As we all know, Weekend Max Mara is a lifestyle brand, born in Italy and defined by a strong personality. It offers a fresher vision of classic pieces, resulting in a casual and up-to-date elegance for free-spirited women who know how to truly appreciate culture and fashion.

This project in particular, explores the fine line that both connects and separates fashion and contemporary art, and blurs this boundary. It features five internationally recognized female artists, who have reinterpreted one of the brand’s most iconic garments: the Canasta trench coat.
Here, it becomes a creative blank canvas that reflects each artist’s universe. Their personal and artistic storytelling transforms a wardrobe staple into a wearable artwork.

The selection of artists was curated by renowned art critic and curator Francesco Bonami, who has played—and continues to play—a crucial role in art field. Just to name two of his major roles, he was director of the Venice Biennale and curator of the Whitney Biennale of American Art.
His approach prioritizes originality and expressive strength, to let artists operate freely beyond trends and conventions.
The trench coats are the undeniable stars of the campaign, with Petra Collins in her dual role as model and photographer adding sparkle with a series of self-portraits.

Victoria Kosheleva: cyber expressionism

Victoria Kosheleva’s style blends classical painting traditions with contemporary aesthetics in what she defines as “cyber expressionism”. She painted directly on a prototype trench, then transformed into a print reproduced by Weekend Max Mara.
Central to her project is the figure of the trickster, an archetypal character who’s ambiguous, deceptive and constantly transforming. This is reflected into a constellation of symbolic elements typical of her work, such as decorative eyes, checkerboards patterns, swirls and flowers.
As the artist explains, her final aim is to create a fragment of a story through the garment and make people feel like stepping into a different atmosphere or dream. It’s more than just a trench coat.

Paola Pivi: between lights and colors

The Italian artist, who lives and works in Hawaii, got her inspiration from the intense natural light and vibrant landscapes of the islands that she now calls home.
In Paola Pivi’s works, everyday objects are reshaped into something sculptural and playful at once, inviting the viewer—and in this case wearer—to rediscover a familiar item through a shift in perception.
Her trench coat is decorated with a rainbow spectrum, a reference that comes from the striking double rainbows that frequently paint Hawaii’s skies. The arrangement of the stripes also changes our visual impression of the silhouette, creating an hourglass effect.

Tschabalala Self: Infinity Flowers

In her interpretation, Tschabalala Self brings to the table her distinctive visual language and symbolism. The New York-based artist is widely known for her installations, which explore deeply the concept of identity.
For this capsule collection, she has changed the coat’s color into a soft butter yellow shade, evoking delicacy and light. However, it’s only the background for her signature motifs: Infinity Flowers. They are symbols of ephemeral beauty and fragility of nature, giving a simple trench coat a deeper meaning and turning it into something to reflect on.
At the same time, Infinity Flowers also suggest a poetic reflection on transformation, serving as a metaphor for the constant change and growth of what already exists.
Her pattern is created using a technique inspired by batik, a traditional fabric dyeing process now reinterpreted in a contemporary way.

Tai Shani: feminine codes and utopian militancy

Tai Shani’s trench coat is a conceptually layered item. She often explores overlooked themes related to reproductive labor, vulnerability and solidarity in her works.
For Weekend Max Mara’s collection, she decided to cover the coat in black vinyl, radically altering the traditional identity of the garment. With this dark and dramatic finish, she’s able to amplify the sense of mystery and secrecy. What strikes the most though, is the way she plays with it: the glossy black background is contrasted with hand-drawn illustrations of adorable kittens, creating tension between seduction and humor. The motif pays homage to the visual culture of 1950s pin-ups in an ironic and original way.
He trench also reflects a broader investigation into the visual codes traditionally associated with femininity—floral, gothic or psychedelic aesthetics—challenging conventions of both fashion and gender.

Shafei Xia: inner duality

Shafei Xia, Chinese artist currently based in Bologna, is known for her reinterpretations of historical visual traditions, with an ironic and provocative approach.
This time she used watercolors on sandalwood paper. Her aesthetic references the tradition of 19th century Japanese shunga, as well as elements from Chinese erotic paintings. The composition brings together themes of desire, sensuality and symbolism. It depicts a female figure fused with a white tiger, one of the Four Symbols of Chinese mythology, often associated with strength, courage, power and instinct. Floral elements enrich the image, from the collar down to the hem.
Her trench coat explores the complexity of opposing forces that coexist in us.

This collection reinforces the idea of fashion as collectible art.

Each piece becomes a wearable artwork, carrying the vision and identity not only of its creator, but also of its wearer. This type of creative experimentation doesn’t stop with the artist: it flows and regenerates every time one of these items is worn. Some people might be drawn to the vinyl trench, others to the butter-yellow one. Each piece creates an invisible connection between the wearer and the artist who imagined it. In the end, these trench coats say more about who we are than we might be willing to admit.

A Weekend with an Artist

Quando si dice che dovremmo indossare la nostra creatività, probabilmente si intende qualcosa del genere. “A Weekend with an Artist” è la capsule collection Primavera/Estate 2026 di Weekend Max Mara ed è così originale e personale da far scattare subito qualcosa in noi. Ci si ritrova ad entrare in sintonia con uno o più di questi capi: ed è proprio questo il bello della collezione.

Weekend Max Mara è un lifestyle brand nato in Italia e caratterizzato da una forte personalità. Le sue collezioni offrono una visione più fresca dei capi classici, dando vita ad un’eleganza casual e contemporanea pensata per donne dallo spirito libero, che sanno apprezzare davvero cultura e moda.

