Più giorni da celebrare e un matrimonio da organizzare

Al termine della stagione matrimoni estivi si può definire centrale la pressione sociale e mediatica sul festeggiare il matrimonio non più come un singolo giorno da vivere bensì più giorni da festeggiare. Il weekend or three day wedding sono gli standard su cui si aspira la creazione di un matrimonio nel 2026/2027.

Nella preparazione di un matrimonio si racchiudono momenti e idee da sogno. Le destinazioni sempre più esotiche e distanti dalle residenze degli sposi fanno si che si possa preferire la creazione di una celebrazione che comprendesse più momenti distinti. Creando una vera e propria esperienza di viaggio e condivisione, senza vivere la tipica fretta del giorno singolo e godersi ogni istante.

 Il trend dell’ultimo anno è la celebrazione della coppia promessa distribuita su più giornate e contestualizzata in diverse giornate ben definite.

Dal Pre-wedding party: può durare un’intera giornata o solo la sera dove in un ambiente informale si permette agli ospiti di fare conoscenza e riunirsi in un unico posto come a casa.

Il Wedding Day: l’intensa giornata più articolata sugli sviluppi e anche più formale in base alla descrizione degli sposi o dell’organizzazione.

 The Day After: un’altra festa che inizia dalla colazione o il pranzo ma in totale relax, per cui si scarica tutta la tensione e stanchezza accumulata, salutando gli ospiti che vanno via.

La stagione dei grandi matrimoni

La stagione estiva appena conclusa ha portato con se la presenza di molti matrimoni internazionali e di celebrities. Dalle colline fiabesche della toscana alle terrazze vista mare affacciate sul mediterraneo, si può affermare che l’Italia è una destinazione per eccellenza scelta dai futuri sposi di ogni paese.

Molti matrimoni hanno interazioni da milioni di like tramite social e diventando a tutti gli effetti scene da un matrimonio da sogno. E’ stato un evento destinato a entrare nella storia quello del matrimonio svolto a giugno, tra la supermodella Ming Xi e l’imprenditore Mario Ho. E’ stato il primo matrimonio a essere celebrato all’interno della celebre abbazia normanna dopo oltre 1.000 anni, ciò avvenuto grazie a permessi speciali e alla privatizzazione del sito UNESCO. Le immagini della coppia hanno generato un ondata di ammiratori per la bellezza fiabesca degli scatti, in un abito Dior Haute Couture lei definiva il quadro.

E’ Palermo invece la location scelta per i festeggiamenti durati tre giorni dalla coppia Dua Lipa e Callum Turner. Una piazza nel centro storico della città per il pre-wedding party, la villa per il ricevimento principale sulla periferia di Palermo, è stata location di Dolce & Gabbana e del matrimonio tra il couturier inglese Harris Reed e suo marito Eitan Senerman. Villa Valguarnera mantiene il fascino della residenza nobiliare che è stata, ma attraverso progettazioni ideate da wedding designer ha assunto profili sempre nuovi. Concludendo il matrimonio accolti tra le mura della villa appartenuta ai Florio, Villa Igea.

Chi ha seguito il trend e chi lo ha elevato

Il calcio è stato protagonista fra i matrimoni della stagione estiva, la Puglia raccontata durante il weekend del portiere Gigio Donnarumma e Alessia Elefante a Locorotondo ha fatto innamorare tifosi e curiosi. Grandi nomi del calcio si sono recati in una masseria per rendere omaggio ai novelli sposi, dalla piazza di paese allestita in modo tradizionale per dare il benvenuto, al pool party per salutare gli ospiti. 

Luoghi, allestimenti da capo giro e ospiti d’eccezione come cantanti internazionali e nazionali sono le caratteristiche che definiscono questi sogni da weekend. Comprare direttamente la location del ricevimento anziché affittarla è la scelta fatta dal miliardario delle criptovalute Brendan Blumer e il manager olbiese Salvatore Spano. La Gallura e la Costa Smeralda super blindate hanno ospitato festeggiamenti con esibizioni di Katy Perry e Rita Ora. 

Budget illimitati e ospiti celebri fanno si che si parli del proprio matrimonio. Tutto distribuito in momenti perfetti dove le location e wedding coordinator si fondano in giornate da non dimenticare.

Sarà solo un trend del momento o si divulgherà ancor di più la celebrazione del proprio matrimonio su più giornate?

Crediti foto: wed_vibes instagram profile

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Essere designer del brand

Diversi sono stati i designer che hanno cercato di coprire il ruolo di GIuliano Fujiwara ma solo in pochi l’hanno realmente fatto. 

Un brand che vive di storia, rebranding e una costruzione coerente con il suo fondatore. 

