La stampa animalier nella moda diventa sinonimo di sexy catwoman.

Naomi Campbell su Vogue italia 1991 indossa un total look panthere firmato Azzedine Alaïa. Ancora: Veruschka spesso scattatta “selvaggia”, la vediamo nell’iconico scatto di Franco Rubartelli in cui il corpo viene trasformato in zebra.

Roberto Cavalli e Krizia, assieme a Gianni Versace, di questa stampa ne fanno il proprio segno distintivo.

Insomma, la storia di questa stampa è segnata da tantissimi sali e scendi per quanto riguarda la sua estetica e a cosa viene associato. Se nasce come un simbolo di coraggio e di fierezza, finisce spesso a sovvertire l’idea di chic diventando sempre più simbolo del trasgressivo e dell’eccentrico.

Ora come ora si definirebbe solo come “alla moda”, ma è divertente scoprire come sia cambiata la sua storia fino ad oggi, in cui tanto eccentrico non lo è più.

L’animalier durante tutto questo tempo è comunque rimasto, non se n’è mai davvero andato. I brand hanno continuato a produrlo. Associato spesso all’estetica, definibile da tutti, “Tamarra” è stato snobbato fino ad oggi, momento in cui il maximalismo è tornato in auge e si è riportato con sé i suoi simboli caratteristici, tra cui l’animalier.

Molti sono stati contenti di ritirarlo fuori dall’armadio, altri sono andati a comprare per la prima volta capi full animalier, criticati fino a poco prima. Altri ancora non hanno mai smesso di indossarlo. Sicuramente definibile come una tendenza strutturale, l’animalier sembra essere tornato per restare e se mi dite che non avete nulla di maculato non vi credo, quindi tanto vale indossarlo.

Io personalmente annovero John Galliano nella mia lista di icone di stile, quindi figuratevi come posso aver preso bene questa svolta nella moda. W la Revolution, W l’animalier!

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Nato il 21 gennaio 1905 a Granville, città situata in Normandianel nord della Francia, ma poi cresciuto nel sud, vicino a Grasse, il couturier si spense prematuramente a Montecatini Terme il 24 ottobre 1957, a soli 52 anni e a causa di un infarto: il grande successo era arrivato per lui nel 1947, soltanto dieci anni prima, eppure quel decennio gli fu sufficiente per cambiare i codici della moda femminile dell’epoca e per lasciare un segno indelebile.

Christian Dior, figlio di un industriale, era però destinato a un’altra carriera, quella diplomatica.

Assecondando il desiderio dei propri genitori, frequentò infatti l’Écoledes Sciences Politiques: alla fine, lasciò però gli studi e, grazie all’aiuto del padre, nel 1928 riuscì ad aprire una piccola galleria d’arte che però dovette chiudere pochi anni dopo a causa del crollo dell’azienda di famiglia.

Dal 1937 al 1939, Dior lavorò con Robert Piguet, stilista e profumiere svizzero, finché non fu chiamato per il servizio militare: nel 1942, cominciò a lavorare nella casa di moda di Lucien Lelong presso la quale lui e Pierre Balmain diventarono i principali stilisti.

Nell’ottobre 1946,lo stilista aprì infine un suo atelier a Parigi con l’aiuto finanziario di Marcel Boussac, il re del cotone; da lì, un anno dopo, riuscì nell’impresa di rivoluzionare la moda degli Anni Quaranta introducendo un’idea di femminilità e uno stile completamente nuovi.

Il 12 febbraio 1947, il 42enne Christian Dior presentò la sua collezione Corolle nei saloni dell’atelier di Avenue Montaigne pieni, per l’occasione, di fiori: la collezione era fatta di abiti ricchi e romantici che ottennero una popolarità istantanea.

La donna presentata da Dior aveva spalle arrotondate rispetto a quelle imbottite precedentemente in uso; la gonna lunga a forma di corolla arrivava a venti centimetri dal suolo; il punto vita era stretto, ottenutotramite un leggero bustino, la guêpière; tessuti raffinati e costosi avevano sostituito il panno usato durante la Seconda Guerra Mondiale.