Questo progetto, in particolare, esplora quella linea sottile che allo stesso tempo unisce e separa moda e arte contemporanea, arrivando quasi a cancellarne il confine.
Protagoniste sono cinque artiste di fama internazionale, invitate a reinterpretare uno dei capi più iconici del brand: il trench Canasta.
In questo contesto, il trench Canasta diventa una vera e propria tela bianca che riflette l’universo creativo di ciascuna artista. Il loro racconto personale e artistico trasforma così un classico del guardaroba in un’opera d’arte da indossare.

La selezione delle artiste è stata curata dal celebre critico e curatore Francesco Bonami, figura che ha avuto—e continua ad avere—un ruolo fondamentale nel mondo dell’arte. Tra i suoi incarichi più importanti, è stato direttore della Biennale di Venezia e curatore della Whitney Biennial of American Art.
Il suo approccio privilegia originalità e forza espressiva, lasciando alle artiste la libertà di muoversi al di là di trend e convenzioni.
I trench sono i protagonisti indiscussi della campagna, con Petra Collins nel doppio ruolo di modella e fotografa che aggiunge un tocco di brillantezza grazie ad una serie di autoritratti.

Victoria Kosheleva: cyber espressionismo

Lo stile di Victoria Kosheleva fonde la tradizione pittorica classica con un’estetica contemporanea, in quello che lei stessa definisce “cyber espressionismo”. L’artista ha dipinto direttamente su un prototipo del trench, poi trasformato in una stampa da Weekend Max Mara.
Al centro del progetto c’è la figura del trickster, un personaggio archetipico ambiguo, ingannevole e in costante trasformazione. Questa idea prende forma in una costellazione di elementi simbolici tipici della sua estetica: occhi decorativi, scacchiere, vortici e motivi floreali.
Come spiega l’artista, l’obiettivo finale è creare, attraverso il capo, un frammento di storia, capace di far sentire chi lo indossa come se stesse entrando in un’altra atmosfera, quasi in un sogno.
Non è semplicemente un trench coat: è qualcosa di più.

Paola Pivi: tra luce e colore

L’artista italiana Paola Pivi, che vive e lavora alle Hawaii, ha tratto ispirazione dalla luce intensa e dai paesaggi vibranti delle isole che oggi chiama casa.
Nelle sue opere, gli oggetti quotidiani vengono trasformati in qualcosa di scultoreo e giocoso allo stesso tempo, invitando lo spettatore—e in questo caso chi indossa il capo—a riscoprire un oggetto familiare attraverso un cambio di prospettiva.
Il suo trench è decorato con uno spettro cromatico che richiama l’arcobaleno, ispirato ai suggestivi doppi arcobaleni che spesso colorano il cielo delle Hawaii.
Anche la disposizione delle strisce contribuisce a modificare la percezione della silhouette, creando un effetto a clessidra.

Tschabalala Self: Infinity Flowers

Nella sua interpretazione, Tschabalala Self porta in campo il suo linguaggio visivo e simbolico distintivo. L’artista newyorkese è nota per le sue installazioni, che esplorano in profondità il tema dell’identità.
Per la collezione di Weekend Max Mara ha trasformato il colore del trench in una delicata tonalità giallo pastello, luminosa e leggera. Questo colore diventa però soltanto lo sfondo dei suoi motivi distintivi: gli Infinity Flowers.
Questi fiori sono simboli della bellezza effimera e della fragilità della natura, conferendo ad un capo apparentemente semplice un significato più profondo che invita alla riflessione.
Allo stesso tempo rappresentano anche una metafora della trasformazione continua: un richiamo alla capacità di cambiare e crescere partendo sempre da ciò che già esiste.
Il motivo è realizzato con una tecnica ispirata al batik, l’antico metodo di tintura dei tessuti che qui viene reinterpretato in chiave contemporanea.

Tai Shani: codici femminili e militanza utopica

Il trench di Tai Shani è un oggetto ricco di livelli concettuali. Nelle sue opere artistiche affronta spesso temi poco visibili come il lavoro riproduttivo, la vulnerabilità e la solidarietà.
Per questa capsule collection ha deciso di rivestire il trench con vinile nero lucido, trasformando radicalmente l’identità tradizionale del capo. Questa finitura scura e teatrale amplifica il senso di mistero e di segretezza.
Ciò che colpisce di più, però, è il modo in cui l’artista gioca con questo immaginario: il fondo nero è infatti decorato da illustrazioni disegnate a mano di adorabili gattini, creando un curioso contrasto tra seduzione e ironia.
Il suo scopo è omaggiare, in modo ironico ed originale, la cultura visiva delle pin-up degli anni Cinquanta.
Il trench riflette anche una riflessione più ampia sui codici visivi tradizionalmente associati alla femminilità, come l’estetica floreale, gotica o psichedelica, mettendo in discussione convenzioni sia della moda sia del genere.

Shafei Xia: dualità interiore

Shafei Xia, artista cinese che oggi opera a Bologna, è nota per la sua reinterpretazione delle tradizioni visive storiche attraverso un approccio ironico e provocatorio.
Per questo progetto ha utilizzato acquerelli su carta di sandalo. La sua estetica richiama la tradizione delle stampe giapponesi shunga del XIX secolo, insieme ad elementi della pittura erotica cinese.
La composizione unisce temi di desiderio, sensualità e simbolismo. L’immagine mostra una figura femminile fusa con una tigre bianca, animale potente appartenente ai Quattro Simboli della mitologia cinese, spesso associato a forza, coraggio ed istinto.
Elementi floreali arricchiscono la scena, estendendosi dal colletto fino all’orlo del capo.
Il suo trench diventa così un’esplorazione della complessità delle forze opposte che convivono dentro di noi.

Questa collezione rafforza l’idea della moda come arte da collezione.

