La Copenhagen Fashion Week Autunno/Inverno 2026 si è appena conclusa lasciando dietro di sé un’ondata di energia, innovazione e nuove prospettive sul panorama internazionale della moda. Ormai ampiamente riconosciuta come “la quinta settimana della moda”, accanto a Parigi, Milano, Londra e New York, CPHFW ha rafforzato il suo ruolo di protagonista globale, attirando editor, influencer e creativi da tutto il mondo, pronti a immergersi in un calendario di eventi e sfilate dal carattere unico.

In programma dal 27 al 30 gennaio, questa edizione ha celebrato il ventesimo anniversario dell’evento, riaffermando Copenhagen come un hub creativo imprescindibile, capace di fondere sostenibilità, artigianalità e l’inconfondibile flair scandinavo. Nonostante le temperature rigide e la neve che hanno fatto da cornice all’intera settimana, passerelle e street style hanno raccontato una moda vibrante e sfaccettata, dove funzionalità, estetica e audacia dialogano in perfetto equilibrio.

Sciarpe e drappeggi

Tra le tendenze più incisive emerse in passerella spicca la rilettura della sciarpa. Il suo ruolo tradizionale di accessorio viene abbandonato per diventare parte integrante della silhouette. Designer come OpéraSPORT, Herskind, The Garment e Aiayu hanno proposto sciarpe e tessuti drappeggiati capaci di trasformarsi in gonne, abiti e sovrapposizioni dalla forte valenza scultorea. Indossate basse sui fianchi, stratificate sopra i pantaloni o elevate a elemento centrale del look, queste interpretazioni aggiungono un tocco sensuale e giocoso agli outfit. Nel caso di Anne Sofie Madsen, le sciarpe si arricchiscono di dettagli ironici e inattesi (artigli di mostri, nastri, fiocchi e fibbie da cintura) che accentuano il lato sperimentale della collezione.

Gonne rivisitate

La gonna torna protagonista con un’energia rinnovata, grazie a silhouette contemporanee che reinterpretano la sartoria classica attraverso tagli asimmetrici, stratificazioni dinamiche e materiali dalla finitura lucida. Le versioni in pelle sontuosa firmate Gestuz, così come le proposte di Anne Sofie Madsen, abbinate a cappucci o sovrapposizioni di tessuti fluidi, mettono in scena un raffinato gioco di contrasti tra struttura e movimento, rigidità e leggerezza.

Pelle e morbidezza

Un’altra tendenza trasversale è l’uso della pelle declinata in giacche, gonne, pantaloni e accessori. Il più delle volte, accostata a tessuti morbidi e fluttuanti. Questo equilibrio tra superfici robuste e materiali delicati dà vita a look che uniscono forza e sensualità, definendo un’estetica urbana ma al tempo stesso raffinata, capace di esprimere una nuova idea di femminilità contemporanea.

Faux fur accents

La pelliccia ecologica emerge come uno degli elementi chiave della stagione. Protagonista non solo nei cappotti ma anche in colletti, sciarpe e inserti strategici capaci di aggiungere texture e profondità senza appesantire l’insieme. Questo “pop di pelliccia”, che si discosta dalla più familiare logica del pop of color, introduce un accento giocoso e fortemente in sintonia con l’estetica invernale. La tendenza si riflette anche nello street style, dove teddy e shearling dominano l’outerwear, confermando la faux fur come una scelta imprescindibile per la stagione.

Practical layering

La stratificazione si afferma come uno dei leitmotiv più forti della settimana. Un layering pratico ma femminile, che gioca con trasparenze, volumi e texture diverse dando vita a outfit complessi ma armoniosi. Questa attitudine, al tempo stesso funzionale e giocosa, ha portato in passerella look pensati per essere vissuti, capaci di unire protezione dal freddo ed espressione stilistica, senza compromessi.

Power dressing e silhouette forti

Tra le influenze più marcate spicca il ritorno deciso agli anni ’80, espresso attraverso spalle ampie e strutturate, leggings con dettagli tecnici da Gestuz, giacche di pelle cropped con volumi pronunciati, fiocchi oversize firmati Caro Editions e spalle affilate persino su salopette da Herskind. Questo rinnovato power dressing trasmette un senso di autorità e teatralità consapevole: un omaggio al glamour del passato reinterpretato in chiave contemporanea e sofisticata. Ne emerge una “dualità intenzionale”, in cui una mascolinità netta si intreccia con elementi morbidi e femminili, dando forma a un’estetica forte ma equilibrata. 

