Il modello Nike Air Max rappresenta il drop della collezione esclusiva che il brand sta dedicando alle città più iconiche d’Europa e segna il primo di una serie di lanci previsti per tutto il 2026. La prima edizione dedicata a Manchester debutta in esclusiva assoluta negli store Foot Locker.

Quella di Manchester non è l’unica celebrazione urbana firmata Nike. Tra le città già protagoniste della collezione troviamo Saint-Denis, Berlino, Marsiglia, Lisbona e Brixton, ognuna raccontata attraverso una silhouette pensata per rifletterne identità e heritage.

Audace, autentica e profondamente legata alla cultura street, la TN si presenta in una colorazione nera con dettagli beige chiaro, ferro e marrone. Il design prende ispirazione dalla celebre ape, simbolo della città di Manchester, emblema di resilienza, unità e spirito di comunità.  Ogni elemento della sneaker, anche il più nascosto, diventa un omaggio all’essenza e all’identità della città.

Tra i dettagli spiccano l’ape ricamata all’interno della linguetta e il pattern che richiama la struttura di un alveare. Ma il segno più potente è il prefisso 0161, ricamato sulla scarpa. 0161 è un codice che negli anni si è trasformato in un vero manifesto culturale, capace di raccontare il patrimonio, l’influenza e l’impatto creativo della città.

A incarnare lo spirito della campagna è Phil Foden, atleta Nike e stella del calcio mondiale. Idolo locale dentro e fuori dal campo, Foden rappresenta perfettamente l’energia e l’attitudine audace della silhouette TN.

Il lancio è stato celebrato con un evento esclusivo organizzato da Nike e Foot Locker presso il listening bar Renae, a Manchester, proprio il 4 febbraio: un momento di incontro tra sneaker culture, musica e comunità.

In occasione della release, Nike e Foot Locker hanno inoltre creato una Air Max TN Experience, aperta al pubblico presso lo store di Manchester Arndale. I primi 50 membri del programma FLX di Foot Locker hanno avuto l’esclusiva di acquistare la sneaker in anteprima direttamente nel punto vendita.

Le Nike Air Max Tn Manchester sono disponibili per tutti i negozi Foot Locker in Europa e online.

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La sede di Roma Tre che oggi ospita il Dipartimento di Lingue, Letterature e Culture Straniere non è solo un luogo di studio: è un frammento di memoria. A pochi passi dalla Basilica di San Paolo, nel cuore di un quartiere da sempre attraversato da studenti, cultura e trasformazioni, sorgeva una delle filiali più prestigiose dell’Alfa Romeo per tutto il Centro-Sud Italia.

Non era un semplice ufficio amministrativo, ma una vera teca del progresso industriale italiano. Qui il mito del “Biscione” prendeva forma tra superfici lucide, linee aerodinamiche e un’idea di modernità che parlava di futuro, velocità, ambizione. Gli spazi erano pensati per esaltare l’eleganza delle automobili, per renderle oggetti di desiderio prima ancora che mezzi di trasporto.

Le grandi vetrate che oggi illuminano aule studio, corridoi e scrivanie erano state progettate proprio con questo intento: mostrare al mondo le carrozzerie della Giulietta e della Giulia, esponendole alla luce naturale per farne risaltare curve e dettagli.

La luce non era solo un elemento funzionale, ma parte integrante della narrazione visiva dell’Alfa Romeo.

Oggi quegli stessi ambienti accolgono studenti, docenti e ricercatori. Al posto dei motori, circolano parole, testi, lingue, immaginari culturali. Eppure, la vocazione dell’edificio resta coerente: essere uno spazio di esposizione al nuovo, di apertura al mondo, di dialogo con ciò che sta oltre.

La trasformazione da industria a luogo di sapere racconta molto del modo in cui le città cambiano senza cancellarsi. L’archeologia meccanica lascia il posto a un’archeologia delle idee, ma la struttura conserva la memoria del suo passato. 

Un luogo che non ha smesso di guardare avanti, cambiando soltanto linguaggio.