Ogni capo diventa un’opera da indossare, capace di racchiudere la visione e l’identità non solo di chi lo ha creato, ma anche di chi lo porta. Questo tipo di sperimentazione creativa non si ferma all’artista: continua a vivere e a trasformarsi ogni volta che uno di questi capi viene indossato.
C’è chi sarà attratto dal trench in vinile nero, chi invece da quello giallo burro. Ogni pezzo crea un legame invisibile tra chi lo indossa e l’artista che lo ha immaginato.
Alla fine, questi trench raccontano qualcosa di noi… forse più di quanto siamo disposti ad ammettere.

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From November 27, 2025, to January 24, 2026, the Antonio Colombo Contemporary Art Gallery in Milan (Via Solferino 44) hosts a compelling dual exhibition curated by Ivan Quaroni, featuring Paolo Pibi and Riccardo Nannini.
The event celebrates two distinct yet harmoniously intertwined artistic visions that explore stillness, introspection, and contemporary irony.

Paolo Pibi: “Minimi Mondi” the stillness of infinite worlds

Paolo Pibi’s collection Minimi Mondi presents meticulous acrylic paintings on canvases, panels, and found objects — a vibrant exploration of esoteric naturalism and surreal beauty. His lacquered surfaces transform still landscapes into living meditations where the absence of human figures becomes an invitation to self-reflection.

Pibi’s works evoke a sense of timeless tranquility, a dialogue between light and silence. His refined technique combines geometric stability, spiritual depth, and visionary imagination, echoing the harmony of Magritte’s realism but transcending surrealism toward an introspective, emotional naturalism.

Key artworks:

• Saint Denise, Brebus, Sacrae Symphoniae, Threshold
• Ascend (2025) and A Train (2025), where the fusion of color feels “hyperphantasic” — almost photographic, yet profoundly spiritual.
• Super (2025), a snowy landscape painted on a wooden tennis racket, referencing Cubist collage traditions of Braque and Picasso.

Through muted tones and luminous highlights, Pibi awakens the viewer’s inner perception, merging the tactile with the transcendent. His art whispers: stillness is not silence, but revelation.

Riccardo Nannini: “Walk The Line” irony, chaos, and contemporary humanity

In the Magic Bus Project Room, Riccardo Nannini’s exhibition Walk The Line explodes with colorful irony and cinematic tension. Inspired by R.E.M.’s “Imitation of Life”, Nannini constructs chaotic yet relatable scenes populated by eccentric, vividly real characters.

The painting Welcome (2025) greets the viewer with a mischievous self-portrait, a man with a rifle and a smile, setting the tone for a gallery filled with playful unease and everyday madness.

Artistic influences & themes

Drawing from comics, pop culture, and film, Nannini channels the visual energy of Tarantino, Lynch, and Tim Burton. His bright, contrasting tones serve as warning signs in the carnival of life, transforming trivial objects, cigarette butts, broken glasses, empty cans, into symbols of consumerist decay and existential tension.

In Tiger Queen (2024), scattered pills and fast-food remnants expose modern society’s addictions. In Breakfast With Wolves (2024), he captures the paradox of connection and isolation, a portrait of humanity at the edge of chaos.

A shared vision

Together, Pibi and Nannini invite viewers to walk the line between quiet contemplation and vivid expression.
Their works reflect two sides of the human experience: one seeks peace in stillness, the other truth in absurdity.

The exhibition reminds us that art is not about noise or silence, but about listening.

Article by: Sveva Castellani

Photocredits: Pinterest

La chiusura silenziosa e la compostezza fragorosa

Milano, Via Solferino 44.
 Il 27 novembre, nella galleria Antonio Colombo Contemporary Art, si è aperta una porta su due mondi che non si toccano, ma si osservano.
Da una parte il silenzio che respira; dall’altra, il rumore che pensa.
 Paolo Pibi e Riccardo Nannini, due voci lontane, unite da un filo invisibile che vibra tra la calma e il caos. 
A custodire il dialogo, lo sguardo acuto del curatore Ivan Quaroni. 
L’esposizione durerà fino al 24 gennaio 2026, ma certe visioni restano negli occhi più a lungo.

Paolo Pibi Minimi Mondi

I suoi mondi non gridano. 
Si lasciano guardare, come si guarda un ricordo.
 Acrilici su tela, su pannelli, su oggetti trovati per caso e amati per scelta.
 Paesaggi che sembrano immobili e invece respirano, colti in quell’attimo prima della dissolvenza.

C’è un’eco di Magritte, sì, ma Pibi non sogna per fuggire: sogna per capire.
 Ogni pennellata è un respiro, ogni colore una domanda.
Le nuvole sono confini, le luci crepe di anima.
 E poi Super, un paesaggio nevoso dipinto su una racchetta da tennis.
Là dove mancano le corde, vibra l’assurdo.
Un omaggio al Cubismo, certo, ma anche una carezza all’ironia della vita.

Pibi parla piano, eppure costringe al silenzio chi guarda.
Nelle sue opere la quiete non è assenza, è presenza. 
È un modo per dire: “Guarda meglio. C’è ancora vita, anche dove sembra tutto fermo”.

Riccardo Nannini Walk The Line

Dall’altra parte del muro rosso, Nannini esplode. 
Colori come ferite aperte, ironia come arma gentile.
 Le sue tele sono il caos lucido della modernità: feste, sigarette, lattine vuote, pericoli travestiti da sorrisi.
In Welcome(2025), un uomo con un fucile e un sorriso ci accoglie. È lui, l’artista. È noi, lo spettatore.
Tutto è finto eppure vero, tutto è leggero ma pesante da capire.

C’è il cinema dentro le sue tele, Tarantino, Lynch, Tim Burton, e c’è l’eco di un’umanità che si aggrappa alle sue stesse paure per sentirsi viva.
Dietro ogni pennellata, una domanda: “Quanto costa, oggi, essere sinceri?”.