Street style e sostenibilità

Fuori dalle passerelle, lo street style ha rispecchiato con naturalezza l’energia delle collezioni, imponendo il concetto di statement coat. Capispalla iconici, capaci di definire l’intero look da soli. Combinazioni coordinate e audaci, come mini gonne in lana abbinate a trousers strutturati, raccontano una moda che bilancia praticità e forte espressione personale.

L’Autunno/Inverno 2026 di Copenhagen, però, non si è limitato a una ricerca puramente estetica. La CPHFW ha riaffermato con decisione il proprio impegno verso pratiche sostenibili e artigianali, ponendo al centro la comunità e la valorizzazione dei brand emergenti. Sei designer nordici sono stati messi in luce durante la settimana, incarnando una visione di moda consapevole e profondamente radicata nel territorio. L’upcycling è emerso come linguaggio progettuale chiave: i tessuti riutilizzati non sono più un dettaglio nascosto, ma diventano protagonisti visibili. Materiali innovativi, collezioni orientate alla performance e collaborazioni attente all’impatto sociale e ambientale delineano così un approccio responsabile. 

Una visione che guarda oltre la passerella

La CPHFW AW 2026 si conferma come molto più di un semplice osservatorio sulle tendenze. È uno spazio di sperimentazione continua, in cui estetica e funzione convivono con una visione etica chiara e condivisa. Tra sciarpe drappeggiate, pellicce sintetiche, layering intelligente questa edizione lascia intravedere una direzione precisa per il futuro. Una moda che nasce dal dialogo tra creatività e comunità, capace di rispondere alle esigenze del presente senza perdere il desiderio di innovare. Copenhagen consolida così il suo ruolo di capitale creativa, non per imitazione, ma per visione.

Foto: James Cochrane – Cphfw website

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 Negli ultimi anni una parola ha conquistato sempre più attenzione, fino a entrare ufficialmente nell’Oxford English Dictionary: hygge. Questo termine racchiude un significato profondo, che può essere tradotto come una sensazione di intimità, calore e convivialità, capace di favorire il benessere e generare una pura sensazione di felicità.

L’hygge rappresenta una vera e propria filosofia di vita, profondamente radicata nel DNA del popolo danese e presente in ogni aspetto della loro quotidianità. Sebbene siano stati proprio i danesi a rendere celebre questo concetto, le sue origini non sono esclusivamente legate alla Danimarca. Il termine sembra infatti derivare dall’antico norvegese, dove indicava l’idea di “benessere”. Comparsa per la prima volta in Danimarca alla fine del XVIII secolo, la parola è diventata nel tempo un elemento essenziale della cultura locale. Oggi, l’hygge non è semplicemente un concetto astratto, ma un autentico modo di vivere.

Il benessere nelle piccole cose

L’hygge è un concetto complesso da spiegare a parole, soprattutto a chi non appartiene alla cultura di riferimento. Persino chiedendo a un danese di definirlo, emergono risposte diverse tra loro, accomunate però da un elemento fondamentale: il riferimento a esperienze semplici, piacevoli e profondamente rassicuranti. Una tazza di caffè fumante tra le mani, una serata trascorsa in compagnia degli amici, la luce soffusa di una candela accesa durante una giornata fredda… Tutto questo è hygge. 

Per comprenderne davvero l’essenza, può essere utile affidarsi alle immagini e alle sensazioni. Chiudi gli occhi e immagina di gustare del buon cibo insieme alle persone che ami, di rilassarti al sole chiacchierando senza fretta. Se vuoi, puoi tuffarti in acqua per rinfrescarti. Poi, dopo aver ammirato un tramonto mozzafiato, ti ritrovi seduto accanto a un falò. Come ti senti in questo momento? Se provi una sensazione di felicità, benessere e appagamento profondo, allora hai sperimentato l’autentico spirito dell’hygge.

L’hygge è un invito a coltivare uno stato d’animo consapevole e autenticamente gioioso. Significa rallentare, vivere pienamente il momento presente, trovare soddisfazione nella quotidianità. Al centro di questa filosofia vi è la connessione profonda con sé stessi e con gli altri, una dimensione relazionale che permette di sentirsi completi e felici anche nelle giornate più ordinarie. In fondo, la felicità non risiede in ciò che si possiede, ma in ciò che si prova. Nasce dall’intreccio tra esperienze sensoriali e relazioni umane, ed è forse proprio questo equilibrio a spiegare perché i danesi siano spesso considerati tra i popoli più felici al mondo.