Foto: Internet

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Si sono appena conclusi i Critics’ Choice Awards, uno dei tanti eventi che, ogni anno, celebrano il cinema e chi lo rende possibile. Premi, red carpet, discorsi di ringraziamento: un rituale ormai consolidato, che si inserisce in un calendario sempre più fitto di appuntamenti, dai Golden Globes al Met Gala. E come ogni evento che si rispetti, anche qui entra in gioco un elemento apparentemente imprescindibile: il cibo.

Eppure, quest’anno, si è parlato della cena servita durante l’evento. O meglio, della sua presunta inadeguatezza: “Sembra il cibo servito in aereo”, hanno scritto molti, sottolineando come a un evento di tale importanza sia stata proposta una “light dinner”.

Ma fermiamoci un attimo. Forse stiamo perdendo di vista il vero focus di questi eventi. I Critics’ Choice Awards non nascono per stupire il palato, ma per premiare i successi artistici e professionali di attori, registi e addetti ai lavori. E diciamolo con onestà: chi, davvero, mangia durante i grandi eventi?

Il menù, tanto discusso, era composto da un “piattino” con formaggi, uova, bruschette, hummus, crackers, spiedini di caprese, torta salata e pomodori. Una proposta semplice, equilibrata, forse poco scenografica. Non un’esperienza gourmet, certo.

Forse alcune celebrity si aspettavano un trattamento da ristorante stellato, dimenticando che il valore di un piatto non sta solo nella sua presentazione, ma anche nel suo contenuto. Cambia il modo in cui viene servito, ma la sostanza resta la stessa.

E allora viene spontaneo chiedersi: non sarebbe più utile interrogarsi sullo spreco di cibo che spesso accompagna questi eventi? Buffet sontuosi, piatti intatti, cibo destinato a essere buttato. In questo contesto, una cena “light” appare non come una mancanza, ma come una scelta consapevole.

Optare per un menù semplice significa ridurre gli sprechi, permettere a chi lo desidera di mangiare davvero e riportare l’attenzione su ciò che conta: la celebrazione del cinema e delle carriere che lo rendono vivo.

Foto: Pinterest

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Nato negli Stati Uniti, Vivaia è un brand di calzature sostenibili che ha costruito la propria identità sull’incontro tra innovazione, design e rispetto per l’ambiente. Nel 2025 il marchio ha rafforzato la sua presenza in Europa aprendo due store in Italia, a Milano e a Roma.

Vivaia è diventato rapidamente riconoscibile per le sue calzature pensate per ogni occasione: modelli versatili, eleganti e soprattutto confortevoli, capaci di accompagnare la quotidianità senza rinunciare allo stile. L’obiettivo del brand è offrire scarpe che rispondano alle esigenze di una vita dinamica, superando l’idea che la sostenibilità debba necessariamente sacrificare l’estetica.

Il nome “Vivaia” nasce dall’unione di due forme diverse del design della scarpa, la “V” e la “A”, mentre la doppia “I” richiama simbolicamente la forma della bottiglia di plastica. Un riferimento non casuale, che sottolinea uno degli elementi centrali dell’identità del brand: il riutilizzo creativo dei materiali e la trasformazione degli scarti in risorse.

Al centro della filosofia Vivaia c’è infatti l’impiego di materiali eco-sostenibili, tra cui bottiglie di plastica riciclate, selezionate e lavorate per garantire resistenza, flessibilità e comfort. L’impegno del brand è orientato a ridurre il più possibile l’impatto ambientale lungo il processo produttivo.

Vivaia celebra un’idea di comfort contemporaneo, lontana dalla classica sneaker sportiva. Le sue calzature sono progettate per essere comode ma raffinate, pensate per chi cerca una scarpa pratica, leggera e versatile.

Foto: @Vivaia_Official

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Nel cuore di Napoli, tra i vicoli di Spaccanapoli, vero cuore pulsante della città, nasce l’Ospedale delle Bambole.
Una bottega storica, sospesa tra ricordi e infanzia, dove i giocattoli non vengono semplicemente riparati ma restaurati, curati e accolti. 