In Tiger Queen (2024), la giungla non è fuori, è dentro.
 Tra pillole, dollari e hamburger, si muove una bellezza stanca, addomesticata.
E in Breakfast With Wolves (2024), l’equilibrio precario tra follia e normalità si fa poesia, amara ma vera.

Due mondi, una stessa fame

Paolo Pibi cerca il silenzio per capire.
 Riccardo Nannini cerca il rumore per sopravvivere. 
Insieme, raccontano la stessa condizione: quella dell’uomo che osserva il mondo e ne teme la fine, ma non smette di amarlo.

Perché  l’arte, quando è vera, non consola. Ferisce. E solo allora, ci sveglia.

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Ci insegnano che esiste l’eleganza, ma, non ci dicono che c’è un’eleganza che non ha bisogno di clamori, una bellezza che sussurra invece di gridare. È quella che si respira entrando in Via Manin 13 a Milano, dove LDR22, la boutique agency fondata da Lucio Di Rosa, ha riaperto le sue porte per la quinta edizione di Art Glance, confermando che la moda – quando incontra l’arte contemporanea – può farsi poesia visiva.

Protagonista di questa nuova conversazione estetica è Bastiaan Woudt, fotografo olandese di fama internazionale, noto per il suo stile minimalista e raffinato. La sua mostra personale, “Into Details”, realizzata in collaborazione con MC2gallery e curata da Jessica Tanghetti, è un viaggio nel bianco e nero come dimensione dell’anima, un ritorno alla purezza della forma e al mistero della figura femminile.

In un tempo saturo di colori urlati e filtri digitali, Woudt sceglie il silenzio: le sue donne non posano, esistono. Sono statue di luce, presenze sospese tra il corpo e l’idea, tra il gesto e la memoria. Ogni scatto fotografico sembra provenire da un’epoca senza tempo, eppure vibra di una modernità disarmante. Le ombre accarezzano, le linee scolpiscono, le tensioni corporee parlano un linguaggio universale: quello della grazia.

La filosofia di Woudt

“Le opere in questa mostra,” spiega Bastiaan Woudt, “sono il risultato di una ricerca continua sulla forma, sul materiale e sul modo in cui le immagini possono veicolare emozioni.”

Un’affermazione che, nella sua sobrietà, racchiude la filosofia di un autore che ha saputo conquistare le pagine di Vogue, Harper’s Bazaar, Numéro e collaborare con maison come Dior e Chanel. Ma più che la moda, in Woudt si respira una devozione quasi monastica alla bellezza: quella essenziale, senza tempo, che si misura nel gioco eterno tra luce e ombra.

Eppure, nulla in questa mostra fotografica è freddo o distante. Forse perché dietro l’obiettivo c’è un artista che cerca – con ostinata curiosità – l’umanità nella perfezione. Il suo bianco e nero non è sottrazione, ma rivelazione: un modo per dire che la semplicità, quando è autentica, sa essere rivoluzionaria.

Il sodalizio con LDR22

Lucio Di Rosa, ideatore di LDR22 Art Glance, confessa di sentirsi pienamente rappresentato da questa estetica:

“C’è una purezza formale, una precisione geometrica e una tensione emotiva che catturano lo sguardo e l’anima. Le sue immagini invitano a fermarsi, a sentire e a riflettere.”

Parole che raccontano molto non solo dell’artista, ma anche della visione di LDR22, agenzia milanese capace di trasformare la comunicazione strategica in un linguaggio dell’emozione, dove moda, arte e design dialogano senza mai sovrastarsi.

Il vernissage del 2 dicembre 2025 ha accolto un pubblico scelto in un’atmosfera intima e raccolta, quella giusta per lasciarsi avvolgere dal ritmo lento di fotografie che chiedono tempo, attenzione e silenzio. La mostra sarà aperta fino al 1° febbraio 2026, su appuntamento, presso lo spazio LDR22 di Milano.

Perché “Into Details” non è solo una mostra fotografica: è un esercizio di attenzione, un invito a rallentare e osservare. In un mondo che corre, Bastiaan Woudt e LDR22 Art Glance ci ricordano che la vera modernità, come avrebbe detto un gentleman di altri tempi, è saper guardare.

Photocredits: press kit LDR22

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Con la linea di shopper Kasanova, l’arte si fa quotidiana e accessibile a tutti. Queste shopper, pensate per accompagnare la vita di ogni giorno, trasformano un oggetto semplice in un mezzo attraverso cui la creatività entra nelle mani delle persone, letteralmente.

Grazie al prezioso contributo del collega e artista Alessandro Brambilla, terzo figlio della fondatrice Giannina Fontana, sono nate bellissime shopper di carta riciclata impreziosite da originali raffigurazioni di acquerelli. La storia di Giannina Fontana, donna intraprendente e visionaria, è profondamente legata ai valori di famiglia, passione e bellezza del quotidiano. Dalla sua idea prende vita Kasanova, con l’obiettivo di portare nelle case italiane oggetti utili e di qualità, capaci di unire funzionalità, estetica e calore umano.

L’amore di Alessandro per la pittura nasce sui banchi della scuola elementare, stimolato dall’amicizia con l’amico pittore Gianko. Col tempo si dedica alla pittura a olio e alla scultura in terracotta, fino a scoprire nella tecnica dell’acquerello la forma espressiva perfetta per il suo innato senso del colore.

Quando dipingo mi sento felice – Alessandro Brambilla

I colori e le vivaci forme degli acquerelli di Alessandro sono diventati messaggi positivi e ispirazionali, oggi simbolo del brand. Le sue opere accompagnano le shopper di carta riciclata Kasanova, rendendole un’icona riconoscibile e carica di significato: un invito a vivere l’arte ogni giorno, in modo semplice e sostenibile.

