L’estate 2026 si conferma come l’estate dei concerti. E capirne il motivo non è difficile. Dopo gli anni segnati dalla pandemia, che hanno costretto artisti e organizzatori ad inaspettate cancellazioni e continui rinvii, il settore live ha vissuto una fase di intensa ripartenza – una corsa al palco senza precedenti. A quel primo ritorno sui palchi è seguito, per molti artisti, un periodo di pausa dedicato a nuovi progetti e alla preparazione di tournée inedite, insieme ad un po’ di meritato riposo. Oggi, però, la stagione dei grandi live è ufficialmente tornata nel pieno della sua forza.

In Italia, da Nord a Sud, stadi, ippodromi e grandi spazi all’aperto si preparano ad accogliere migliaia di fan per una serie di appuntamenti destinati a trasformarsi in eventi collettivi. Un fenomeno che conferma la centralità dei concerti nel panorama dell’intrattenimento contemporaneo. Spettacoli, sì, ma anche attese occasioni di incontro.

In occasione della recente Festa della Musica, Ticketmaster Italia ha selezionato alcuni dei live più attesi della stagione. Tra nomi internazionali e grandi protagonisti della scena italiana, ecco quattro concerti da segnare in agenda.

Bad Bunny – DeBÍ TiRAR MáS FOToS World Tour

Dopo conquistato il pubblico internazionale ben oltre i confini della musica latina – complice il successo di un Superbowl Halftime Show senza precedenti – , Bad Bunny si prepara a portare in Italia il suo attesissimo DeBÍ TiRAR MáS FOToS World Tour. L’artista portoricano, tra i nomi più influenti e ascoltati degli ultimi anni, porterà la sua Casita all’Ippodromo SNAI La Maura di Milano il 17 e 18 luglio per due date che si preannunciano tra le più partecipate dell’estate.

Il tour prende il nome dall’album che ha debuttato al primo posto della Billboard 200 e che affronta temi come nostalgia, amore e identità culturale e politica. Un successo certificato anche dalle classifiche: tutte le 17 tracce del disco sono entrate nella Billboard Hot 100, contribuendo a rendere Bad Bunny il primo artista latino a superare quota 100 ingressi nella celebre chart statunitense.

Bruno Mars – The Romantic Tour

Attesissimo poi il ritorno in Italia di Bruno Mars, con due date consecutive allo Stadio San Siro di Milano, il 14 e 15 luglio. Cantautore, performer e showman tra i più apprezzati della sua generazione, l’artista statunitense torna dal vivo in un momento particolarmente felice della sua carriera. Il The Romantic Tour accompagnerà l’uscita del suo quarto album in studio, atteso dopo un biennio costellato di piccole battute d’arresto, ma anche di successi globali: “Die With A Smile” con Lady Gaga e “APT.”, la collaborazione con ROSÉ che ha dominato le classifiche internazionali, diventando la canzone più ascoltata del 2025 su Apple Music e conquistando anche gli MTV VMA. Per i fan italiani sarà l’occasione per assistere dal vivo a uno spettacolo che promette di unire grandi hit, nuove canzoni e la ritrovata energia dell’artista.

The Weeknd – After Hours Til Dawn Tour

Si dice che nessuno sia in grado di far suonare il dolore così bene come fa The Weeknd. Nulla di più vero. Oscurità e rinascita, malinconia e indifferenza, tormento e luce si alternano sul palco dell’After Hours Til Dawn Tour, che farà tappa a San Siro il 24, 25 e 26 luglio. Cinematografico e immediatamente riconoscibile, negli ultimi anni The Weeknd ha costruito un immaginario destinato a lasciare il segno.

Dalle atmosfere notturne di “After Hours” ai successi planetari come “Blinding Lights”, “Starboy” e “Can’t Feel My Face”, fino ai brani del suo ultimo album “Hurry Up Tomorrow”, la carriera di Abel Tesfaye è stata accompagnata da numeri straordinari, tra dischi di platino, record di streaming e milioni di ascoltatori mensili su Spotify. Ma è soprattutto dal vivo che la sua musica trova la sua dimensione più spettacolare, grazie a produzioni monumentali che trasformano ogni concerto in un evento. Non sorprende, quindi, che tutte e tre le date milanesi abbiano registrato il tutto esaurito in tempi record.

Jovanotti – Jova Summer Party 2026

Quando si parla di concerti estivi in Italia, è impossibile non pensare a Jovanotti. Da anni l’artista trasforma ogni suo live in una grande festa collettiva, capace di coinvolgere pubblici di tutte le età. Con il Jova Summer Party 2026, in programma dal 7 agosto al 13 settembre a L’Arca di Lorè, torna uno degli appuntamenti più attesi della stagione, erede dello spirito che ha reso il Jova Beach Party un vero e proprio fenomeno capace di richiamare milioni di spettatori da tutta Italia.