Bambole, orsetti e giocattoli d’infanzia tornano alla loro forma naturale senza alterarne l’autenticità e la loro storia. Un luogo storico in cui si conserva, si ripara e si custodisce. Ogni oggetti non viene dimenticato, ma attentamente curato. 

Veri e propri artigiani si prendono cura delle meravigliose creazioni che, grazie a loro, non smettono di esistere. Le tecniche di restauro realizzate per recuperare ogni pezzo con il desideri di salvare tutto ciò che può essere salvato.

Da piccola bottega artigiana, oggi è diventato un museo unico. Da quattro generazioni, la famiglia Grassi accoglie bambole provenienti da tutto il mondo, offrendo loro una seconda vita.

Le origini

La storia dell’Ospedale delle Bambole inizia nel 1895, quando Luigi Grassi, scenografo di teatro dei pupi, realizzava marionette e pupi legati alle tradizioni napoletane.
Luigi Grassi, oltre a creare personaggi, aveva un talento speciale, aggiustava qualsiasi cosa. Un giorno si ritrovò a riparare un pupazzo e fu in quel momento che scoprì la sua abilità, dando vita a quello che sarebbe diventato: L’Ospedale delle Bambole.

Bastarono una tavola di legno e una croce rossa per dare vita a un luogo dove i ricordi non smettono di esistere, mutano, si trasformano e riprendono vita. Oggi, dopo 130 anni, la quarta generazione continua la tradizione con orgoglio, portando avanti  il nome di Luigi Grassi.

Foto: Ospedale delle Bambole

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La Maison Van Cleef & Arpels nasce nel 1906 in Place Vendôme, a Parigi, dall’unione di Estelle Arpels e Alfred Van Cleef, entrambi provenienti da famiglie di commercianti di gioielli. A ispirare la coppia furono il profondo senso della famiglia, lo spirito innovativo e una straordinaria passione per le pietre preziose: valori destinati a diventare l’essenza identitaria della Maison.

L’artigianalità è il fulcro del percorso creativo di ogni splendida realizzazione. Ogni pezzo riflette il savoir-faire dell’Alta Gioielleria della Maison. Il lavoro manuale si manifesta attraverso una serie di tecniche eseguite con rigorosa precisione. A ogni fase, l’oro e il platino svelano la loro luminosità, mentre le gemme preziose e ornamentali vengono valorizzate con straordinaria maestria. Passo dopo passo, gioiellieri, incastonatori e lucidatori collaborano per infondere in ogni creazione un’emozione capace di esprimere l’eleganza e il prestigio della Maison.

L’eccellenza del savoir-faire ispira le creazioni della Maison. Così, pietre che evocano sentimenti, capolavori letterari, una natura generosa e storie d’amore danno vita a gioielli unici, come quelli della collezione Un viaggio ai confini della terra.

L’île au trésor racontée par Van Cleef & Arpels 

Van Cleef & Arpels ha tratto ispirazione dal romanzo L’isola del tesoro di Robert Louis Stevenson. Come in un racconto d’avventura, la collezione riunisce panorami e meraviglie provenienti da ogni parte del mondo, costruendo un itinerario creativo suddiviso in tre capitoli.

Il Capitolo I – The Adventure at Sea presenta la spilla Hispaniola, omaggio all’omonima imbarcazione del romanzo: le vele in oro bianco, impreziosite da diamanti, catturano il movimento del vento.
Nel Capitolo II – Exploring the Island, una farfalla, creatura simbolica per la Maison, vola tra gli alberi. Realizzata in oro rosa e oro giallo, incarna grazia e imponenza.
Infine, il Capitolo III – The Treasure Hunt introduce una spilla che rappresenta una mappa capace di condurre al tesoro nascosto: una raffigurazione in oro che evoca mistero e avventura

Attraverso questa collezione, la Maison dimostra ancora una volta la propria capacità di trasformare storie senza tempo in opere d’arte preziose.