Giuliano Fujiwara ha tramandato la sartoriale arte del sapere giapponese con la qualità della manifattura italiana, per un’estetica minimalista da un lusso etereo.

La successione del brand

Il ruolo di direttore creativo svolto dallo stesso Yoshiaki Fujiwara fino alla sua morte nel 2005, sarà determinante per i possibili futuri eredi artistici di Giuliano Fujiwara. 

Alla sua scomparsa è stata la moglie Kyomi Fujiwara che negli anni ha portato avanti lo stile e la tradizione del marito.

Masataka Matsumura nel 2006 inizia il suo percorso creativo per la casa di moda. Stilista giapponese formatosi tra la Svizzera e la Gran Bretagna a cui è affidato il rilancio del marchio. 

Rimanendo fedele ai concetti originari di Yoshiaki Fujiwara dal design giapponese e manifattura italiana, la filosofia wabi-sabi e una ricerca spasmodica del dettaglio e della finitura perfetta, sono il lavoro che negli anni è stato svolto da Masataka Matsumura.

Lo spirito d’avanguardia e più contemporaneo si è visto nelle collezioni fatte da Matsumura, un lusso minimalista da una qualità eccellente. I segmenti di mercato internazionale che comprendevano il lavoro del brand non coprivano un soddisfacente livello di domanda. Però le collaborazioni con artisti contemporanei e nuove licenze nel segmento home e beauty permise l’affermarsi di Fujiwara come un vero lifestyle brand.

Il brand è attualmente appartenente al gruppo BREEZE di Taiwan dal  maggio 2011 che attraverso due designer ha avuto continuità. Sergio Daricello designer siciliano prima, e seguito da Antonio Azzuolo fino al 2013 in cui per strategie aziendali è stato deciso il congelamento temporaneo. 

Un nome da far conoscere

Quello di Giuliano Fujiwara è un brand da divulgare e da cui arsi inspirare. Negli anni le boutique monomarca che sono state aperte in diversi punti dell’Asia e successivamente chiusi, continuando vendite in molti negozi multibrand, hanno permesso la divulgazione del prodotto firmato Giuliano Fujiwara. 

Ma le collab e licenze hanno permesso una continuazione del brand fra i nomi della moda. Una capsule collection sviluppata nell’ambito di una Heritage strategy è apparsa con successo nei negozi nel 2012, sotto il controllo del CEO Stefano Sacchi e oggi docente di Accademia del Lusso a Milano. 

Coinvolgendo i suoi studenti in progetti di valorizzazione dell’archivio, mostre ed editoriali di moda L’Accademia del Lusso ha avviato una collaborazione continuativa con il brand italo-giapponese Giuliano Fujiwara.

 In questo mese di settembre si terrà la presentazione del progetto Fujiwara con delle sfilate su Roma e Milano eseguite in collaborazione con gli studenti dell’accademia, di cui nel prossimo articolo vi sarà raccontato.

Crediti Foto

Photography: Sarah Tarves

Styling: Giulia Covaci

Hair & Make-up: Fabiana Daddato

Models: Lea @selectmodels. Jonah @majormodel

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Vista mare luxury brand

La stagione estiva 2026 ha confermato il fenomeno dei takeover balneari, tendenza del mercato contemporaneo per cui si offre un’esperienza immersiva al cliente in un momento di pieno relax e zero stress. Il lido personalizzato che trasforma l’acquisto in un’esperienza firmando l’intero stabilimento balneare stesso – mantenendo anche lo store o pop up vendita.

Come pionieri di tale strategia il gruppo LVMH della famiglia Arnault, con Dioriviera veste iI Riccio a Capri, beach club a picco sul mare. Per il quinto anno consecutivo con la presenza di una boutique interna stessa riesce ad accogliere un elevato numero di clienti in veste di turisti tra le scogliere del mediterraneo. Il brand entra così nella vacanza senza forzarne l’impatto bensì divenirne un souvenir.

L’esperienza della moda in spiaggia

Quando in un contesto come quello dell’economia attuale le vendite di borse e abiti sembrano messe a dura prova, le esperienze si confermano il vero oggetto del desiderio per i consumatori del lusso e non. 

Il prezzo non giustifica più il solo prodotto, e di ciò i luxury brand ne hanno preso atto negli ultimi anni. Questa logica ha portato alla volontà da parte del brand di offrire un servizio che comprendesse tutti e 5 i sensi dell’essere. Aperture di pasticcerie, ristoranti e beach club sono in espansione su tutto il mondo ma è realmente un’esperienza che si vuole provare, vivere per la qualità che offre o solo per una visibilità che attraverso i contenuti social costruiti su un ambiente logopatia e brand evidence si può ottenere. 