L’arte di sentirsi bene, in ogni stagione

L’inverno rappresenta la stagione hygge per eccellenza. Le giornate brevi e buie vengono illuminate da candele accese, avvolte dal calore domestico e dal profumo speziato della cannella. I danesi sorseggiano gløgg, il tradizionale vin brulé, e si rifugiano nei caffè, trasformando il freddo in un’esperienza di intima bellezza. Con l’arrivo della primavera, la hygge si risveglia insieme alla natura. Le ore di luce aumentano, i parchi si colorano e i primi raggi di sole invitano a vivere all’aria aperta. Un picnic in riva a un lago, una passeggiata tra i ciliegi in fiore diventano momenti di semplice, autentico piacere.

In estate, infine, la hygge è ovunque e più intensa che mai: nei barbecue tra amici, nei concerti all’aperto e nelle gite in bicicletta lungo la costa. Un luogo che incarna perfettamente questo spirito è La Banchina, simbolo concreto e vissuto dell’hygge. Qui, Christer Bredgard ha trasformato una banchina abbandonata in uno spazio dedicato al riposo e al profondo relax urbano, restituendolo alla comunità. Le sue intenzioni sono state accolte con entusiasmo. Non a caso, molti abitanti di Copenaghen citano La Banchina quando viene loro chiesto cosa significhi davvero hygge.

I danesi ci insegnano che trovare soddisfazione nella vita quotidiana non solo è possibile, ma può diventare un vero e proprio modo di vivere, riflettendosi in ogni gesto e in ogni istante. Con il Natale alle porte, l’augurio è che ciascuno possa riconoscere e accogliere il proprio hygge: rallentando, restando presente e imparando a godere dei piccoli momenti.

Foto: Pinterest

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Jacob Mathias Egeberg è un designer con base a Copenaghen, riconosciuto per il suo approccio energico e non convenzionale al design d’interni. Dopo aver conseguito il Master of Arts presso la Royal Danish Academy nel 2020, ha sviluppato un linguaggio progettuale distintivo, in cui colore, tecnica e sperimentazione dialogano in modo audace. Attraverso l’uso di materiali e processi industriali, Egeberg crea oggetti funzionali che diventano veri e propri strumenti di narrazione, mettendo in discussione i confini tradizionali del design contemporaneo.

Materiali industriali e forme scultoree

Il suo lavoro si concentra prevalentemente su materiali industriali come l’acciaio verniciato a polvere e la plastica stampata, utilizzati per sovvertire l’estetica domestica convenzionale. Attraverso geometrie scultoree e tecniche produttive tipiche dell’industria, Egeberg reinterpreta le forme dell’uso quotidiano, dando vita a oggetti audaci e contemporanei che si collocano in una zona di confine tra funzione ed espressione artistica. Le sue strutture, dinamiche e quasi animate, evocano un’estetica futuristica che richiama l’Art Nouveau, senza mai rinunciare alla funzionalità.

«La scultura possiede un linguaggio progettuale naturale e allo stesso tempo sconosciuto. È estranea allo spazio eppure indissolubilmente legata al modo in cui viene vissuto. Potrebbe quasi essere considerata una porta d’accesso a un’altra dimensione», afferma lo stesso Egeberg.

Dare nuova vita ai rifiuti digitali

Alcune delle sue creazioni integrano apparecchi elettronici dismessi e altri prodotti industriali, sottraendoli all’oblio e trasformandoli in elementi centrali dell’opera. Lampade dalle forme sorprendenti, prese di corrente, scaffali, vasi, coppe in porcellana e oggetti da parete diventano contenitori di aggregati di rifiuti digitali, reinterpretati come materiali espressivi.

Il valore del suo lavoro risiede proprio nella capacità di restituire una nuova esistenza a ciò che è considerato obsoleto o “defunto”, attraverso un processo che oscilla tra artigianato e sperimentazione concettuale. Ne emerge un’estetica distopica, affascinante e astratta. Lo scarto compie una trasformazione radicale: dalla discarica a componente funzionale di un oggetto fatto a mano. 

Egebjerg x RAINS

Tra le creazioni più emblematiche di Jacob Mathias Egeberg si distinguono le installazioni realizzate per i flagship store del noto brand scandinavo RAINS. Una delle più significative è quella progettata per lo store di Aarhus, dove prende forma un’imponente scultura che richiama una roccia modellata da una cascata di liquido in movimento. La reception, fulcro dello spazio, è realizzata in schiuma di polistirene e sembra colare dal soffitto incassato e retroilluminato fino a raggiungere il pavimento in cemento. Un chiaro rimando alla natura impermeabile e fluida dei capi del marchio.