Foto: Pinterest

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Un rinnovato dialogo tra moda e arte: Vivienne Westwood svela la nuova capsule collection Spring Cherubs. La collezione, in edizione limitata, trae ispirazione da “La Primavera” (Le Printemps), opera realizzata nel 1753 dal pittore francese François Boucher nell’ambito della celebre serie delle Quattro Stagioni.

Il dipinto, uno dei simboli dell’estetica rococò del XVIII secolo, raffigura un gruppo di cherubini intenti a giocare tra nuvole leggere, fiori dai toni pastello e candide colombe. Un immaginario sognante reinterpretato dalla maison britannica attraverso una selezione di capi, calzature e accessori, trasformando così l’opera nel vero elemento distintivo della collezione.

Vivienne Westwood Spring Cherubs, eredità artistica e contemporaneità

L’interesse di Vivienne Westwood per l’arte e la cultura europee rappresenta da sempre uno dei pilastri della sua identità creativa. In particolare, il linguaggio visivo del Rococò e le opere di François Boucher hanno influenzato nel corso degli anni numerose collezioni della maison. Il riferimento agli anni ’90 è chiaro: già in quegli anni Vivienne Westwood e Andreas Kronthaler avevano attinto a questi stessi riferimenti storici, traducendoli in stampe, silhouette e motivi grafici diventati parte integrante dell’attuale archivio del marchio. Si pensi, ad esempio, al Wrap Top dell’Autunno Inverno 1991, raffigurante il dipinto “L’essaim d’Amours” di Jean-Honore Fragonard.

Questa eredità artistica si intreccia con altre componenti altrettanto fondamentali dell’universo Westwood: la tradizione sartoriale di Savile Row, l’ammirazione per l’alta moda francese e la corsetteria storica – iconica del brand. Il risultato è una ricerca stilistica che continua a fondere artigianato, storia e innovazione, mantenendo vivo un dialogo tra passato e contemporaneità.

Nella capsule Spring Cherubs, la stampa ispirata all’opera di Boucher anima una serie di capi dalle linee moderne e decise. Tra questi figurano le camicie Violin e Two Button Krall, entrambe realizzate in cotone biologico al 100%, insieme a modelli in jersey di alta qualità. La collezione coinvolge anche alcuni dei pezzi più rappresentativi della storia del brand, come il Puppy Corset, il sandalo Roman Three Strap e la borsa da viaggio Worker Runner Holdall. Tutti reinterpretati attraverso il motivo decorativo dei cherubini.

Particolare attenzione è stata dedicata alla riproduzione dell’opera originale: in alcuni casi il dipinto viene riproposto nelle sue proporzioni originarie, mentre in altri si trasforma in una raffinata stampa all-over. Un omaggio alla tradizione artistica europea che conferma la capacità di Vivienne Westwood di trasformare il patrimonio culturale in una proposta contemporanea ed intrisa di memorie d’archivio allo stesso tempo.

Foto: VW Press Office Milan

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Sarà la cornice della Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma ad ospitare uno degli appuntamenti più attesi del calendario della prossima settimana dell’Alta Moda. Fendi ha infatti annunciato che la prima collezione Haute Couture Autunno Inverno 2026-2027 firmata da Maria Grazia Chiuri verrà presentata nella Capitale, durante la serata di giovedì 9 luglio 2026.

La prima Couture di Fendi a prender vita dalla visione di Chiuri andrà quindi in scena nella città che ha dato i natali sia alla stilista, che alla Maison – scelta che investe l’evento di un significato ancor più profondo. Un debutto, un ritorno a casa, un luogo che più che da palcoscenico, funge da culla.

La sfilata, tuttavia, non sarà l’unico evento previsto. In occasione della presentazione della linea Couture per il prossimo inverno, Fendi inaugurerà all’interno Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea la mostra “AFTER. UN PERCORSO DI LAVORO. FENDI / KARL LAGERFELD 1985. AFTER. STEPS THROUGH WORK”, un progetto espositivo dedicato ad uno dei capitoli più importanti della storia creativa della Maison: quello durante il quale a tener la penna fu Karl Lagerfeld. L’esposizione, aperta al pubblico dal 10 luglio al 25 ottobre 2026, offrirà l’opportunità di ripercorrere passo dopo passo il dialogo tra Lagerfeld e la casa di moda romana, durato oltre cinquant’anni (1965-2019).

L’iniziativa si inserisce nel solco della consolidata attenzione di Fendi verso il mondo dell’arte e della cultura, ambiti con i quali ha costruito negli anni un rapporto costante. Con progetti, restauri e collaborazioni.

Con il debutto di Maria Grazia Chiuri e l’omaggio a Karl Lagerfeld, Roma si prepara dunque a diventare, per alcuni giorni, il centro della scena internazionale dell’alta moda.

Foto: Fendi

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Dior ha scelto Venezia per svelare Diorissima, la nuova collezione di alta gioielleria firmata da Victoire de Castellane, direttrice artistica di Dior Joaillerie dal 1998. Scorrono così le pagine di un nuovo capitolo creativo nel grande libro dell’Haute Joaillerie della maison: il primo in cui a fare da cornice a pietre e carati vi è l’estetica di Jonathan Anderson, tradotta in passerella attraverso venti look di alta moda che sono apparsi come un’anteprima non ufficiale della sua seconda collezione Haute Couture per Dior, attesa il prossimo luglio.