CarmelSnow, storica redattrice della rivista statunitense Harper’s Bazaar,parlò di Dior utilizzando il termine New Look, espressione in lingua inglese adottata per definire ciò che ella considerava il massimo della Haute Couture francese.

La celebre giornalista credeva nel talento di Dior che aveva notato fin dal 1937 con un modello disegnato per Robert Piguet e il New Look, la novità della quale lei annunciava la nascita, fu come una detonazione.

La Grande Guerra era finita da due anni e, con la sua collezione Corolle, Monsieur Dior voleva segnare una svolta lasciando al passato restrizioni e austerità: l’abbondanza di stoffa dei suoi modelli fu in effetti di non poco aiuto alla ripresa dell’industria tessile.

Il couturier intendeva restituire alle donne il gusto di piacersi e di piacere, gusto che era stato sacrificato dalla guerra.

«Volevo che gli abiti fossero modellati sulle curve del corpo femminile. Sottolineavo la vita e i fianchi, mettevo in evidenza il seno. Per dare più struttura ai miei modelli, feci foderare tutti i tessuti di percalle o taffetà, riprendendo una tradizione da tempo abbandonata.»

Così dichiarò Christian Dior.

Ma il suo spirito innovativo non si esaurì certo con la creazione della collezione Corolle: da allora, ogni anno, immise sul mercato nuove idee, creando una continua attesa.

Nel 1949 fu la volta di una linea a pannelli intercambiabili; nel 1950 la linea verticale portò le gonne a tubo; nel 1951 la linea diventò lunga con gonne strutturate per dare più slancio al busto; nel 1952 la linea divenne sinuosa con la vita sciolta e la gonna più corta; nel 1953 la linea tulipano valorizzò il seno; nel 1954 la linea a H uniformò invece il seno alla linea del corpo; nel 1955 la linea ad A portò gonne ampie e spalle strette; nel 1956 la linea a freccia assottigliò la figura; nel 1957, infine, apparve la linea a sacco.

Christian Dior fu anche tra i primi couturier ad associare in maniera sistematica accessori e vestiti: ai modelli affiancò infatti scarpe, borse, foulard, profumi e perfino lo smalto per le unghie.

Sempre nel 1947, per esempio, vide la luce Miss Dior, primo profumo della Maison: prendeva il nome da Catherine, la sorella del couturier.

Proprio per festeggiare i 70 anni – ormai 71 – dalla fondazione della maison e dal lancio del New Look, il prestigioso Muséedes Arts Décoratifs di Parigi ha inaugurato una mostra intitolata Christian Dior, couturier durêve ovvero lo stilista del sogno.

La retrospettiva – iniziata lo scorso 7 luglio e aperta fino al 7 gennaio 2018 – include non solo i capi, ma anche fotografie e documenti, da illustrazioni, schizzi e pubblicità fino a reportage di moda, oltre a un’ampia gamma di accessori, borse, scarpe, cappelli, gioielli e boccette di profumo.

I curatori Florence Müller e Olivier Gabet hanno progettato la mostra installando dipinti e oggetti d’arte che dialogano con sette decenni di creazioni Dior e hanno inserito nel percorso espositivo più di 300 capi: l’esposizione annovera così modelli disegnati non solo dal fondatore, ma anche dagli stilisti che si sono succeduti alla guida della maison dopo di lui.

Diorè infatti sopravvissuta alla scomparsa del suo fondatore e, oggi, è uno dei marchi globali di lusso dalla holding LVMH: dopo Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano e Raf Simons, vede attualmente una donna nel ruolo di direttore creativo.

Si tratta dell’italiana Maria Grazia Chiuri che, dal 1999 al 2016, ha lavorato per Valentino in coppia con Pierpaolo Piccioli: la Chiuri è la prima donna in una dinastia di soli uomini e c’è da scommettere che – come ha già dimostrato di poter fare – continuerà a tenere viva quell’attesa che Monsieur Dior fu capace di creare.

Emanuela Pirré

La mostra al Muséedes Arts Décoratifs

In foto: scenografie dell’esposizione Christian Dior, couturier durêve © Le arti decorative, Parigi  foto @LucBoegly – dalla pagina Facebook del Museo

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