In questo progetto, l’artista sovverte la convenzione della classica scrivania, trasformandola in un elemento scultoreo di grande scala che avvolge e definisce l’area funzionale. «Il negozio è stato il primo store RAINS in assoluto e volevamo celebrarlo con un’installazione straordinaria», spiega il team creativo. «Egeberg è stato incaricato di realizzare un’opera d’arte con una scrivania integrata, capace di catturare l’attenzione dei passanti. L’obiettivo era creare un contrasto, una dualità, attraverso l’uso di forme e superfici». 

Foto: jacobegeberg.com

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Se lo stile scandinavo è generalmente associato a toni neutri, versatilità e capi facilmente adattabili a qualsiasi occasione, c’è un marchio di moda con sede a Copenaghen che rompe completamente questi schemi. Fondato nel 2018 dalle influencer Jeanette Madsen e Thora Valdimars, Rotate Birger Christensen è oggi uno dei brand scandinavi più riconoscibili grazie al suo abbigliamento da festa audace e vibrante.

L’etichetta nasce per colmare un vuoto, spostando l’attenzione su capi divertenti e dall’anima dichiaratamente bold. Vestirsi diventa così “un piccolo sogno”, un modo per entrare in “una fantasia” e, soprattutto, una celebrazione della propria identità. Rotate reinventa i codici della moda scandinava ampliando ciò che essa può rappresentare. Le palette neutre cedono il posto al colore, le silhouette impeccabili si fondono con volumi esagerati… e ciò che rimane invariato è la piena indossabilità dei capi. Ogni creazione trasmette un senso di naturalezza ed è pensata per la vita reale.

“Le persone non si vestono per essere viste; si vestono per vivere. È possibile vedere qualcuno andare in bicicletta con lo stesso abito che indosserà per una cena. Ed è proprio questo a renderlo perfetto per entrambe le situazioni”, afferma una delle fondatrici.

Le origini di un’idea brillante

Tutto ha avuto inizio con una capsule collection realizzata in collaborazione con il rivenditore di lusso danese Birger Christensen. Nel 2017, Denise Birger Christensen venne nominata CEO e direttrice creativa dello storico grande magazzino, con l’obiettivo di rinnovarne l’identità. In quel periodo Thora Valdimars era fashion director della rivista danese Costume, mentre Jeanette Madsen lavorava come editor. Amiche anche fuori dall’ambiente professionale e già note nel panorama fashion, avevano conquistato un pubblico fedele su Instagram grazie al loro stile distintivo, diventando presenze fisse alle sfilate.

Eppure, qualcosa continuava a mancare. Per ogni evento a cui partecipavano, la stessa difficoltà si ripresentava: trovare capi che fossero abbastanza corti, sexy o semplicemente alla loro portata sembrava impossibile. È proprio da questa esigenza reale, unita alla spinta di Birger Christensen, che nasce l’idea di creare un brand di partywear accessibile, capace di unire carattere, stile e desiderabilità. 

Una nuova prospettiva: “Rotate”

Il nome “Rotate” nasce quasi per caso, dopo aver ruotato una foto sullo smartphone. Un gesto semplice, ma sufficiente a suggerire la direzione che il marchio avrebbe preso: offrire una prospettiva nuova. La prima collezione, composta da sette abiti, debutta durante la Copenhagen Fashion Week primavera/estate 2018. Sette anni dopo, il brand ha conquistato l’industria della moda grazie al suo stile eccentrico e ai suoi capi versatili, arrivando anche a essere eletto Brand of the Year agli ELLE Awards Denmark. 

“Rotate negli anni è maturato, ma la sua essenza non è cambiata”, affermano le fondatrici. Accanto ai vivaci abiti da festa e alle silhouette audaci, il marchio ha iniziato a introdurre colori più delicati e linee classiche. Una naturale evoluzione che rispecchia la tendenza del settore verso capi senza tempo e multifunzionali, e che allo stesso tempo manifesta la volontà del brand di restare rilevante oltre le sole occasioni speciali.

Dalle passerelle alle calzature

Rotate presenta due collezioni principali all’anno, primavera/estate e autunno/inverno, durante la Copenhagen Fashion Week, affiancate da diverse capsule collection. Di recente il marchio ha ampliato il proprio universo glam introducendo una nuova categoria: le scarpe.

“Le scarpe sono sempre sembrate il passo successivo naturale per Rotate”, afferma Thora Valdimars, co-direttrice creativa del brand. “Progettiamo pezzi che desideriamo davvero indossare e, con questa collezione, portiamo lo stesso spirito di Rotate anche nelle calzature.”

La linea comprende cinque categorie, dalle ballerine per tutti i giorni alle décolleté a punta, dagli stivali di tendenza ai sandali alti e scintillanti. Realizzati in materiali come pelle e camoscio vellutato, i modelli si ispirano agli anni ’80  e sono caratterizzati da dettagli distintivi come nodi in pelle, cristalli decorativi, stampe pitonate e audaci blocchi di colore.