Nel mercato internazionale e in particolare modo sulle destinazioni estive europee del mediterraneo le coste vengono logate dai luxury brand. Si crea un nuovo spazio di marketing dove lo show room si definisce dalla posizione per il tramonto più bello, docce e cabine che offrono servizi luxury e uno spazio in cui vorresti rimanere per tutta l’estate. 

Un benessere che attrae a livello globale ridefinendo le necessità del lido da spiaggia.

Lido prima di diventare beach club

Sapore di sale sapore di mare canta Gino Paoli per le estati italiane, ma rispetto al sale si preferisce un sapore di moda quando esci dall’acqua.

L’abitudine dello stabilimento balneare è un lusso vissuto dalle persone più ambienti fino allo scorso secolo, negli anni è divenuta una possibile esperienza accessibile a tutti. Forse proprio ciò la necessità di creare una nuova categoria di lido ovvero beach club per oggi essere luxury brand beach club.

Sono esperienze straordinarie e memorabili in base a quale livello di considerazione, il costo va a coprire le aspettative o l’effettiva esperienza.

Il jet set estivo che attracca gli yacht tra le coste più esclusive del Mediterraneo da Capri a Taormina, Costa Smeralda e Ibiza, Costa Azzurra e Portofino vuole proprio i migliori beach club ad aspettarli per poter sciabolare champagne in un ambiente di élite. 

Le coste si spogliano della semplicità estiva del lido di una volta, alterate da un trionfo dei takeover balneari. 

I lidi brandizzati dalle maison nell’estate 2026

DG Resort si posiziona su due luoghi simbolo dell’estate italiana. Portofino si veste della stampa Verde Maiolica al beach club Le Carillon sulla baia di Paraggi. E’ la volta della Maiolica Gialla per l’Hotel Cala di Volpe sulla Costa Smeralda, dove un pop-up store completa gli spazi. Per il secondo anno consecutivo la stampa DGLeo si armonizza sugli spazi del Clap House Ibiza.

La Grecia è la destinazione di Burberry per questa estate 2026. Al resort One&Only Aesthesis, alle porte di Atene, è presente una palette ispirata alle sfumature dell’Egeo.

Armani con la storica Capannina di Franceschi – locale leggendario appena acquistato in cui inaugura il suo nuovo corso. Oltre a Forte dei Marmi il progetto Armani Mare dai neutri mediterranei, tocca anche Capri, Cannes e Porto Cervo.

Su Saint-Tropez si trova a La Réserve à la Plage, Loro Piana con i suoi toni sabbia. Gucci anima la Costa Azzurra, mentre Missoni continua a colorare la Costa Smeralda e mete esotiche come Maldive, Dubai e Bali. 

Chi sceglie queste destinazioni, al fine di una pausa lido rilassata o costruita? 

Crediti foto: Dolce&Gabbana instagram profile; Dioriviera instagram profile; Brand instagram profile

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L’identità di Yoshiaki Fujiwara 

Nato ad Osaka Yoshiaki Fujiwara, e laureato in letteratura orientale, insegue la sua passione per la moda frequentando il

Bunka College of Fashion di Tokyo.

Lavora per l’azienda Van Jacket dove per sei anni disegnerà modelli per uomo. 

Nel 1976 si trasferì a Milano e continua la sua carriera da Barba’s, Corneliani e altre firme del made in Italy. 

Il suo obiettivo è scoprire l artigianato e la cultura manifatturiera dell’Italia dello scorso secolo. Tutto il mondo elogia e aspira di raggiungere i livelli e le competenze degli artigiani italiani. Capacità artigianale e cura meticolosa della bellezza manifatturiera sono in plen air sul palcoscenico della moda nel mondo.

Quindi proprio in Italia Yoshiaki decide di iniziare un attenta ricerca fatta nel tempo per scoprire e studiare materiali, composizioni e cuciture intrinseche di una tradizione e profonda artigianalità. 

Attraverso un periodo di osservazione e studio Yoshiaki sentì il bisogno di sperimentare e creare qualcosa che mancava nel mercato, non per scopo di vendita prodotto ma come necessità di un’espressione stilistica nuova da mostrare al mondo.

Minimalismo giapponese e sartorialità italiana

Nel 1986 a Milano Yoshiaki Fujiwara decise di fondare Giuliano Fujiwara, non un brand bensì una rappresentazione della sua esperienza. 

Un desiderio quello di Fujiwara, dare vita attraverso capi ben definiti ad una estetica nuova. L’estetica racconta il percorso fatto da Yoshiaki dal Giappone all’Italia e nasce così Giuliano Fujiwara fondato insieme al sostegno della moglie Kyomi Fujiwara.