Foto: courtesy of Van Cleef & Arpels

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Con la linea di shopper Kasanova, l’arte si fa quotidiana e accessibile a tutti. Queste shopper, pensate per accompagnare la vita di ogni giorno, trasformano un oggetto semplice in un mezzo attraverso cui la creatività entra nelle mani delle persone, letteralmente.

Grazie al prezioso contributo del collega e artista Alessandro Brambilla, terzo figlio della fondatrice Giannina Fontana, sono nate bellissime shopper di carta riciclata impreziosite da originali raffigurazioni di acquerelli. La storia di Giannina Fontana, donna intraprendente e visionaria, è profondamente legata ai valori di famiglia, passione e bellezza del quotidiano. Dalla sua idea prende vita Kasanova, con l’obiettivo di portare nelle case italiane oggetti utili e di qualità, capaci di unire funzionalità, estetica e calore umano.

L’amore di Alessandro per la pittura nasce sui banchi della scuola elementare, stimolato dall’amicizia con l’amico pittore Gianko. Col tempo si dedica alla pittura a olio e alla scultura in terracotta, fino a scoprire nella tecnica dell’acquerello la forma espressiva perfetta per il suo innato senso del colore.

Quando dipingo mi sento felice – Alessandro Brambilla

I colori e le vivaci forme degli acquerelli di Alessandro sono diventati messaggi positivi e ispirazionali, oggi simbolo del brand. Le sue opere accompagnano le shopper di carta riciclata Kasanova, rendendole un’icona riconoscibile e carica di significato: un invito a vivere l’arte ogni giorno, in modo semplice e sostenibile.

Ogni shopper è così molto più di una borsa: è un piccolo gesto d’amore per il pianeta e un segno di come l’arte possa davvero essere inclusiva, capace di unire bellezza, responsabilità e quotidianità. Perché anche un gesto semplice come fare shopping può trasformarsi in un’esperienza artistica e consapevole.

Foto: A courtesy of Kasanova

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Non esiste una vera e propria “storia” che definisca il gesto di tramandare un gioiello o un oggetto di famiglia. È più un concetto, un sentimento che supera il valore materiale, nelle mani e nei ricordi di chi lo custodisce.

Ogni gioiello porta con sé un racconto. Vive attraverso le persone che lo indossano, assorbe emozioni, respira momenti. I gioielli sono così: eterni, da vivere oggi e conservare per il domani. Perché un gioiello si tramanda a una figlia, a un figlio, a un nipote, o a chi rappresenta un legame di amore, fiducia, protezione e memoria.
Dietro ogni pietra, ogni incisione, ogni segno del tempo si nasconde una storia densa di significato.

È proprio il ricordo ciò che spinge a tramandare. Indossare un gioiello appartenuto a chi ci ha preceduti è come sentirne ancora la presenza, una sottile connessione che attraversa il tempo.
È un modo per tenere vivo un legame invisibile. Identità e radici si intrecciano in questi oggetti preziosi che ci accompagnano nei momenti più importanti, diventando parte di noi, testimoni silenziosi di generazioni.

Un legame profondo e autentico. Simbolo di continuità, di vita che scorre ma non si spezza. Così i gioielli continuano a vivere, caricandosi di un potere invisibile: quello del valore simbolico.

Un simbolo che unisce le famiglie di ieri, di oggi e di domani.
Perché ogni gioiello racconta una storia diversa, ma tutte parlano di amore, appartenenza e memoria condivisa. Le cose più belle non si possiedono: si vivono, si tramandano, e non smettono mai di vivere.

Foto: Pinterest

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L’Hawaiian style non si ferma ai fiori e alle stampe floreali: è molto di più. Nasce da una tradizione profonda e da un autentico senso di appartenenza. Basta però pensare al sole per evocare immediatamente un’immagine: una ghirlanda intorno al collo, un cocktail colorato in mano e una camicia a fiori. È un immaginario che ci trasmette leggerezza e spensieratezza, come se fosse uno stile di vita più che un semplice modo di vestire.