Ogni shopper è così molto più di una borsa: è un piccolo gesto d’amore per il pianeta e un segno di come l’arte possa davvero essere inclusiva, capace di unire bellezza, responsabilità e quotidianità. Perché anche un gesto semplice come fare shopping può trasformarsi in un’esperienza artistica e consapevole.

Foto: A courtesy of Kasanova

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Immagina un’arte che non vive chiusa tra le pareti di un museo, ma che respira insieme alla natura, fondendosi con il paesaggio fino a diventarne parte integrante. Questa è la Land Art: una corrente nata negli Stati Uniti negli anni ’60, in un periodo di profondi cambiamenti sociali e culturali. Erano anni in cui molti artisti sentivano l’esigenza di allontanarsi dal sistema tradizionale di gallerie e musei, percepito come distante dalla vita reale.

La Land Art nasce come risposta a questo bisogno. Un’arte che si costruisce con e nella natura, accessibile a tutti senza vincoli di spazio o di tempo. Le opere non sono semplici oggetti da contemplare, ma trasformazioni monumentali del paesaggio, in cui l’intervento umano lascia un segno destinato a mutare nel tempo, modellato dal vento, dalla pioggia e dal sole. In questo dialogo continuo, l’artista non domina la natura, ma la riconosce come compagna e maestra, diventando a sua volta parte integrante del pianeta.

L’arte che nasce da un luogo

Una delle caratteristiche più affascinanti della Land Art, oltre alla sua natura effimera, è il principio del site-specific. Ogni opera viene pensata e realizzata per un luogo preciso, e solo in quel contesto acquista significato. Le tecniche impiegate sono molteplici e mutano in base all’ambiente e ai materiali disponibili. Alcuni artisti scolpiscono con pietre, legno o rami, modellando la natura senza forzarla. Altri preferiscono elementi come sabbia o neve, con cui creano forme geometriche e simmetriche, destinate a trasformarsi o dissolversi nel tempo.

I protagonisti della Land Art

Tra i più celebri esponenti internazionali della corrente artistica spicca senza dubbio Robert Smithson. Spiral Jetty (1970) è la sua opera più iconica, una maestosa spirale costruita sulla riva del Grande Lago Salato, vicino a Rozel Point, nello Utah. Per realizzarla furono necessari 6.500 tonnellate di basalto, terra e sale. Si snoda in senso antiorario, composta con le rocce locali e il fango del luogo, in un dialogo diretto e indissolubile con l’ambiente circostante.

Un altro nome fondamentale è quello di Christo. Le sue Floating Piers, passerelle galleggianti, nell’estate del 2016 permisero a migliaia di persone di camminare letteralmente “sull’acqua” del Lago d’Iseo.

In Sicilia, invece, si trova uno dei capolavori più significativi della Land Art italiana: il Cretto di Burri. Realizzato a partire dagli anni ’80 dall’artista umbro Alberto Burri, sorge sulle macerie della vecchia Gibellina, distrutta dal terremoto del 1968. Qui, un’enorme colata di cemento bianco ha ricoperto l’intera area, trasformandola in una scultura monumentale a cielo aperto. 

Un’arte viva e in continuo mutamento

Definire la Land Art semplicemente come scultura sarebbe riduttivo. Essa è, piuttosto, un’azione, un processo, una trasformazione del territorio che diventa esso stesso opera. Coinvolge l’intero corpo, invitando chi guarda a camminare, esplorare e immergersi in un’esperienza diretta e sensoriale. È un’arte che non conosce staticità, evolve nel tempo, cambiando volto con le stagioni, la luce e le condizioni climatiche.

Foto: Pinterest

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Negli spazi de La Nuvola, nel quartiere EUR di Roma, si svolge la mostra interattiva di arte contemporanea Euphoria – Art is in the Air di Balloon Museum, curata da Valentino Catricalà con la collaborazione di Antonella Di Lullo, e patrocinata dal Comune di Roma e dal MiC – Ministero della Cultura. L’esposizione propone un viaggio sensoriale unico, dove il pubblico può interagire con opere d’arte gonfiabili e installazioni spettacolari, trasformando l’esperienza visiva in un coinvolgente gioco di forme e colori.

L’ispirazione della mostra

L’esposizione presenta oltre 20 istallazioni monumentali e opere d’arte gonfiabile interattive, di cui la maggior parte sono state realizzate per l’occasione, progettate da famosi artisti contemporanei internazionali, come Carsten Höller, Philippe Parreno, Hyperstudio, Rafael Lozano-Hemmer, Quiet Ensemble, Martin Creed, Ryan Gander, A.A. Murakami, Karina Smigla-Bobinski, Quiet Ensemble, e tanti altri rinomati artisti della scena internazionale.

Il Balloon Museum, è un progetto itinerante unico nel suo genere, che pone al centro il visitatore e la sua esperienza diretta. Progetto prodotto da Lux Entertainment che ad oggi ha ideato oltre tre mostre, Let’s Fly, Pop Art ed Emotion Air in tour in Europa, America e Asia.
Questa visione, tanto semplice quanto rivoluzionaria è nata come risposta creativa al cambiamento del paesaggio sociale e culturale internazionale, dichiara Roberto Fantauzzi, presidente Lux Entertinment S.p.A

Immergersi nell’esperienza

Il Balloon Museum ospita oltre 20 istallazioni all’interno della mostra. Tra queste Philippe Parreno presenta le Speech Bubbles e My Room is Another Fish Bowl. La prima è un’istallazione evocativa che trasforma lo spazio in un ambiente surreale. Centinaia di palloncini trasparenti, gonfiai con elio, fluttuano sul soffitto come nuvolette. Con il loro colore arancione che inonda la stanza di emozione e vitalità. I palloncini interagiscono con la luce, proiettando morbide riflessioni e ombre su pareti e pavimenti. La seconda istallazione sotto forma di diverse specie di pesci, si muovono liberamente nello spazio della stanza. Questa opera è stata pensata per fluttuare a diverse altezze, seguono la corrente d’aria prodotta dal passaggio delle persone.