Inizialmente un brand esclusivamente maschile, collezioni di giacche da una struttura minimalista e un immaginario giapponese. Ma una composizione tutta italiana dal taglio ricercato e cuciture di sartorialità. 

La volontà di creare un linguaggio unico tra due paesi così distanti socialmente e culturalmente ma affini ad un lavoro artigianale che li contraddistingue. La produzione avviene principalmente in Italia, e per alcuni capi come i jeans in Giappone. 

Il fil rouge è una ricerca spasmodica nel dettaglio e una finitura perfetta. 

Una nuova estetica: Giuliano Fujiwara

Il lusso sartoriale per una moda di avanguardia si focalizza sull’abbigliamento scelto dal pubblico di nicchia che veste Giuliano Fujiwara. 

Riconosciuto il suo lavoro nel 1990 Fujiwara è stato nominato membro ufficiale dell’associazione della Moda Italiana. Un anno dopo ha fondato il Fujiwara Design Studio S.R.L.

La distribuzione dei capi non è per i numeri di mercato, ma Fujiwara continua il suo lavoro di ricerca e perfezione. Collezioni che parlano di un’identità differente, capace di comprendere la bellezza di capi costruiti artigianalmente senza il bisogno di un’etichetta o di un logo che apportino il valore. Persone che vogliono vestire Giuliano Fujiwara scoprono la profondità di un mondo che non hanno mai visto o neppure conoscono come quello giapponese per gli italiani e quello italiano per i giapponesi, ma in modo generale la fusione di radici Orientali con un gusto e portamento Occidentale. 

Periodo del brand Giuliano Fujiwara in cui Yoshiaki sarà fondatore e direttore creativo dura solo quasi un ventennio poiché nel 2005 Yoshiaki Fujiwara muore. 

Giuliano Fujiwara è un’espressione da scoprire per questo ti invito a leggere il prossimo articolo che uscirà sull’evoluzione fatta dal brand.

Crediti foto: Instagram profile Accademia del lusso

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Il progetto fecale per un’altra dimensione

Non è nato come un brand di moda bensì come un esperimento artistico decadente, la ricerca e il bisogno di estraniarsi in un’altra dimensione. Fondato intorno al 2016 dai designer canadesi Hannah Rose Dalton e Steven Raj Bhaskaran a Montréal, questa forma di espressione artistica sugli abiti si afferma sempre di più, fino ad arrivare alla Paris Fashion week con la Fall-Winter 26/27.

Il duo ci mostra come si può interrogare l’essere umano, come reinterpretare tutti i codici del lusso e attraverso moda, performance e musica rappresentare queste infinità post-umane.

Il paradossale, ciò che si tende a rifiutare o emarginare, ad esporre le pulsioni che si nascondono nella società e denunciare ciò che non va. 

Matières Fécales utilizza una costruzione visiva molto distaccata da tutti i brand presenti nel contemporaneo. Il fetish e lo scarto, l’artificio e l’alienazione riescono a dare un evoluzione e un estensione a corpi e tessuti che assumono forme nuove e utilità differite. 

Le collezioni sono mezzi di discussione, una rottura all’idea di bellezza e uno specchio fin troppo vero della società per essere accettato.

Come è stato dichiarato dagli stessi fondatori Hannah e Steven; il loro è un brand “vero” “senza filtri” poiché non gli importa il compiacere a tutti, alla società e al mercato. Le loro creazioni non sono fatte al fine di generare vendite di massa ma per essere assimilate, comprese e volutamente indossate. 

Lo spirito libero scelto dalle celebrità

Sui red carpet internazionali abbiamo visto indossare Matière Fècales da Demi Moore, Zendaya e Lady Gaga.

La scelta di indossare un brand che divide in modo drastico l’opinione pubblica, però risulta importante sulla presa di posizione della celebrità. Diventa un atto quasi personale, intimo e non solo di aver scelto un brand da indossare.

Demi Moore al Festival di Cannes 2026 è la più recente apparizione avuta sul red carpet di Matières Fécales. Ha attirato l’attenzione del pubblico e dei media l’abito rosa dal corpetto composto con un fiocco fuori misura e la gonna di raso dall’orlo strappato, sostenuta dal voluminoso sottogonna di tulle. 

Una provocazione elegante quella che viene portata sul red carpet da Sarah Paulson al Met Gala 2026. Dove il brand ha avuto una forte risonanza e la stessa Paulson ha fatto parlare di sé con un abito da ballo in tulle grigio della collezione autunno inverno 2026, abbinato a guanti lunghi in pelle bianca.

Ma l’accessorio più tagliente è la maschera formata da una banconota da un dollaro che le copriva gli occhi. 