Foto: Official Ig account @rotatebirgerchristensen

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«There is no bad weather, only bad clothing», amano dire i popoli nordici. Eppure, nonostante il clima spesso inclemente che contraddistingue da sempre i Paesi del Nord Europa, come Svezia, Norvegia e Danimarca, il loro stile sta conquistando un’attenzione crescente, affascinando appassionati di moda e comunità internazionali. Ma cosa rende lo stile scandinavo la tendenza del momento?

L’essenza dello stile nordico

“Compra meno, scegli bene e fallo durare”, diceva Vivienne Westwood. Una frase che sembra descrivere alla perfezione la filosofia che guida la moda nordica. Mentre molti associano lo stile all’inseguimento delle tendenze, agli acquisti impulsivi e agli abbinamenti appariscenti, i Paesi scandinavi insegnano un approccio completamente diverso. Qui si dà valore alla longevità di ogni capo, al modo in cui viene realizzato e alla sua qualità intrinseca.

La sostenibilità è il cuore pulsante di ogni look. La maggior parte dei designer del Nord predilige materiali ecologici (come cotone biologico e tencel) oltre a tessuti riciclati o di seconda mano. L’attenzione si concentra su pratiche responsabili e sulla creazione di capi destinati a durare, portando a costruire un guardaroba che non si rinnova a ogni stagione, ma che accompagna chi lo indossa nel tempo, con versatilità e coerenza.

Minimalismo e arte del layering

A catturare l’attenzione dello “scandi-style” sono i colori delicati, le linee essenziali e le silhouette oversize. Il minimalismo, perfettamente in sintonia con la filosofia del ‘less is more’ radicata nella cultura nordica, è solo una parte della storia. Accanto alla sobrietà e all’eleganza di capi che trasmettono rispetto per l’ambiente, emergono motivi più audaci, tocchi giocosi e texture inaspettate. Sono tutti elementi pensati per essere intercambiabili, così da creare combinazioni sempre nuove e adattabili a occasioni diverse e alle mutevoli condizioni metereologiche.

A contraddistinguere ogni look, però, è soprattutto l’arte del layering, disciplina in cui i nordici eccellono. La stratificazione non è soltanto una scelta pratica per affrontare un clima imprevedibile: è un vero e proprio tratto distintivo di stile. Ogni strato è studiato con cura per aggiungere profondità e personalità all’outfit, creando quell’eleganza naturale che permette agli scandinavi di apparire impeccabili e disinvolti… anche a meno due gradi. 

Il fascino irresistibile del comfy-chic

Ciò che più di ogni altra cosa ha catturato l’attenzione della fashion community internazionale è però il caratteristico stile comfy-chic, di cui le Scandi girls sono ormai un’icona indiscussa. In questo approccio, l’eleganza si fonde con il comfort più autentico. Ogni capo è progettato per garantire praticità e benessere a chi lo indossa, permettendo di affrontare con disinvoltura qualsiasi condizione meteorologica.

Nel Nord, scegliere un indumento funzionale non significa rinunciare allo stile, tutt’altro. Passeggiando per le vie di Copenhagen è facile imbattersi in abiti scintillanti abbinati a semplicissime sneakers, o in flip-flop indossate con naturalezza durante l’estate. L’essenza del vero “cool scandinavo” risiede proprio in questo mix spontaneo: pezzi firmati da designer locali indipendenti accostati a capi scovati nei mercatini delle pulci. Il risultato? Un unione di autenticità, creatività e un forte senso di appartenenza al territorio.

Non a caso, sostenere i piccoli brand e i talenti emergenti è un valore profondamente sentito in Scandinavia, e basta pensare all’evento più atteso dell’anno per rendersene conto: la Copenhagen Fashion Week. Definirla semplicemente una sfilata sarebbe riduttivo. È un’esperienza immersiva, un vero e proprio tempio dello street style, dove la sostenibilità e la valorizzazione dei nuovi designer diventano il fulcro di tutto l’evento. 

L’intenzionalità come tratto di stile 

La moda scandinava è, prima di tutto, un atto di intenzione. Ogni capo viene scelto con cura, non solo per il suo aspetto, ma per la capacità di riflettere i valori e l’identità di chi lo indossa. Si tratta di costruire un guardaroba che parli davvero di sé. Investire in pezzi essenziali, di qualità profonda, pensati per durare nel tempo e accompagnare la persona nelle diverse fasi della vita. Uno stile autentico, che non segue il ritmo delle tendenze, ma quello della propria consapevolezza.