L’universo immaginifico di Diorissima

Presentata durante i giorni della Biennale, la collezione ha debuttato in una cornice d’eccezione: il Palazzo del Casinò del Lido di Venezia. Qui, tra atmosfere Art Déco e allestimenti ispirati a giardini fantastici, gli ospiti hanno assistito ad una celebrazione del dialogo tra alta gioielleria, arte e Couture. Il tutto, in perfetta sintonia con l’aura creativa della città lagunare.

Forti dell’amore che Monsieur Dior nutriva per essi, i fiori sono da sempre il cuore pulsante dell’universo creativo della maison, tutt’oggi. Eppure, lontani dal trasformarsi in un esercizio di stile ripetitivo, continuano a costituire un vocabolario estetico in grado di reinventarsi. Radici ben salde nella tradizione, sguardo puntato verso il presente. Più che un tema dal quale prendere ispirazione, la botanica è per Dior un caleidoscopico ed inesauribile insieme di spunti di riflessione.

Composta complessivamente da 141 creazioni, Diorissima rappresenta una delle espressioni più libere – e giocose – del linguaggio di Victoire de Castellane. La designer costruisce un microuniverso intriso di vibrante romanticismo botanico. Diverse sono le forme di vita che lo popolano: flora, fauna, vita marina, corpi celesti. Al centro della narrazione emerge la straordinaria sensibilità cromatica di de Castellane: diamanti, rubini, smeraldi, zaffiri multicolore, opali neri, granati tsavorite, turchesi e spessartite dialogano con oro e lacche colorate, dando vita a composizioni dall’effetto quasi pittorico. Collane, orecchini, pendenti, bracciali. Ma anche cinture, fasce per capelli, pettini.

In Diorissima, le gemme non sono meri materiali inerti. Liberate dalla loro dimensione minerale, si animano fino a trasformarsi in presenze vibranti, immerse in un ecosistema altrettanto brulicante di vita. Un immaginario sognante, e, allo stesso tempo, profondamente ancorato alla realtà contemporanea del brand.

L’anteprima della seconda collezione Dior Haute Couture di Jonathan Anderson

A fare da sfondo alla presentazione di Diorissima sono stati venti look di Haute Couture firmati da Jonathan Anderson. Pur lasciando i gioielli al centro della scena, impossibile non lasciarsi catturare dai drappeggi misurati, i volumi studiati e la ricerca materica che attraversa le venti silhouette. Un’anteprima non ufficiale, certo, ma sufficiente ad alimentare l’attesa per la prossima settimana dell’alta moda, e per la seconda collezione Couture del designer per la maison.

Per ora, si intravedono i seguenti elementi: sinuose costruzioni drappeggiate, silhouette che oscillano tra il pop plastico andersoniano e il classicismo essenziale, e i fiori nuovamente protagonisti. Talvolta diventano tessuto e texture, in altri casi, si insinuano sulle superfici come organismi viventi, componendo dettagli massimalisti che ricordano edere e bougainville mentre si arrampicano sulle pareti. Qui, è la stoffa a offrirgli un nuovo habitat.

Con Diorissima, Dior conferma la capacità di trasformare il proprio patrimonio estetico in fluida contemporaneità: da un lato l’universo prezioso e immaginifico di Victoire de Castellane, dall’altro i primi indizi del futuro firmato Jonathan Anderson.

Foto: Dior

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Sostegno concreto ai talenti emergenti del Made in Italy e valorizzazione dell’imprenditorialità creativa: questi gli obiettivi del CNMI Fashion Trust Grant. L’iniziativa, promossa da Camera Moda, ha annunciato i beneficiari della sua sesta edizione durante l’evento tenutosi lo scorso 28 maggio a Milano, premiando ACT N°1, Institution e Materia con tre grant del valore di 70 mila euro ciascuno.

CNMI Fashion Trust: l’iniziativa

Il programma rappresenta oggi uno degli strumenti più significativi a sostegno dei brand indipendenti contemporanei. Riduttivo definirlo semplicemente un premio o un sostegno economico: il CNMI Fashion Trust Grant è un vero e proprio percorso di crescita professionale, costruito attraverso attività di business mentoring e sessioni di tutoring one-to-one. Un’opportunità che permette ai marchi selezionati di entrare in dialogo con professionisti, consulenti e aziende appartenenti al prestigioso network del Trust, favorendo così il consolidamento della propria struttura imprenditoriale e lo sviluppo del business nel lungo periodo.

L’edizione 2026 del progetto è stata realizzata con il supporto del Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale e dell’Agenzia ICE, oltre a beneficiare del patrocinio della Regione Lombardia e del Comune di Milano, confermando l’importanza strategica attribuita alla promozione della moda italiana e delle sue nuove realtà imprenditoriali.