Una distesa di lunghe piume nere invece è la scelta fatta da Lady Gaga per il tappeto rosso dei Grammy 2026 con un abito a sirena. 

A marzo 2026 per la promozione di The Drama, anche Zendaya ha indossato un abito firmato Matières Fécales, in chiffon sfrangiato color salmone della collezione primavera 2026.

Il brand non è solo amato dalle celebrities ma anche da designers come Rick Owens e Michelle Lamy, che oltre ad essere carissimi amici sono contributori della prima conoscenza al mondo del nuovo brand Fécales. La loro mitologia e estetica è molto simile ma completamente differente nella rappresentazione finale dei capi.

Indossare Matières Fécales significa portare un abito manifesto distruttivo quasi di intralcio alla società ma couture, ricerca sartoriale e unicità.

Crediti foto: Matières Fécales instagram profile

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La Pasticceria

Situata su Corso Italia 3, si sono aperte le porte della nuova pastry shop milanese firmata Alberto Magrì.

Ambienti dal design minimalista ma estremamente curato e essenziale sono pronti ad accogliere i propri clienti. E’ stata posta particolare attenzione anche all’illuminazione del pastry shop, realizzata da TRJ per Tom Dixon Studio. La cura e la perfezione sono caratteristiche che pervadono il suo laboratorio come la sua pasticceria. 

Luogo contemporaneo dove le colazioni e ” La Pasticceria ” diventano un’esperienza da vivere, non solo con il gusto. 

Questo è il primo progetto imprenditoriale nel capoluogo lombardo che sicuramente avrà già altre nuove prospettive di espansione.

Il pasticcere più virale d’Italia

Alberto Magrì in un lasso di tempo considerevolmente breve ha raggiunto milioni di persone distribuite in tutto il mondo.

La semplicità di un lavoro manuale e artigianale tramandato da generazioni e esposto attraverso video sulle piattaforme social, che riesce a guadagnarsi un pubblico importante.

Da Instagram a TikTok ha generato un flusso di visualizzazioni e seguito da milioni di persone. 

A fine 2022 ha raggiunto sempre più un pubblico internazionale grazie ai video curati nei minimi dettagli dove l’estetica prende posto alle parole, difatti non c’è mai una comunicazione diretta nei suoi contenuti. Creazioni golose costruite con precisione maniacale, dalle forme ai colori ai sapori.

I video che diventano subito virali, dalla preparazione del croissant classico ai video più recenti della frutta realistica. 

Hanno colto l’attenzione dei media e in pieno hype in questo momento le creazioni di pasticceria della frutta realistica che uniscono precisione e innovazione. 

Mostrare le fasi di preparazione dei dolci iperrealistici a forma di frutta e della pasticceria proprio come si mostra la creazione di un’opera d’arte, è questa la capacità del pastry chef Alberto Magrì. 

Come un lavoro di famiglia può diventare l’arte della vita

Le tecniche e la capacità di Alberto Magrì sono formati da fondamenta importanti, quelle di una generazione di pasticceri.

Nato e cresciuto professionalmente all’interno della storica attività di famiglia nella Pasticceria Magrì di Livorno dove apprende i segreti del mestiere e le basi di ciò che sarà la sua strada.

Inizia proprio qui a costruire la sua community internazionale e virtuale.

“Dopo anni di ricerca e lavoro, sta per arrivare il mio primo spazio ufficiale. Un luogo dove condividere le mie creazioni, tra radici, estetica e visione personale” ha annunciato sui social Alberto Magrì stesso.

Quarta generazione la sua e erede di tradizione, italianità e capacità del mestiere, Alberto Magrì decide di dare e darsi uno spazio tutto suo distaccato dal laboratorio di famiglia. 

Luogo nuovo dove innovazione e intraprendenza possono dare sfogo all’immaginazione, per creare nuove opere d’arte da un gusto tangibile.

Crediti foto: albertomagrimilano instagram profile

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Da il Diavolo veste Prada 2 a Sex And The City, creando identità di personaggi che diventano icone di stile e non solo.

Il suo ruolo sui set

Fare il lavoro da costumista non vuol dire solo immaginare l’adattamento del personaggio al set o al contesto. Vuol dire cercare di dare ad esso rilevanza e impatto durante tutta la produzione e oltre. 

Recentemente si ha avuto modo di vedere il suo lavoro su una delle produzioni cinematografiche più attese del 2026, “Il Diavolo veste Prada 2” sulla quale lei stessa ha lavorato con la leggendaria costumista Patricia Field durante il primo film, curando la prima uscita del 2006. 