Il collettivo Quiet con A Quiet Storme ti avvolge nell’oscurità. I visitatori sono sorpresi da infinite bolle di sapone che fluttuano nello spazio muovendosi a ritmo di una composizione sonora creata dal duo artistico italiano. Tutte piene di un denso fumo bianco che le rende opache. Al primo contatto le bolle di sapone, leggere e fragili, esplodono rilasciando la nube densa. Il tempo sembra sospeso, un momento di pace in un mondo in cui solitamente tutto va di fretta.

Hypertudio, un altro collettivo italiano, tra le varie opere presentate al museo, Hyperlove permette agli spettatori di immergersi in un ambiente surreale. Invitandoli ad entrare in una piscina di sfere rosse e a interagire nello spazio che lo circonda. Tra le luci i tessuti e i suoni, diventando parte integrante della narrativa.

Per gli artisti l’esperienza umana diventa parte essenziale dell’opera. Rafael Lozano-Hemmer, creatore di Pulse Topology, permette al visitatore di immergersi nell’esperienza della sua arte. La stanza è composta da migliaia di lampadine sospese a diverse altezze, che formano delle onde fluttuanti sparse per il soffitto. La luminosità di ciascuna lampadina scintilla in risposta al battito cardiaco di uno spettatore che ha interagito, attraverso delle colonnine connesse alle lampadine, con l’opera. 

Grazie alla capacità di coniugare arte e intrattenimento, creatività e meraviglia. il Balloon Museum offre un’esperienza inedita e memorabile a milioni di visitatori, con l’opportunità di portarti a casa un ricordo. Il Flower Bar, fiori sotto forma di palloncini, o un felpa personalizzato e targata Balloon Museum grazie al BookShop, in cui oltre che abbigliamento, offre la possibilità di avere sotto forma di cartoline, segnalibri o poster un’opera che ti ha colpito all’interno del museo.

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Brian Donnelly, nasce inizialmente come writer, sui muri di New York. In giro per la città rilasciava graffiti con solo la sua firma: “Kaws”. Senza un reale significato apparente, la parola Kaws suonava bene e si mostrava ben disegnata. Questa sua attenzione all’estetica sarebbe il filo conduttore della sua carriera, dall’accostamento delle lettere giuste al suono del nome, Brian Donnelly è riuscito a creare un vero e proprio marchio, famoso in tutto il mondo con le sue opere, tra cui CHUM, la reinterpretazione dell’omino Michelin, Companion, il personaggio che ricorda Michey Mouse, con pantaloncini e guanti che. E i Kimpsons, una parodia dei Simpsons. Tutto con il suo marchio distintivo rappresentato da due X al posto degli occhi.

La storia 

Negli anni ’90 Donnelly si trasferisce a New York per frequentare la prestigiosa scuola di formazione artistica, School of Visual Arts. Parallelamente, inizia subito a distinguersi per il suo approccio innovativo, il così detto subvertising, ovvero subvert + advertising cioè l’arte che sovverte i cartelloni pubblicitari. 

Donnelly trasformava i poster pubblicitari per le strade in vere e proprie tele, personalizzandoli con con i suoi iconici personaggi dagli occhi a forma di “X”. Questo, catturava l’attenzione di tutti, riconoscendo in lui un talento unico nel mondo dell’arte urbana. Così, Brian Donnelly si affermava sempre di più come eccellenza nella scena streetart newyorkese. 

La svolta 

La vera svolta avviene durante un viaggio in Giappone quando si innamora profondamente degli Art Toys. Questi oggetti, che combinano arte e cultura pop, lo colpiscono per la loro unicità e per la straordinaria capacità dell’arte di sorprendere in ogni sua forma. Gli Art Toys sono veri e propri pezzi di design che gli artisti creano sperimentando colori, materiali e tecniche. Possiamo definirli come esemplari da collezione, poiché spesso disponibili solo in edizioni limitate. 

Brian, ispirato da questa scoperta crea il suo personaggio più famoso “Companion” una fusione del personaggio di topolino, con pantaloni corti, guanti e scarpe oversize, con un volto a forma di teschio e i caratteristici occhi a X, divenuti il tratto distintivo dell’artista. Questa sua caratteristica unica gli ha permesso di reinterpretare altre figure famose, rendendolo unico e riconoscibile in tutto il mondo. 

Attraverso mondi diversi, come streetart, design, moda, sculture, arredamento, e anche orologi Brian Donnelly si è fatto strada nel mondo distinguendosi per la capacità di unire linguaggio e arte.Le sue collaborazioni con alcuni dei brand più influenti hanno ulteriormente consolidato la sua reputazione, portando la sua arte a un pubblico sempre più ampio.

Credits: Sfilata Dior Homme primavera estate 2019 Paris Fashion Week Bertrand Rindoff Petroff; Yuz Museum; Artsy.net

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Di cosa stiamo parlando? 

Dell’arte di Fontanesi, una creatura anonima che, figlia del mondo digitale, scivola tra i profili Instagram come un’ombra sfuggente, ricordandoci che non tutto può essere incasellato in una categoria o un hashtag. 

Lui, o lei, ha deciso di rubare un nome che sa di passato, un nome che appartiene a un pittore dimenticato del XIX secolo. Ma non c’è nulla di nostalgico in Fontanesi. C’è invece il cortocircuito, il pugno nello stomaco che ti lascia senza fiato.

Attivo dal 2012, Fontanesi ha trasformato i social media — Instagram, in particolare — in un laboratorio d’avanguardia. Non si tratta di un semplice archivio d’immagini, bensì di un palcoscenico dove due frammenti del mondo, apparentemente scollegati, si incontrano e dialogano. È come se prendesse due mondi lontani — un cane che corre su un prato e il frammento di un muro sbrecciato — e li unisse in un’unica storia. 