Il bando per la partecipazione al progetto, lanciato da Camera Moda Fashion Trust sul proprio sito lo scorso febbraio, ha raccolto circa 80 candidature provenienti da altrettanti marchi indipendenti. Dopo una prima fase di valutazione, un comitato tecnico ha selezionato undici finalisti: ACT N°1. Andrea Brocca, Des Phemmes, Domenico Orefice, Grossi, Institution, Lutchmiah, Materia, Pecoranera, Unknown Artisan, Untitled Artworks. Undici nomi che rappresentano alcune delle voci più interessanti della nuova scena del fashion italiano, destinati ad anticipare visioni e sensibilità pronte a caratterizzare il settore negli anni a venire.

A decretare i vincitori è stato successivamente un comitato di valutazione internazionale, chiamato a individuare i progetti più meritevoli sotto il profilo creativo, imprenditoriale e delle prospettive di crescita sui mercati nazionali e internazionali.

I tre vincitori: ACT N°1, Institution, Materia

I tre grant, del valore di 70 mila euro ciascuno, sono stati assegnati ai brand ACT N°1, Institution e Materia. Tre realtà differenti tra loro ma tenute insieme da un filo rosso impossibile da ignorare: quello della forte identità progettuale, affiancata ad una visione contemporanea (ed estremamente consapevole) del panorama moda odierno.

Fondato nel 2016 a Reggio Emilia da Luca Lin e Galib Gassanoff, ACT N°1 si è affermato negli anni grazie ad un’estetica multiculturale e ad un forte impegno sociale. Quel “primo atto” – riferimento all’infanzia dei due fondatori – è divenuto presto un manifesto creativo riconoscibile.

Institution rappresenta invece il nuovo capitolo creativo di Galib Gassanoff. Il marchio, nato recentemente dopo l’esperienza di ACT N°1, si sviluppa attorno al dialogo tra la tradizione azera, i lavori antichi, e la modernità.

A completare il trio dei vincitori è Materia, di Francesco Saverio Matera, progetto che pone al centro la ricerca su una moda sostenibile ed accessibile. I cinque pilastri del brand sono: avanguardia, inclusività, espressione personale, estetica e funzione.

Tre percorsi diversi, dunque, che riflettono la ricchezza e l’eterogeneità della nuova scena creativa italiana, confermando come il futuro del Made in Italy passi sempre di più attraverso visioni autentiche capaci di cucire insieme ricerca, identità, e consapevolezza.

Foto: ES_PR

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Cinque anni fa, Alessandro Michele presentava Gucci Aria, la collezione Autunno Inverno 2021/2022 del brand di cui era allora direttore creativo. Il film si apriva così: nel rosso chiarore delle luci di un night club, un uomo si avvicina ad una porta, e guarda attraverso lo spioncino. Sgrana gli occhi, inclina leggermente la testa. Sul lato degli occhiali che indossa compare una sola parola: “Gucci”. Lo spioncino sembra guardare a sua volta, e c’è qualcosa di sottilmente orwelliano nel modo in cui riconosce il logo e lo trasforma in lasciapassare. La porta si apre, e il messaggio è chiarissimo: per entrare, serve appartenere.

Il défilé prende il via, e in sottofondo parte Gucci Gang di Lil Pump, seguita da una sequenza quasi ossessiva di canzoni che ripetono il nome del brand fino a trasformarlo in mantra. Un lavaggio del cervello dolce e accecante, che suggerisce un monito ben preciso: Gucci non è solo un marchio, ma un microcosmo. Chiuso e inaccessibile, e per questo, altamente desiderabile. Se ne fai parte, lo sai bene. Se ne rimani fuori, lo capisci ancora di più.

All’epoca, quella di Michele era una riflessione sul desiderio di tornare a respirare – non a caso, correva l’anno 2021. Ma, forse involontariamente, Gucci Aria riuscì anche a fissare con lucidità il reale potere del brand, ossia la sua capacità di rendere l’appartenenza a quell’universo di codici, il vero prodotto. Come contenitore, non come contenuto. Oggi, è difficile non chiedersi cosa di tutto ciò sia davvero rimasto. Perché se l’aura di Gucci è sopravvissuta intatta, con essa si è fatta strada anche la sensazione che oggi sia proprio quella coolness a essere diventata l’unico contenuto. E non più il contenitore.

Gucci Cruise 2027

Lo scorso 16 maggio, Demna Gvasalia ha presentato la sua sfilata Cruise 2027 per Gucci. Ancora una volta, il punto di partenza è un’indagine sui personaggi: questa volta i protagonisti sono i newyorkesi contemporanei. Ne emerge un guardaroba stratificato, attraversato da un’essenzialità quotidiana e da improvvise eccentricità. Costruito attraverso archetipi immediatamente incasellabili della città, e pensato per vestirli tutti. C’è il ragazzo che corre verso Wall Street in completo e zaino, la it girl reduce da una notte inconfessabile, il finto effortless off duty look di una celebrità fotografata per caso sui marciapiedi della Grande Mela.