Foto: Pinterest

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CIFF e 10 Corso Como sono lieti di annunciare una collaborazione speciale in occasione della Copenhagen Fashion Week di gennaio 2026. Per la prima volta, il celebre concept store milanese porterà il suo inconfondibile universo creativo nella capitale danese.

CIFF (Copenhagen International Fashion Fair) è oggi la principale piattaforma del Nord Europa dedicata alla moda e al lifestyle. Un punto d’incontro privilegiato per marchi internazionali, buyer e comunità creative. Con il suo forte focus su innovazione, cultura e collaborazione tra settori, CIFF si conferma una realtà dinamica capace di anticipare tendenze e favorire connessioni significative all’interno dell’industria.

Il progetto condiviso di CIFF e 10 Corso Como

La partnership darà vita a uno spazio d’ingresso completamente dedicato all’incontro tra moda, design, beauty, editoria e lifestyle. Una composizione pensata come un’esperienza culturale immersiva, capace di riflettere l’inconfondibile visione artistica di 10 Corso Como.

All’interno, i visitatori troveranno una selezione di marchi scandinavi curata da 10 Corso Como, affiancata dalla collezione 10 Corso Como Signature. Non mancherà una parentesi sorprendente dedicata alla Caffetteria, reinterpretata per l’occasione in chiave nordica.

Per 10 Corso Como, questo progetto rappresenta una naturale estensione della sua missione di diffusione e contaminazione culturale. “Inaugurare CIFF 66 con la loro presenza è al tempo stesso una dichiarazione e una celebrazione dello scambio creativo”, afferma Sofie Dolva, direttrice di CIFF.

Un ponte creativo tra Milano e Copenhagen

La collaborazione tra CIFF e 10 Corso Como apre la strada a una partnership culturale destinata a crescere nel tempo. Questa prima edizione getta le basi per una programmazione interdisciplinare che potrà estendersi ben oltre gennaio. La presenza di 10 Corso Como a CIFF diventa così un ponte simbolico tra Milano e Copenhagen. Un incontro armonioso tra tradizione e innovazione. 

Foto: Ig Account 10corsocomo

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Fondazione Prada presenta The Island, il nuovo progetto site-specific di Hito Steyerl, artista, teorica e docente tra le più influenti della scena contemporanea. La mostra, allestita dal 4 dicembre 2025 al 31 agosto 2026 negli spazi di Osservatorio in Galleria Vittorio Emanuele II a Milano, trasforma l’idea di isola in una metafora fluida, sospesa tra scienza, memoria e immaginazione.

Osservatorio: il laboratorio dei linguaggi

Nato come luogo di ricerca sui linguaggi visivi e tecnologici, Osservatorio è una piattaforma per pensare l’arte come campo di sperimentazione in dialogo con il mondo digitale, politico e sociale. The Island si inserisce perfettamente in questa visione, con un progetto che attraversa media, discipline e tempi storici diversi.

In The Island Steyerl intreccia narrazioni che ruotano intorno al tema dell’inondazione , metafora di trasformazione e perdita di controllo, per affrontare questioni come le derive autoritarie legate all’intelligenza artificiale, la crisi climatica e le pressioni sulla ricerca scientifica.
L’artista adotta la logica della fisica quantistica e della fantascienza per costruire un universo in cui stati e tempi coesistono, generando un’esperienza immersiva tra video, sculture e installazioni.

L’origine: un ricordo di Darko Suvin

L’idea della mostra nasce da un racconto del critico e teorico della fantascienza Darko Suvin. Durante un bombardamento a Zagabria nel 1941, si immaginò dentro un episodio di Flash Gordon. Fu proprio questo che portò Steyerl ad elaborare una riflessione: anche nelle circostanze più estreme, la mente può generare mondi paralleli, proprio come fa la fantascienza.

La mostra si sviluppa in quattro narrazioni interconnesse. Lucciole, indaga la bioluminescenza e la scoperta della luciferina da parte del Nobel Osamu Shimomura. The Artificial Island, dedicata all’isola neolitica sommersa al largo di Curzola, in Croazia. The Birth of Science Fiction, che esplora l’eredità critica del pensiero di Suvin. Flash, che intreccia memoria storica e immaginario pop.

Ogni sezione è un viaggio tra realtà e finzione, archeologia e futuro, con proiezioni 3D, interviste a scienziati e teorici, e installazioni che evocano paesaggi sommersi e mondi alternativi.