In questo caso si è visto un glow up del personaggio principale come ovviamente avviene nella storia stessa del film. Però bisogna vedere come le accostazioni e le scelte stilistiche hanno riferimenti intrinsechi di significato. 

I brand scelti non risultano casuali e le collezioni indossate sono mezzi di comunicazione importanti. Dalla sfilata di Dolce & Gabbana che è presente direttamente nel film con la presenza del trio Miranda, Andy e Nigel più l’assistente. Alla presenza citata e contestualizzata di Dior casa di moda in cui il personaggio di Emily Blunt, Emily Charlton, ora lavora come responsabile delle pubbliche relazioni di Dior, il che significa che il marchio è presente in modo significativo.

Inoltre bisogna mantenere un equilibrio tra la scelta stilistica con il suo ruolo da costumista e le invasioni fatte dal team marketing. Ogni set ha accordi e determinanti da rispettare proprio per diversi fattori, dal budget al marketing e collab che vengono anticipatamente concordate. Bisogna anche prendere in considerazione le possibili modifiche o cambi amministrativi del ultimo momento, prima della registrazione in cui il lavoro di ricerca e preparazione di ore di lavoro verrà modificato e deve essere fatto in un batter di ciglia.

Il Diavolo veste Prada 2

La stessa Rogers ha dichiarato come Miranda non indossa Prada o meglio non sempre. Scelta dettata non dalla costumista bensì dal brand che su diverse richieste fatte ha solo risposto ad una di esse. Ecco come il lavoro risulta un connubio di scelte e accordi, di equilibri e direzioni di immagine. Giorgio Armani è uno dei brand più citati sul film anche se è venuta a mancare la partecipazione del brand con lo show della fashion week di settembre 2025, proprio poiché è venuto a mancare pochi giorni prima il fondatore e per la casa di moda non era il momento più idoneo a questa esposizione. 

L’abito di Dior customized da Jonathan Anderson proprio agli inizi della produzione della sua prima sfilata da Dior è stato creato in fretta, ma purtroppo questa scena del ballo non ha visto luce sugli schermi e a malincuore per Rogers, la quale ha scelto e pensato a questa riuscita che non è stata utilizzata.

Dalla ragazza che non conosce il lusso e non “ha il minimo senso dello stile e della moda” che poi conoscerà e inizia ad indossare brand noti e ultime collezioni sull’iconico primo film. Alla ultima uscita dove Andy é consapevole su ciò che vuole indossare, non per seguire la moda ma per dettarla. Rogers ha curato l’identità di personaggi più veri e meno idealizzati proprio come il settore delle riviste di moda. L’immagine non è solo quella di Vogue su cui si vuole avvicinare ma ad altre tante riviste ed editoriali del settore che sono da inspirazione. 

Meno couture e più ready to wear però meno moda commercializzata dal logo mania e più qualità e riconoscibilità di brand. Dettagli e accessori danno un immagine ben definita e percepibile per chi sa parlare moda, ma come ogni lavoro ci sarà sicuramente chi si aspettava altro.

Serie e produzioni cinematografiche che parlano di moda 

Il suo lavoro di costume designer ha firmato film iconici come Sex And The City nel 2008 insieme ad altri importanti nomi del settore come Patricia Field. In questo caso l’immagine degli armadi da sogno delle protagoniste e i pezzi unici o desiderabili giocano un grande ruolo e rubano una posizione centrale nella memoria visiva di chi guarda il film. I brand sono riconosciuti e riconoscibili anche da chi non parla il linguaggio della moda. Personalità differenti ma icone di moda per diversi caratteri. Insieme alla serie And Just Like That dove insieme a Danny Santiago hanno curato il lavoro da costumisti, possiamo affermare come i suoi lavori diventino poi racconti di stile o meglio di scelte stilistiche. 

Ricercare negli archivi capi unici da unire alle nuove collezioni, così senza volerlo si dettano tendenze e hype intorno ad immagini. Che diffuse sui social e reti internet anche a distanza di anni ti riportano a quella determinata scena o immaginario ben preciso.

Ogni comparsa è una runway per le protagoniste dei film curati da Molly Rogers, difatti quando il suo lavoro da costumista cinematografica è presente lo si vede. 

Crediti foto: Molly Rogers instagram profile

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Da pochi giorni si è concluso il festival di Cannes dove si ha avuto modo di vedere la celebrazione  di attori, registi e personalità del grande cinema internazionale. Il concorso permette il riconoscimento di grandi lavori e progetti cinematografici che nel corso degli anni diventano storia del cinema. 

Ma Cannes dalla sua prima edizione del settembre 1946, dove le fotografie erano scattate da paparazzi e le foto venivano sviluppate, dunque la diffusione delle notizie era più lenta. 