La vera chiave, tuttavia, sta nel luogo. Il designer georgiano sceglie Times Square, portando Gucci in uno degli spazi più saturi di immagini al mondo. Una dimensione costruita sulla sovrastimolazione, che impedisce allo sguardo – e alla mente – di soffermarsi davvero su qualcosa. Schermi, pubblicità, luci, suoni, led: tutto compete simultaneamente per esistere. Il silenzio viene divorato, lo sguardo abbagliato. Impossibile rimanere insoddisfatti, c’è qualcosa per tutti. È qui che Times Square si spoglia dal mero ruolo di sfondo, e diventa il ritratto perfetto del Gucci di Demna. Insomma: tutto urla, ma senza dire davvero nulla.

Gucci-ness o Demna-ness?

Nel caleidoscopio di riferimenti e stimoli proposto, il Gucci di Demna resta volutamente sospeso in una zona d’ombra. In un’ambiguità che fa comodo, perché è un po’ di tutto. C’è il disprezzo per il lusso tipico del linguaggio demniano, l’eco dell’estetica di Michele che aleggia tra le stoffe, la sensualità di Ford resa caricaturale. C’è il logo che legittima, l’esclusività che attrae, la storia della maison evocata in brevi accenni. Su questi riferimenti (esclusivamente su essi), la collezione basa gran parte della propria autorevolezza. Ogni citazione agli archivi sembra funzionare come prova da offrire al pubblico. In poche parole: Demna conosce Gucci, quindi è autorizzato a riscriverla. Questo è il messaggio. Il riconoscimento del riferimento diventa esso stesso parte dello show, alimentando così conversazioni, analisi, visualizzazioni, approvazione.

Poi arrivano i tanto amati gimmick, come le borse porta-panettone. Ma non vi è tempo di soffermarvici. Perché subito dopo compare Paris Hilton, poi Tom Brady, poi Cindy Crawford. E ancora, il trucco impeccabile, le falcate ipnotiche delle supermodelle. Il tutto richiama instancabilmente l’attenzione per evitare che questa si adagi su una delle sue parti. Demna porta Gucci dentro il rumore visivo contemporaneo, e poi ne esaspera i meccanismi.

Mentre la sfilata continua a mandare stimoli, c’è bisogno di affrontare l’elefante nella stanza. Basta ancora la scusa del commento sociale, cifra tipica del lavoro di Demna, per compensare l’assenza di una visione creativa coerente? E soprattutto: per quanto tempo siamo ancora disposti a fingere che la risposta alla domanda sia sì?

Demna guarda al passato per scrivere un presente che non sa che strada prendere. Trasforma quell’incertezza in estetica, così che nessuno ne dubiti. Tutti vogliono far parte di Gucci, Michele lo aveva capito prima di chiunque altro. A Demna basta partire da lì. Celarsi dietro l’ambita coolness del brand, aggiungere un pizzico di critica sociale, accumulare riferimenti. E lasciare che il desiderio faccia il resto. Non serve più formulare un immaginario coerente, basta evocarlo, basta che Gucci continui a sembrare Gucci. Giusto? Ai posteri l’ardua sentenza.

Foto: Vogue, Gucci

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Per due giorni, Roma diventa il centro pulsante della formazione moda italiana. Venerdì 8 maggio e sabato 9 maggio, il Centro Congressi La Nuvola ospita la seconda edizione di Forma, l’evento dedicato ai giovani talenti delle Accademie di Moda romane.

Nato dalla collaborazione tra Roma Capitale, Regione Lazio e alcune delle più importanti accademie del territorio, Forma si conferma molto più di una semplice manifestazione dedicata alla moda. È uno spazio aperto, una culla di incontro per studenti, docenti, designer, appassionati e professionisti del settore. Si condividono linguaggi, si scambiano prospettive, si tocca con mano il futuro delle arti creative.

Forma 2026, seconda edizione

Dopo il successo dello scorso anno, che ha coinvolto oltre 25 mila studenti, l’evento torna con un programma ancora più ricco, trasformando uno degli spazi simbolo della contemporaneità romana in un unico grande laboratorio di idee.

Il tema scelto per l’edizione 2026 è: “Identità contemporanea: l’abito, le community e il riconoscersi”. Il focus è il rapporto tra la moda e il processo di costruzione dell’identità personale. L’abito viene spogliato da stoffe e proporzioni, per entrare a far parte di un altro tipo di racconto. Diventa strumento espressivo, simbolo di appartenenza. Un mezzo attraverso cui trovarsi, riconoscersi, e poi, rivendicare il proprio posto. Il percorso di Forma 2026 attraversa subculture, estetiche urbane e nuovi modi di vivere la creatività, guardando così alla moda come un linguaggio capace di unire sensibilità e comunità differenti.