Nessuna didascalia, nessun indizio, solo un invito: guardare.

Il layout delle storie, l’arte del disordine

Fontanesi si appropria del caos di Instagram e lo rende sistema. Il layout delle “stories”, quella griglia nata per catturare momenti fugaci, diventa il terreno fertile per un’estetica che flirta con il neorealismo, con la pittura fiamminga, e persino con l’irriverenza di Munari. 

Ogni immagine è un frammento; ogni frammento è una domanda. E, in fondo, non è questo il compito dell’arte? Metterci davanti ad enormi punti interrogativi, spogliarci della nostra certezza che il mondo sia fatto di ordine e bellezza? Perché il mondo di Fontanesi non è bello. È grottesco, è ironico, è romantico e, a volte, perturbante.

Ciò che colpisce, in questa “pratica fontanesiana”, è la capacità di smascherare il vuoto sotto il patinato. Nei suoi collage visivi, l’estetica della spontaneità digitale — selfie, scorci di città, animali, texture urbane — viene riassemblata in composizioni che non vogliono mai consolarti. 

Non ci sono sorrisi, non ci sono idilli. Ci sono, invece, lampi di verità: l’erba che cresce tra le crepe di un muro; il riflesso distorto di un volto nell’acqua sporca; il cielo grigio che incombe sopra un edificio in rovina.

Un’estetica che non si piega alle regole

Alcuni critici vedono in Fontanesi un ritorno al neorealismo: l’arte del quotidiano, del brutto che si fa sublime. Altri evocano la pittura fiamminga, con la sua ossessione per il dettaglio e per la luce che trasforma anche l’oggetto più umile in qualcosa di eterno. 

Ma non è qui che sta il vero fascino di Fontanesi. Il suo genio, semmai, sta nella libertà con cui maneggia questi riferimenti, nel modo in cui trasforma la banalità in narrazione.

Fontanesi, come un Munari digitale, gioca con il nostro sguardo e con il nostro immaginario. Le sue immagini sono un enigma che non offre soluzione. C’è chi ci vede ironia, chi romanticismo, chi un filo di malinconia. Ma non importa ciò che vedi: importa ciò che senti. 

E ciò che senti è un misto di inquietudine e meraviglia, come se stessi spiando qualcosa di troppo intimo per essere condiviso.

L’arte che ci meritiamo

In un mondo ossessionato dalla perfezione, Fontanesi ci offre l’imperfezione. In un’epoca in cui ogni immagine è filtrata, corretta, ripulita, lui ci regala il disordine, il non detto, l’incontro fortuito tra due realtà che, nella loro collisione, riescono a raccontare qualcosa di vero. 

Non è un’arte per tutti. Non è un’arte che consola. Ma è un’arte che serve.

Perché?

Perché ci ricorda che il mondo, come la vita, non può essere sempre bello. E questo, forse, è il più grande atto di sincerità.

E così, Fontanesi ci lascia con un sorriso amaro. Non sappiamo chi sia, né dove voglia arrivare. Ma una cosa è certa: in un’epoca di immagini vuote, il suo, è un messaggio che pesa. Pesa come un macigno!

Photocredits: Pinterest

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Dal 28 novembre 2024 all’8 febbraio 2025, la Galleria Antonio Colombo di Milano ospita la prima mostra personale di Elena Salmistraro, intitolata Alchimie nel Vuoto, curata da Silvana Annicchiarico. 

Questa esposizione rappresenta un percorso affascinante tra design, arte e sperimentazione materica, esplorando il concetto di vuoto come spazio di trasformazione creativa.

Un Dialogo tra Assenza e Presenza

L’esibizione propone un dialogo tra opposti: assenza e presenza, visibile e invisibile. Le installazioni e le opere della Salmistraro uniscono design, scultura e artigianato artistico. Fanno del vuoto non una mancanza, bensì un terreno fertile dove si intrecciano nuovi linguaggi espressivi. La curatrice Silvana Annicchiarico spiega:

“In Alchimie nel Vuoto, Elena Salmistraro reinterpreta il vuoto come condizione primordiale per la nascita della creazione artistica. Un’assenza che si trasforma in potenzialità infinita.”

Le opere esposte evocano una narrazione visionaria, intrecciando forma, colore e texture, e creando un legame con le radici dell’immaginario collettivo e le molteplici personalità dell’artista.

Un percorso poetico

La mostra si articola in un percorso dove materiali come ceramica, vetro e metallo si fondono in un alfabeto visivo unico. Le opere non si limitano a essere oggetti fisici: attraverso un linguaggio simbolico e poetico, abbracciano forme e significati tipici del mondo creativo di Elena Salmistraro. Le superfici lucide e i colori accesi creano un ambiente immersivo, in grado di invitare il visitatore a riflettere su ciò che si cela dietro l’apparente assenza.

La Maschera d’Oro: un’opera emblematica

Tra i lavori più rappresentativi spicca La Maschera d’Oro, un’opera che racconta il vissuto, l’inconscio e le fragilità dell’artista, emersi nel corso di anni di introspezione. La composizione si divide in quattro personaggi, ciascuno dotato di una maschera simbolica:

         Elena Zarra: con trecce rosse e corna, rappresenta il lato grintoso e combattivo.

          Designer: con un terzo occhio, simboleggia la visione oltre l’ordinario.

         Mamma: incarna la calma e la comprensione.

         Elena Bambina: con una maschera da coniglio, esprime sofferenza e vulnerabilità.

Gli elementi, come la mano d’oro e i serpenti che richiamano simboli sacri, conducono verso una trasformazione e la scoperta dell’inconscio.