Negli anni ’60, Elvis Presley contribuì a diffonderlo in tutto il mondo grazie alla trilogia cult Blue Hawaii. Nessuno meglio di lui, icona del “Rock’n’Roll”, avrebbe potuto incarnare quello spirito libero e sognante.
Nel 1973, con il suo concerto a Honolulu, il primo trasmesso via satellite a livello internazionale, consacrò definitivamente l’estetica hawaiana nell’immaginario collettivo. Da allora, non abbiamo più smesso di indossare camicie tropicali e fiori colorati.

Eppure, una cultura così profonda e spirituale è stata, nel tempo, trasformata in qualcosa di puramente “bello”, perdendo parte della sua poesia e del suo significato originario.

Le origini di un simbolo: Lei 

Il termine “Lei” è la parola hawaiana per indicare una ghirlanda. Un lei può essere realizzato con qualsiasi materiale infilato su un filo, anche se i più comuni sono i fiori, soprattutto le plumerie, simbolo iconico dell’isola.
Sull’arcipelago, il lei rappresenta un segno di affetto e accoglienza: viene donato ai visitatori come gesto di benvenuto, ma anche come augurio, riconoscimento o saluto durante cerimonie tradizionali.

Era un simbolo di connessione con l’ʻāina, la terra intesa come madre e nutrice, e aveva una forte funzione sociale e spirituale. A seconda dei materiali utilizzati, poteva indicare lo status sociale, l’appartenenza a una determinata ‘ohana (famiglia estesa) o il ruolo cerimoniale di un individuo.

Forse ciò che ci affascina dell’Hawaiian style è proprio questo: l’eco di un mondo lontano, puro, irraggiungibile. L’immaginario europeo ha avuto l’intuito, o forse la presunzione, di trasformare quel patrimonio culturale in simbolo di libertà e spensieratezza.

Ma viene spontaneo chiedersi: è davvero necessario banalizzare una tradizione così antica, che ha dato origine a un autentico stile di vita e continua ancora oggi a ispirare la moda e la cultura contemporanea?

Foto: Pinterest

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Davide Bowie Centre, un luogo che celebra la sua eredità artistica e culturale attraverso abiti iconici, strumenti, materiali d’archivio e oggetti che hanno segnato la storia della musica e della moda. Ospitato all’interno del nuovo V&A East Storehouse, dal 13 settembre 2025 e raccogliere oltre 90.000 oggetti: costumi, strumenti musicali, fotografie, disegni e documenti inediti che offrono uno sguardo privilegiato sull’universo creativo di David Bowie.

Non solo una meta per fan e collezionisti, ma anche uno spazio di ricerca e ispirazione per chi desidera comprendere più a fondo l’estetica e il pensiero di uno degli artisti più visionari del Novecento.

Situato nel Queen Elizabeth Olympic Park, il polo museale è la nuova casa dell’archivio Bowie, acquisito dopo la sua scomparsa nel 2016. L’esperienza è pensata come un viaggio immersivo tra le molte identità dell’artista, le sue metamorfosi e il suo impatto sulla cultura contemporanea.

Studiosi, curatori e appassionati potranno prenotare appuntamenti dedicati alla consultazione dei materiali d’archivio. Tra i pezzi più richiesti alla riapertura spicca il celebre soprabito realizzato insieme ad Alexander McQueen per il concerto del cinquantesimo compleanno di Bowie nel 1997. Esposta anche una chitarra elettrica Red Steinberger Hohner (modello G2 Tremolo), donata a Bowie dalla Hohner nel 2000 e utilizzata nel videoclip di “Valentine’s Day” nel 2013, uno degli ultimi lavori visivi dell’artista.

Più che una semplice raccolta di memorabilia, il David Bowie Centre è un omaggio a un pioniere della multidisciplinarità, capace di fondere musica, moda, arte e performance in un linguaggio unico: un’eredità oggi più attuale che mai.

Foto: Image courtesy of the Victoria and Albert Museum

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