Così, per due giornate, gli studenti delle principali scuole e Accademie di moda romane presenteranno progetti, installazioni e lavori originali, all’interno di un ambiento immersivo e profondamente multidisciplinare. Accanto alle esposizioni, grandissima attesa per i talk: momenti di incontro e confronto con alcune delle figure più influenti del panorama del fashion internazionale. Tra gli ospiti più attesi: Maria Grazia Chiuri, Francesca Ragazzi, Olivier Theyskens, Lorenzo Serafini, David Koma, Sara Sozzani Maino – insieme a moltissimi altri.

Le novità di quest’anno

Tra le novità di questa edizione c’è anche l’ampliamento degli spazi con l’introduzione dello Speaker Corner, un’area pensata per ospitare presentazioni, e performance dal vivo. Quest’anno, la manifestazione si apre infatti anche al mondo della musica e dello spettacolo: l’8 maggio sarà presente Niccolò Filippucci, reduce dal successo di Sanremo Giovani, mentre il 9 maggio interverrà l’attrice e artista Lea Gavino.

Roma al centro della formazione di moda

«Siamo pronti a coinvolgere sempre più studenti, appassionati, personaggi internazionali, aprendoci anche alla musica. Siamo orgogliosi che ormai sia diventata una normalità unire le principali accademie di Roma e del Lazio in un progetto comune. Vogliamo valorizzare i nostri ragazzi e la nostra città, che è tornata a essere un punto di riferimento nella moda grazie a un lungo lavoro iniziato nel 2021 e a una strategia precisa. […] Con questo evento vogliamo farli emergere e incentivarli a credere nei propri sogni: chi studia e si impegna deve avere un futuro qui, senza essere costretto a cambiare città o paese. […] Roma deve essere la città delle opportunità, la città dei giovani, che non sono il futuro ma sono il presente», le parole di Alessandro Onorato, Assessore ai Grandi Eventi, Sport, Turismo e Moda di Roma Capitale, sull’iniziativa.

Forma racconta, per la seconda volta, il nuovo respiro di una città che vuole investire sulla cultura creativa. Un appuntamento che guarda al futuro, sostenendo il presente di una nuova generazione di talenti.

Foto: Instagram @forma_moda_roma

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È la notte della moda per eccellenza. Il momento in cui l’industria che per definizione è turbinio costante e movimento irrequieto, si ferma. O almeno sembra farlo. Il Met Gala 2026 è alle porte: ecco cinque cose che forse non sai sull’evento più atteso da ogni fashion addict.

1 – I posti a sedere

Tutti sanno che è Anna Wintour a stabilire le regole del Gala. Quello che forse ad alcuni sfugge, però, è il meticoloso lavoro dietro la disposizione dei posti a tavola. Non si tratta solo di evitare accoppiamenti scomodi o possibili tensioni tra ospiti: il seating è studiato per favorire socializzazione e nuove connessioni. Niente comfort zone, nemmeno per le coppie. Chi arriva con un “+1” non siede mai accanto al proprio partner. Come racconta Sylvana Durrett (ex direttrice di progetti speciali presso Vogue) nel documentario The First Monday of May: “Il punto dell’evento è incontrare nuove persone. Che senso avrebbe venire con tuo marito e non parlare con nessun altro?”

2 – L’invito al Met non si rifiuta mai

A proposito di ospiti: se arriva l’invito, meglio non declinare. Tra voci di corridoio e leggende metropolitane, si dice che molti dei nomi assenti da anni dal prestigioso red carpet siano finiti su una fantomatica “lista nera”. In realtà, la spiegazione è molto più semplice. E meno drammatica di quanto si pensi. È solo probabile che abbiano rifiutato l’invito in passato – e che, con quella scelta, abbiano perso l’occasione di tornarvi.

3 – I cibi proibiti

Si sa, ad eventi come questi non si va di certo per il cibo. Ma al Met Gala ci sono anche regole ben precise a tavola. No a cipolle, aglio, o erba cipollina. Sono questi i tre cibi banditi dalla cena del Gala, un veto voluto da Wintour per motivi piuttosto pratici: i primi due per evitare spiacevoli problemi di alito, il terzo, per scongiurare possibili incidenti estetici tra i denti mentre si posa, sorridenti, davanti ai fotografi. Sotto quei flash, ogni dettaglio conta – e nessuno vuole rovinare un sorriso perfetto. Al Met Gala, soprattutto.

4 – Niente vino rosso. Ed è colpa di Karlie Kloss

Nell’ormai lontano 2016, durante la cena del Gala, la supermodella Karlie Kloss fu costretta a correre dietro le quinte per tagliare il suo abito dopo essersi accidentalmente rovesciata del vino rosso su un candido vestito bianco. La scena, prontamente ripresa, è diventata nel tempo uno dei momenti più memorabili della storia del Met Gala. Sul momento, però, fu puro panico. Da allora, il vino rosso è diventato il frutto proibito dell’evento. Prendetevela con Karlie Kloss.