Nelle decenni, il Festival del Cinema di Cineasta è passato da un evento relativamente esclusivo a un’ampia intersezione di cinema, moda, celebrità, politica, branding di lusso e cultura internet. Al 2026 dove le notizie vengono diffuse prima ancora che qualcosa accada e i look vengono visti dal mondo intero prima di arrivare al tappeto rosso, ancor prima che i paparazzi scattino le foto giuste.

Il festival di Cannes prima e dopo i PR

Si può fare una divisione netta della percezione e del modo stesso di vivere il festival di Cannes negli anni. A fine del XX secolo il mondo della moda e del cinema era in piena evoluzione e formazione. Quando ruoli e gestione dello star System erano ancora sconosciuti, tutto avveniva in maniera totalmente “spontanea”.

Al festival di Cannes come in altri eventi di grande impatto mediatico internazionale tutto può succedere o meglio non si conosce cosa potrebbe succedere. La libertà espressiva e artistica che un palcoscenico come quello di Cannes ti permette di avere, coglie nuovi modi o esposizioni nuove di artisti e celebrità. Verso al pubblico che osserva attonito, celebrità e stilisti, oltre registi e attori candidati alla premiazione, ci sono mesi di preparazione per esporsi in quella determinata giornata.

Anni quelli del XX secolo per il festival di Cannes in cui regnava la semplicità del caso, l’eleganza naturale e un gossip casuale. Le grandi dive indossavano capi d’archivio prima quest’ultimi fossero archivio e i paparazzi erano liberi di interagire sul tappeto rosso per scatti perfetti e da inquadrature differenti. 

Non era una semplice apparizione di qualche minuto bensì una performance che ancor prima di essere vista all’interno del Palais du festival  plasmando il futuro di un’autore cinematografico mentre incarnavano l’antica sofisticazione di Hollywood, si sviluppava all’esterno. Il tappeto rosso ha permesso ad attrici e attori del cinema una popolarità passeggera o hanno segnato momenti iconici divenuti storia del festival.

Questa quasi naturalezza con cui si possono definire quegli anni viene a mancare nel momento in cui si costruisce un posizionamento di controllo organizzativo che limita l’espressione e la spontaneità dell’evento. Il ruolo determinante di un PR che va plasmare, gestire e proteggere l’immagine pubblica di celebrità, artisti e personaggi noti con l’obiettivo principale di costruire una reputazione positiva e mantenerla nel tempo, creando un ponte strategico tra la stella e il suo pubblico. 

Ma l’esposizione quindi che viene fatta è filtrata e costruita. Inoltre dal lato organizzativo del festival si sono susseguite negli anni un non indifferente numero di limitazioni dal dress code alle tempistiche e modalità di presentazione sul tappeto rosso creando una rottura decisiva negli anni.

Tra gli iconici anni ’90 e 2000

Il festival di Cannes ha raggiunto momenti di gloria durante questi anni che hanno segnato il passaggio fra due epoche. 

Il fumo di sigaretta, fotografia a flash e caos assoluto regnavano quelle due settimane. Libertà ed esibizionismo erano quotidianità, Madonna arrivava con il corsetto di Jean Paul Gaultier, Cameron Diaz faceva apparire abiti slip e stivali in modo criminale e Björk riscriveva casualmente la storia del tappeto rosso. 

Cannes negli anni ’90 non era semplicemente un festival del cinema, ma il punto d’incontro perfetto tra moda, cultura pop e icone trasformando la Croisette. Non esistevano strategie studiate per diventare virali, eppure ogni apparizione sembrava destinata a restare impressa per sempre.

C’erano gli abiti satinati, i collier di diamanti, il minimalismo elegante di quegli anni e quella sensualità silenziosa che non aveva bisogno di eccessi per farsi notare. Da Monica Bellucci in Valentino, a Kate Moss e Johnny Depp mano nella mano, Lady Diana, Sharon Stone che riscriveva le regole del red carpet, le Spice Girls che portavano sulla Croisette un’energia completamente nuova. Tutto sembrava più spontaneo, più cinematografico, quasi irraggiungibile.

Visionare oggi le immagini di quegli anni ’90 significa catapultarsi in un’epoca in cui il glamour non urlava bensì riusciva a dominare la scena, con il tappeto rosso che era sempre a un martini di distanza dallo scandalo. 

Cannes come lo vediamo oggi

Oggi il festival di Cannes esiste sotto un panorama più mediatico volatile, frammentato e visibile. Un’esposizione globale immediata in cui un semplice abito o azione può determinare le sorti del film stesso che andrà in proiezione. 