Al secondo piano dell’Osservatorio, un ambiente ricrea il cinema in cui il giovane Suvin vide Flash Gordon. Su uno schermo circolare prende vita il film di Hito Steyerl, accompagnato dal canto tradizionale croato Klapa. Tre sculture in legno e resina completano l’esperienza con forme che emergono come reperti di un tempo perduto.

Un dialogo tra arti e scienze

The Island attraversa epoche e scale temporali. È un racconto poetico e politico, che invita a immaginare altri mondi possibili in un’epoca segnata dall’incertezza.

La mostra sarà accompagnata da un volume della serie Quaderni di Fondazione Prada. Al suo interno tre conversazioni tra Hito Steyerl, il curatore Niccolò Gravina, il fisico Tommaso Calarco e la storica Sachi Shimomura.

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Quando le prime macchine da scrivere fecero la loro comparsa sul mercato nel 1874, si imposero subito come strumenti indispensabili per la scrittura e la comunicazione. Nessuno, però, avrebbe potuto immaginare che, a più di 150 anni di distanza, sarebbero diventate un mezzo per creare arte visiva.

Oggi l’artista londinese James Cook dà nuova vita a queste affascinanti reliquie del passato. Con una collezione di oltre cento macchine da scrivere vintage, realizza opere d’arte straordinarie e irripetibili, composte interamente da lettere e simboli battuti a mano con precisione e creatività.

L’arte nascosta tra le lettere

Le opere di James Cook, fitte vedute urbane e ritratti di sorprendente dettaglio, ricordano a prima vista disegni a inchiostro o a carboncino. Ma basta avvicinarsi per scoprire qualcosa di straordinario: ogni linea, ombra e trama prende forma dall’intreccio di lettere, simboli e segni di punteggiatura.

Con tocchi calibrati, l’artista dosa la pressione dei tasti per creare delicate variazioni di tono e profondità, dando vita a immagini che sembrano respirare. In alcuni dei suoi intricati “paesaggi tipografici” si nascondono persino parole e frasi che rimandano alla scena raffigurata. Piccoli segreti racchiusi tra i caratteri della macchina da scrivere.

L’incontro casuale di Cook

L’interesse per le macchine da scrivere nasce quasi per caso, nel 2014, durante un progetto artistico scolastico. Gli era stato chiesto di studiare artisti capaci di utilizzare la tecnologia in modo creativo. In quella ricerca, Cook si imbatte nella figura di Paul Smith. Artista americano affetto da paralisi cerebrale che, nonostante le difficoltà, realizzava opere straordinarie con una macchina da scrivere.

La forza e l’ingegno di Smith lo ispirarono profondamente, tanto da spingerlo a tentare la stessa strada. Così iniziò la sua avventura artistica, battendo i primi tasti su una Oliver Courier verde lime degli anni Cinquanta. 

La pazienza dietro ogni battitura

Il lavoro di Cook richiede una pazienza fuori dal comune, una concentrazione assoluta e una mano incredibilmente ferma. Ogni disegno può richiedere da tre a quattro settimane di lavoro. Il risultato finale può contenere oltre un milione di caratteri: lettere, numeri e segni di punteggiatura digitati uno a uno.

“Devi lavorare con un set fisso di strumenti,” spiega Cook. “I quarantacinque tasti di una tipica macchina da scrivere ti costringono a pensare in modo diverso. Ho dovuto inventare i miei metodi per creare ombre e trame, utilizzando solo ciò che una tastiera può offrire.”

Foto: Ig profile @jamescookartwork

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Ginori 1735 apre un nuovo capitolo della sua campagna ADV insieme a Jake Gyllenhaal, attore e ambassador del brand da oltre tre anni. Un racconto visivo intimo e autentico, che invita a riscoprire la bellezza dei gesti quotidiani come espressione di cura e creatività. Questo nuovo episodio con Gyllenhaal si inserisce nella campagna globale The New Table Manners, un progetto in tre atti che accompagnerà il pubblico fino al periodo delle festività. 

Un’eleganza che vive nella quotidianità

Ambientata nel cuore di Manhattan e firmata dalla fotografa Cass Bird, la nuova campagna di Ginori ritrae Jake Gyllenhaal lontano dai set e dai riflettori. È un racconto intimo e personale, fatto di momenti di vita vera e piccoli rituali quotidiani che svelano un’eleganza autentica e spontanea.

In ogni scena, le collezioni Catene e Labirinto, due icone della Maison disegnate da Gio Ponti, accompagnano l’attore con la loro presenza carismatica. Le nuove tonalità Ebano e Cachemire, accanto a dettagli in Nero e Zaffiro, portano il design Ginori 1735 nel vivere di tutti i giorni.