5 – Gli iconici selfie in bagno

Perché tutti i selfie del Met Gala sono scattati allo specchio del bagno? Perché è l’unico luogo in cui è (più o meno) concesso farlo. Sembra assurdo nell’era dei social e dell’iperconnessione, eppure è così: durante l’evento è vietato scattare foto. Dopo il red carpet, quando si spengono i riflettori e si entra nelle sale del Gala, lo stesso vale anche per gli smartphone. Nel 2015, il Met Gala e Vogue introdussero un vero e proprio divieto: niente foto personali (ma sì a fotocamere digitali), per evitare distrazioni e contenuti pubblicati in tempo reale che rischierebbero di intaccare la riservatezza – e soprattutto la sacra esclusività – dell’evento. Gli iconici “bathroom selfies” non sono casuali, piuttosto, quasi una tradizione ufficiosa. Un modo per aggirare, con discrezione, le regole, senza infrangerle del tutto.

Foto: Pinterest, Vogue

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L’egemonia dell’estetica massimalista sulle passerelle lo aveva già anticipato; la fine dei dettami della clean girl nel mondo beauty, poi, ribadito. Ora, è il turno dell’hairstyle, che lo conferma a gran voce: non c’è nulla di più chic del disordine. Addio a blowout impeccabili, lucide code gelatinate e chignon fintamente improvvisati ma ossessivamente sistemati. L’unico vero credo risiede nell’effetto della bed head – quella capigliatura da “appena alzata dal letto”.

Il trend dei messy hair

I capelli arruffati, crespi, spettinati e probabilmente odiosi da spicciare non sono più un nemico da combattere, bensì, un valido alleato dello styling. Non è la pigrizia a deciderlo, sono le capitali della moda a farlo. Da New York a Parigi, moltissimi sono i défilé che hanno affidato la riuscita del loro styling alla spensierata disinvoltura di capigliature disordinate, selvaggiamente ed elegantemente effortless.

La sola stagione Fall Winter 2026 ne è una chiara dimostrazione. Di Petsa sceglie lunghezze libere e scompigliate; Simone Rocha alza l’asticella arruffando le ciocche fino a farle apparire come impenetrabili nidi voluminosi; Collina Strada lega i capelli delle sue modelle spettinandoli poi in seconda battuta, rendendo anche il più studiato degli up-do un incubo da districare. Seppur più controllata, la cifra stilistica dei messy hair raggiunge anche Coach, che non increspa di proposito, ma lascia la chioma disinibita.

Facendo un breve passo indietro, è impossibile non riconoscere a chi, forse, questa estetica debba parte della sua codificazione. Già dalla SS25 e poi con la FW25, Prada porta in passerella chiome volutamente indomate. Capelli che sfuggono alla messa in piega e che trovano nelle collane indossate dalle modelle l’unico tentativo di contenimento, più simbolico che reale. Così, il capello smette di essere un elemento accessorio dello styling, diventando esso stesso parte integrante della costruzione del look. Un elemento attivo che interagisce con il resto, disturbandolo e allo stesso tempo completandolo.

È quindi anche grazie a Prada che la tendenza dei capelli inglobati negli abiti è tornata protagonista. La cosiddetta acconciatura tucked in prevede che la chioma venga infilata all’interno del collo di maglioni, giacche e cappotti, creando un volume leggermente gonfio nella parte superiore. In realtà, nulla di completamente nuovo: Marc Jacobs lo proponeva già nella Primavera 2014. Ma si sa, la moda torna, per definizione.

Su questa stessa idea si innesta, in modo più radicale, la visione del McQueen di Sean McGirr. Il gesto del ‘contenere’ la chioma qui diventa più estremo, quasi oppressivo. I capelli vengono intrappolati nei colletti degli abiti oppure irrigiditi fino a risultare ruvidi ed esasperati anche quando raccolti. Ancora, Chloé, Stella McCartney, Kenzo, si inseriscono tutti in questa stessa grammatica del disordine controllato. Non è più un incidente di stile, ma una scelta.

La finta disinvoltura del disordine

Ciocche crespe e aggrovigliate perdono ogni connotazione trasandata, trasformandosi nell’emblema di un’estetica disinvolta, quella della cool girl contemporanea. Di colei che non ha bisogno di disciplinare i capelli, ma che, piuttosto, lascia che essi siano.

Non conta tanto ciò che indossi, quanto il modo in cui lo fai: meglio se senza sforzo apparente, quasi per caso. I capelli disordinati regalano al look quell’aura di spontaneità che da solo difficilmente potrebbe avere. Un outfit costruito nei più minuziosi dettagli è raro che riesca a convincere davvero di esser frutto di un gesto istintivo, più vicino ad un flusso di coscienza che ad una meticolosa pianificazione. La bed head interviene proprio qui, lo rende possibile. Spezza la rigidità, restituisce all’aspetto una raffinatezza solo apparentemente incontrollata. È quel tipo di chic che alla moda piace tanto: performativo.