Restrizioni di dress code determinate l’anno scorso e negli ultimi anni in cui nudità e politica o ovazione di proteste devono rimanere estranei al festival. Tempistiche di esposizione sul tappeto rosso come se fosse una scala mobile in movimento e membri dell’organizzazione che ostruiscono le celebrità in passerella.

Se la grande potenza simbolica che rimane al festival continua ad essere limitata e costruita cosa resterà per i prossimi anni?

Crediti foto: cosmos.so

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L’interpretazione che viene fatta dell’arte, dell’architettura e della materia da creativi rari come lo è Giovanni Raspini, permettono attraverso le loro creazioni di addentrarsi in un’altra dimensione.

Questa propensione si attualizza anche nei luoghi che sceglie di abitare e trasformare.

La Toscana detiene il cuore di Giovanni Raspini, dove recupera palazzi storici e spazi abbandonati per restituirgli nuova vita, creando luoghi dove creazione, artigianato e arte coesistono.

Uno sguardo rivolto al passato, al Rinascimento italiano che si può evincere dalle botteghe dove artigiani modellano la cera e scolpiscono figure con un sapere che ricorda le officine artistiche del passato. Luoghi dove nasce l’universo di Giovanni Raspini fatto di serpenti, cavalli, felini, camaleonti e coccodrillo, con l’interpretazione di un linguaggio simbolico e morale.

Tra infiniti mondi animalier, oggi Panthère Noire è l’interpretazione di Giovanni Raspini

I felini e il mondo selvaggio animale ha da sempre inspirato l’arte di Giovanni Raspini. Il risultato eccezionale è visibile alla mostra Panthère Noire. La creazione e progettazione avviene attraverso l’interpretazione di uno spettacolo ancestrale o di un’idea primordiale che poi diventa materia e oggetto. Il mondo animalier e in particolar modo quello che lo ha sempre inspirato dei felini, è stato rappresentato o raffigurato dai primi tempi dell’uomo. Le caratteristiche distintive di questi animali inspiravano l’uomo, il quale aspirava a potersi personificare alla forza e bellezza di ghepardi, tigre e leopardo.

Un eleganza sovrumana quella dei felini che sprona Giovanni Raspini a creare gioielli sempre più iconici, con un impronta forte e naturalistica che arriva attraverso la tecnica antica della fusione a cera persa, ad offrire forme plastiche e una texture unica. 

I felini sono stati protagonisti indiscussi della storia del gioiello. Da interpretazioni sacre che attraversano la storia delle religioni, trasformando le creature in simboli di divinità, virtù o messaggeri spirituali. Fino ad arrivare nel mondo del profano e successivamente nel lusso contemporaneo. Essi rappresentano un ponte tra la natura umana, quella divina e quella istintiva. 

Infiniti significati attribuitegli dalle diverse culture, popolazioni e artisti che li hanno raffigurati nel corso del tempo.

“La storia del gioiello felino è un viaggio affascinante che attraversa tutta la storia dell’uomo”

Giovanni Raspini

Gioielli da un bestiario felino

La collezione Panthère Noire ha due iconiche pantere nere, in bronzo a grandezza naturale che sono state progettate e disegnate da Giovanni Raspini. Esse sono le inspiratrici di questa grande lavorazione e progettazione artistica e inoltre indossano loro stesse i gioielli in mostra. 

La capo modellista del brand Erika Corsi, ha curato la realizzazione degli appositi gioielli che adornano i corpi delle due pantere nere. Indossano ognuna una grande collana e quattro bracciali posti sulle caviglie, gioielli che vengono realizzati sempre in bronzo fuso a cera persa. Poi rifiniti con doratura 18 kt e impreziositi da grandi gemme incastonate. 

Come espressione artistica e artigianale a livelli quasi ancestrali rappresentano in modo ideale tutte le opere della collezione.

“Artista è colui che cerca lo stupore per trasmetterlo agli altri con il suo linguaggio creativo “

Giovanni Raspini

La mostra tra animi indomiti e straordinaria eleganza

Panthère Noire inedito progetto creativo dedicato al mondo animalier di Giovanni Raspini, è in mostra ad ingresso gratuito. Toccherà tre diverse tappe da Milano a Roma, passando da Firenze, ed espone 28 pezzi unici. Dove pietre, gemme e perle, con colori vivaci formano gioielli diversi per ogni pezzo della mostra: cromie uniche e irripetibili, che si dispiegano in armonie preziose e raffinata poesia visiva. 

LE TAPPE

MILANO 21 – 31 Maggio Residenza Vignal

ROMA 11 – 14 Giugno Coffee House di Palazzo Colonna

FIRENZE 25 Settembre – 4 Ottobre Loggia Rucellai

Crediti foto: giovanniraspini.com

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