La casa diventa così più di un semplice sfondo. È uno spazio creativo da abitare, dove gli oggetti della Maison trovano il proprio posto naturale, trasformando ogni gesto in un’espressione di bellezza. Una bellezza che non attende occasioni speciali per rivelarsi, ma vive nel presente con chi sceglie di celebrare la propria giornata con eleganza autentica e tangibile.

Un racconto intimo firmato Ginori

“Collaborare con Ginori 1735 in questi tre anni è stato un percorso naturale. Condividiamo la stessa attenzione per i dettagli e la stessa idea di bellezza, radicata nella vita di ogni giorno. Interpretare questa nuova campagna è stato come guardare la mia quotidianità con occhi diversi”, racconta Gyllenhaal.

La campagna si articola in quattro episodi, ispirati ai diversi momenti del giorno e della sera. Le prime due scene, dedicate alla colazione e alla pausa caffè, debutteranno nell’ottobre 2025. I successivi capitoli, ambientati nel dopocena e nel pomeriggio, verranno presentati nel marzo 2026.

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Il Sashiko è un’antica tecnica di cucito giapponese, nata durante il periodo Edo (1603–1868). In origine, era una pratica umile e necessaria. Nelle fredde regioni rurali del Giappone, le famiglie contadine rinforzavano e raddoppiavano i tessuti per proteggersi dalle rigide temperature invernali. Le sottili cuciture creavano piccole camere d’aria che trattenevano il calore, rendendo gli abiti più resistenti e confortevoli. 

Ma il Sashiko non era solo una soluzione pratica, era anche un gesto di cura. I tessuti, spesso fragili e soggetti a usura, venivano riparati e rinnovati grazie a queste fitte trame di punti. Da questa necessità nacque anche la pratica del Boro Boro, dal termine giapponese boro, che significa “pezzo di stoffa scartata” o “straccio”. Con pazienza e creatività, venivano applicate toppe di tessuto ancora utilizzabili, dando nuova vita ai capi e trasformandoli in un mosaico di memoria e resilienza.

Piccoli punti, grandi significati

Il termine “Sashiko” significa letteralmente “piccole punture” o “piccoli punti”. In esso si riflettono i principi estetici ed etici della cultura giapponese: la bellezza dell’imperfezione, la sobrietà, il minimalismo e la semplicità. Quello che in Giappone si racchiude nel concetto di wabi-sabi (侘寂). Questa filosofia celebra il valore delle cose imperfette e vissute, opponendosi allo spreco e promuovendo l’uso consapevole delle risorse. Il Sashiko, in fondo, è proprio questo: un’arte che unisce funzionalità e bellezza, memoria e sostenibilità, in un filo continuo di rispetto e armonia.

L’armonia dei punti

Più che un ricamo, il Sashiko è una vera e propria cucitura decorativa. Semplice nella forma, ma straordinariamente versatile. Può essere usato per rammendare con originalità un capo d’abbigliamento, abbellire un accessorio personale, oppure impreziosire elementi d’arredo.

La sua forza risiede nella linearità dei punti, che variano dai tre millimetri fino a un centimetro, a seconda del tessuto, dello stile e dell’intento di chi cuce. A prima vista ricorda il classico punto d’imbastitura, ma in realtà il Sashiko possiede un ritmo tutto suo. Una tecnica di cucitura rapida e cadenzata, che dà vita a trame armoniose e precise.

Sebbene possa essere realizzato su quasi ogni tipo di tessuto, i materiali naturali come il cotone o il lino sono i più adatti, poiché garantiscono una resa fluida e definita. Il filo utilizzato è specifico e quasi sempre monocromatico, per esaltare il contrasto tra trama e disegno. Un filo più spesso, invece, mette in risalto la geometria e la profondità dei motivi.

I motivi del Sashiko

I motivi del Sashiko sono prevalentemente geometrici e ispirati alla natura. Onde che richiamano il mare, montagne stilizzate, forme intrecciate che raccontano equilibrio e continuità. Oltre a decorare, questi disegni custodiscono significati simbolici. Erano considerati portafortuna e donavano protezione a chi li indossava. Tra tutti, il più beneaugurante era il motivo dei cerchi intrecciati, chiamato Shippō-tsunagi. Simbolo di armonia, connessione e prosperità senza fine.

Un filo tra passato e futuro

Oggi il Sashiko continua a vivere, sospeso tra tradizione e innovazione, conquistando artigiani e designer in ogni parte del mondo. I suoi motivi, reinterpretati in chiave contemporanea, impreziosiscono abiti e accessori, trasformandosi in un ponte ideale tra il sapere antico e la creatività moderna.

Foto: Pinterest

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