Tra Design e Arte

Conosciuta per il suo approccio multidisciplinare, Elena Salmistraro combina design, moda e illustrazione. Le sue opere sono state esposte in prestigiosi contesti internazionali, tra cui il Salone del Mobile, la Triennale di Milano e il Museo del Design di Barcellona. Le sue creazioni, parte di collezioni private e museali, sono apprezzate per la capacità di influenzare le nuove generazioni di creativi. 

Elena Salmistraro, alla domanda: “che ruolo gioca l’interazione tra vuoto e sostanza nel tuo processo creativo e come modella la narrazione di Alchimie nel Vuoto?” ci ha reso partecipi del suo pensiero, facendoci percepire le sue emozioni. Le ha rese così tangibili. “Per me, il vuoto non è semplicemente un’assenza fisica, ma un’esperienza esistenziale in attesa di essere riempita di colori, immagini, gioia e immaginazione. È da questo spazio apparentemente vuoto che nasce la magia, l’inizio di una visione. Ed è proprio per questo motivo che la mostra si chiama Alchimie nel Vuoto, perché è all’interno del vuoto che l’alchimia creativa prende forma, il punto di partenza per trasformare il nulla in qualcosa di straordinario.”

Viaggio tra materia e spirito

Alchimie nel Vuoto si presenta come un viaggio tra materia e spirito, dove il design si trasforma in uno strumento per esplorare il vuoto e le infinite possibilità della creatività. Un appuntamento imperdibile per gli amanti dell’arte contemporanea e del design.

Informazioni Pratiche

La mostra si svolgerà, fino all’8 febbraio 2025, alla Galleria Antonio Colombo (Via Solferino 44, Milano), con i seguenti orari:

           Inaugurazione: giovedì 28 novembre 2024, ore 18:30.

            Orari di apertura: martedì – venerdì, 10:00 – 13:30 e 15:00 – 19:00; sabato, 15:00 – 19:00.

Phocredits: courtesy by Rota&Jorfida

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L’Italia è da sempre culla di arte e bellezza. Lo è stata prima e lo è tutt’ora. Ovviamente con il tempo tutto quanto si è evoluto, è cambiato, e così è stato anche per l’ambiente dell’arte e i modi in cui farla. Un esempio è Gioele Corradengo, in arte Sexdreams, giovane ragazzo di vigevano dalle origini argentine. Dopo qualche esperienza da barista, metalmeccanico e operaio, Gioele è riuscito ad ingegnarsi per dare vita a ciò che di più conta per lui: l’arte. Ora è un’artista in tutto e per tutto, dalla pittura all’art direction.

Il suo stile è caratteristico e originale, il suo modo di

fare arte è ispirato dal mondo del writing, ambiente che Gioele ha vissuto in prima persona in giovane età. La sua idea creativa è sfacciata, tendente al punk.

La sua tela tipo è formata da brevi frasi associate a disegni e grafiche coloratissime, molto cartoon. Con le sue creazioni crea un universo fantastico, il suo mondo interno espresso con colori, frasi e grafiche super accattivanti e forti.

Forte di questa sua originalità, Sexdreams si è poi legato al mondo della moda lavorando a progetti per diversi grandi brand amatissimi in Italia.

Molto conosciute sono le sue opere sulle vetrine di alcuni dei migliori negozi milanesi: ANTONIA e Pinko, sono solo alcuni dei nomi. Poi Disclaimer e La Rinascente. In altre occasioni ha dato vita a diverse mostre personali, altre volte si faceva trovare in piazza Duomo per decorare capi total white, a chi di fortuna si faceva trovare lì. Inutile dire che si sono presentati in tantissimi e l’evento è stato riproposto in diversi luoghi e occasioni.

Al momento stiamo assistendo a un periodo di grande successo e il suo percorso con la moda è più stretto che mai.

Un grande traguardo è sicuramente la collaborazione Sexsdreams x Justin Alexander, per la creazione di una collezione bridal “decorata” da lui.

La collezione, chiamata “Verses in contrast“, prevede la creazione di abiti da sposa “graffitati” Sexsdreams, ovviamente in limited edition. La collezione è pensata per la Spring 2025, e da davvero pochissimo (non meno di 15 ore) ha sfilato a Milano.

Il tutto assieme all’arte di Gioele, che in prima persona, ha mostrato la personalizzazione di alcuni abiti proprio durante lo show. Ovviamente tutti ne sono andati pazzi, e come biasimarli! Non si era mai vista nulla del genere, almeno non nel mondo della moda bridal dove di solito si è prettamente in bianco e abbastanza seri.

Justin Warshaw, direttore creativo di Justin Alexander, ha raccontato di come sia stato catturato dal lavoro di Gioele e come amasse l’idea di una collaborazione che introducesse qualcosa di diverso, che fosse fuori dalla normalità e inaspettato.

Possiamo sicuramente dire che ci sono riusciti. La bellezza di questo progetto sta anche nei propositi: durante la promozione di questa collezione, a New York, è stata presentata un’asta di alcuni dipinti di Gioele il cui profitto andrà al 100% a Vow For Girls, una coalizione dell’industria bridal per eliminare il matrimonio precoce. Per Gioele questa è stata la prima sfilata, ma noi siamo sicuri che non sarà l’ultima.

Riconoscibile per il suo stile davvero originale, Gioele da prima in tanti angoli di Milano con le sue personalizzazioni in Fashion week sulle vetrine o nei capi Disclaimer in giro per la città, si è poi preso sempre più spazio, da Parigi a New York aumentando la rosa dei suoi progetti. Ora, con quello che si può considerare la sua collaborazione più importante, è tornato a Milano con una collezione davvero speciale. Con la speranza di vedere sempre più tag Sexdreams, facciamo un grande in bocca al lupo a Gioele!

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