L’estetica messy dei capelli, inoltre, non fa distinzioni. Che si tratti di lunghi capelli sciolti, di acconciature up-do, o di corti caschetti, non ha importanza. Quello che conta è contaminare il tutto con una veloce spettinata. Facile, rapida, ma super polished.

I capelli da sistemare diventano ormai un pensiero in meno. È proprio lasciandoli volutamente ingestibili che aggiungono un plus alla mise. Fidatevi: lo dice la moda.

Foto: Vogue, WWD, V Magazine

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A seguito di un debutto capace di attirare migliaia di visitatori, DEORON scrive il suo secondo capitolo nel grande libro della Milano Design Week, con un percorso che viaggia oltre la logica dell’esposizione tradizionale, per entrare in relazione diretta con il pubblico.

Cos’è DEORON

Fondata nel 2021, DEORON nasce come piattaforma curatoriale indipendente, animata da un obiettivo preciso: rallentare il ritmo che guida la scoperta degli oggetti, promuovendo così un rapporto più consapevole con ciò che abita i nostri spazi.

Attraverso il suo webshop – e la sua costante attività di ricerca, DEORON ha consolidato una community di creativi e appassionati con cui condividere la propria visione, fatta di significati ed intenzioni piuttosto che di velocità e produzione di massa. Originariamente concepita come iniziativa digital-first, la piattaforma non ha esitato ad estendere il proprio raggio d’azione anche nel mondo fisico: il primo vero esperimento arriva lo scorso anno, durante la Milano Design Week 2025. Un successo che ha posto le basi per una sua stessa naturale evoluzione, di cui facciamo conoscenza oggi.

Per l’edizione 2026 del Fuorisalone, DEORON sceglie una location inedita. Un edificio industriale di 800 metri quadrati in Via Padova 11, in zona Loreto. Lo spazio, fino allo scorso anno utilizzato come fabbrica di cuscinetti a sfera, apre per la prima volta al pubblico proprio in occasione della Design Week. Una trasformazione funzionale, certo, ma soprattutto simbolica: un luogo esclusivamente produttivo diventa centro di produzione culturale. Da inaccessibile e privo di una dimensione umana condivisa, a punto di riferimento per un continuo e dinamico scambio creativo.

Cambia radicalmente il concetto di mostra. Mostra, non più come dispositivo pensato per essere semplicemente osservato, in cui gli oggetti si offrono passivamente allo sguardo. Piuttosto, uno spazio attivo di relazione. Il design non si limita a mostrarsi, né il pubblico a guardare. Il focus si sposta dall’oggetto in sé alla relazione che si instaura tra esso, lo spazio che lo ospita, e le persone che ne fanno esperienza.

L’esposizione in occasione della Milano Design Week 2026

L’esposizione riunisce oltre 50 designer, brand e studi indipendenti provenienti da diversi contesti internazionali. Il percorso curatoriale attraversa ambiti che spaziano dall’arredo all’illuminazione, dall’homeware alla tecnologia, fino al lifestyle – una panoramica stratificata del design contemporaneo. Ciò che però distingue davvero il progetto è la sua dimensione esperienziale. Il pubblico è invitato a toccare. A sedersi, ad ascoltare. Ad abitare lo spazio, come meglio sente.

Elemento fondante di questa scenografia è un sistema audio scultoreo, progettato per modellare lo spazio attraverso l’acustica. Grazie ad esso il suono non è un semplice accompagnatore (o presenza di sottofondo), bensì parte integrante dell’architettura. Definisce percezioni e superfici, rendendo possibile l’estensione del design al di là della barriera puramente visiva.

Affrontare l’elefante nella stanza, l’installazione di Stella Stone

Tra i designer in mostra, spicca il lavoro di Stella Stone. Un imponente elefante accasciato sul pavimento occupa e ridefinisce lo spazio, trasformandolo in presenza scenica. Artista, creative director e co-founder di At Studio, Stone lavora da anni ad installazioni immersive e ambienti esperienziali. Qui, il suo intervento richiede di esser guardato. E, letto sotto la lente della contemporaneità, assume un significato estremamente attuale.

In inglese vi è un modo di dire: “addressing the elephant in the room” (“affrontare l’elefante nella stanza”). È una frase usata per dire che bisogna affrontare un problema evidente, o una questione controversa, di cui tutti sono consapevoli ma che tutti, per disagio, evitano. Qualcosa di così rilevante che è impossibile da ignorare, ma che si sceglie, deliberatamente, di non discutere. Quante cose, oggi, sono sotto gli occhi di tutti, ma non varcano la soglia della bocca per esser affrontate?

Attraversare, affrontare, abitare e, inevitabilmente, confrontare. Immergersi completamente. Questo l’invito implicito di Stone, e della mostra tutta.

Con questo secondo capitolo, DEORON consolida il proprio ruolo non solo come piattaforma curatoriale, ma come luogo di scambio e sperimentazione. In un contesto come la Milan Design Week, caratterizzato da un’elevata densità stimoli, il progetto si distingue per la capacità di fare l’opposto: rallentare.

Foto: DEORON, Stella Stone, Instagram

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